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rafaelmartinez67 · 2 years

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LA HERENCIA INVISIBLE.

Una de las grandes mitologías de nuestro tiempo consiste en creer que todas las abuelas cocinaban de maravilla. Si alguien dice que el pipián viene de una lejana receta familiar, sabe más sabroso. El pasado condimenta.

Pau Arenós, escritor y crítico de gastronomía catalán, se ha rebelado contra la creencia generalizada de que las abuelas sazonaban en forma insuperable. Esta opinión disidente no cuenta con muchos adeptos. La razón parece sencilla: necesitamos reservas de sabiduría rigurosamente incomprobables, y una de ellas es la superioridad de la tradición sobre el desabrido presente.

Intrigado por el tema, hablé con diversas personas acerca de sus antecedentes culinarios. No encontré a nadie que repudiara el perejil de las abuelas. Los hijos de inmigrantes hablaron de sopas y cocidos como del último contacto con la patria del origen y los mexicanos de cepa se refirieron a los fogones como a un santuario vedado a los hombres donde las mujeres se concentraban, con idénticas dosis de talento y sumisión, a convertir sus emociones en guisos.

El mundo de las abuelas se asocia con ingredientes ajenos al comercio y los trabajos de la química; entre ellos destacan los que llegaban vivos al hogar. Hace décadas, por estas mismas fechas, un guajolote inquietaba la azotea de la casa. Se mantenía en engorda para ser comido en Navidad, lo cual provocaba crisis sentimentales. Aunque no alcanzara el rango de mascota, nadie quería matarlo para celebrar la paz. En la cena del 24, mientras rezábamos en torno al pavo, yo temía que Dios atendiera nuestras plegarias de agradecimiento por la vida y resucitara al animal en plena mesa.

En mi veloz encuesta no encontré a apóstatas de la cuchara que negaran la virtud culinaria de sus antepasadas. Quienes no conocieron a sus abuelas o las conocieron ya enfermas, alejadas de la despensa providente, celebraron los condimentos de otras abuelas y mencionaron restaurantes donde la tradición no olvida el epazote. Me pareció evidente que las personas que carecen de prosapia cocinera no quieren ser vistas como huérfanas de los sabores. Hablar con deleite de la cebolla morada y del diminuto ajonjolí es para ellas cuestión de estirpe, una manera de decir que su paladar no pertenece al rango de los descastados que se conforman con lo insípido.

Curiosamente, quienes sí habían disfrutado del niño envuelto, el budín azteca o el indeleble manchamanteles de la abuela, describieron con menor detalle sus guisos favoritos y se refirieron a las recetas como a una interesante abstracción. Llegamos a un punto decisivo: la sapiencia gastronómica se transmite mejor como leyenda que como realidad. Las grandes cocineras trabajan por intuición y rara vez repiten un guiso del mismo modo. Seguir los largos pasos de preparación no basta para que el resultado sepa igual. Como la literatura, la cocina se puede aprender pero no enseñar.

De niño, prefería remojar el pan dulce en el café con leche de mi abuela porque ella lo endulzaba con especial pericia. La forma en que movía las cucharadas convertía la taza en un perol alquímico. Nunca traté de imitarla; lo importante era robar su confitada mezcla.

La etimología de “sabor” coincide con la de “saber”. Los nietos siempre estaremos en desventaja cognitiva y culinaria respecto a las abuelas. De nada sirve transcribir recetas, pues lo más importante se mantiene en riguroso hermetismo. ¿Cuál es la dosis para “sal al gusto”?

Al hablar de sus misterios, las cocineras omiten cosas por pudor, por olvido ante un procedimiento que nunca se cumplió del mismo modo o por el placer de conservar un secreto. Lo cierto es que el dictado transcrito por los nietos resulta desabrido.

En un mundo donde todo aspira a ser cuantificado, la fama de las abuelas depende de un legado intangible. Para la tecnología, la realidad es un sistema de medida. Una aplicación mide nuestros pasos y otra nuestro ritmo cardiaco. La salud es una variante de la estadística. Por suerte, en un entorno que confunde los datos con la ciencia, hay saberes imposibles de calibrar.

Ciertos prestigios dependen de su inverificable condición. Los guisos de las abuelas son un acto de fe. No necesitamos pruebas para creer en ellos. Si la nueva versión de la receta no nos gusta, suponemos que un ingrediente se perdió en el camino. Nada se hereda mejor que la nostalgia.

- Juan Villoro

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kvbrvkvnchv · 10 months

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Influencias del Constructivismo Ruso en el Diseño Gráfico Contemporáneo

Aaron Gallardo A.

Escuela de Arte Corriente Alterna

En este ensayo explicaré el impacto que el Constructivismo Ruso ha tenido en los principios y del diseño gráfico producido en el siglo XXI. Comenzaré explorando el contexto histórico y los elementos clave para interpretar obras Constructivistas, lo cual nos permitirá entender cómo este movimiento ha moldeado y actualmente inspira el campo del diseño gráfico de este tiempo. Finalmente, analizaré paralelismos conceptuales y gráficos para ilustrar la relevancia y permanencia del Constructivismo Ruso, enfocándome en la obra de Aleksandr Rodchenko, en el lenguaje visual del Diseño Gráfico actual.

Contexto Histórico

Las agitaciones políticas en Rusia de los años anteriores estallaron en la Revolución de Octubre de 1917, donde Lenin y los Bolcheviques consiguieron tomar el poder político del país. Como en toda Revolución, se construyeron nuevas ideologías y se inauguró un nuevo gobierno con Comisariatos de soviets con planes específicos para el Arte y sus funciones para el Partido Comunista.

Particularmente, el decreto Sobre los Monumentos de la República de 1918 enumera las intenciones de Lenin de servirse de las artes plásticas para realizar propaganda política a gran escala que organice las masas y reeduce las juventudes. Este Decreto contemplaba, entre otras cosas, la restitución de obras zaristas por nuevos monumentos dedicados a la propaganda del Partido (Bark 1995) y la expansión cultural del nuevo arte ruso a toda la URSS.

En este contexto, el nuevo arte no podía seguir obedeciendo a las estéticas burguesas del pasado herederas del naturalismo impresionista y romanticista, sino tenía que extender su visión hacia el presente, teniendo como pilar la propaganda para la organización y movilización de los trabajadores, y también hacia el futuro, creando nuevas estéticas para una identidad comunista mundial.

Con ese fin, las ideas del artista ruso Malévich y los suprematistas tuvieron una influencia importante en el desarrollo del nuevo arte ruso. Malévich planteaba una teoría no-objetiva del arte a partir de la abstracción total de las formas con el fin de elevar la conciencia espiritual a través del arte.

Imagen 1. Kazimir Malévich, Composición Suprematista (1916).

Las pinturas suprematistas se caracterizan por el uso de formas geométricas de colores sólidos flotando sobre un fondo blanco. La pintura ya no es una mímesis que representa objetos del mundo, sean estos naturales o creados por el hombre. Las pinturas ya no representna personas y no exigen una interpretación narrativa sino sensorial a través del innovador uso del color y la composición.

En palabras de Malévich (1927/2003) [traducción propia], “el suprematismo es el redescubrimiento del arte puro que, a través el tiempo, se ha oscurecido por la acumulación de ‘cosas’. Me parece que, tanto para los críticos como para el público, las pinturas de Rafael, Rubens, Rembrandt, etc., se han vuelto nada más que un conglomerado de ‘cosas’ que ocultan su valor real: el sentimiento que causan.”

A partir de las ideas suprematistas, así como el arte naciente Futurista y Cubista y las teorías sobre la forma y el color de Kandinsky, el Constructivismo Ruso se impone como el principal movimiento artístico y educativo que lleva los ideales comunistas al plano de la vida material de las personas, con el fin de reeducar y organizar al proletariado en función a las necesidades de su reorganización social.

2. Principios Clave para el Constructivismo

Una institución clave para el posicionamiento del Constructivismo como el principal movimiento artístico del Partido fue el Instituto para la Cultura Artística (INKhUK, por sus iniciales cirílicas), dirigido por Kandinsky, a partir del cual se creó el Grupo de Constructivistas integrado por Aleksandr Rodchenko, Varvara Stepanova y los hermanos Gabo y Pevsner, quienes en su Manifiesto realista (1920) proponen:

“1. En la pintura renunciamos al color como elemento pictórico: el color es la superficie óptica idealizada de los objetos; es una impresión exterior y superficial; es un accidente que nada tiene en común con la esencia más íntima del objeto. Afirmamos que la tonalidad de la sustancia, es decir, su cuerpo material que absorbe la luz, es la única realidad pictórica.

2. Renunciamos a la línea como valor descriptivo: en la vida no existen líneas descriptivas; la descripción es un signo humano accidental en las cosas, no forma una unidad con la vida esencial ni con la estructura constante del cuerpo. Lo descriptivo es un elemento de ilustración gráfica, es decoración. Afirmamos que la línea solo tiene valor como dirección de las fuerzas estáticas y de sus ritmos en los objetos.

3. Renunciamos al volumen como forma espacial pictórica y plástica: no se puede medir el espacio con el volumen, como no se puede medir un líquido con un metro. Miremos el espacio: ¿Qué es sino una profundidad continuada? Afirmamos el valor de la profundidad como única forma espacial pictórica y plástica.

4. Renunciamos a la escultura en cuanto masa entendida como elemento escultural. Todo ingeniero sabe que las fuerzas estáticas de un cuerpo sólido y su fuerza material no dependen de la cantidad de masas, por ejemplo: una vía de tren, una voluta en forma de T, etc. Pero vosotros, escultores de cada sombra y relieve, todavía os aferráis al viejo prejuicio según el cual no es posible liberar el volumen de la masa. Aquí, en esta exposición, tomamos cuatro planos y obtenemos el mismo volumen que si se tratase de cuatro toneladas de masa. Por ello, reintroducimos en la escultura la línea como dirección y en esta afirmamos que la profundidad es una forma espacial.

5. Renunciamos al desencanto artístico enraizado desde hace siglos, según el cual los ritmos estáticos son los únicos elementos de las artes plásticas. Afirmamos que en estas artes está el nuevo elemento de los ritmos cinéticos en cuanto formas basilares de nuestra percepción del tiempo real.”

En el Primer Programa del Grupo Constructivista, producido en 1921, los tres pilares centrales de la producción constructivista son: la tectónica, la fakturay la construcción, es decir, la estructuración, el manejo y la organización del material. La meta era lograr la expresión comunista en el plano de las estructuras materiales y también lograr una síntesis entre lo ideológico y lo formal (Fer 1989).

Los Constructivistas se consideraban más creadores industriales que artistas, y no se limitaban a las experimentaciones estéticas en las artes plásticas como la pintura y escultura, sino también exploraron a fondo el diseño industrial y fueron pioneros en el diseño gráfico a través de propagandas de agitación (agitprop), pósters de películas y anuncios publicitarios.

3. Constructivismo y Diseño Gráfico Contemporáneo

Cuando hablamos del diseño gráfico constructivista, uno de los creadores más versátiles y prolíficos fue Aleksandr Rodchenko, artista plástico, fotógrafo, publicista, diseñador industrial y diseñador gráfico.

En 1925, Rodchenko presentó en la exposición 5x5=25 el tríptico Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo, con la que inauguró una nueva era en la historia del arte. En sus propias palabras: “Reduje la pintura a su conclusión lógica y exhibí tres canvas: rojo, amarillo y azul. Y afirmé: ‘Este es el final de la pintura’.

Imagen 2. Rodchenko, Aleksandr. Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo (1921)

En esta pintura, Rodchenko parte de las obras no figurativas de Malévich, como su Cuadrado Negro (1915), para explorar las propiedades físicas y conceptuales de los colores en la pintura. Al reducirla a sus recursos más básicos —los tres colores primarios—, Rodchenko acorrala a la pintura y no le deja otra salida más que mutar en otro tipo de arte en el que las artes plásticas dialoguen con el pueblo y con otras tecnologías como la tipografía, la fotografía y el cine. En este nuevo arte prepondera la innovación en la composición visual de las obras.

Así, Rodchenko empieza a experimentar con el fotomontaje y el diseño editorial. Ilustra varias portadas del famoso poeta soviético Vladimir Maiakovsky, su cercano amigo, en las que mezcla tipografía experimental y fotomontaje con los retratos que él tomaba de Maiakovsky.

Imagen 3. Rodchenko, Aleksandr. Portada para el libro A Sergei Esenin, de Vladimir Maiakovsky (1926).

En esta composición, Rodchenko utiliza como fondo tres rectángulos negro, blanco y cian, que por sí mismos podrían ser pinturas abstractas suprematistas, que sirven para contrastar la cabeza recortada de Mayakovsky y su mirada severa. Alrededor de su cabeza está la Tierra, a la que le dan vueltas tres avionetas soviéticas. La metáfora es simple y directa: Mayakovsky es un poeta mundial en un mundo industrial. Es un mensaje llamativo, claro y entendible para personas no instruidas en historia del arte. Claramente, Rodchenko no está haciendo arte para ser expuesto en las paredes descontextualizadas de un museo ni para los ojos especializados de los críticos de arte. La producción visual del artista está pensada para el entendimiento del espectador ante todo. Al mismo tiempo, Rodchenko está construyendo la imagen del artista soviético: duro, masculino, industrial e imaginativo.

Posteriormente, junto a Maiakovsky también crea la primera agencia publicitaria en el mundo llamada En Reklam-Konstruktor, con la que publicitan relojes, aerolíneas estatales, e incluso postres:

Imagen 4. Rodchenko, Aleksandr. Empaque para marca de galletas Aviador Rojo (1923).

En este diseño resalta la elegante simpleza del logo hecho a partir de rectángulos, círculos y líneas que representan un avión en vuelo, así como el patrón geométrico que sirve de fondo para el empaque. Este tipo de ilustración es muy contemporánea y bien podría funcionar como el logo de una aerolínea actual. Veamos el siguiente concepto para una aerolínea canadiense:

Imagen 5. Truk, Jordan. Concepto de identidad gráfica para Cardinal Airlines (2019).

En este caso, el diseñador gráfico utiliza la figura de un pájaro nativo de Canadá para ilustrar un avión en vuelo a través de líneas y curvas simples. No dudo de que el diseño publicitario de Rodchenko ha influenciado en la lógica y el estilo con que lxs diseñadores creamos logos: el uso de vectores simples y escalables que funcionen en varias superficies, desde empaques a pósters hasta impresos en superficies enormes, como aviones.

Rodchenko es también reconocido por haber hecho un póster con la actriz Lilya Brik vociferando la palabra “¡Libros!” a través de un megáfono compuesto por tipografía y rectángulos en perspectiva.

Imagen 6. Rodhenko, Aleksandr. ¡Libros (Por favor)! En todas las ramas del conocimiento (1924).

Este póster, comisionado por la Casa Editorial Estatal de Leningrado, tuvo como propósito resaltar el compromiso del Gobierno Soviético con la educación y la alfabetización. El póster tiene la intención de ser legible incluso para personas que no saben leer, a través de una comunicación directa y efectiva con formas, fotos y colores. Actualmente, esta composición es parte importante de la iconografía visual contemporánea y ha influenciado múltiples diseños desde su concepción.

Imagen 7. Scher, Paula. Póster para obra teatral The Diva is Dismissed (1994).

La famosa diseñadora gráfica neoyorquina Paula Scher, encargada de la dirección gráfica para el Public Theather de Nueva York, se inspiró en Rodchenko para realizar este póster publicitario de un unipersonal de la comediante Jenifer Lewis. Igual que el póster de Rodchenko, la tipografía es utilizada para complementar el mensaje y el movimiento del diseño. La iconografía es la misma: una artista famosa vociferando un mensaje directo. El receptor se siente sorprendido e interpelado por la fuerza del contraste, el tamaño de las letras y la mirada de la actriz.

Imagen 8. Fotografía propia. Póster para Sindicalízate.com (2023).

La influencia de ¡Libros! de Rodchenko también ha llegado al Perú del 2023 a través de esta gráfica social-publicitaria para la promoción de la sindicalización en la ciudad de Lima. Aquí vemos a dos jóvenes, ninguno de ellxs famoso, que miran sonrientes hacia arriba vociferando la palabra “¡Sindícalizate!” Y más abajo se lee: “Por una chamba con derechos”.

Esta iconografía se ha permeado en la cultura popular y encontramos sus iteraciones en portadas de álbumes de rock, publicidad de marcas de ropa de lujo e incluso dibujos animados. Si consideramos que “los memes se han convertido en unidades semánticas capaces de evocar los significados a los que están asociados. Es el proceso de evocación y la eficacia del meme como disparador de atención, recuerdo y repetición del significado adscrito, lo que los vuelve relevantes” (Lissack 2004), ¿podríamos decir que ¡Libros! de Rodchenko fue uno de los primeros memes del siglo XX?

En un nivel más general, otras características visuales del arte constructivista, no solo de Rodchenko, sino también de otros artistas como El Lissitzky, también han influenciado en el lenguaje visual del diseño gráfico contemporáneo. Un ejemplo importante es el uso de tipografías sans serif para la comunicación de mensajes políticos simples, contundentes y directos.

Imagen 9. Arenas, Maria. Póster para la campaña política de Alexandra Ocasio Cortez (2018).

Imagen 10. Kulagina, Valentina. Póster para el Día Internacional de la Mujer Trabajadora (1930).

En ambos pósters, la composición utiliza la figura predominante de una mujer al lado izquierdo que es balanceada con el uso abundante de tipografía hacia el lado derecho. La tipografía utilizada es una sans serif delgada utilizada en diferentes tamaños. Este tipo de letras se popularizaron con el naciente Futurismo ruso y posteriormente en los pósters y libros de artista de los constructivistas rusos, y son utilizadas para comunicar mensajes inmediatos, modernos y legibles en diferentes formatos, desde una pequeña postal hasta una pantalla.

Por otro lado, la paleta de colores característica del Constructivismo Ruso utiliza el rojo sólido con gradaciones de negro, como la siguiente composición abstracta de El Lissitzky:

Imagen 11. Lissitzky, El. Proun (1922-23).

El constante uso del rojo no es una casualidad, sino que responde a la identidad visual de la U.R.S.S., que se caracterizó, desde su bandera, por el uso abundante del rojo como símbolo de la revolución comunista.

Imagen 12. N/A. Póster para al Aniversario de la Derrota Estratégica de la Armada Americana B-52 Bomber. N/A.

La motivación patriótica/política en la elección de colores se hace evidente en este póster que conmemora la victoria vietnamita frente a las fuerzas imperialistas estadounidenses. En este caso, la mano roja con una estrella representa la bandera de Vietnam, mientras que el fondo azul y la bomba negra representan a Estados Unidos a fin siendo vencido.

4. Conclusiones

A lo largo de este ensayo hemos analizado algunas obras gráficas del Constructivismo Ruso en búsqueda de su influencia sobre el lenguaje visual del Diseño Gráfico Contemporáneo en términos de estilo, composición, iconografía, uso del color y tipografía.

Nos hemos enfocado en la figura y la producción gráfica de Aleksandr Rodchenko, pues ha jugado un papel muy importante en la consolidación del Diseño Gráfico como una profesión artística popular preocupada por la transmisión de mensajes visuales a través de códigos claros, directos y eficaces que tienen en cuenta al receptor desde la concepción de la obra.

Se hace evidente la permanencia de los principios constructivistas en la producción gráfica contemporánea a escala mundial. Hemos visto ejemplos de arte gráfico canadiense, estadounidense, peruano y vietnamita claramente influenciados por el constructivismo ruso.

Finalmente, si bien es cierto que en muchos casos la influencia constructivista en el diseño actual es más prevalente en un nivel estético más que ideológico, es crucial que las nuevas organizaciones de izquierda o comunistas en el mundo reflexionemos sobre el rico legado gráfico constructivista y lo sigamos reinterpretando bajo nuestros contextos de creación identitaria y lucha anticapitalista. El valor del Constructivismo en la historia del Mundo radica en el poder de construir una estética radical, particular para la lucha comunista internacional, y su lenguaje visual puede ayudarnos en la creación de realidades postcapitalistas.

Imagen 13. Diseño propio. ¿Qué pasaría si el logo del partido izquierdista Perú Libre se hubiera inspirado en el constructivismo ruso? (2023).

Referencias Bibliográficas

Bark, Wendy (1995). Constructivist costume, textile & theatrical design, 1917 - 1934: a study of constructivism set in the socio-cultural, political and historical context of post-revolutionary Russia, Durham theses, Durham University, Inglaterra.

Gabo, Naum & Pevsner, Antoine (1920). El Manifiesto Realista. Extraído de https://arteydisegno.files.wordpress.com/2010/ 02/manifiesto-realista-1920.pdf.

Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) (2018). Catálogo para la exposición Caso de Estudio. Ródchenko y un futuro en construcción. Institut Valencià d’Art Modern, España.

Lissack, M. R. (2004), The redefinition of memes: ascribing meaning to an empty cliché, Journal of Memetics-Evolutionary Models of Information Transmission, núm. 8, EE.UU..

Malevich, Kazimir (2003). The Non-Objective World: The Manifesto of Suprematism. Dover Publications, EE.UU.

#constructivism #graphic design #rusia #arte #historia del arte

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hijolehijola · 1 year

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Del Verbo Tocar

Como el contagio se lleva cabo por cercanía, especialmente a través del sistema respiratorio y el tacto, tenemos que ser conscientes de que somos cuerpos. Parece una operación sencilla. No lo es. La máquina de producir mercancías nos ha acostumbrado a vivir bajo la ilusión de que somos incorpóreos. Podemos trabajar sin cesar. Podemos consumir sin cesar. Si estuviéramos en un cuento de la escritora salvadoreña Claudia Hernández seriamos eses personajes que, incluso muertos, incluso vueltos ya cadáveres, continúan checando la tarjeta de entrada al trabajo o sacando la tarjeta de crédito frente a las máquinas registradoras de los comercios. El capitalismo al estilo USA es así: literalmente descarnado.

La ilusión de no tener cuerpo, a la que contribuyen pastillas y medicamentos varios, conduce a la ilusión de no tener otra conexión con el mundo que no sea la conexión electrónica. De hechizo de la abstracción cuelga la falta de solidaridad con nuestro entorno y, a fin de cuentos, la indolencia. No nos duele lo que no nos toca - lo que no sabemos que nos toca -. Pero ahora que estamos detenidos, ahora que sabemos que nuestras manos son armas mortíferas y no solo, como quería Kant, lo que nos diferencia de los animales, no podemos no pensarlo.

As the contagion is transmitted by proximity, especially through the respiratory system and by touch, we must be conscious of the fact that we are bodies. It seems to be a simple task. It is not. The commodity machine has made us accustomed to living under the illusion that we are disembodied. That we can work endlessly. That we can consume endlessly. If we were in a story written by the Salvadorian author Claudia Hernandez, we would be like the characters that, even dead, even turned in to corpses, we would continue to check our entrance cards at work or pull out our credit cards in front of cash registers at the shops. Capitalism à la USA is just that: literally disembodied.

The illusion of having no body, aided by various pills and medications, leads to the illusion to have no other connection to the world that is not electronic. From the enchantment of abstraction hangs the lack of solidarity with our environment and, in the end, indolence. That which does not touch us does not hurt us - that which we do not know touches us -. But now that we are in confinement, now that we know that our hands are deadly weapons and not simply, as wished by Kant, that which differentiates us from animals, we have no choice but to think about it.

Diario de la pandemia, “Del verbo tocar: Las manos de la pandemia y las preguntas inescapables” -Cristina Rivera Garza

#my translation #diario de la pandemia #covid-19 #mexican literature #literatura mexicana #cristina rivera garza

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memoriasfragiles · 1 year

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Alza un risco de imágenes trastocadas, de manera de poder distinguir mis palabras cuando olvides mis ojos. De volver a ser rio que trae consigo los cuerpos de las bestias heridas que saciaron su sed por última vez, ser alimento del cerro que alzo de sus faldas los bosques donde alguna vez viviste y los aromas que fuiste.

De paso entre andamios que penden de las paredes de una choza a medio terminar, camina entre la espesura para conversar con los espectros afligidos que se esconden entre los trozos de espejos trizados que marcan los rastros, perseguidos por sus ancestros que aun lloran la derrota, embelesados por la abstracción de tu mirada naufraga enfocando hacia ningún lugar.

Necio silencio del que calla por no interrumpir el carnaval de alguien más. Necio el miedo de quien no ha respirado los mundos inmensos tras la puerta de su habitación. Que alguna bocanada de aire o en una exhalación profunda le empuje hasta ensuciar sus manos de tierra húmeda, hasta purgar su pecho de aire fresco.

Naciste en el seno de una nación quemada, una tierra erosionada, un pueblo en ruinas, un suelo secuestrado, una sequía permanente y nunca conociste nada más que la ausencia.

Pero ¿puede haber ausencia donde nunca hubo nada más que silencio, ruina, soledad y arrebato?

Ha de haber algún lugar llamado patria donde mantengan las luces encendidas hasta la madrugada para que nadie se pierda ni sea destrozado entre la noche, ha de existir algún momento en las que aquellas luces dejen de traer consigo una sensación de desorientación y encierro permanente.

Despiertos al medio de la noche se asoma de entre los veladores un despilfarro de angustia y algunas aproximaciones futuristas de una catástrofe aconteciendo entre la escasez de nubes y el extravío de los proyectos tramados por los miedos humanos.

Entre todo el dolor, los destemplados colores de la vida y su arrimo salvaje al órgano visual que contempla como el delirio de lo real se va afilando y va entramando su danza despampanante.

No importa cuanto hayas caminado, siempre habrás de trazar círculos contiguos, has pisado los mismos lugares una y otra vez.

No importa cuan perdido estés, hay una estrella que pende de la amanecida en la que siempre te podrás encontrar.

No importa cuanto hayas luchado para mantener quien eres, porque cada vez que has vuelto, todo ha cambiado para siempre.

No importa cuando trates de arrimarte a este presente, porque en cada vuelta todo lo conocido se ha decantado en un recuerdo.

No importa quien siga a tu lado, porque todos los caminos calan huellas como nombres que cargas en el pecho.

Toma aliento y sigue buscando, tras un despilfarro de dolores y una agonía a gotas emergerá una historia diferente que habrás de narrar para ti esta vez. Algún día alguien acariciará tus párpados cansados, enjuagará tus lágrimas, te dará de beber cuando husmees exhausto deseando el agua que calme esta sed, te invitará a descansar en su abrazo forajido como tu viaje eterno hasta que vuelvas a decidir que es momento de partir otra vez.

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kenisweetheart · 2 years

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¡Hablemos de las vanguardias artísticas! #2

¡Hola!

Bienvenidos de nuevo al segundo blog en el cual hablamos de las vanguardias artisticas. En el blog anterior hablamos acerca de lo que era una vanguardia artística, de dónde es que nacen y mencionamos los primeros ejemplos de estos estilos.

Repasemos nuevamente el concepto de vanguardias. Cuando hablamos de vanguardias hacemos referencia a etilos o movimientos que nacieron de un cambio en la idea del arte.

[Más info. en el blog anterior]

Vasily Kandinsky: Composición VII, 1913, óleo sobre lienzo, 200.6 × 302.2 cm, Galería Tretyakov, Moscú, Rusia.

Ahora, una vez recordado este concepto básico podemos pasar a conocer más de las vanguardias artisticas.

Expresionismo 1905/1915

Trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto. Deforma y exagera.

Características:

-Su forma, textura y color se encuentran a disposición de la transmisión de los estados de ánimo del artista.

-Su pintura deforma y exagera.

-Su interpretción es subjetiva.

-Su visión deforma y exagera.

-Fue el inicio de la pintura abstracta.

Ciudades de influencia:

Alemania.

Crítica:

Fue una revolución, un pequeño pero significativo salto para los artistas les permitió abrir más sus emociones y plasmar sus ideas. En lo personal creo que es muy linda y en su mayoría logra transmitir sensaciones claras y faciles de "leer".

Futurismo 1909/1914

Exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico. Rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según vanguardia.

Características:

-Exalta la originalidad.

-El movimiento: tiempo, velocidad, energía fuerza, etc.

-Relacionado con el mundo moderno. Se vuelve parte escencial e importante.

-Genera ritmos gracias a sus colores y formas.

-Uso de colores resplandecientes.

Ciudades de influencia:

-Italia

Crítica:

Sin duda hablamos de un estilo de arte el cual funcionaba como una mirada al futuro, así que era usado para expresar ideas futuras. Una interesante forma de plasmar esas ideas fue con las repeticiones, formas y colores. Lo encuentro un poco caótico pero admirable.

Fortunato Depero, 'Rascacielos y túneles' (Gratticieli e tunnel), 1930.

Expresionismo abstracto americano

Muestra grandes influencias del surrealismo, expresionismo y la abstracción. Se centra en compartir el estudio y reflexiones acerca del movimiento.

Características:

-Se basa en chorrear, salpicar, crear pinceladas directas.

-Es un estilo muy personal.

-Los colores pueden ser muy puros y saturados, pero crea combinaciones con tierras y sobras.

-Uso contante de movimientos en su creación.

-Contiene un gran sentido de expresar.

-Suele mezclase y ser abstracto.

Ciudades de influencia:

Nueva York

Crítica:

Un movimiento sin duda interesante y espontáneo, creo que fue una manera creativa de abordar algo nuevo. Se ve como una buena terapia de desahogo o autodescubrimiento. Es obvio que no tiene una figura que observar, sino que al dirigirse más a lo que expresa a traves de todo en conjunto podría ser un poco confuso pero y sobre todo sensorial.

Hasta aquí el blog de hoy, recordemos que el principal motivo de las vanguardias artísticas fue exponer las ideas y sentimientos de los artistas.

¡Hago una invitación a que comenten acerca de su favorito! proximamente más de estas vanguardias.

References

expresionismo abtracto americano con autores - Búsqueda de Google. (n.d.). Com.Mx. Retrieved October 22, 2022, from

Imaginario, A. (2020, February 17). Expresionismo. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/expresionismo/

Imaginario, A. (2021, January 6). Los 25 movimientos artísticos más fascinantes del siglo XX. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/movimientos-artisticos-del-siglo-xx/

Wikipedia, F. (2011). Futurismo: Filippo Tommaso Marinetti, Fortunato Depero, Ardengo Soffici, Luigi de Giudici, Futuristi Di Sinistra, Aldo Palazzeschi. Books LLC, Wiki Series.

#arte #historia del arte #expresionismo #expresionismoamericano

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caciquecomics · 1 year

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COMIC - SOMBRAS 012: EMBAJADOR DE LA TORMENTA (pte. 2)

Disponible para descarga gratuita en caciquecomics.blogspot.com

Damas y caballeros, como fuese oportunamente anunciado en reiteradas oportunidades (y hasta el cansancio) en los últimos días, en este momento hacemos el lanzamiento oficial de SOMBRAS 012, con la segunda parte del arco argumental "Embajador de La Tormenta". Y presentamos un número distinto, y aunque no es la primera vez que decimos esto, existen tantos mecanismos narrativos para explorar, que nos damos el gusto cada tanto de cambiar entre uno y otro, ciertamente cada número de SOMBRAS es distinto a los demás, pero siendo que los cinco números (más epílogos) que compusieron el arco "Imparable" manejan un estilo de relato bastante consistente, está bueno comprobar que dentro de la misma historia podemos incluir elementos distintivos sin afectar, sino aportando, al hilo. En este número nos paseamos brevemente por un mundo de abstracción que nos acerca al costado más sobrenatural y/o espiritual, si cabe, de nuestro personaje principal. Una linda exploración con la que esperamos se sientan a gusto, como lo hicimos nosotros al llevarlo a cabo.

En el número anterior viajamos a un pasado donde Piel de Lobo estaba a punto de nacer, en el pueblo "Canto del Hierro", hogar de la tribu Tankwai. En medio de una tormenta infernal, Eternis cazando a Quentin y sus hombres, y asesinando a todos los que estaban en el hospital de paso, ya que estaban. Los Antiguos metiendo presión y apropiándose del neo-nato. Penumbras con el peso del mundo en sus hombros, para variar, y todo yéndose lenta y paulatinamente a la misma mierda.

En este número (sí, la portada es más para llamar la atención) partimos desde nos habíamos quedado, el relato se hace más lineal, ya que no hay idas y venidas temporales, es más, en cierto punto el propio tiempo se detiene, dándonos esta maravillosa excursión por el mundo espiritual de las fuerzas fundamentales, donde Penumbras se adentra, conduciendo la secuencia desde su estupefacción. Es que, sabemos que el pobre de Piel de Lobo viene meado por los elefantes desde la cuna, ahora veremos por qué, desde el punto de vista abstracto. Nos encontramos con las personificaciones de cuatro fuerzas fundamentales, La Noche, La Luna, La Muerte y El Diablo. Pero claro, el relato no culmina acá, la cosa sigue en el próximo número, hay mucho más para conocer, y hay que ver qué sucede con Quentin, Eternis, Las Chacalas, Los Antiguos y la mar en coche. Estamos en el principio antes del principio de las cosas, hay que tener paciencia y seguir descubriendo hacia dónde va SOMBRAS.

Los dejamos entonces con este número, con la sincera esperanza de que lo disfruten, bajen, recomienden y compartan. El archivo también cuenta con los sellos de agua, sabemos que para muchos, este mínimo detalle es una molestia enorme. Pero sabrán que es nuestro único método de prevención ante el plagio, de una mínima efectividad, pero bueno, no impide disfrutar de la historia ni de los dibujos. La única manera de acceder a los comics sin sellos de agua es comprando los ejemplares físicos, que de momento sólo están en venta en los eventos en los que Cacique Comics participa, que son muy pocos. En algún momento tenemos como meta implementar un sistema de ventas online, estamos analizando las alternativas.

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zeithm · 1 year

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Los perros, acostados juntos sobre las piedras de la cumbre, miran fijo el paisaje. Lo contemplan, pondría l amano en el fuego a que lo hacen. ¿Son "pobres en mundo", los perros, Herr Heidegger? No, pero sí limitados justo a lo que conocen, dándole una perfecta confianza al instante y desdeñando cualquier abstracción. El valor del perro: mira lo que surge ante él, sin preguntarse si las cosas podrían haber sido de otro modo. Pienso en los esfuerzos del hombre para negarles toda consciencia a los animales. Miles de años de pensamiento aristotélico, cristiano y cartesiano nos encadenan en la certeza de que un abismo infranqueable nos separa del animal. Éste carecería de moral: sus actos estarían desprovistos de intencionalidad inclusive en los gestos altruistas de los que se muestra capaz. Viviría sin sospechar su propia finitud. Adaptado a su medio, no podría abrirse a la totalidad de la realidad. Inepto para concebir el mundo, sería sólo una pobre voluntad sin representaciones. Encadenado a lo inmediato, no podría transmitir nada, se privaría de Historia y de cultura. Y los filósofos siguen sermoneando con que nunca se ha visto que un mono haga una lectura simbólica de una escena natural ni exprese un juicio estético. Sin embardo, en el fondo de los bosques, el espectáculo de los animales pone en duda esas aseveraciones. ¿Cómo asegurar que la danza de los moscardones en el rayo de sol no tiene un significado? ¿Qué sabemos de los pensamientos del oso? ¿Y si el crustáceo bendijera la frescura del agua sin medio alguno para hacérnoslo saber y sin ninguna esperanza para nosotros adivinarlo? ¿Y cómo medir la emoción de los pájaros cuando saludan a la aurora desde las ramas más altas? ¿Y por qué esas mariposas en la claridad del mediodía no habrían de conocer la intensidad estética de sus coreografías? "El pájaro no no tiene ninguna representación de los huevos para los que construye un nido, ni la araña de la presa para la que teje su tela..." (Schopenhauer en El mundo como voluntad y representación)... ¿Pero qué sabes tú, Arthur? ¿De dónde obtuviste ese saber? ¿De qué conversación con que pájaro sacaste los datos para hacer esa afirmación? Mis dos perros están frente al lago, entrecerrando los ojos. Saborean la paz del día, su baba es la acción de gracias. Son conscientes de la dicha de reposar ahí, en la cima, después de la larga escalada.

Sylvain Tesson - “La vida simple”

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ocasoinefable · 10 months

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Creo que las vigas se escurren. parecen caer dentro de ellas mismas. es mas amplia de aquellas veces que la imagine. con sus pisos de barro, sus ventanales largos, las cortinas desecha, el tapiz machado y roído, su olor a polvo y mas que eso a recuerdo, cada rayón de la madera, cada vidrio suelto, cada rama intrusa, el estado de olvido de esta casa huele a tiempo. mi mirada recorre a detalle los detalles que se me escapan, mientras voy anotando algunas palabras que quizás nunca vean al mundo.. aun así no puedo creer que este en este lugar, veía el estar aquí como una pintura en el brochazo del pintor, como la voz de quien descubre un mundo entre la brisa y de repente salta a ser viento. Es la casa que esta a las fuera del pueblo. la veía cada tarde desde la carretera, al ir del colegio a la casa y también la veía desde el jardín en donde sembraba flores, y así como cada tarde la veía antes de voltear un codo a la derecha y adentrarme entre los matorrales, le lanzaba una piedra, pero eso sí, no cualquier piedra.. era una en espacial; tenia que ser ovalada, de un color grisáceo, de un tamaño que se cubriera en el puño. le daba un respiro y solo le soltaba con todas mis fuerzas, con la ilusión que al caer hiciera una onda como lo hace una moneda en una fuente de deseos (Allí han vivido personas viviendo el tiempo como granos en la arena, han resonado un centellear de palabras por minutos; que si se contaran se iluminaria en unos minutos un nuevo firmamento, y así sean declarado los minutos y el reloj. allí en esa casa, quizás hubieron alegrías sin penas, pero sospecho que hubieron solo momentos. una familia quizás, niños y ruido correteando, el estudio quizás de una persona solitaria, vigas estrechas de una rutina exorbitante o quizás repletas de begonias y bejuco.. me preguntó, ¿en qué pensaron, en qué creían, sí es que creían? ¿el cómo eran para esa casa cada uno de los que vivían allí o cómo era para ellos esa casa?) lanzaba la piedra, la miraba hacer un semi-arco, hasta que la maleza era todo lo que podía decir de ella. "algún día, iré y solo dejaré ser la casa" frase repetida año tras año. Por lo demás solo volteaba entre las ramas y hojas observando como se me esfumaban las palabras. los arboles contaban historias sin rostro, ni forma, ni lengua, se atravesaban en sus cortezas con tal suavidad que la compresión se comprendía y se callaba inmediatamente. Llegaba a la casa y en mis ojos las palabras hablaban, así cerrara los ojos ellas seguían su camino; el del humo del fogón, el del tizne de la brasa y la madera con el fuego, el de la voz y los diálogos, el del pensamiento y su abstracción, el de ruido en el silencio.. y lo confieso, muchas veces renegué y me dije sentada sobre mis piernas (hoy no será, no miraré aquel camino como letra) mas vencida o algunas veces distraída; me encontré siendo el mismo camino, el mismo humo, el mismo olor de tiempo. "algún día, se decían" así fue como un tarde casual, antes de lanzar la piedrilla ovalada, solo me lance a correr sin detenerme, sin repensarlo, solo con el aire entre mis labios y pulmones, solo con el golpe de la sangre en mi boca y su repiquete en mis oídos. escurriendo sudor, agite y poco respirar. Es una infinitud mas allá de lo que imagine, tal como lo pensé y sentí. en esta casa puedo escribir, y solo lo hice sin más.

ocaso-Inefable

#Hojas sueltas

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joseandrestabarnia · 1 year

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Messerer Boris (nacido en 1933)

RETRATO DE BELLA AKHMADULINA

1994

Tamaño - 159,5 x 279,5

Material - lienzo

Técnica - óleo

Número de inventario - ZhS-5782

Donación del autor.1998

Boris Messerer es un artista de muchos talentos, cada uno de los cuales se materializa en su trabajo con la más alta calidad. Es decorador teatral, creador de una amplia variedad de espacios expositivos, pintor, grafista y diseñador, autor de instalaciones. Su taller en Moscú es en sí mismo una especie de instalación llena de una variedad de objetos: planchas, gramófonos, espejos y marcos. No solo llenan el taller, sino que también aportan el espíritu de belleza y estética.

En el retrato de su esposa, la destacada poeta Bella Akhmadulina (1937-2010), todo el séquito que la rodea está sacado del taller. Admitiendo que el rostro de Akhmadulina lo perseguía, por lo que constantemente lo representaba en diferentes técnicas, Messerer en este retrato elige la técnica de síntesis compleja. Por un lado, crea un retrato ceremonial y presenta a la heroína rodeada de objetos del taller artísticamente transformados. Por otro lado, desde el punto de vista del estilo, la obra combina una gran forma monumental y técnicas de imagen gráfica. No hay espacio en la imagen, y el artista lo enfatiza.

Como resultado de tal decisión, aparece en el retrato una desmaterialización tanto del personaje como de la línea del sujeto. Usando colores blanco y negro, combinándolos con un estilo gráfico lineal, el artista realza deliberadamente el efecto decorativo de la imagen sobre la base de medios expresivos mínimos.

Aparece una especie de retrato teatral, donde la vida real del héroe y el mundo que le rodea se reencarna en un mundo desprendido de imágenes teatrales. En este mundo, el artista equipara el representado y el objeto y hace del retratado un objeto de arte, para él son iguales en su autosuficiencia estética. En la complejidad de la construcción constructiva, la obra, por así decirlo, adquiere un estricto sonido musical. Así nace una imagen lo más cercana posible a la abstracción. La dinámica visual que surge debido a la técnica pictórica es afín a la compleja dinámica interna característica de la personalidad de Akhmadulina.

Información e imagen de la web de la Galería Tretyakov.

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tengomilpalabrasparati · 1 year

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El Día de Darwin se conmemora el 12 de febrero con el objetivo de celebrar un año más del nacimiento de Charles Darwin en el año 1809, además de reivindicar la vida y obra de uno de los científicos más importantes del siglo XIX y de dar a conocer su gran aporte en el campo de la biología y la ciencia en general.

youtube

¿Quién fue Charles Darwin?

Charles Darwin fue un amante de la naturaleza. Un niño soñador, solitario y diferente a los demás, que pasaba horas creando un mundo imaginario y lleno de fantasía.

Esta abstracción en la que vivía sumergido, es la que más tarde, lo conduciría a realizar grandes hallazgos y a ser considerado un verdadero genio.

Disfrutaba realizando experimentos con pequeños animales. Más tarde concluiría, que todas las especies, incluyendo al hombre tenían un mismo origen. Es conocido como el padre de la evolución.

En su famosa y mundialmente conocida obra "Origen de las especies", Darwin afirmaba que todas las formas de vida que existen en la Tierra vienen o fueron creadas de un antepasado común, que con el tiempo se fueron adaptando al medio y finalmente evolucionaron a las distintas especies vegetales, animales y humanas que hoy conocemos.

De esta manera, rompió la creencia de que las especies y el hombre eran creación de una fuerza divina.

Charles Darwin y sus aportes a la ciencia

Charles Darwin a través de su prolífera vida, contribuyó con grandes aportes, pero el más importante fue lograr entender la forma como evolucionan las especies durante millones de años.

Para llegar a esta teoría, que sin lugar a dudas revolucionó el mundo de las ciencias, tuvo que realizar una larga expedición por distintos países. Un viaje lleno de anécdotas, encuentros y nuevas experiencias que finalmente lo llevaron a escribir su obra más importante "El Origen de las Especies".

Hechos curiosos en la vida de Charles Darwin

Existen muchos hechos curiosos relacionados con la vida de Charles Darwin, entre los más importantes destacan:

Soñó con ser médico, pero tenía verdadera fobia hacia la sangre, por esta razón desistió.

Como todo un gran científico, experimento probando insectos y algunas especies exóticas, como búhos, halcones y tortugas, que antes de ser degustadas, primero las quemaba utilizando una plancha.

Por la forma de su nariz, casi pierde su puesto en su travesía alrededor del mundo a bordo de la nave Beagle, ya que, según el capitán, esa era una característica, que hacía a Darwin muy endeble para realizar tal hazaña.

Actualmente existen algunas montañas en varios países, que llevan su nombre. La primera de ellas, fue bautizada así, como un regalo de cumpleaños, cuando se encontraba recorriendo el mundo a bordo del Beagle.

"Creación", Una película dedicada a Darwin

La película británica Creación, conocida en España como "La duda de Darwin" es una película dedicada a la vida y obra de Darwin, donde se trata de mostrar y humanizar al hombre, sobre todo, cuando tuvo que afrontar la muerte de su pequeña hija. Un acontecimiento trágico que lo llevaría a la negación total de Dios.

Muchos de los relatos son hechos verídicos que vivió el naturalista, sin embargo, la historia está envuelta en algo de fantasía y creatividad por parte del director del film. Es un relato fascinante, que plasma la otra cara de Charles Darwin, sus aciertos, fracasos y grandes amores.

Una trama que, desde principio a fin, mantendrá al espectador hipnotizado con la pasión y entrega de cada uno de sus personajes.

¿Cómo celebrar el Día de Darwin?

El Día de Darwin, no es un día como cualquier otro. Es la fecha, en que nació uno de los grandes científicos del siglo XIX, quien marcó un antes y un después en la historia de la humanidad.

Para celebrar una fecha tan especial, no está de más conocer de su vida y obra utilizando herramientas como Internet o leyendo algunos de sus libros.

Otra manera de descubrir ¿Quién era Charles Darwin?, es ver la película "La Duda de Darwin", muy recomendada o también algún documental como el "Genio de Darwin" o "Darwin y la Evolución."

Además, puedes aportar tus ideas y experiencias a través de las redes sociales con el hashtag #DíadeDarwin.

#El Día de Darwin se conmemora el 12 de febrero #Youtube

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