#No-Land Trío
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I just finished my rewatch of Ultraman Trigger: New Generation Tiga.
And... Yeah, it is a very flawed series. But into the positives first!
The main trio of Kengo, Akito and Yuna are without a doubt the best characters in the show. Kengo might sometimes be a little too optimistic and cheerful, but Akito's more down-to-earth personality round him up well, while Yuna serves as the glue of the trío while also dealing with her own plot.
The main antagonists, Carmeara, Darrgon and Hudram work well. Darrgon is the most sympathetic one and the one you can easily love the most. Hudram is a little self-sophisticated rat and you love to hate him. Carmeara goes between being a psycho and showing the smallest hints of vulnerability and hurt.
Sadly the side characters don't have much going for them, they're just there.
However, Trigger can still be a good time, it doesn't live up to Tiga, which is one of the most beloved Tokusatsu series of all time, but Ultraman Trigger does what it can with what it has and does stick the landing, somewhat.
Though it does have the most FIRE theme song!
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AARON COPLAND
COPLAND CONDUCTS COPLAND
Las grabaciones completas para Columbia del "Decano de los compositores americanos".
Consíguelo AQUÍ
El "decano de los compositores americanos" era un intérprete formidable de su música. Gramophone calificó a Aaron Copland de "espléndido defensor de sus propias partituras", y poco después de su muerte, en 1990, el New York Times escribió: "Las interpretaciones de los compositores no siempre son definitivas, pero Copland era un director y pianista fino y comunicativo, y Columbia lo grabó con orquestas y solistas de primera categoría. ... En todos los sentidos, estas grabaciones deben considerarse el corazón de la discografía del compositor".
Como pianista dotado, Copland participó en las primeras grabaciones de su música, allá por los años 30, así como en muchas otras que siguieron a lo largo de casi tres décadas. Aunque hasta 1950 no dirigió por primera vez en un estudio, más tarde tomó la batuta con creciente frecuencia. Una vez le dijo a la coreógrafa Agnes de Mille: "No creo que vaya a componer nunca nada más. Me lo estoy pasando muy bien dirigiendo".
Sony Classical ya ha publicado muchas de sus grabaciones de CBS/Columbia en CD, incluido un importante set de 5 discos en 2013, pero esta nueva colección de 20 discos supone la primera recopilación integral de las interpretaciones autorizadas de Aaron Copland, con las seis primeras grabaciones del compositor por primera vez en CD a través de Sony Classical.
Columbia grabó aquí las piezas más antiguas en 1935: Copland interpretando las difíciles Variaciones para piano de 1930, una de sus obras maestras más complejas, y acompañado por el solista y líder de cuarteto de origen ruso Jacques Gordon en dos piezas para violín y piano. "Gordon toca la punzante Americana de la Serenata al Ukelele, la segunda de las piezas... con un brío desenfrenado", escribió MusicWeb International. Y para esta "lectura evocadora y poderosamente declamatoria" (MusicWeb International) de su trío para piano Vitebsk, se unió al violinista Ivor Karman, que tocó en el estreno, y al violonchelista David Freed.
Avancemos hasta la década de 1960. Ahora con el Cuarteto Juilliard, Copland volvió a grabar Vitebsk, junto con su Cuarteto y Sexteto para piano. Fue compañero de Isaac Stern en la Sonata para violín y, con Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York, grabó "una interpretación maravillosa y sin duda históricamente importante" de su Concierto para piano. Así escribió el biógrafo definitivo de Copland, Howard Pollack, que continúa diciendo: "Copland interpreta la parte solista con un ímpetu inigualable, y Bernstein transmite el toque urbano de la música -que puede haber servido de base para sus propios paisajes de ciudad- con un gusto inimitable".
La primera grabación de Copland como director fue la del Concierto para clarinete en 1950, con su dedicatario Benny Goodman y la Orquesta Sinfónica de Columbia. Es la primera vez que se publica en CD. En el nuevo set podrás compararlo con su célebre versión estéreo de 1963. Otra interpretación clásica de principios de los 60 es Old American Songs, con el barítono William Warfield y Copland al piano. También hay versiones mono y estéreo de los 12 Poemas de Emily Dickinson, con Copland acompañando a la mezzo Martha Lipton en 1950 y a la soprano Adele Addison en 1964.
En el caso de la obra más apreciada de Copland, el ballet Appalachian Spring que compuso en 1944 para Martha Graham, hay aún más versiones para disfrutar y comparar. En 1959, dirigió la Orquesta Sinfónica de Boston en lo que muchos siguen considerando la grabación definitiva de la suite de concierto para orquesta completa: "La interpretación tiene una atractiva amplitud y calidez de humanidad, ayudada por la resonancia de la Sala Sinfónica: el clímax con sacudidores es maravillosamente expresivo" (Penguin Guide). RCA Victor la acopló con la suite de The Tender Land, la única ópera de Copland, que más tarde grabó con más detalle (en una versión abreviada de una hora de duración) con la Filarmónica de Nueva York. Ese lanzamiento de 1966, también incluido aquí, le valió un Grammy®.
Luego, en 1973, con la Orquesta de Cámara de Columbia, Copland grabó la partitura original completa del ballet Appalachian Spring para conjunto de cámara. Le sigue aquí un bonus track: el ensayo que también la acompañó en LP. Tres años antes había vuelto a grabar la suite en su partitura de concierto completa con la Orquesta Sinfónica de Londres, con la que disfrutó de una feliz y productiva alianza tanto en la plataforma de conciertos como en el estudio.
Sus otras grabaciones con la LSO incluyen la evocadora Quiet City, así como obras tan importantes, pero menos conocidas como la neoclásica Short Symphony, una "notable síntesis de lo culto y lo vernáculo". ... Una representación singularmente 'completa' de su inventor" (el crítico Michael Steinberg), así como la Sinfonía de la Danza, las Variaciones Orquestales, las Declaraciones para Orquesta y la Oda Sinfónica. Está claro que a Copland le gustaba dirigir orquestas inglesas. Eligió la Philharmonia para grabar su Tercera Sinfonía y suites de sus célebres partituras cinematográficas.
Aaron Copland no solo creó algunas de las composiciones más originales, influyentes y atractivas de la historia de la música estadounidense. Grabaciones que ilustran exactamente cómo quería que fueran estas piezas: un nuevo e inestimable legado de 20 CD de interpretaciones auténticas, el "corazón de la discografía del compositor".
CONTENIDO DEL SET:
DISC 1:
Copland: Concerto for Clarinet, Strings & Harp with Benny Goodman (1950)
Copland: Piano Quartet
Copland: Piano Variations (1930)
Copland: Nocturne (1928)
Copland: Vitebsk, Study on a Jewish Theme for Piano Trio
Copland: Ukulele Serenade
DISC 2:
Copland: Old American Songs with William Warfield (1951/53)
Copland: Twelve Poems of Emily Dickinson with Martha Lipton
DISC 3:
Copland: Appalachian Spring (Ballet for Martha)
Copland: The Tender Land: Suite
DISC 4:
Copland: Concerto for Clarinet, Strings & Harp with Benny Goodman (1963)
Copland: Old American Songs with William Warfield (1962)
DISC 5:
Copland: Piano Concerto
Copland: Music for the Theatre (Suite in 5 Parts for Small Orchestra)
DISC 6:
Copland: The Tender Land (Opera in Three Acts)
DISC 7:
Copland: Music for a Great City
Copland: Statements for Orchestra
DISC 8:
Copland: Twelve Poems of Emily Dickinson with Adele Addison
Copland: Las Agachadas
Copland: In the Beginning
Copland: Lark
DISC 9:
Copland: Piano Quartet
Copland: Sextet for Clarinet, Piano and String Quartet
Copland: Vitebsk, Study on a Jewish Theme for Piano Trio
DISC 10:
Copland: Short Symphony "Symphony No. 2"
Copland: Dance Symphony
DISC 11:
Copland: An Outdoor Overture
Copland: Our Town Suite
Copland: 2 Pieces for String Quartet (Instrumental)
Copland: Quiet City
DISC 12:
Copland: Billy the Kid Suite
Copland: 4 Dance Episodes from Rodeo
DISC 13:
Copland: Fanfare for the Common Man
Copland: Lincoln Portrait
Copland: Appalachian Spring
DISC 14:
Copland: Symphonic Ode
Copland: Preamble for a Solemn Occasion
Copland: Orchestral Variations
DISC 15:
Copland: Appalachian Spring
Copland: Copland Rehearses Appalachian Spring
DISC 16:
Copland: Sonata for Violin and Piano (1942/3) with Isaac Stern
Copland: Duo for Flute and Piano with Elaine Shaffer
Copland: Nonet for String Orchestra
DISC 17:
Copland: Danzón Cubano
Copland: 3 Latin American Sketches
Copland: El Salón México
Copland: Dance Panels
DISC 18:
Copland: The Red Pony Suite
Copland: John Henry
Copland: Music for Movies
Copland: Letter from Home
Copland: Down a Country Lane
DISC 19:
Copland: Symphony No. 3
DISC 20:
Copland: Inscape
Copland: Connotations
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[What We Don't See] Chapter 47: Mi Amor, Soy Tuyo, Para Siempre
Summary:
A decade of waiting, a lifetime of new beginnings. Together with their respective families, Bruno and Gabriela prepare themselves for the future that is to be.
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Written in Gabriela's and Bruno's POV.
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This chapter is inspired by this song: Trío Los Panchos: Aquellos Ojos Verdes
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“Are you ready?” Lucía asks me as she finishes pinning the mantilla into my hair. I stare at myself in the mirror. I’m a little bit older, but wiser. A whole lot more made-up, but still the same. It’s my wedding day. My heart is beating so fast that I almost didn’t hear a word she said.
“Oh, boy, she’s in la-la-land,” Pepa teases. I whip my head to pout at her and she laughs. “Welcome back to earth, sis.”
“Nervous?” Julieta murmurs as she hands me an arepa. “Here, eat this. Trust me, you’ll feel better when you have a bit of food in you. The ceremony can run long, and as much as I love my brother, he’ll panic if you faint!”
“Hey, hey, you three, calm down.” Mirabel laughs. “You’re crowding Tía Gabriela.”
“Ay, but we are her godmothers, Mira." Pepa protests. "We’re looking out for her…”
“I know, Tía Pepa,” Mirabel rolls her eyes good-naturedly. “But I’m the wedding coordinator here, and she’s expected at the church…now.”
I take a quick bite of food and comfort immediately washes over me. “She’s right.” I exhale slowly in between chews. “You guys don’t have to worry. Everything is going to be fine. It’ll be perfect. Thank you for arranging this, even if it was done in a very short time. I’m ready to marry the love of my life…after I finish this arepa.”
Mirabel has an amused smile on her lips while she brushes off the crumbs on my skirt. “I still can’t believe you made this dress, Tía. It’s beautiful. I wish I could sew something like this”
“Thanks, Mirabel. I can teach you next time if you want. I’m just surprised this still fits, even ten years later.”
At that, her voice drops to a whisper. “I’m sorry you and Tío had to wait this long before you’ll get your happily ever after.”
“Hey, Hey…” I squeeze the young girl’s hands in mine. “Mirabel. You don’t have to apologize. No time was wasted. We may have our own things to sort out still and it took long, yes, but your Tío and I are getting married at the right time…because you made it right. For that, I’m grateful. I was right about you from the very beginning. You have a gift. You’re the one who changed the family for the better.”
She beams at me before her gaze turns into one of horror when we hear thunder. “Oh, Pepa!” Lucía and Julieta groan in unison as Pepa begins to drizzle, bawling her eyes out. “You’ll get Gabriela wet!”
“Good thing I came prepared…” Mirabel quickly opens an umbrella and shields me from the rain just as we hear knocking at the door. “Okay, we’re all good now! Is that you, Señor Álvarez?”
“Yes. Can I come in?” Papá's voice answers from the other side. "We're running a little late."
“She’s all ready, just watch yourself, señor. Tía Pepa’s a little emotional right now.” Mirabel giggles and Casita swings the door open. He walks in and the tears start forming in his eyes when it hits him.
My heart flutters like a thousand butterflies.
“Ay, Elitta…” He chokes. “You look beautiful.”
“Thanks, Papá. You look dapper yourself.”
“Of course, I'd want to look my best for my daughter’s wedding…even if I still haven’t forgiven your novio completely. But I can’t complain…he brought you home.” He sniffles. It takes him a while before he can find the right words. “I wish your Mamá is here to see you. She would have loved it.”
“I’m sure she’s here, watching us all,” I murmur. “She always is.”
“That’s true. And she will cry. She had always thought highly of Bruno, and I can see why. He’s brave where it matters despite it all. With family.”
“I know. Don’t worry, he’ll have forever to make it up to everyone, especially me.” I tease and place my hand on my father’s waiting arm. He whimpers, making me fan myself to force my emotions back. Julieta would kill me if messed up my makeup. “Hey, no tears! No tears! I need you to walk me down the aisle, and if you’re a blubbering mess, I would be too.”
++++
“You’re a little bit antsy,” Julián whispers. We’re all at the church, waiting for my bride to arrive. I fidget while we watch my sobrinos and sobrinas running about, preparing the flowers, the music, helping the guests…
“What if I mess this up?” I answer back, the panic evident in my voice. “What if it doesn’t go exactly as planned?”
“Hey, hermano, you’ll do fine. Just breathe.” Félix urges me. “Deep breath in, deep breath out.”
“What if I suddenly get a vision in the middle of the ceremony…?”
I yelp when Agustín grips my shoulders. “You’re not getting cold feet now, are you?”
“What? No!” I squeak. “I can’t wait to marry Gabriela. It’s…it’s why we arranged this wedding in less than a week!”
“No small feat…” He nods. The three of them raise an eyebrow and quickly turn me around. Félix discreetly hands me a flask. I stare at them incredulously. “We’re in a church.” I deadpan. “I can’t be drinking here…”
“Just a sip to calm you down,” Julián nudges me. “We’ll cover you.”
“I don’t know if you three are good influences or not.”
“We’re your godfathers, and we’re telling you now. This will help.”
I groan. “Fine.” I unscrew the cap and take a quick shot. I wince at the burn. “What’s in here?”
“Aguardiente. What else?” Félix shrugs as he takes the flask off my hands and pockets it just as Dolores walks over. She raises an eyebrow and leers at her Papá but says nothing about the forbidden shot of liquid courage. “Get Tío Bruno ready.” She sternly says. “They’re here.”
We immediately straighten up. “You can do this, Bruno.” Agustín encourages me just as the music begins to play. “The future awaits, doesn’t it?”
A hush falls over the pews as the door slowly opens. The slight buzz kicks in and my palms sweat. This is it.
And then time stops.
I feel a blush creep up my cheeks and an indescribable feeling overtakes me. Gabriela floats down the aisle, an angel…no…a goddess, in white. Our eyes are locked with each other, watching, anticipating. She kisses her father on the cheek when they reach the end, and he hands her over to me.
Everything around us blurs. All I can see is her. I barely miss the knowing look Señor Mauricio gives me. It’s not malicious, and I understand it as a warning. But he doesn’t need to worry, because there is no way in heaven or hell would I let her go again. I would spend all of my life making it up to her, to earn my due.
I love her with every fiber of my being.
Padre Flores begins his sermon, but I’m not listening at this point. With our hands entwined I close my eyes, and sure enough, I get a vision. When I open my eyes again, I see Gabriela with her lips slowly curling up into a smile.
She’s seen it too.
Our future couldn’t get here fast enough.
++++
Glossary of terms (in order of appearance in-text):
Aguardiente - a generic term for alcoholic beverages that contain 29% to 60% alcohol by volume. In Colombia, aguardiente is an anise-flavored liquor derived from sugarcane.
Padre - Father
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Jazz Para Ti #61. JPT.T4.2 [Podcast de jazz] Por Pachi Tapiz
Jazz Para Ti #61. JPT.T4.2 [Podcast de jazz] Por Pachi Tapiz
En la entrega número 61 de Jazz Para Ti, del 19 de octubre de 2021, suenan temas de los siguientes discos:
Trineice Robinson: All Or Nothing (4RM Music Productions)
Ángel Unzu Cuarteto: Orain (Moskito Rekords)
Chema Peñalver Big Band: Mode On (Sedajazz Records)
Sam Braysher Trio: Dance Little Lady, Dance Little Man (Unit Records)
Mary LaRose: Out Here (Little (i) Music)
No-Land Trio: Irudiak…
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#4RM Music Productions#Absolutely Sweet Marie#Angel Unzu Cuarteto#Chema Peñalver Big Band#Dennis Rea#Errabal Jazz#Jazz Para Ti#Little (i) Music#Mary LaRose#Moonjune Records#Moskito Rekords#No-Land Trío#Pachi Tapiz#Sam Braysher Trio#Sedajazz Records#Tiger Moon Records#Trineice Robinson#Unit Records#Valmuz
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24 February - The Lakes Region: Puerto Varas
My trío of lakeside towns was completed with a five day stay in pretty Puerto Varas, the second place I was to return to five years later. It was a nice feeling to arrive somewhere that felt familiar and a place that I liked very much. Puerto Varas was the start of the Chile/Argentina lakes cycle tour, and I returned with Lucy and Mat at the end of the tour to celebrate New Year's Eve here. After one too many gintonics and pisco sours we enjoyed the fireworks over Lake Llanquihue, while joining the traditional chilean NYE pastime of wearing colourful face masks, complete with flashing lights. Then in the early hours a merry stagger along the unlit disused rail line back to our B&B. Very fond memories remain of that night!
Little appears to have changed other than more development where land allows, and the weather, which during the whole five days prevented the views I was treated to in 2017 across the lake of the impressive snow capped peaks of the two volcanoes, Puntiagudo and Osorno. I stayed in the fun La Guapa Hostel, where for the first time since leaving Santiago I met international travelers. It was great to hang out with a mix of chilenos and others from around the world, including marathon training Vicente and the endearing Mayo. I was still to encounter a Brit in my accommodation. The place was perfect for recommendations for my onward journey south to the Carretera Austral in Patagonia, which is expected to be the highlight of this visit, where I'll return to stunning landscapes I merely got to pass through on long bus journeys five years ago.
The heavy showers and rain continued during most of my stay, so again I took advantage of taking shelter to enjoy a decent coffee or the good quality food the town is known for. I took the hostel advice the first day and experienced a huge lunch in the local institution named Donde El Gordito (Where The Chubby Are!), a cosy and cluttered family owned restaurant stuck in the past and decorated with all sorts of nick-nacks, but run by chatty and entertaining granny types.
I did though take advantage of a better weather day and head to Petrohue, which we cycled to five years ago before taking a boat across the Todos Los Santos (All Saints) Lake and into Argentina. Again, very fond memories as I returned. This time though it was a four hour circular hike along the side of the Osorno Volcano and back via the shore of the lake, where I was come across one of the pretty Andean foxes exploring the beach. Of course, I took the opportunity for a beautiful swim in the clean water of the glacier meltwater fed lake. During my Puerto Varas stay there were also swims in Llanquihue Lake, one in the waves while the red flags flew tut tut, and another calm water one between showers in Llanquihue town itself.
Of course there was also some railway anoraking to be had. Passenger trains last ran through Puerto Varas over 15 years ago. It's now the perfect direct walking route to other towns along the lake. There is (and has been for a number of years!) talk of reintroducing services to the nearby large city of Puerto Montt, something that the new president Boric has talked about too. Meanwhile, the rotting station, tracks and infrastructure is used for a combination of street art, graffiti, litter, skateboarding and rough sleeping. I had to laugh at the sign outside referring to it as an architectural icon and cultural centre! It's fair to say that a lot of work will be required ahead of any future reopening.
While in Puerto Varas I was to learn more of the escalation of the senseless attack on Ukraine, and of the anxiety of my Polish friend Kajetan, living very near to the border with Belarus, who's doing his best to help those escaping to Poland. The current situation in Europe is clearly tainting my enjoyment here; I feel uncomfortable knowing of the terrible suffering of people while I continue enjoying my travels here.
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I’ts okay to not be okay
Es un kdrama que definitivamente tienes que ver.
Desde mis inicios en los kdrama por el 2014 ya era notorio para mí el esfuerzo y las historias de calidad en estos dramas. Comencé con los kdramas, di un paso por los japoneses (doramas), así como los dramas chinos, taiwaneses y actualmente los tailandeses. Admito que lo mío no son, al menos por el momento, los doramas (dramas japoneses), son los únicos de los que acabo de mencionar que no he visto más de unos pocos. Ciertamente prefiero los mangas y los animes.
Volviendo al punto, desde 2014 habiendo atravesado por otros dramas de los que les hablaré en su momento, este año “It’s okay to not be okay” se ha ganado un lugar muy especial en mi corazón, casi a la par de “Crash landing on you” (con su muy... interesante nombre en español “Aterrizaje de emergencia en tu corazón”), del cual también planeo hablarles después.
Les juro que sí es una reseña sobre este drama, aunque me vaya por las ramas.
Puntos buenos:
It’s okay to not be okay tiene un OST que si digo que es hermoso se queda corta la palabra, tan solo búsquenlo en Spotify o youtube, seguro lo encuentran. Confieso que mi canción favorita de la lista se volvió “In silence” de Janet Suhh pero es que les reto a leer la letra y escucharla cuando estén tristes y díganme si no les remueve algo ahí en su pequeño corazoncito.
Yo no sé nada de fotografía ni ningún término sobre dirección o ángulos pero los escenarios son HERMOSOS. Los vestuarios de Ko Moon Young son una preciosidad que, claro, muchos de ellos solo se le verían bien a alguien tan hermosa como lo es Seo Ye Ji, que lo que lo tiene hermosa lo tiene de talentosa. Estoy gratamente sorprendida de su actuación en el drama, su forma de expresar y darle vida a Ko Moon Young hace que ni siquiera te puedas imaginar a otra actriz con ese papel. Simplemente no.
Sus personajes. Comencemos con Ko Moon Young que puedo asegurar que más de uno se sintió identificado con ella aun con su forma de ser tan compleja y en ocasiones conflictiva. A veces también te llegas a sentir que eres una lata vacía. A veces también estás solo pero no quieres decirlo. A veces también te duele.
Y creo que eso lo aprenden todos, como Moon Gang Tae quien es todo un personaje. De nuevo aplaudo el grandioso trabajo que realizó Kim Soo Hyun al darle vida a su personaje con una habilidad envidiable. Le aplaudo tanto como a Oh Jung Se (Moon Sang Tae) y, de nuevo, Seo Ye Ji. Son un trío cuyos personajes tienen un desarrollo impresionante a lo largo de todo el drama y es que no solo ellos crecen emocionalmente, tú lo haces con ellos y sientes que puedes verte en su dolor, su intento por hacer las cosas bien pero con esa sombra sobre ellos.
Esa sombra en el caso de Gang Tae de verse como alguien hipócrita, dejando su vida de lado como si estuviese pagando sus pecados en vida, como si fuese un preso con condena eterna. Y es que trata el tema de lo complejo que puede ser no solo para un niño, sino para cualquiera el entender un trastorno mental y cómo es que tú o alguien que conoces viva con él. Y cómo las personas a su alrededor muchas veces no están preparadas para ello.
Puedo hablar mucho sobre los personajes pero se extendería demasiado así que quizá después desarrolle otra entrada ya que me gustaría saber más opiniones no solo sobre los personajes principales, sino sobre las historias secundarias.
¡Nos vemos!
Nota: las imágenes (edits) no son mías, las encontré por internet y no recuerdo de quién eran. :( Si lo saben me dicen para mencionar a los creadores.
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Ocho historias de mujeres (y II)
[Viene de la entrada anterior]
[Clara Schumann, nacida Wieck]
6. Clara Schumann (1819-1896). Esa distinción entre música masculina y femenina, gravitó también permanentemente sobre la obra de Clara Wieck, hija de un profesor de piano que la convirtió en una de las grandes virtuosas del instrumento en todo el siglo XIX.
Debutó con sólo nueve años en la Gewandhaus de Leipzig y a los once se cruzó en su vida Robert Schumann, que había ido a estudiar con su padre. La pareja sentimental más famosa de la historia de la música se formó y consolidó en los años siguientes. Robert y Clara acudieron incluso a los tribunales ante la oposición del padre a su matrimonio, que en un gesto desafiante muy notable celebraron un día antes de que ella cumpliera los 21 años, límite legal para su emancipación. Con el tiempo, Friedrich Wieck aceptaría la unión. La pareja tuvo ocho hijos, pese a lo cual Clara no abandonó su carrera de concertista que en la época incluía por supuesto la composición, pues los virtuosos debían de ser capaces tanto de improvisar como de presentar sus propias obras. Como reconoce Beer, la figura de la mujer como intérprete estaba ya plenamente aceptada en la época. Una anécdota resulta significativa al respecto. Robert acompañó a su esposa en muchas de sus giras. Una vez, en Rusia, al final de una actuación, un príncipe local se acercó entusiasmado a saludar a la pianista, quien le presentó a su esposo. “Ah, ¿y usted también es músico?”, preguntó el aristócrata. Pero las convenciones de su época condicionaron la tarea creativa de Clara. “Una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?”, llegó a escribir en su diario. Pese a ello, dejó varias decenas de canciones y piezas pianísticas así como un concierto para piano(escrito a los 13 años y con el que tuvo gran éxito) y un trío que hoy suele grabarse e interpretarse muy a menudo. Clara sobrevivió cuarenta años a Robert. Nunca volvió a casarse. La naturaleza de sus relaciones con Johannes Brahms nunca ha sido del todo aclarada.
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[Lili Boulanger, muerta en plena juventud]
7. Lili Boulanger (1893-1918). Nieta de una famosa cantante, hija de un compositor que había ganado el Premio de Roma a los 19 años y hermana pequeña de Nadia, que marcó como profesora a generaciones de compositores durante más de medio siglo, la vida de Lili Boulanger estuvo condicionada por la enfermedad.
Resulta ciertamente incomprensible que Anna Beer afirme que “los síntomas físicos de una enfermedad incapacitante y en última instancia mortal se han ocultado a conciencia”, cuando es lo primero que se destaca en cualquier acercamiento a su vida, como inescrutable que diga que sobre ella, a su juvenil muerte, se cernió la sombra de la cortesana sin aportar ni un solo testimonio sobre la cuestión (ni siquiera un chisme). Lili fue ante todo una mujer libre y con un talento universalmente reconocido. Fue la primera mujer en ganar el Premio de Roma y su música tuvo siempre una alta consideración de la crítica. Es cierto que la fragilidad de su salud se unió con cierta frecuencia a esa idea de la delicadeza del eterno femenino, pero hoy día su obra está plenamente asentada. Dejó inconclusa una ópera sobre textos de Maeterlinck en la que empezó a trabajar en 1911. Del resto de su producción, no demasiado amplia por razones obvias (murió antes de cumplir los 25 años), destacan sus obras corales (algunas de las mejores, de naturaleza religiosa) y sus canciones, aunque dejó también piezas de cámara y sinfónicas.
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[Elisabeth Maconchy]
8. Elizabeth Maconchy (1907-1994). Nacida en Inglaterra, formada entre Dublín y Londres, Maconchy sobrevivió a una tuberculosis contraída a los 25 años y aunque uno de sus pulmones quedó seriamente dañado, tuvo una vida larga y de notable independencia artística.
Discípula de Ralph Vaughan Williams, Maconchy ganó becas y distinciones a lo largo de su carrera para acabar siendo nombrada Dama de la Orden del Imperio Británico en 1977. Casada desde 1930 con William Le Fanu, en quien siempre encontró apoyo y estímulo, su carrera musical está marcada por su férrea disciplina, su altísimo sentido autocrítico y unas influencias que iban de Bartók a Schoenberg. Su primer gran éxito fue una obra sinfónica, The Land, que se estrenó en los Proms en 1930, pero son sus trece cuartetos de cuerda compuestos entre 1933 y 1985 los que más elogios unánimes han encontrado. Su obra es muy amplia, incluyendo ballets y óperas breves, una de ellas (El sofá) de un erotismo muy descarnado. De las ocho compositoras cuyas vidas se cuentan en este libro es posiblemente la menos difundida hoy en relación al volumen y peso de su obra y ello puede deberse a diversas circunstancias. Republicana, izquierdista y autora de una música en general austera y no fácil de escuchar, Elizabeth Maconchy nunca fue una compositora cómoda ni amable ni en el Reino Unido ni fuera de él.
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Ignoro quién ha aconsejado a Anna Beer ni cuáles han sido los criterios que la han llevado a seleccionar para las ocho protagonistas de su obra a algunas de las compositoras más conocidas y difundidas de la historia de la música, aunque sospecho que la existencia de bibliografía suficiente para documentarse y escribir sobre ellas ha tenido algo que ver. Eso debería haberla alertado y llevarla a pensar que quizás su tesis no era tan consistente como ella pensaba. Pero lo cierto es que tenía a su disposición otros nombres de magníficas compositoras que podrían haber hecho más justicia al subtítulo de su libro. Propondré al curioso lector ocho alternativas: Kassia, Chiara Margarita Cozzolani, Isabella Leonarda, Maria Antonia Walpurgis de Baviera, Anna Bon di Venezia, Louise Farrenc, Elfrida Andrée, Ruth Crawford.
Ancha es la red, y está llena de música.
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En la edición de papel de Diario de Sevilla se ha publicado hoy, domingo 7 de julio, una edición abreviada y algo distinta en dos páginas: 1 y 2.
[Armonías y suaves cantos. Las mujeres olvidadas de la música clásica. Anna Beer. Traducción de Francisco López Martín y Vicent Minguet. Acantilado, Barcelona, 2019. 426 páginas.]
LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY
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Domingos de cine
En un barrio de Nueva York- In the Heights
(Esta reseña ha sido publicada en: filmaffinity en un barrio de nueva york romulo)
No puedo evitarlo, me gustan, me encantan los músicales. Ya en mi adolescencia veía hechizado las elegantes evoluciones de Fred Astaire, junto a sus compañeras de baile Ginger Rogers o Judy Garland; recuerdo a otros grandes actores y bailarines como Tommy Rall, Gene Kelly, Cyd Charisse (toda ella sensualidad y dueña de un cuerpo cincelado sobre las piernas más bonitas de Hollywood), Donald O’Connor o Dan Daley en inolvidables películas como “Cantando bajo la lluvia”, “Siempre hace buen tiempo” o “Melodías de Broadway”; más adelante “West Side Story”, tal vez el más brillante musical de la historia del cine, supuso el descubrimiento de que la sensibilidad y la belleza habían alcanzado su máxima expresión a través del talento coordinado de un trío inolvidable: Robert Wise, Leonard Bernstein y Ernest Lehman, director, músico y guionista respectivamente; y después le siguieron “My fair lady”, “The Sound of Music”, “Cabaret” “Moulin Rouge” o “Chicago” y, más recientemente, la chispeante “La La Land”, sólo por nombrar aquellas que repentinamente acuden a mi memoria pues de otro modo la lista se haría interminable.
De ahí mi entusiasmo al ver en cartelera el estreno de “En un barrio de Nueva York”, que como otros muchos musicales vieron la luz en los teatros del Broadway neoyorquino antes de ser llevados al cine.
La historia tiene como escenario el barrio de Washington Heights, en el Harlem norte de Manhattan, situado entre la 120 y la 200 aproximadamente. Un lugar, hablo con conocimiento de causa, ruidoso, bullanguero, pero acogedor y extremadamente seguro, habitado, casi en su totalidad, por afroamericanos e inmigrantes latinos -o descendientes de éstos-, especialmente dominicanos.
La película abre con un precioso y espectacular número musical de ocho minutos en el que nos muestra el jubiloso despertar de la vida del barrio en un día cualquiera. La expresividad de sus personajes, su explosiva vitalidad, el colorido, la maravillosa ambientación y una combinación, tan absorbente como contagiosa de rap, salsa, merengue y soul, forzosa e inevitablemente enriquecida por la influencia de la cultura americana, me atrapan durante sus dos horas de duración.
Entrañables personajes como Usnavi, Vanessa, Nani, Sonny o Claudia, luchan denodadamente contra viento y marea tratando de salvar las barreras raciales para así lograr una vida mejor y poder ver cumplido el sueño americano.
Y al terminar, tengo la agradable sensación de que, tal como ocurría en mi juventud, al volver a la vida real, el mundo será mejor, infinitamente más justo y amable, hasta que la quimérica falacia de la ensoñación me despierta de nuevo.
Emilio Castelló Barreneche (Barcelona, domingo, 10 de abril de 2022)
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The Human Switchboard fue un trío de Akron, Ohio, formado por Myma Marcarian (voz, farfisa), Robert Pfeifer (guitarras) y Ron Metz (batería). Publicaron un EP en 1977, dos singles 78-79, un LP en directo en 1980, uno de estudio en 81 y una casete Roir en 82. Se separaron en 1985 tras grabar unas demos para Polydor que se archivaron. No volvieron a juntarse nunca más. Fue uno de los mejores grupos de la ciudad. Su único LP de estudio está bastante bien porque lo sacó Faulty Records, si lo llega a hacer una multi lo desgracia seguro con alguna producción equivocada- rebajada. Es gracioso, en la canción titular “Who's Landing in My Hangar?” parece como si la Marcarian se fuera a arrancar con la melodía de “Dancing In the Dark” de Bruce Springsteen en cualquier momento. No vaya a ser que “el jefe” la escuchara y se le quedara grabado en el coco el dibujo farfisero...
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Las 10 peores series de 2019
Cuando llega diciembre nos volvemos reflexivos. Es la época del año en la que echamos la vista atrás y, como decía Mecano, hacemos el balance de lo bueno y malo. Si has entrado en este post, ya sabes que toca sacar punta a todo despropósito, decepción o desastre que hemos tenido la desgracia de disfrutar durante este año que se termina.
Como la lista no daba para más, se nos han tenido que quedar algunas en el banquillo. Si te falta alguna, puedes dejarla en los comentarios, que rajar siempre es mejor en compañía:
10. The Umbrella Academy (Netflix)
Puede sorprenderos que metamos uno de los grandes éxitos de la temporada en Netflix en esta lista pero es que si nos deshacemos del hype del momento la serie tiene muchas carencias. Tiene un desarrollo muy lento, y se sustenta, casi todo el tiempo, en conocer a los hermanos con poderes, lástima que sólo Klaus, Number 5 y Vanya sean más o menos interesantes. Además, el gran giro final con el personaje de Ellen Page siendo el más poderoso de todos se ve venir desde que en el primer episodio nos repiten una y otra vez lo 'ordinaria' que es.
9. Game of Thrones (HBO)
La serie de HBO es fácil una de las mejores series de todos los tiempos. No os lo negamos, que tenemos ojos en la cara y hemos disfrutado como los que más del intricado viaje de George R.R. Martin. Pero la última temporada ha sido muy "meh". Teníamos tres bloques narrativos que dividir en tan solo seis episodios, nos liquidan a los Caminantes Blancos sin casi bajas, la noche larga dura medio minuto, nos matan a la villana de la serie de una mala pedrada y revientan el giro dramático de Daenerys por las prisas. Lo sentimos mucho pero estas cositas no se olvidan.
8. Élite (Netflix)
Élite sufre el síndrome 13 Reasons Why, mantener una segunda temporada solo con la excusa de ver cómo investigan el asesinato de Marina es "complicado". Te das cuenta, y añades a tres personajes nuevos para que nos entretengan con tramas secundarias, algunas muy limitadas, para acabar mareando la perdiz hasta tal punto de que tienes una temporada tres por delante y el mismo conflicto sin resolver. ¿De qué ha servido esta temporada aparte de para saber que los macarrones son afrodisíacos entre los teen?
7. What/If (Netflix)
Por aquí la conocemos como Dilema pero nosotros tenemos bastante claro que se merece un puesto en esta lista. Teníamos unas mínimas esperanzas puestas en ella porque queremos a Renée Zellweger y el creador de la serie nos dejó el mejor culebrón reciente (Revenge). Pero es que es demasiado incluso para nosotros. Lisa (Jane Levy) es la creadora de un startup que con la financiación adecuada puede salvar la vida de muchos niños, el dilema viene cuando Anne Montgomery (Zellweger) le ofrece el dinero a cambio de que la deje usar a su marido para unos asuntos top secret.
6. Now Apocalypse (Startz)
Now Apocalypse cuenta la historia de un grupo de jóvenes desesperados por sexo y por alcanzar sus sueños en la complicada Los Ángeles. Entre líos de camas, tríos, apps de ligar y demás herramientas, se visten de vez en cuando porque tienen que frenar una posible amenaza extraterrestre. Amenaza que consiste en que, y dejadme que lo explique, unos extraterrestres medio reptiles están violando a los sin techo. Casi se me caen los dedos de escribir semejante argumento, eso sí, si os apetece ver buenos cuerpos, aquí los vais a tener.
5. Weird City (YouTube)
Weird City es, para que nos entendamos, el intento de YouTube Premium por hacer su propio Black Mirror del humor. La serie está ambientada en la ciudad futurista de Weird, que será el hilo conductor de las historietas de algunos de sus habitantes. La sociedad está divida en dos clases: los que están sobre la l��nea y los que están debajo. En historias episódicas vemos cómo intentan hacer humor sobre temas tan novedosos como las apps para ligar, el sexting o los ricos que quieren "ayudar" a los pobres. Quizás hubiese sido mejor explorar esta distopía con una serie al uso y no antológica. No lo sabremos.
4. 13 Reasons Why (Netflix)
Casi os hacemos spoiler al hablar de Élite pero es que este puesto va estar casi garantizado hasta que decidan cerrar la serie o hasta que nos cansemos de odiarla, lo que venga primero. Si una serie no necesitaba una segunda temporada, aunque estuviese ligada a la historia original, imaginaos una tercera con mismo reparto pero distinto drama. Una temporada en la que tras el asesinato de Bryce, el violador y villano principal de las dos primeras entregas, la serie nos intenta vender una historia de redención en la que pretenden que nos sintamos mal por el pobre violador. Por ese camino no se va a ningún lado, y menos ahora.
3. Fear The Walking Dead (AMC)
Esta entrada en la lista me duele pero es que se lo ha ganado a pulso. La cuarta temporada había presentado un lavado de cara más o menos interesante y la quinta tenía que demostrar que podría continuar sin caer en los errores de la serie madre o en sus propios vicios. Spoiler Alert: Morgan no es un buen protagonista. Lo siento, por mucho que se empeñen, esta serie ha sido desde hace mucho tiempo la serie de Alicia, y si Morgan ya resultaba cargante con sus apariciones en The Walking Dead, sus dilemas morales continuos aburren a los walkers. Una estructura que da vueltas a lo mismo y con unos 10 de 16 episodios totalmente prescindibles la hacen merecedora de este podio.
2. Instinto (Movistar +)
Instinto es una serie que podría haber funcionado por dos razones: te gusta Mario Casas o te gusta Fifty Shades of Grey. Incluso si te gusta la segunda puedes encontrarle muchos peros porque es una versión de baratillo, y eso que la "original" no es para tirar cohetes. La serie parece una excusa perfecta para desnudar al protagonista mientras tiene que lidiar con los fantasmas de su pasado, un contexto familiar que es un cuadro y un descubrimiento final que justifica su adicción al sexo de una manera muy creepy.
1. The I-Land (Netflix)
Este el ejemplo más exagerado del meme de los pedidos de AliExpress. Todavía no entendemos la manía que tienen por encontrar a la nueva Lost. Si esta tuvo tanto éxito fue porque era original y los secretos de su isla y el pasado de sus protagonistas tenían mucho jugo. The I-Land es una prisión para unos delincuentes con amnesia que tienen que convivir entre ellos mientras su verdadera naturaleza sale a la luz. La isla acaba siendo una escabechina que ni en los Hunger Games porque casualmente todos son catalizadores de todos. Un experimento fallido de Netflix que encima se estrenó en plena polémica de cancelaciones como The OA o One Day At a Time.
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LEIF OVE ANDSNES
MOZART MOMENTUM 1785
Nuevo álbum hoy disponible. Además, el primer vídeo de la serie de vídeos Mozart Momentum "Piano Land Vienna" en SONY CLASSICAL YOUTUBE.
Conoce a Mozart en Viena y descubre cómo el compositor tuvo que ser cada vez más inventivo para distinguirse y ganarse el cariño del público.
Consigue el álbum AQUÍ
Mira el vídeo AQUÍ
"Cuando te das cuenta de lo rápido que Mozart evolucionó durante los primeros años de la década de 1780, te preguntas: ¿cómo ha ocurrido? ¿Qué estaba pasando? Su creatividad se dispara en ese momento", dice Leif Ove Andsnes.
En 1781, con 25 años, Mozart se atrevió a ir por libre: "¡Viena es la tierra del piano!" exclamó en una carta a su padre, Leopold, en un intento por justificar la renuncia a su empleo del arzobispo de Salzburgo. Con conciertos diarios en lugares públicos o privados, Viena era el lugar perfecto para el ambicioso joven compositor y músico, que rápidamente se dio cuenta de las oportunidades que le ofrecía la ciudad. Un par de años más tarde ya era uno de los músicos más famosos de Viena, pero hacia 1785 apareció la competencia. Según llegaban más y más compositores talentosos a la ciudad, los independientes como Mozart tenían que ser más creativos para distinguirse y ganarse la atención del público. Fue en estos dos años --1785 y 1786-- que la imaginación musical de Mozart floreció como nunca antes.
Mozart escribió una serie de obras maestras y revolucionó la esencia del concierto de piano. Los cinco conciertos de piano, Nos. 20-24, son piezas fundamentales en el cambio de la forma. Mozart comenzó a reexaminar los papeles del solista y la orquesta y creó un diálogo entre estas dos entidades de una forma totalmente nueva. "Cambia completamente con el Concierto de Piano No.20 de Mozart [en re menor K466]," dice Andsnes. "Separa más al solista de la orquesta. La primera entrada del solista en esta pieza es diferente a lo que has escuchado presentar a la orquesta. Este es el momento que apunta al futuro y la evolución del concierto de piano y del comienzo del concierto de piano romántico, que es tan apreciado. Todo desde Tchaikovsky, Grieg y Rachmaninov, donde el solista tiene una especie de papel "heróico." Empieza aquí con Mozart."
En los cuatro trabajos siguientes, Mozart exploró exhaustivamente la forma del concierto y llevó a sus seguidores vieneses hasta el limite de la emoción. "Había una nueva energía creativa en el aire," dice Andsnes: "Mozart parece haberse adentrado cada vez más en el lenguaje y sus posibilidades e intentó nuevas técnicas. "No conozco otra música que ofrezca tanta diversidad emocional."
Mozart Momentum 1785 es el primero de dos lanzamientos que exploran estos años especialmente destacables. Incluye los conciertos de piano Nos. 20-22, el Cuarteto de piano en sol menor, Música para un funeral másónico y Fantasía en do menor para piano solista.
"La idea de este proyecto es explorar la diversidad de lo que estaba pasando en la vida creativa de Mozart en ese momento; mostrar que una separación entre la interpretación solista, la interpretación de música de cámara, y la de concierto, no es realmente importante," dice Andsnes. "Te das cuenta de que algunas partes de piano en la música de cámara son de más virtuosismo que aquellas de los conciertos. Todo va de la mano."
Leiv Ove Andsnes se embarcará en esta nueva aventura junto a una compañera de confianza: La Orquesta de Cámara Mahler. Su proyecto anterior de conciertos --los cinco conciertos de piano de Beethoven-- incluye grabaciones que ganaron el premio al Disco del año de BBC Music Magazine, fueron nominadas a los Premios Gramphone y fueron aclamadas como nuevos estándares de referencia. "Esta colaboración es mucho más que una interpretación excepcional; hay una sensación palpable de descubrimiento, de experimentación de la música," dice Gramophone Magazine. The Guardian dijo: "Es difícil encontrar un pianista y una orquesta que se acoplen mejor."
El segundo álbum doble, que se centra en el año 1786, incluirá los conciertos No.23-24 de Mozart, el Cuarteto de piano en mi bemol, el Trío para piano en sol menor y Rondo en re para piano solista. El proyecto Momentum Mozart también viene acompañado de giras de conciertos por toda Europa.
REPERTOIRE
ALBUM 1 - 1785
Piano Concerto No. 20 K 466
Piano Concerto No. 21 K 467
Piano Concerto No. 22 K 482
Masonic Funeral Music
Fantasia for Piano in C minor
Quartet in G minor for Piano and Strings
ALBUM 2 – 1786 Fall 2021
Rondo in D for Keyboard
Concerto in A for Piano, No. 23
Concerto in C minor for Piano, No. 24
Quartet for Piano and strings in E flat
Piano Trio No 2 in G
Scena and Rondo for Soprano “Ch’io mi scordi di te?”
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Blog post por Wakana 25/09/2019 【今日はくに子の日だ！！！！！！】
Blog post original: Wakana Fan Club
Traducción original al inglés: Putschki1969
『¡¡¡¡¡¡Hoy es el día Kuniko!!!!!!』
Recientemente he estado grabando un montón y haciendo algunas tomas de video.
Fueron unas tomas que incluían varias locaciones al aire libre, así que mi mayor preocupación era… el clima… Sí, el clima… estamos hablando de mí después de todo. Pronosticaron lluvias durante toda la semana del rodaje. ¿Por qué? *suspiro*
El clima pronosticado para la semana siguiente al rodaje fue encantador (hasta los miembros del staff se ven afectados por mi mala suerte)
¡Sin embargo! Nuestro camarógrafo siempre trae la luz del sol con él, así que gracias a él, el clima terminó siendo bueno. *risas* \(^o^)/ ¡Gracias al cielo! ( ｡ﾟДﾟ｡) Por favor, esperen al día en que puedan verlo.
Hola, soy Wakana (0￣▽￣0)／
Supongo que he tenido que vivir con mi mala reputación, pero eventualmente todo salió bien.
El 14 de septiembre, ¡se llevó a cabo mi primer evento del club de fans Botanical Land 「Wakana Botanical Land “Music Party Vol.1”」! Hay una distancia muy pequeña entre las sillas del público y el escenario en el Hamagin Hall. ¡La acústica era hermosa! Originalmente se planeó como un “Concierto/Charla” pero quería que todos se llevaran una sorpresa… Eventualmente terminé cantando un total de 13 canciones durante las presentaciones del día y la noche. Terminó por ser más un “concierto” que una charla. (De hecho, estaba pensando cantar dos canciones más, pero debido al límite de tiempo, no pude *llanto*) Fue muy divertido pensar en un setlist con muchas sorpresas.
Ya que había tomado un descanso más bien largo desde mi gira de primavera, decidí hacer algo con un poco más de variedad sin estar atada por ninguna fórmula. Quería presentarles un sonido nuevo, algo diferente de lo que han oído en mis anteriores giras y el álbum. Fue un reto personal para mí. Estaba ansiosa respecto a si todos estarían satisfechos con ello.
De cualquier forma, me divertí mucho durante las preparaciones. Lo disfruté mucho y pensé que era fascinante. Durante los ensayos sentí una sensación de alivio. Me gustaría agradecerle a Takebe-san y a Toyama-san por apoyarme y traer todas mis ideas a la vida.
(aquí hay una fotografía en grupo luego de nuestro ensayo) & (trío con lentes )
Sentí ganas de hacer cosas “inesperadas”, quería ofrecer una presentación que no pudieran haber imaginado. Realmente me gustó tener ese valor de varias maneras.
Durante este concierto me di cuenta una vez más de que quiero cantar para todos ustedes, quiero sorprenderlos, quiero transmitir música que les agrade.
(de izquierda a derecha: Guitarra – Tetsuro Toyama; Voz – Wakana; Piano – Satoshi Takebe. Tratamos de vernos como una verdadera banda cuando se tomaron estas fotografías.)
Este fue mi vestido para la presentación del día, y este fue el de la presentación de la noche.
¡¡¡A todos, muchas gracias por asistir!!!
Estoy muy apenada. Olvidé tomar una fotografía en la presentación del día (；＿；) Pero aquí hay una foto del final de la presentación nocturna junto a todos los fans.
Mis disculpas a todos los que asistieron a la presentación del día (T^T)
Si tengo otro evento como este, por favor asegúrense de venir. Entonces me aseguraré de tomarme una fotografía con ustedes. Y si de pronto lo olvido, por favor griten, “¡¡¡FOTO!!!” *risas*
Mientras aún recuerdo mi evento con el club de fans, ¡mis próximos conciertos ya han sido anunciados!
[Wakana LIVE]
【Osaka】
Fecha y Hora: Diciembre 8, 2019 (Domingo)
①Apertura 14:30 / Inicio 15:00
②Apertura 18:00 / Inicio 18:30
Lugar: Umeda Club Quattro (Plaza Umeda 10F, 8-17 Taiyoji-cho, Kita-ku, Osaka-shi, Osaka)
【Tokio】
Fecha y Hora: Diciembre 10, 2019 (Martes)
①Apertura 15:00 / Inicio 15:30
②Apertura 18:30 / Inicio 19:00
Lugar: Akasaka BLITZ (Akasaka Sacas, 5-3-2 Akasaka, Minato-ku, Tokyo)
El 8 de diciembre traten de recordarlo de esta manera => “Díaワン！ニッパー！” (El perro mascota de Victor Entertaintment Nipper-kun)
[ワン (onomatopeya de perro) = wan = one = 1; ニ (dos) = ni = 2; パ (ocho) = pa = 8]
El 10 de diciembre traten de recordarlo de esta manera => “Cumpleaños de Wakana” (lo siento, no se me ocurrió algún juego de palabras)
Entren aquí para los detalles ♪
https://wakana-fc.jp/contents/270192
¡Y estaré presentándome en el live show de Takebe-san en noviembre!
[Satoshi Takebe’s Premium Duo Session Special Vol.9] Satoshi Takebe x Wakana
Fecha y Hora: Noviembre 23, 2019 (sábado)
Día: Apertura 15:45 | Inicio 17:00
Noche: Apertura 19:00 | Inicio 20:15
Lugar: JZ Brat SOUND OF TOKYO 26-1, Cerulean Tower Tokyu Hotel, 26-1 Sakuraokacho, Shibuya-ku, Tokyo 150-0031
¡Por favor esperen esta sesión especial de piano y voz!
Recuerden, es el 23 de noviembre. Aquí hay un recordatorio sencillo ~”Día de 良い兄さん”
[良い(bueno) = ii = 11; 兄 (hermano mayor) = nii = 2; さん(honorífico) = san = 3]
Entren aquí para los detalles ☆
https://wakana-fc.jp/contents/270195
Y por último… hoy es septiembre 25, Día Kuniko, ¡¡¡Día Kuniko!!! ¡La fecha de lanzamiento de mi Blu-ray 「Wakana Live Tour 2019 ～VOICE～」! ¡Por favor, véanlo! (((o(*ﾟ▽ﾟ*)o))) El día Kuniko terminó por ser un gran día con muchos anuncios.
Hasta la próxima vez ~ ☆ (* ‘▽ ’ *) /
*** Wakana ***
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JazzX5 0214. No-Land Trio: "Araia"[irudiak (2021)] [Minipodcast]
JazzX5 0214. No-Land Trio: “Araia”[irudiak (2021)] [Minipodcast]
Por Pachi Tapiz.
“Araia”
No-Land Trio: irudiak (Errabal Jazz, 2021)
Jorge Fernández, Juanma Domínguez, Aitor Bravo
© Pachi Tapiz, 2021
JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz.
JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019.
Todas las entregas de JazzX5 están disponibles en https://www.tomajazz.com/web/?cat=23120 /…
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Darkened Nocturn Slaughtercult – Atrexial – Tromort
La noche del Viernes 1 de Febrero de 2019 fue una muy memorable y digna de recuerdo para los fieles asistentes que acudieron a la Sala We Rock apoyando al evento que nos tenía preparado Chroma Nation.
Ni el ser viernes y lo que conlleva el cansancio físico acumulado de toda la semana, ni el temporal tan frío hizo que los habituales pronósticos de asistencia sea el mínimo por parte de los fans amantes, en este caso del Black/Death Metal en la capital. Todo lo contrario…
TROMORT
El show empezó a eso de las 21h00 con TROMORT, banda de Death Metal madrileño formada en 2011, que volvía a pisar los escenarios después de un parón, por lo que pudimos conocer.
La sala bastante llena recibía al cuarteto y eso ayudó mucho a que los integrantes se sintiesen más que a gusto para empezar la velada.
Para muchos “puristas” este estilo no es bien aceptado, como otros géneros más underground al ser interpretados en español, pero esta gente lo defiende a capa y espada, y la verdad que lo hacen muy bien.
Esa noche los conocí y definitivamente se me queda su nombre en mi mente y en mi corazón metalero.
Sin concesiones ni parafernalias pusieron todo lo mejor de ellos para demostrar que a pesar de su tiempo en standby de óxido no tenían nada , al contrario, hasta “movimientos de cintura” nos regaló su frontman Manolo, quien en todo momento estuvo a la altura, sin dejar de lado su buen humor entre tema y tema.
Su descarga estuvo basada en su último trabajo de 2017 “Camino de Sangre”, sin olvidar temas de su primer trabajo editado en 2013 “Creación Profana”.
Actitud demoledora en las guitarras a cargo de Juan y Agus, con unas composiciones que te trasladan a ese buen Death Metal de la Old School hecho por Entombed, Unleashed o Dead Congregation.
Su bajista Óscar acompañaba esos riffs pesados machacones en donde los cambios de tempos progresivos hacían que nuestros cuellos se moviesen solos junto a esa batería controlada por Jaime, poniendo así la Sala We Rock “patas arriba”… Y así se caldeó la noche!
Una verdadera joya en el panorama nacional estos chicos de TROMORT!!
Enhorabuena por su show en directo y nos quedamos pendientes de que confirmen nuevas fechas para seguirles la pista.
Setlist:
Tártaro
No tendrá piedad
Descanso Eterno
Origen
Ansia
Camino de Sangre
El Hambre
ATREXIAL
Joven banda proveniente de Barcelona que vinieron a presentarnos a la capital su trabajo editado en 2017 “Souverain”.
Cuarteto que nos brindó un Black Metal fresco con muchos tintes de Death metal.
Los riffs atronadores y composiciones del guitarrista y miembro fundador de ATREXIAL, Naga S. Maelström (ex Cauldron se fusionaban de forma perfecta con el resto de sus miembros, pero sobre todo nos sorprendió tanto él como su compañero a la batería, Labelua por su técnica y rapidez.
Composiciones a las cuerdas que se agradecen y se valoran en grupos jóvenes que quieren demostrar que la savia oscura de la escena puede aportar nuevas obras musicales.
Su cantante y guitarrista Louen, de igual forma acompañó de forma compacta con su guitarra rítmica y su voz gutural, generando junto al bajista Belegurt y el resto de los miembros una atmósfera oscura en donde nos sumergimos disfrutando de su directo.
Quien escribe no es una gran fan del Black Metal, pero he de reconocer que disfruté mucho con ellos y está claro que ATREXIAL será una banda que dará mucho de qué hablar y les deseamos la mejor de la suerte.
Setlist:
Catharsis through Torment
Trinity
The Hideous Veil of Innocence
Unmerciful Imperial Majesty
Under the Scourge of Lamashtu
Illuminatur
Serpent Sermon (Marduk)
Souverain
DARKENED NOCTURN SLAUGHTERCULT
Así como os he comentado, no soy una gran fan del Black Metal. Antaño cuando la sangre joven corría por mis venas, fui descubriendo bandas de todo los estilos hasta quedarme con mi favorito… pero eso es otro tema.
Para mi en el Black Metal hay pocas bandas a las que guardo respeto por lo que representa su trayectoria, originalidad y composición.
Entre ellas los alemanes DARKENED NOCTURN SLAUGHTERCULT que cerraban la noche.
Este “Oculto Matadero Nocturno”, llegó a Madrid para demostrar que desde 1997 han sembrado una semilla de tradición y culto al satanismo y el nihilismo, aderezado con las viejas raíces NO mutadas del Black Metal.
Y es por eso que sin acreditación corrí a su llamado para la fecha marcada. No podía bajo ningún motivo, dejar pasar esta oportunidad!… Me dejo de sentimentalismos y voy a la reseña xD.
Una vez preparado el escenario, el cuarteto (originalmente trío) hizo un breve “sound check” dejando todo listo para su show.
Onielar con una túnica marrón salió para perfeccionar el sonido de sus compañeros. Será catalogada de oscura, satánica, mala malota en su imagen, pero ante todo es una profesional y su trayectoria lo avala.
Y con el sonido adecuado, volvió al backstage para volver con un vestido blanco hecho de gasa y dejar a mano sus elementos para el ritual que estaba a punto de comenzar.
Con un crucifijo invertido, y de rodillas implora al dios de la oscuridad la bendición para empezar la devastación musical.
El setlist preparado principalmente se basó en sus temas clásicos, sin olvidar unos cuantos temas de su último trabajo “Necrovision”, y además para sorpresa de los asistentes nos regalaron un nuevo tema “Exaudi Domine” de su nuevo trabajo “Mardom”.
Su puesta en escena, sangrienta, mística y a la vez oscura nos llevó directamente a cabalgar con los dioses de la muerte apaleando y masacrando al oponente que se ponga de por medio.
Onielar, con su voz tan desgarradora, tétrica y salida de averno poco a poco mientras pasaban los temas se fue cubriendo de sangre, hasta deshacer su larga melena y darnos una imagen de dama blanca endemoniada.
Su mano derecha (más bien izquierda) Horrn en la batería no dio tregua en la percusión y con esas composiciones progresivas atmosféricas nos envolvían en ese nuevo mundo del ocultismo que han creado desde sus inicios.
Su guitarrista Velnias mantuvo la guitarra principal perfecta que confeccionaba con las melodías rítmicas de Onielar y el acompañamiento del bajista Adversarius, quien además nos regaló las primeras marcas sangrientas.
Tema tras tema iban cayendo y nuestros cuellos no pararon ni un segundo, excepto para guardar fotográficamente esta increíble noche de oscuridad, que terminó con un público cubierto de sangre y extasiado por lo que pudimos disfrutar en la velada.
Gracias a DARKENED NOCTURN SLAUGHTERCULT por mantenerse fiel a sus raíces y esperamos que nuevamente visiten la península con una gira en donde más fans a nivel nacional puedan tener la oportunidad de disfrutarlos.
Setlist:
Wicher za Gomari
Beneath the Moon Scars Above
Coronated Spheres of Adversity
Exaudi Domine
Spectral Runlet of Tulwod
Das All-Eine
A Beseechment of Tulwod
In the Land of the Mountains of Trees
In the Hue of Night
Thanatos
Nocturnal March
Darkened Nocturn Slaughtercult – Atrexial – Tromort Darkened Nocturn Slaughtercult – Atrexial – Tromort La noche del Viernes 1 de Febrero de 2019 fue una muy memorable y digna de recuerdo para los fieles asistentes que acudieron a la Sala We Rock apoyando al evento que nos tenía preparado Chroma Nation.
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Tras The Legend of Legacy y The Alliance Alive para Nintendo 3DS, el estudio japonés FuRyu ya está trabajando en un nuevo RPG para Nintendo Switch: Work x Work, una peculiar propuesta que bebe del rol más clásico y tiene tras de si ni más ni menos que al director y al artista de la última entrega de la franquicia Mother.
Work x Work, un RPG que viaja del móvil a Switch
En una entrevista concedida a Famitsu, el equipo de FuRyu no se ha cortado en asegurar que el proyecto nació como algo destinado a smartphones; “pero se movió a Switch y la escala del juego creció muchísimo”. Y es que “la emoción que rodea a Switch y la adorable atmósfera del modo portátil, hizo que finalmente nos decantáramos por ella”.
Estas razones, y otras tantas que probablemente se haya dejado el estudio en el tintero durante la entrevista, son las que han hecho que Nobuyuki Inoue, director de Mother 3; Nobuhiro Imagawa, artista de Mother 3 y Tsukasa Masuko, compositor de Shin Megami Tensei, sumen fuerzas para encargarse del contexto, del apartado visual y del musical respectivamente. Viendo el bagaje de este trío, podemos esperarnos una historia profunda oculta bajo cierta capa de inocencia y un aspecto general que recuerde a la aventura del joven Lucas.
En cuanto al cómo se juega, Work x Work parte de una idea bastante diferente a lo habitual. El papel del jugador es el de encarnar al perro del protagonista, sí, al can. Este se encarga de guiar a grupos de visitantes (grupos de amigos, chicos, chicas, familias…) a través de las mazmorras que componen un parque temático y con los que colabora para combatir a los enemigos que aparezcan en estas.
El cometido final es vencer a una especie de rey demonio ayudando a un joven que trabaja a tiempo parcial en este parque llamado “Tierra de Héroes” (Heroes Land). Saliendo airoso de las visitas organizadas por las mazmorras, recibe una nómina en forma de “muchedumbres” (sí, como suena), con las que comprar nuevos objetos y armas, además de mobiliario para decorar su habitación, como todo buen trabajador que quiere independizarse.
Buen cóctel de nombres, de historiales e incluso de mecánicas de juego. Work x Work ha confirmado su fecha de lanzamiento en Japón para el 27 de septiembre por un precio de 4.980 yenes (39 € aprox.), y esperamos que tarde o temprano confirme su llegada a nuestro territorio para poder saborear lo nuevo de la mente que dio a luz a Mother 3.
Fuente 1
Fuente 2
Work x Work es el nuevo RPG de FuRyu y el director de Mother 3 para Nintendo Switch Tras The Legend of Legacy y The Alliance Alive para Nintendo 3DS, el estudio japonés FuRyu…
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John Gooblood “No quiero dar un mensaje anti-tecnología o me cago en los DJs”
John Goodblood se crió en Estados Unidos, en Virginia. Sus padres fueron al país del Blues por asuntos laborales y en ese contexto John aprendió a tocar y sentir esa música. Aprendió de sus vecinos el oficio del Blues y en las academias musicales formó su aprendizaje. A los 10 años, ya tocaba el bajo y el banjo. Yo nací al sur de la frontera, pero bien al sur, casi en una especie de maqueta continental de la Antártida, sin embargo, aprendí a amar el Blues. Amé los discos de John Lee Hooker, las grabaciones de Robert Johnson, busqué por cielo mar y tierra algún registro de Daddy Rice, hasta que me enteré que nunca había grabado, soñé haber encontrado alguna vez una grabación de Charlie Patton en la Deep Web; navegué rió arriba el Mississippi y recogí algodón en los campos de Alabama; después me mudé a Memphis en busca de trabaja en una fábrica de autos, hasta que finalmente me mudé a Buenos Aires y me perdí en sus calles y subterráneos y vivo acá desde entonces. John Goodblood, también. Por eso fue mágica nuestra conexión telefónica, repasando historias de vidas que no vivimos y hablando de su música, un par de remasterizaciones de sus primeros EPs Cabaret Blues y Bad Lands, que vendrán acompañados por gemas inéditas.
Empecemos por el principio ¿Cómo fue la presentación del nuevo disco de Harm & Ease, Black Magic Gold, y en un lugar mítico como La Trastienda?
Fue algo muy especial. teniendo en cuenta que hicimos una rueda de prensa. Estuvimos juntos como por cuatro meses, ensayando, yendo a radios, y al estar estar unido hizo que el show fuera una explosión. fue como una culminación de la primera parte del año. Y en cuanto al disco, creo que lo hicimos mejor que el disco, porque fuimos con los vientos, con violinistas. Y yo no pensé que iba a ir tanta gente.
¿Creés que la movida estar en llevar la mágia del vivo al estudio o es al revés?
Hace un par de año, Ricardo Tapia me dijo que el estudio es hacer cine y que el vivo es hacer teatro. Me lo dijo cuando yo estaba grabando una voz y me dijo ‘no cantes como en la calle’. A su vez, yo comparto esa visión de llevar la crudeza del vivo al disco o al revés. Como que podes tener la crudeza del vivo o la fineza del estudio. Pero yo vengo de tocar una música que se toca y se canta y se hace con los dedos, la garganta y el cuerpo. Entonces yo estoy en mi elemento en el vivo. Mi faceta más del estudio y la producción es con mi trabajo en Panda. Pero no sé cuál es la respuesta, porque ya he probado la dos formulas pero muchas veces el tema te dice qué hacer.
¿Por qué decidiste remasterizar aquellos trabajos que hiciste nada más y nada menos que con Ricardo Tapia y Dylan Lerner?
Porque cuando grabamos esos discos yo no disponía de la posibilidad de grabar en Panda. Y justo se dio que lo planeamos con Harm & Ease sabiendo que el cantante y el guitarrista se iban a tocar a Canadá, después de La Trastienda. Así que yo pensé que sería bueno lanzar todo ese material formalmente en las plataformas y, obvio, que fui a Panda y lo pasé por cañerías del lugar, por una máquina de cintas, un amplificar y reverberaciones para darle un sonido más contundente. Y quería hacer una puesta en valor de ese material que tengo y es mío.
¿Cómo fue para vos laburar al lado de referente del Blues local?
Yo soy muy agradecido. No sólo por el material sino por muchas cosas. No necesariamente por ser un músico de Blues, el ámbito del Blues Argentino me abraza con todo el amor del mundo. Ya tuve ocasiones en las que Botaogo me criticó por cantar en inglés y cosas así. Y Tapia fue como uno de los único que de forma desinteresada se acercó. Me enseñó a cantar desde la panza, para no gastarme las cuerdas vocales. Y cuarenta y cinco mil otras cosas, desde historias del blues o algo importante que también me dijo que fue que yo soy un gran compositor y un pésimo vendedor. Y en ese momento, creo que tenía razón. Me enseñó a ofrecer lo que yo hago de una forma más directa, no tan rebuscada. Y eso me ayudó un montón. Hoy trato al menos de ser un vendedor medio.
¿Cómo te llevas con la tradición bluesera de Argentina, más allá del incidente con Botafogo?
Hace un par de años hicimos una cena juntos con Medina y un amigo músico (que también trabaja con él) y canté para él y nos llevamos bien. Yo tengo mucho respeto por Manal, Tapia y los demás porque ellos hacían temas propios. No hacían versiones y yo con eso me identifico mucho. Yo les tengo toda la estima, simplemente, se da que hay como una hostilidad. Yo entiendo que haya gente que se enoje porque cantamos en castellano. Pero para mí la música es el idioma universal y no distingue colores y fronteras. Además, aunque acá algunas personas se concentren más en esa parte de que canto en inglés, tengo todo un subtexto argentino en mi música. Yo escribí un tema sobre Victor Saldaño, que es el único argentino condenado a muerte e hice un tema sobre ese tipo, que está en una especie de spanglish sobre lo que pasó y rechazando la pena de muerte (más allá de las atrocidades que hizo).
¿Cuál fue el Bluesero que te partió la bocha?
El formato Bluesero es un formato boogie boogie que es bien común y se repite hasta hoy en día, pero cuando tenía 18 años empecé a escuchar a un tipo que se llamaba Blind Willie McTell. El tipo hacía sus propias canciones, agarraba el lenguaje pero no lo hacía con el típico estándar que se sigue usando. El agarraba los tonos y la armonías y formulaba sus propias historias que sólo él podía tocar, pero a la vez están inmersas en la tradición. Yo me di cuenta que podía tomar este género y llevarlo a extremos.
No one can sing the blues like Blind Willie McTell – decía Dylan y justamente se viene un cover de él ¿Cómo surgió la lección de ese tema, que no es de la etápa más vanagloriada de Dyan?
Ese tema hace varios años que me gusta. Things Have Changed va a venir acompañado de un video que hace referencias a procesos socio-políticos que ocurrieron en la Argentina. Todo tipo de footage del pasado oscuro argentino y esa es como la idea. Ese sentimiento de que las cosas cambian. Como que usamos las cosas como esqueleto pero hay una historia detrás. Además el tema siempre me pareció que denuncia la falsedad. Onda, esa frase que dice “All the truth in the world adds up to one big lie“. Y mucha música se trata de denunciar la hipocresía, la injusticia y la maldad en el mundo. Un tema que siempre me representó muy bien. Es más lo grabé hace varios años el tema, en la misma tanda que Bad Lands y por eso es que ahora salió como bonus track.
¿Cuáles son esos Bouns Tracks que vendrán con estas remasterizaciones de Bad Lands y Cabaret Blues?
Cuando abrí las carpetas de la sesión de Bad Lands encontré estas grabaciones que estaban buenas: un versión eléctrica de un tema que siempre tocaba acústico (con un Hammond), que va a ser el extra track de Bad Lands. Y estaba esta versión de Things Have Changed, que es solo una guitarra Dobro, un saxofón (muy nostálgico) y pensé que estaría buenísimo incluirlo en las remasterización y hacer un video. Sentí que realmente las cosas cambiaron, desde ese tema hasta ahora, y está bueno hacer una puesta en valor de ese tema, que no es que estoy sacando Like a Rolling Stone.
La crítica obvia es que al ser un Blueseros, sos purista y nostálgico ¿Cómo te llevas con las redes y la música moderna?
Yo me estoy incorporando cada vez más a las redes, más recientemente. Trato de hacer parodias o humor negro en Instagram con las historias. Puedo hacer una crítica de que es tanta la maquinaria que es difícil estar sobre la superficie, ante tanta exigencia. No quiero dar esa imagen anti-tecnologías, me cago en los DJs. Yo me adapto. Creo que hay un lado positivo con la tecnología y eso de todos tenemos una ventana al mundo. Lo que sostengo es que tecnología no nos va a faltar, va a venir la realidad virtual y vamos a tener más tecnología con el tiempo. Yo creo que hay que preocuparse en que no falte humanidad en lo que hacemos. En todo sentido.
¿Cuando van a ser las presentaciones en vivo de estos nuevos-viejos materiales?
El 24 tocamos en Makena y el 15 de junio en Lucille. En Makena es una fiesta, tocamos en una fiesta, un set más rockero, más corto. Y lo de Lucille es una entrada más tranquila en trío, un intervalo y después salimos con toda la banda, a tocar más pulenta, más arriba. y como yo no soy como B.B King y mis temas duran 2 o 3 minutos, tenemos un repertorio como de 25 y hay un sólo cover. Son todos temas que hice entre 2014 y ahora.
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