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Titanes de la Animación; Memories (1995)
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Tal día como hoy 6 de abril ...
2007: Se hunde el barco de crucero Sea Diamond después de encallar cerca de la isla Santorini (Grecia) el día anterior.
1992: Comienza la guerra civil en Bosnia-Herzegovina.
1974: El grupo musical ABBA gana para Suecia la XX Edición de Eurovisión con su tema "Waterloo", en Brighton (Reino Unido).
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1973: Se lanza la sonda espacial de la NASA Pioneer 11 desde Cabo Cañaveral (Estados Unidos), para la analizar algunos planetas gaseosos del sistema solar y proseguir su ruta hacia el exterior.
1968: La cantante Massiel gana el Festival de Eurovisión de la Canción 1968 para España con el tema "La, la, la", en Londres (Reino Unido).
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1938: El químico Roy J. Plunkett descubre el teflón en un laboratorio de la empresa DuPont, en Texas (Estados Unidos).
1896: Comienzan en Atenas los primeros Juegos Olímpicos de la era moderna, durarán hasta el 15 de abril.
1869: Se patenta el celuloide en Estados Unidos.
1814: Abdica Napoleón Bonaparte para posteriormente ser exiliado a la isla de Elba.
1320: Se constituye la Declaración de Arbroath en la abadía de Arbroath (Escocia), por la que los escoceses se independizan de Inglaterra.
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07/11/23
Inicio del programa en línea "Arrebato en celuloide. Destellos de luz y otras divergencias del cine español" en el canal de Vimeo del Instituto Cervantes, programado por Ángel Rueda, director del (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico de A Coruña
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Today starts the online programme "Rapture on celluloid: Glimmers of light and other divergences in Spanish cinema" on the Instituto Cervantes Vimeo channel, programmed by Ángel Rueda, director of the (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico in A Coruña.
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“Celuloide”, collage digital
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Miércoles 10 de mayo de 2023
Marina Diez-Pastor - Monstruando placer. (online)
La menstruación es una parte intrínseca de la sexualidad de los cuerpos que la transitan. Sin embargo, es un proceso corporal que siempre se ha explicado desde la abyección, el ocultamiento, y la vergüenza, siendo solo positivizado por su potencial para la reproducción social. La erótica de la menstruación no existe, pero no por ello los cuerpos monstruantes dejan de ser sexuales. En un universo de sexualidades diversas y disidentes, estas corporalidades des-erotizadas encuentran un hueco desde el que enunciarse, alzar sus voces, re-erotizarse y sentir placer.
Miriam Sánchez - I would take cups of liquid from them vaginas. Filmar el deseo lésbico desde el fluido corporal en la obra cinematográfica de Barbara Hammer. (online)
Esta comunicación tiene por objetivo explorar teórica y visualmente cómo se articula el placer-corporal-fluido en las primeras obras de Barbara Hammer (1970-1980). En estas películas, Hammer construye el placer fluido desde su representación filmada (con la explicitud de vulvas que se frotan, rozan y estimulan, desbordándose e inundándose en el placer de sus líquidos) y desde su representación fílmica (con la evidencia de goteo, manchas o salpicaduras en el celuloide o en el vídeo). Así, las películas de Hammer son hoy día testimonio de una política corporal fluida; de una estética sexual y lésbica que es colectiva, física y líquida.
Saray Espinosa - «Tengo un coño que me tapa toda la cara»: apuntes para una genealogía otra (y propia) del arte coño.
En un espacio híbrido entre los estudios porno y la historia del arte, el de la historia del arte cachondo, esta comunicación se plantea como un ejercicio teórico y visual de descentramiento al relato establecido alrededor del arte coño en la narrativa feminista del arte y lo visual, aún hoy encorsetado alrededor del modelo propuesto por Judy Chicago y Miriam Schapiro. Nos preguntaremos juntes por qué razones y a través de qué estrategias diferentes artistas alrededor del mundo pusieron el coño a hablar, parando especial atención al Sud global y europeo.
> Esther Romero - “Sexuality saved my life”. Contra-imaginarios lésbicos y su presencia en la historiografía contemporánea”
Colectivo BajoRufián - Representaciones transbutch: metodologías artísticas para reencontrarnos con nuestros cuerpos.
Queremos mostrar las problemáticas en torno a nuestros cuerpos queer y las formas de entenderlos desde el deseo y los afectos. Con las metodologías de investigación artística usadas para Transgresión (2021) y Deshecho (2021-), dos introspecciones sobre el torso materializadas empleando la escultura/videoperformance, reflexionamos sobre la identidad sexual y de género. Estas piezas crean un diálogo sobre la maleabilidad del género dado en los cuerpos. Partimos de la experiencia encarnada para indagar sobre la cuestión en una dimensión colectiva, idea reflejada en una investigación más extensa sobre las masculinidades de las personas AMAN (Asignadas Mujeres Al Nacer) y no binarias.
Yera Moreno y Melani Penna - Reescribir un borrador para un diccionario de las amantes -o como follar con palabras y erotizar entre líneas-.
Dice Adrienne Rich que “el acto de mirar atrás, de mirar con ojos nuevos, de asimilar un viejo texto desde una nueva orientación crítica” es para las mujeres un acto de supervivencia cultural. En 1976 Monique Wittig y Sande Zeig llevan a cabo este acto reapropiándose, en una escritura erótica y explícitamente bollera, de un diccionario. El diccionario ejemplifica la autoridad de un texto académico-científico. A través de una ficción consensuada, ideada por quienes ostentan performativamente esta autoridad, el diccionario inventa significados y nos los impone como canon verdadero del decir y el existir. Por eso, el gesto de Wittig y Zeig, en una escritura que se reapropia de esa estructura discursiva autoritaria para pervertirla, para erotizarla, vuelve el diccionario un espacio habitable en el que las amantes se dicen (y se hacen) lo que el mundo no les permite ni decir ni hacer. En esta lectura poética performativa, a través de nuestra propia reescritura del borrador para un diccionario, traeremos otras voces, otros textos, otras palabras, otras líneas con las que follamos y amamos como cuerpos disidentes de las lógicas heteronormativas y sus discursos.
Emilie Hallard - Repensar lo deseable.
¿Cómo (re)educamos nuestras miradas hacia los cuerpos deseables? ¿Qué impacto tienen las redes sociales? ¿Qué son los cuerpos disidentes? ¿Cómo podemos dejar de fetichizarlos para desearlos con toda su complejidad? La artivista Emilie Hallard invita al público a repensar la jerarquía de los cuerpos deseables, y percibidos como deseantes, a través de su proyecto fotográfico Les corps incorruptibles (Los cuerpos incorruptibles en español). Esta serie de retratos desnudos, no erotizados, celebra la diversidad de cuerpos a la vez que subraya las temáticas políticas que los atraviesan.
> Alonso Almansa - Pistas postpornográficas para pensar un postsexo.
Andrea Acosta - Sexo alien: propiciar un devenir rarificado de nuestras prácticas sexuales.
Sexo Alien pretende imantar nuestros cuerpos hacia los seductores mundos de la ciencia ficción para conversar acerca de cómo la alienidad ofrece un espacio para rarificar la producción del deseo muchas veces tramposamente asimilado. A través de los relatos de Octavia Butler: ‘Amnistía’ y ‘Bloodchild’, nos aproximamos a un devenir polisexual que complica la sexualidad reproductora de una moral homogeneizante propiciando horizontes de placer desconocidos y marcianos. Mediante el contacto alien-humano/terrano se pone en juego una lectura de lo alien como aquello que encarna la multiplicación del deseo en prácticas no normativas extralimitando la erótica humana en una relación de deseo-amenaza.
> Álvaro del Fresno - Para una economía libidinal marika del gasto.
> Eloy V. Palazón - ¿Quién teme al deseo?
Javier Sáez - La (b)analidad del sexo.
Siguiendo la tesis de Hanna Arendt sobre La Banalidad del Mal, haremos un recorrido por diversos enfoques sobre el "sexo" y su articulación con la política y con el capitalismo: implicaciones políticas de las regulaciones del sexo anal, el dispositivo de sexualidad de Foucault y la imposibilidad de salir de él, el uso de las leyes contra la sodomía para instaurar una hegemonía sexual burguesa (siguendo a Christopher Chitty, Sexual Hegemony), y la banalización del sexo y de la violencia contra las mujeres a partir de las redes sociales, la autopornografía (Paco Vidarte) y el acceso masivo a internet.
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Katsudo Shashin or The Matsumoto fragment
Author unknown
Japan, between 1905 and 1912
This tiny clip is the first anime ever. Jokes aside, this is the oldest known animation originating from Japan. It was discovered by iconography expert Natsuki Matsumoto in a collection of films and projectors in Kyoto in 2005. There may well be older animations made in Japan, but they remain to be found. This one is suspected to date from 1907, making it a rarity, as Japan is known to have embraced animation much later than Europe and the US- but 1907 was the age of pioneers. And there is a possibility this little loop may predate the most famous early animated works.
Katsudo Shashin means 'moving picture', and that is what the boy in the animation writes on the wall. It was probably intended to be used not in public cinema projections which were rare at the time in Japan, but in hand-cranked cinematographs owned as technological novelties by the wealthy. The celluloid counted 50 frames, and was fixed in a loop to be played continuously.
In terms of technique, it is nearly unique as it employs a very rare way of recording animation on film, one that did not even require a camera. The frames of Katsudo Shashin are not recorded photographically, but instead stamped directly onto the film strip.
The use of stamps meant that this sequence could be produced many times. It would have been faster than using a camera or conventional copying equipment. The down side would be that every copy would be slightly different, and the wear on the stamps would eventually make it impossible to produce more. I don't know whether a film strip like this could be copied by exposing it onto a fresh reel, I suppose it depends on the ink used.
Another flaw of this process is that because images are not fixed photographically and chemically on the light-sensitive film but are instead just layers of ink placed on top, the image is more susceptible to damage over time. The ink does not permeate the film, and the layer eventually begins to wear and crumble off. You can see this in the above photo of an individual frame.
Although stamping directly on the celuloid is rare in animation, it was a typical way of producing magic lantern slides. These were painted glass panels moved by hand in front of a source of light to create the illusion of motion in two or three frames. The magic lantern being the predecessor of film projectors, it is only natural that they briefly shared technologies.
Lanterna magica at the Schlossmuseum Aulendorf
Photo: Andreas Praefcke
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NOPE
“Niña yegua… este sueño que persigues… ese en el que terminas en la cima de la montaña… con todos los ojos puestos en ti… es un sueño del que nunca despertarás”.
Después de Us, Jordan Peele llega este 2022 con su nuevo largometraje “Nope”, lleno de ciencia ficción, sus criticas sociales y con de una fotografía fuera de este mundo.
Nope, es la historia de los hermanos Haywood que descubren actividades anormales dentro de su rancho, los cuales los llevan a querer documentar qué es lo que esta pasando a su al rededor.
Dirigida y escrita por Jordan Peele, que no es novedad ya que sus dos películas pasadas (Us y Get Out) el estuvo amargo de eso y es una característica que por el momento es lo que destaca de sus filmes, claro esta vez no lo vemos actuando, y se nota como desde un inicio Peele esta entregado a su largometraje, desde el guion hasta por supuesto toda la cinematografía que lo compone, fue grabada con una IMAX y una celuloide Kodak de 65 mm.
Me voy adentrar un poco con Jordan quien es un director que de ser un actor comediante, a logrado cambiar la perspectiva que tenia de él, ya que ha logrado posicionarse como un director y escritor que no le debemos quitar los ojos de encima. Jordan se destaca por sus películas con un ligero toque de humor, critica y por su puesto el toque tanto de suspenso como de terror, jumpscare y una cierta incomodidad que logran transmitir sus personajes. Me gusta como logra envolverte en cada minuto lleno de misterios que a lo largo de su películas empiezas a entender hacia dónde va.
En Nope, Jordan sabe crear un espacio para nosotros, logra tenernos en cada minuto de la película, tanto que empiezas a desesperarte y querer agarrar al elenco a cachetadas.
Peele comento para Fotrogramas (por Fausto Fernández, agosto 2022) que hay que mirar el cielo de otra manera, que lo hamos con la misma mirada curiosa que teníamos de niños y descubramos en él que no lo sabemos todo sobre este pedazo de roca en la que giramos al rededor de un sol del que tampoco sabemos demasiado.
Por supuesto no podía faltar Daniel Kaluuya quien ya estuvo junto con Peele en Get Out (2017), y ahora para ser el protagónico junto con Keke Palmer. Juntos interpretan a los hermanos Haywood: OJ y Esmeralda quienes son descendientes del jinete que captó Eadweard Muybridge en lo que se conoce como de los primeros fotogramas del séptimo arte. Legado desde el que los personajes intentan mantener a flote la herencia en forma de negocio familiar, los cuales se dedican a entrenar y promocionar a los caballos para producciones en Hollywood. Sin duda los hermanos Haywood fueron el duo dinámico.
Los acompañan en el elenco Steven Yeun y Keith David, al igual como lo son Brandon Perea y Michael Wincott que en mi parecer se llevaron toda mi atención, disfrute a cada uno de sus personajes: Angel Torres (Perea) trabajador de una tienda de electrónica y llamémoslo el “civil metiche”, no tienen idea de lo mucho que me hizo reír y pasarla bien durante la cinta, recordándonos ese clásico sentido del humor que Peele siempre agrega, no daré mas detalles sobre él porque por supuesto merece ser visto en pantalla y no perderlo de vista. Y que puedo decir de Antlers Holst (Wincott) quien es un director de cine y un regalo para los espectadores, quien representa la mente o sueños de un cinematógrafo hasta podría decir del mismo Peele, les dejo una de mis frases favoritas sobre este: “Haces posible lo cinematográficamente imposible”.
No podía saltarme el trabajo del cinematógrafo Hoyte Van Hoytema, que seguro si no lo conocen por su nombre, lo reconocerán por sus espléndidos trabajos: Ad Astra (2019), 007: Spectre (2015), Interstellar (2014), entre muchas otras. Aplaudo su excelente mano, su trabajo con cada detalle en escena, el paisaje, las tomas de los personajes, el cuidado de cada momento, y haciendo posible lo imposible. Es algo que tienen que presentar atención y disfrutarlo, yo tuve la oportunidad de verla en IMAX y fue sin duda algo que disfrute mucho.
Con una duración de 2 horas 10 minutos, que hasta podría decir que estuvo corta, ya que si llegue a sentir que faltaban escenas que sin duda en edición y producción fueron disminuidas, pero claramente a pesar de, disfrute la película, siento que va dirigida para nosotros, los cinéfilos, Peele se ve que quiso ofrecernos algo de que hablar y también de analizar, ya que nos lleva a partes históricas del cine como también a sus frecuentes “criticas” hacía la sociedad, en este caso el mundo de Hollywood.
Si no han visto sus otros largometrajes de Peele les recomiendo que empiecen a verlas y no le quites el ojo de encima que puede a llegar a sorprenderte.
Y como comento Jordan para Fotogramas: “Ojalá la gente vuelva a los cines y si es posible quieran pasarse por este lugar donde caballos, jinetes y seres normales se enfrentan a lo extraordinario que se titula ‘¡Nop!'”.
-Jimeerb
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Edd, Ed y Eddy: 3 personajes a partir de 1 personalidad
Edd, Ed y Eddy es uno de los dibujos animados que hizo parte de la época de oro de Cartoon Network y el que más tiempo estuvo al aire en este canal, ¿cómo lo logró? Puede que la respuesta tenga que ver con la curiosa forma en que nacieron sus personajes principales.
El extraño origen de Edd, Ed y Eddy
Cuando ves a los 3 protagonistas de la serie, encuentras personalidades muy distintas ¿Podrías imaginar que los 3 Eds son basados en una sola persona?
El creador de la serie animada, Danny Antonucci, nos cuenta que la idea del show se basó en un dibujo de los 3 protagonistas. Para construir la personalidad de cada Ed, él tomó su propia forma de ser y la dividió; tomando partes de sí mismo para crear niños muy distintos, pero unidos por el amor a los caramelos.
Ten en cuenta que el nombre completo del creador de la serie es Daniel Edward Antonucci, es decir que los 3 Eds también tienen su nombre. Además de basarse en sí mismo, él se inspiró en anécdotas de su infancia y en ocasiones la de sus propios hijos para crear a los 3 personajes principales:
El líder de grupo es Eddy, su rasgo principal es la avaricia y busca maneras de sacarle dinero fácil a sus vecinos o ganar popularidad. Usa tácticas que eran de su hermano mayor, a quienes todos respetaban (en realidad le temían), pero sus planes no suelen tener buenos resultados.
Edd o «Doble D» es inteligente y muestra comportamientos obsesivo-compulsivos. Él aterriza las ideas en elaborados planes, pero, como siempre quiere hacer lo correcto, es quien más choca con Eddy. Se puede entrever que los padres de Doble D son muy demandantes, dejándole interminables tareas a modo de notas adhesivas por toda la casa.
Ed o «El gran Ed» tiene una fuerza sobrehumana, pero un carácter en general apacible, es por eso que suele ayudar cargando los materiales pesados. El gran Ed es fan de las películas de horror y ciencia ficción, además tiene una gran imaginación que puede salirse de control.
Un creador, un universo
¿Has escuchado que cada persona es un universo? Tal vez Ed, Edd y Eddy es ejemplo de eso.
Un dato curioso es que Rolf está basado en la infancia del creador como inmigrante. Jimmy, por otra parte, está inspirado en su primo, quien prefería jugar con las niñas en vez de los niños.
Antonucci también recuerda a un niño quien se negaba a quitarse un gorro que siempre traía puesto, un rasgo que vemos en Doble D.
Un estilo único que resalta
Los personajes de la serie nos muestran quienes son por medio de sus acciones y decisiones, pero también con la manera en que se ven y se mueven: cada Ed tiene una forma distinta de correr y hasta de parpadear.
Otros detalles que resaltan en esta serie son:
El estilo de las líneas, que en vez de ser limpias y constantes, como en otros cartoons de la época, tienen un grosor que varía, por eso parece que tiemblan un poco. Esto se conoce como «boiling lines» y da mayor movimiento a los personajes.
Las lenguas de los niños son de colores distintos. Este detalle es inspirado en los hijos de Antonucci, a quienes vio compartiendo caramelos que les dejaban las lenguas pintadas.
Los dibujos, hechos con animación en celuloide, son 《feos》 a propósito, como una protesta ante las animaciones CGI y para diferenciarse de los demás dibujos animados que estaban al aire.
Todos estos aciertos visuales y narrativos quizás tengan que ver con la gran libertad que le dieron al creador para hacer el show a su manera; así fue como Ed, Ed y Eddy estuvo 10 años al aire.
Por último, hay que resaltar que este es uno de los dibujos animados que se despide por lo alto con Ed, Edd y Eddy: la película.
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#Repost @sedlacek.guitars with @use.repost ・・・ no.85 - THE PRESIDENT (2023) --- body - 16" / Loar Style scale – 24.750“ top – dolomitian spruce (Italy) back and sides – flame maple (Slovakia) neck – flame maple (Slovakia) fingerboard – african ebony headstock – african ebony interior – spruce, linden and spanish cedar bridge – african ebony nut – bone tuners – Waverly 3-On-Plate bindings – ivory celuloid finish – alcohol varnish / light sunburst frets – Jescar EVOgold tailpiece - Sedlacek deep body trapeze tailpiece pickguard - handmade solid acrylic tortoise strings - Optima Jazz Flatwound --- #body #Loar #top #dolomitianspruce #back #sides #neck #flamemaple #fingerboard #headstock #bridge #ebony #interior #linden #spanishcedar #tuners #Waverly #bindings #ivory #celuloid #finish #alcoholvarnish #sunburst #frets #Jescar #tailpiece #pickguard #tortoise #JazzFlatwound --- @stefanpoliacik @stewmac_guitar @rivoltasnc @optimastrings https://www.instagram.com/p/CpvaT4cMI1B/?igshid=NGJjMDIxMWI=
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Encajar los golpes y seguir
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Siempre he pensado que Sylvester Stallone es uno de los cineastas más infravalorados que ha dado la industria del cine. Su forma de hablar tan particular, producida por una parálisis facial, y ese exceso de testosterona exhibido en buena parte de su filmografía han menospreciado al guionista, director y actor de extensa carrera que pasará a la historia por haber encarnado a dos iconos del celuloide, John Rambo y, en especial, Rocky Balboa.
Lo dijo el mismo “Sly”, que ya anda camino de los ochenta, el feliz día en que recogió su Globo de Oro por “Creed”, donde volvió a interpretar al boxeador de Philadelphia. “Es el mejor amigo imaginario que jamás he tenido”. Vive Dios que a él le debe sus mayores éxitos desde que lo encarnó en los 70, sin que eso desmerezca interpretaciones notables en otras películas.
“Ni tú ni yo ni nadie golpea más fuerte que la vida. Pero no importa lo fuerte que golpeas, sino lo fuerte que encajes los golpes y sigas avanzando”. Quien haya visto “Rocky Balboa”, la sexta entrega de la saga que dio una segunda juventud al personaje, recordará esta frase que el púgil, ya retirado, viudo y propietario de un restaurante, dice a su único hijo, que quiere convencerle de que no dispute un combate de exhibición. En el vídeo del post podéis ver la secuencia completa.
La frase, la película, Stallone y su alter ego Rocky crean un todo indisoluble que transmite la misma enseñanza, que es cómo crecernos ante la adversidad y que el esfuerzo y el sacrificio marcan el camino a la victoria, por improbable que parezca.
Stallone vivía en un cuchitril cuando se mudó a California en busca de su sueño. La habitación en la que vivía era tan pequeña que tenía que elegir entre abrir la ventana o la puerta y hasta se vio obligado a vender a su perro para subsistir, según él mismo ha contado. Con un bagaje de dos o tres papeles de poca monta y seiscientos dólares en la cuenta, la necesidad hizo que se centrase en el único objetivo de escribir y hacia ello enfocó todos sus propósitos. Eran relatos triviales, pero fueron forjándole como contador de historias.
Un día fue a un combate de boxeo, a priori de final predecible porque enfrentaba al campeonísimo Muhammad Ali con un boxeador del montón, Chuck Wepner. Tuvo así la oportunidad de ver en directo cómo el “donnadie” cristalizaba su vida entera en el momento en que tumbaba al más grande de todos los tiempos; y entender que así habría de pasar a la posteridad, como el tío que aguantó quince asaltos al número uno y hasta llegó a sentarle en la lona.
Fue esto lo que catalizó la idea de “Rocky", cuyo guión escribió en tres días. Un púgil del montón, matón a tiempo parcial para un mafioso local, que vivía en un cuchitril apestoso y a quien le ofrecen la oportunidad de su vida: enfrentarse al campeonísimo Apollo Creed.
Con el guión finalizado, a Stallone le tocó librar otro combate, el de los despachos, hasta que dos avispados productores, Irwin Winkler y Robert Chartoff, le compraron la idea con la condición de que un actor famoso, y no un desconocido, protagonizase la película. Stallone porfió hasta convencerles e ignoró incluso una mejora de la oferta porque sabía que, como su personaje, "his whole life was a-million-to-one shot".
Así es como funciona esto. La vida es una prueba continua, tanto en lo personal como en lo profesional, y los golpes llegan muchas veces sin avisar. Nos tocará ser fuertes porque sabemos que el mundo no está sólo pintado del color del arcoiris y de bellos amaneceres y si dejas que te aplaste, no dejará que te levantes.
Encajar los golpes y seguir avanzando, no queda otra. Y trabajar con esfuerzo e ilusión para que surja nuestra oportunidad.
Ramón Avilés
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La nueva genialidad el Wes Anderson; The French Dispatch (2021)
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¿Te gusta la temática de espías y espionaje secreto? ¿Has visto alguna de las películas de James Bond? Este personaje emblemático del cine de acción y aventuras ha permanecido en el mundo del celuloide desde hace más de 58 años, cautivando a un público diverso que ha sido fiel seguidor de esta popular saga.
¿Por qué se celebra el Día de James Bond?
El 5 de octubre se celebra el Día Mundial de James Bond. La celebración del Día de James Bond a nivel mundial surgió en el año 2012, durante el 50 aniversario de la franquicia de películas de James Bond, por iniciativa de las productoras de cine EON Productions, Metro-Goldwyn-Mayer Studios, Sony Pictures Entertainment y Twentieth Century Fox Home Entertainment.
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Origen de James Bond
El artífice de esta popular serie de novelas y películas sobre espías fue el escritor, periodista y oficial de inteligencia británico Ian Lancaster Fleming. Escribió 12 novelas sobre James Bond, así como 9 cuentos sobre aventuras de un agente que utilizaba armas y coches de vanguardia.
Después de su muerte han surgido otros escritores autorizados de esta franquicia de películas, como John Gardner y Raymond Benson.
En el año 1962 se estrenó en Londres la primera película titulada "Doctor No", protagonizada por Sean Connery y Úrsula Andrews en el papel de Chica Bond. En la trama de esta primera película el Agente 007 va a Jamaica a investigar la muerte de un jefe de inteligencia británico a manos de la Organización Spectre (Ejecutivo Especial para Contrainteligencia, Terrorismo, Venganza y Extorsión).
¿Quién es James Bond?
James Bond nace como un personaje ficticio de la Guerra Fría, que ha sido referencia en el mundo del espionaje y de la cultura de masas. El nombre del personaje fue inspirado por un ornitólogo americano llamado James Bond.
Este emblemático y seductor personaje protagonista es un agente secreto internacional, adscrito al Servicio de Inteligencia Británico.
Su número de agente secreto es 007.
Nació el 15 de noviembre de 1920 en Wattenscheid, Alemania.
Entorno familiar: padre (Andrew Bond), madre (Monique Delacroix), hermano mayor (Henry Bond).
Educación: Colegio Eton, Inglaterra.
Estado civil: viudo (estuvo casado con Teresa Draco, asesinada el día de su boda).
Al inicio era un personaje al servicio de la División de Inteligencia Naval durante la Segunda Guerra Mundial.
Utiliza automóviles y armas de alta gama: vehículos Aston Martin (modelos BD5, V8, DB10, V12) con accesorios incorporados de alta seguridad como: cuchillas en las llantas, escudo antibalas, sistemas para crear pantallas de humo, entre otros. Armas: Beretta calibre 25, pistola semiautomática Walther PPK calibre 7.5, Walther P99 de 9mm Parabellum.
Experimentado conductor de coches y piloto de lanchas, aviones y helicópteros.
Experto en manejo de armas, buceo y lucha de esgrima.
Perfil: inteligente, atractivo, seductor, observador, audaz, elegante, reservado y refinado.
Preferencias culinarias: huevos revueltos, caviar Royal Beluga procedente del Mar Caspio. Bebidas: Champagne Dom Perignon, Martini seco con vodka.
Actores que han interpretado el personaje de James Bond
Los actores que han encarnado el icónico personaje de James Bond han sido los siguientes:
Barry Nelson.
David Niven.
Sean Connery.
Roger Moore.
George Lazenby.
Timothy Dalton.
Pierce Brosnan.
Daniel Craig.
Detrás del rodaje de las películas de James Bond
Algunas de los escenarios naturales más impactantes visualizados en las películas de James Bond son las siguientes: Cascadas del Río Dunn (Jamaica), Cima de Schilthorn (Suiza), Islote Ko Tapu ubicado en el Parque Nacional de Ao Phang Nga (Tailandia).
La saga de películas de James Bond han sido las más taquilleras en la historia del cine, en comparación con películas de la talla de Marvel y Star Wars.
Se han filmado 27 películas desde el año 1962.
James Bond siempre iba acompañado de una Chica Bond, cuyos nombres representan dobles sentidos o juegos de palabras (Holly Goodhead, Pussy Galore). Son mujeres atractivas, audaces y con glamour.
Para los fans de esta franquicia el estreno de la nueva película de James Bond "No Time to die" se tiene previsto para el mes de noviembre del año 2020.
Aparte de las películas de James Bond se han realizado series de novelas, cómics y video juegos.
Nos despedimos con la frase más popular de este enigmático personaje: "Bond…, James Bond" #JamesBondDay.
Se supone que hay un proyecto en la mente de alguien:
Pero todo lo que toca Christopher Nolan se va a la 💩, así que probablemente ni se mantenga la idea.
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Héctor García Cobo
Born in 1923 in Mexico City, he grew up in the poor and dangerous Candelaria de los Patos neighborhood and received little formal education as a youth. He discovered photography in his teens and early 20s, after he received his first camera at a juvenile correctional facility in Tlalpan from one of the facility's directors. He decided to study photography after his attempt to photograph the death of a coworker failed. He began works at Celuloide magazine, where journalist Edmundo Valdés, who recognized García's talent, sent him to study at the Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.
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Death Proof credits sequence, (2007) - Quentin Tarantino.
Subo solo a seis de las 30 mujeres que están escondidas en la secuencia final de créditos de Death Proof. Ese largometraje que ha sido injustamente llamado "la peor película de Quentin Tarantino". Como te conté, la vi hace poco y quedé absolutamente fascinado con ella, y más aún cuando encontré estas joyitas insertadas coquetamente entre todos esos muchos nombres de las personas que hicieron posible la película. Lo que logré averiguar es que son unos samples recopilados por el director, que originalmente se ponían al principio de los carretes para calibrar el color en el proceso de revelado del celuloide. Quienes son ellas ? Por qué usaban solo a mujeres? Dónde las encontró? Nada de eso lo sé, pero ugh... que tesorito.
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Esa canción suena en una jukebox en la mitad de la peli y al ritmo de los Coasters sucede uno de los más jugosos lap dances que he visto en el cine.
Cant wait to see you,
Juan
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Strangers When We Meet (Richard Quine, 1960)
Pocas veces ha contado la filmografía de un cineasta, de forma tan implícita como evidente, una historia en principio feliz pero de tan triste final como la de Richard Quine entre 1954 y 1962, es decir, desde que conoce y dirige por primera vez a la starlet de la Columbia Pictures Kim Novak, en Pushover (La casa nº 322), trágico thriller en blanco y negro inspirado en Double Indemnity (Perdición, 1944), de Billy Wilder, y con uno de sus principales intérpretes, Fred MacMurray, hasta que, ocho años más tarde, se despide de ella —en la pantalla—, de nuevo en blanco y negro tras un interludio de amor en color, pero esta vez en el marco algo amargo de una comedia negra policíaca y británica nada feliz y no del todo lograda, The Notorious Landlady (La misteriosa dama de negro), con Jack Lemmon, Fred Astaire y varias viejecitas tan estrafalarias como siniestras.
En medio hay dos verdaderas declaraciones de amor sobre celuloide y a todo color, la primera esperanzada, la comedia de misterio y fantasía, pero típicamente neoyorquina y realista al mismo tiempo, titulada Bell, Book and Candle (Me enamoré de una bruja, 1958), en la que Quine se anticipa unos meses a Vértigo (De entre los muertos), de Hitchcock, al emparejar a Kim Novak con el larguirucho James Stewart; la segunda, muy desesperanzada, es un pesimista melodrama de amargo final, coprotagonizado por Kirk Douglas, Strangers When We Meet (Un extraño en mi vida, 1960), muy minnelliano de paleta cromática y planteamiento, pero probablemente muy autobiográfico (sustitúyase al arquitecto que trabaja por encargo por el director bajo contrato con la Columbia).
No es esta crónica de un amor muy larga ni detallada, pues, sino elíptica y zigzagueante, como suelen serlo las mejores películas de este sensible y poco apreciado director —menos llamativo que su amigo Blake Edwards, menos brillante que Stanley Donen, que era el veterano del trío, aunque Quine fuera el mayor—, pero desde el primer plano de Kim Novak en Pushover, aunque nada sepamos de la relación que hubo entre ella y Quine, intuimos que no es que la actriz sea de una notable —y más bien pasiva— fotogenia, ni posea esa enigmática capacidad de fascinar a la cámara que tienen algunas mujeres, y de las que otras, incluso mejores intérpretes y hasta mucho más guapas, carecen, a veces por completo, sino que el director estaba ya prendado de ella. Hay algo en la manera de iluminarla y encuadrarla, de seguirla y hasta acariciarla con la cámara, que va más allá de cualquier hábil estrategia dramática de Quine para hacer que los espectadores comprendamos el hechizo que siente por ella el policía encarnado por MacMurray. A medida que avanza la historia, y se comprende que Kim es una de esas mujeres débiles que, casi sin proponérselo, resultan fatales para los hombres que se enamoran de ellas y están dispuestos a dejarse engañar por su aparente inocencia, queda de manifiesto que no se trata de eso, que el director, arrebatado, se está dejando llevar por su pasión, y que filma a la actriz más, más de cerca y durante más tiempo que el exigido por la economía narrativa de la película.
Cuatro años después, la comedia de John Van Druten adaptada por Daniel Taradash hace de Kim Novak una bruja actual e inocente, que fascina a Stewart y que, por amor hacia un hombre corriente y bastante mayor que ella, renuncia a sus poderes y se convierte en una simple humana, librándole así de su ominosa e insoportable prometida. Pocas veces una película ha mimado tanto a su protagonista, descubriéndole encantos recónditos, no evidentes a primera vista, revelando como timidez y miedo a hacer daño su aparente frialdad, insinuando que bajo su falta de expresividad habitual se esconden un fuerte sentido del humor y una obstinada fuerza de voluntad, complaciéndose en contemplar y proclamar su belleza, comparando —en un plano memorable— sus ojos con los de su gato Paywacket. A Quine no le basta ya con admirar en privado a su amada, necesita compartir su hallazgo, divulgar las excelencias de Kim Novak, sentirse ratificado en su buen gusto y, por tanto, envidiado por los restantes espectadores.
Me enamoré de una bruja es, sin duda, su película más extática y feliz, la más armoniosa, la única que da la sensación de que ese amor deducible de la puesta en escena era correspondido por el objeto de sus entusiastas atenciones.
Un extraño en mi vida es otra canción, mucho más conmovedora y melancólica, una de las películas que más me emocionan cada vez que la veo, y van unas veinticinco. Nunca estuvo Kim Novak tan realmente humana, tan física y al mismo tiempo tan frágil, ni tan guapa, ni siquiera en Vértigo, donde aparecía siempre excesivamente alienada y distante, salvo quizá en la escena de la bata, en casa de Scottie (James Stewart), después de sacarla de la bahía de San Francisco. Hay pasión y despecho, violencia y sufrimiento en cada plano. Y, para colmo, es evidente que Quine no puede renunciar a Kim, que se le va la mirada detrás de ella, que trata esta vez no ya de darla a conocer, sino de indagar en sus razones, de comprender qué ha pasado, por qué ha fracasado en la empresa que más le importaba.
Es una película verdaderamente romántica, febril y angustiada, triste y patética, sin mucho humor —y el que queda está teñido de amargura, como el personaje del escritor insatisfecho y alcohólico que encarna espléndidamente Ernie Kovacs— y derrotada, pero apasionada, enamorada todavía. Y no sólo, eso es evidente, por la muy desconsolada y desconsoladora historia que relata manifiestamente, en su anchísima pantalla de Cinemascope, sino, sobre todo, por la que cabe seguir leyendo entre líneas, entre plano y plano, en las miradas temerosas o culpables y evasivas de la actriz a la cámara o, mejor, un poco a un lado y más allá del objetivo, hacia el director, y más aún que en el rostro de Kirk Douglas en la imagen que Quine nos transmite de Kim Novak a través de cada encuadre, cada leve panorámica de acercamiento, o esa rendida e impúdica dolly vertical que recorre su cuerpo a una cierta distancia, como si fuese ya inalcanzable pero siguiese siendo deseable y querido: es la apoteosis de Kim Novak, casi el último beso, ya desesperado y suicida, del director.
Publicado en el nº 2 de Nickel Odeon (primavera de 1996)
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