#Jean-Marie Corbusier
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Jean-Marie Corbusier, Comme une neige d'avril, La Lettre volée,Bruxelles, 2022
Jean-Marie Corbusier, Comme une neige d’avril, La Lettre volée,Bruxelles, 2022
Une chronique de Pierre Schoven
Jean-Marie Corbusier, Comme une neige d’avril, La Lettre volée,Bruxelles, 2022
Dans ce recueil, Jean-Marie Corbusier interroge le regard, le mot et le monde, nous invite à épouser le mystère de celui-ci voire à nous ouvrir à ce qui est hors de nous (« j’écris aussi loin que possible de moi »/André du Bouchet). Conscient du fait que nos yeux sont souvent éteints…
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Books read, recommended by BTS and inspired Namjoon/members to write a song – a thread
🎶 the music notes are the books that inspired a written song.
🎶 1. Kafka On The Shore - BUTTERFLY
🎶 2. Demian - BLOOD SWEAT & TEARS / Boy Meets Evil
3. The stranger.
4. The Unbearable Lightness of Being
🎶 5. 1Q84 - HIDDEN TRACK: SEA
🎶 6. The Owl Service - I NEED YOU / YNWA
7. Walden
8. The Catcher in the Rye
9. Norwegian Wood
10. Kitchen by Banana Yoshimoto
11. Almost Transparent Blue
12. Snakes and Earrings
13. Human Acts by Han Kang
14. Please Look After Mom
🎶 15. The Ones Who Walk Away from Omelas - SPRING DAY
16. The Noonday Demon: An Atlas of Depression
17. The Metamorphosis by Franz Kafka
18. Lady Chatterley's Lover
🎶 19. Into the Magic Shop: A Neurosurgeon's Quest to Discover the Mysteries of the Brain and the Secrets of the Heart - MAGIC SHOP
20. The Hitchhiker's Guide to the Galaxy
21. Twenty Thousand Leagues Under the Sea
22. Me Before You by Jojo Moyes
23. Romeo and Juliet
24. Life Lessons: Two Experts on Death and Dying Teach Us About the Mysteries of Life and Living by Elisabeth Kübler-Ross
🎶 25. Jung's Map of the Soul: An Introduction
26. Map Of The Soul: persona - our many faces
27. Map Of The Soul: shadow - our hidden self
28. Map Of The Soul: EGO - I am 🎶
29. 말의 내공 by 신도현, 윤나루
30. Thus Spoke Zarathustra
31. The Story of Hong Gildong
32. Around the World in Eighty Days (Extraordinary Voyages, #11)
33. Blonote by Tablo
34. Aesop's Fables
35. The Alchemist by Paulo Coelho
36. Gulliver's Travels by Jonathan Swift,
37. Harry Potter.
38. 사랑하라 한번도 상처받지 않은 것처럼 by 류시화
39. 하늘과 바람과 별과 시 - 원본대조 윤동주 전집 by Yun Dong-ju, 윤동주
40. Alice in wonderland / through the looking Glass.
41. A Thousand Plateaus: Capitalism and Schizophrenia
42. 밤 열한 시 by 황경신
43. 어떻게 살 것인가 by Si-min Yu, 유시민
44. Snowpiercer: The Escape (Snowpiercer, #1)
45. 82년생 김지영 by Cho Nam-Joo, 조남주
46. Breaking Out of the Man Box: The Next Generation of Manhood
47. 우리가 어느 별에서 by 정호승
48. 1984 by George Orwell
49. 나는 나로 살기로 했다 (겨울 스페셜 에디션) by 김수현
50. Peter Pan.
51. 1cm: First Story by 김은주, 양현정
52. 죽고 싶지만 떡볶이는 먹고 싶어 by 백세희
🎶 53. The Little Prince by Antoine de Saint-Exupéry - SERENDIPITY
54. 20,000 Leagues Under The Sea by Jules Verne
55. Phillip Chesterfield's Letters To His Son.
56. 슬픔의 위안 - 브라이언 셔프
57. Reinventing your life - Jeffrey E. Young
🎶 58. The pied piper of Hamelin by Robert Browning
59. A Bigger Message: Conversations with David Hockney - Martin Gayford
Complete Works - Arthur Rimbaud
60. Nonlinear Fiber Optics - Govind P. Agrawal
61. The Complete World of Greek Mythology - Richard Buxton
62. The Unbearable Lightness of Being - Milan Kundera
63. The Life Before Us ("Madame Rosa'') - Romain Gary
64. About Grief: Insights, Setbacks, Grace Notes, Taboos - Ron Marasco, Brian Shuff
65. If Not, Winter: Fragments of Sappho by Sappho
66. Meno by Plato
67. THE SOUL OF A TREE: A Master Woodworker's Reflections by George Nakashima
68. 서울 시 by 하상욱
69. Lord of the Flies by William Golding
70. Highly Sensitive People in an Insensitive World: How to Create a Happy Life by Ilse Sand
71. The Art of Loving by Erich Fromm
72. 냉정과 열정사이 - Rosso by Kaori Ekuni
73. Men Are from Mars, Women Are from Venus by John Gray
74. 당신이 옳다 by 정혜신
75. Sapiens: A Brief History of Humankind by Yuval Noah Harari
76. Cosmos by Carl Sagan
77. Guns, Germs, and Steel: The Fates of Human Societies by Jared Diamond
78. The Story of Art by E.H. Gombrich
79. A Little History of the World by E.H. Gombrich
80. Francis Bacon: Books and Painting
81. Jean Michel Basquiat by Jean-Michel Basquiat
82. Wipeout in Hong Kong - Invasion Guide 06
83. Invasion Los Angeles 2.1 Updated Edition / 1999-2018 by Invader
84. On Modern Art by Paul Klee
85. Le Corbusier & Pierre Jeanneret by Jacques Dworczak
86. The American Century: Art Culture 1950-2000 by Lisa Phillips
87. Believing Is Seeing: Creating the Culture of Art by Mary Anne Staniszewski
88. Casa Wabi by Bosco Sodi
💭 if I missed any, please feel free to add them in the replies and I'll add it to the list.
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Eileen Gray
1878-1976
Designeuse, architecte
Grande-Bretagne/France
Figure du modernisme, Eileen Gray a contribué à révolutionner le design et l’architecture. Un temps négligée, elle est aujourd’hui considérées comme une architecte particulièrement influente.
C’est la fortune de son père qui lui permet de vivre sa passion dès ses débuts. Il l’encourage dans des études de peinture suivies à Londres puis à Paris. De passage à Londres au chevet de sa mère malade en 1905, elle passe par hasard devant une boutique de réparation de laque. Elle se lance alors dans l’apprentissage de cet art asiatique. De retour à Paris, elle rencontre l’artisan laqueur japonais Seizo Sugawara. Avec lui, elle apprend pendant quatre ans les subtilités du laquage. Ils collaborent pendant une vingtaine d’années.
Eileen Gray s’achète un appartement et installe un atelier de tissage puis de laquage. Le soutien financier de sa famille lui permet de vivre alors que la stabilité de son commerce n’est pas assurée. Elle crée des panneaux décoratifs aux motifs géométriques ou d’inspiration japonaise et commence à se faire un nom. En 1917, on lui confie avec Seizo Sugawara la décoration de l’appartement d’une célébrité, rue Lota.
Eileen, qui s’est initiée au tissage, réalise des tapis, mais aussi des lampes, des paravents laqués en briques indépendantes, des panneaux de laque et des pièces originales bientôt emblématiques tels sa chaise longue « Pirogue » en bois laqué ou son fameux canapé japonisant « Lota » dont les coussins reposent sur des cubes. Ce dernier modèle est encore vendu aujourd’hui. C’est un triomphe dans la presse qui loue le luxe absolu de ce design d’intérieur.
Sur cette lancée, elle ouvre la boutique Jean Désert en 1922, un nom d’homme complètement inventé. Elle y vend ses créations de mobiliers et ses laques à une clientèle chic et très en vue. Exposante au Salon des artistes décorateurs en 1923, elle y présente sa chambre Monte-Carlo qui ne fait pas l’unanimité. C’est à cette époque qu’apparaît dans ses créations le tube de métal chromé. Elle se rapproche également de l’influent mouvement artistique néerlandais De Stijl. En 1925, elle crée une de ses pièces iconiques, la table ajustable avec une structure en acier tubulaire, inventée dit-on pour satisfaire le goût des petits déjeuners au lit de sa sœur.
Elle renonce aux raffinements de l’Art déco pour s’engager dans la voie de l’épure et du fonctionnalisme d’un style plus industriel. Elle amorce un tournant moderniste et délaisse la laque pour les structures nickelées ou chromées. Elle crée des formes audacieuses, tel le fauteuil rond « Bibendum ». Au-delà du design de mobilier, elle s'intéresse de plus en plus à l’architecture. Avec Jean Badovici, elle dessine et construit de 1924 à 1929 la Villa E-1027 sur la Côte d’Azur, qui devient un emblème du modernisme. La structure est audacieuse, les meubles sont pliables ou directement encastrés dans les murs, tel le « fauteuil transat E-1027 ». À Menton, elle se fait construire sa villa Tempe a Païa, maison compacte et personnelle.
Eileen Gray s’inspire des cinq points de l’architecture moderne du Corbusier mais les réinterprète et élabore une réflexion critique et personnelle de ces enseignements. Elle donne à son travail une dimension collective en fondant l’Union des artistes modernes en 1929. Dans les années 1930, elle donne à son œuvre une coloration plus sociale. Elle se lance dans la conception de maisons populaires démontables et d’un centre de vacances en phase avec l’irruption des congés payés dans le quotidien des Français. Elle se montre précurseuse dans la réflexion sur le logement et l’urbanisme sociaux, une préoccupation qui imprègne ses créations de manière durable.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, la maison qu’elle a dû fuir devant l’avancée allemande est pillée. À la fin de la guerre, alors que Le Corbusier ou Mallet-Stevens sont encensés de toutes parts, elle est peu à peu oubliée. Contrairement à d’autres femmes designeuses ou architectes de l’époque, elle n’a pas pu compter sur un réseau influent pour encenser ses œuvres, ni sur des hommes pour porter ses créations ce fut le cas pour Charlotte Perriand et Le Corbusier ou Annie Albers et son mari Josef.
C’est à la faveur d’un portrait publié en 1968 dans le magazine Domus, qu’elle est remise au goût du jour. Elle a alors 90 ans. Ses objets mis aux enchères s��arrachent et un industriel décide de relancer la production des fauteuils Bibendum et E-1027. Le succès est foudroyant. Elle s’éteint à 98 ans en 1976, sa notoriété retrouvée.
Photo : Wikipédia - Domaine public
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" Le penthouse vénitien de Rick Owens" via admagazine.fr, 2019, 1/11
Connu pour son approche transgressive de la mode et ses meubles massifs, comme venus de la préhistoire, le créateur Rick Owens s’est créé, face à la plage du Lido, un espace qui répond à son mode de vie. Minimal et radical.
« J'ai toujours adoré le Lido, son côté provincial, proche de Venise mais sans les inconvénients, raconte le créateur de mode. C’est aussi à deux heures de l’usine qui fabrique mes vêtements et j’ai pris l’habitude de venir travailler ici. J’y passe au moins une semaine par mois et, souvent, presque tout l’été. Pendant des années, j’ai habité à l’hôtel Excelsior, mais je n’en pouvais plus de vivre dans un décor qui n’était pas le mien. » C’est à quelques centaines de mètres de l’hôtel mythique qui accueillait les stars pendant la Mostra de Venise qu’il achète les deux derniers étages du condominium Miramar, un bâtiment des années 1950 avec vue sur la plage.
« Le décor était incroyablement kitsch, une débauche de couleurs ! Shabby, mais pas chic ! » ajoute-t-il en souriant. Avec l’aide de l’architecte Anna Tumaini qui réalise toutes ses boutiques, il imagine au dernier étage un lieu parfaitement conçu pour répondre à un mode de vie réglé comme du papier à musique : travail et lecture, plage, musculation et incontournable sieste l’après-midi. L’étage inférieur est transformé en studio de travail pour ses collaborateurs. « Mon modèle, c’était le cabanon de Le Corbusier, mais en version moderniste. Fonctionnel et efficace ! explique-t-il. Je voulais quelque chose d’austère, de presque froid, qui associe le raffinement de Jean-Michel Frank à la sévérité de l’architecture mussolinienne. »
Le plan de l’appartement a été repensé pour répondre à cette vision et se partage entre trois espaces : un salon-bureau, une chambre-salle de bains et une salle de musculation où le créateur s’exerce plus d’une heure par jour. Pas de cuisine à proprement parler, les repas sont pris à l’extérieur. C’est une cellule de vie en version minimale.
Un mobilier réduit à l’essentiel
Le choix d’un matériau unique, une pierre de Sardaigne blonde utilisée pour les sols à l’intérieur comme à l’extérieur, les garde-corps, les estrades et le piètement des assises, donne à l’ensemble une belle unité. Toutes les huisseries des portes ouvrant sur le balcon terrasse, qui prolonge l’appartement sur ses trois côtés, sont redessinées et réalisées en Inox pour donner un cadre lumineux à la vue sur la mer.
Le mobilier aussi est réduit à sa plus simple expression : des banquettes, une table en bois et quelques tabourets. « Avec l’âge, je ressens le besoin d’une plus grande simplicité, avoue le créateur. J’ai besoin d’éliminer le désordre, toutes les choses inutiles qui m’empêchent de me concentrer sur l’essentiel. L’espace autour de moi doit être comme un écran vierge sur lequel je peux projeter mes idées. Je ne suis que trop humain, pour pouvoir travailler, il me faut une discipline ! »
Seules exceptions à cette règle de dépouillement quasi monacal, quelques sièges d’Eliel Saarinen – son designer favori – appartenant à une rare série créée en 1907, des livres qui s’empilent sur le sol et les étagères de la bibliothèque, une collection de vases en bronze signés Hugo Elmquist et les sculptures futuristes de Thayaht ou de Renato Bertelli qui témoignent de sa fascination pour cette période de la création italienne marquée par l’ascension de Mussolini.
Un crâne posé sur le bureau, des revolvers hérités de son père, grand collectionneur d’armes – qui font naître chez lui un sentiment ambivalent où se mêlent attirance devant la beauté de leur forme et répulsion devant l’horreur de ce qu’ils représentent – lui servent aussi de memento mori. « Nous rêvons tous d’être immortels, reconnaît-il. La mort, c’est “le” problème auquel doivent se confronter tous les artistes. »
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1. Rick Owens, sur le balcon terrasse de son appartement, au cinquième étage d’un immeuble des années 1950. Au premier plan, Kneeling Boy, un bronze de George Minne.
2. La partie bains se compose d’une douche et d’un lavabo en pierre. Sur le banc qui sert de desserte, deux vases en bronze de Hugo Elmquist et une coupe en métal de Rick Owens. Au premier plan, Profilo continuo del Duce, sculpture de Renato Bertelli.
3. La cuisine, réduite à sa plus simple expression (machine à café, micro-onde et lave-vaisselle), est dissimulée derrière les portes d’un placard en miroir dans la salle de musculation. À côté de l’évier, des coupes en cristal de roche et des couverts en os et argent dessinés par Rick Owens. Au sol, des feuilles de jasmin, cueillies sur la terrasse et dispersées chaque jour sur le sol dans tout l’appartement, apportent une touche végétale et remplacent les fleurs que le créateur n’aime pas.
4. La chambre et la salle de bain partagent un même espace dallé de pierre de Sardaigne. Le lit est installé sur une estrade, dans une alcôve habillée d’une couverture militaire comme celles qui sont utilisées comme des tapis sur le sol, vissées à même la pierre. Sur l’écran de télévision, une image de Salomé de Charles Bryant et Alla Nazimova, un des films préférés de Rick Owens. Au premier plan, Dux, une sculpture de Thayaht. Draps de lit teints à la couleur (D. Porthault).
5. Sur le bureau, un memento mori arrangé par Rick Owens autour de deux vases en bronze de Hugo Elmquist. Le Luger, comme les autres revolvers posés à côté du lit ou du canapé, appartenait à son père, grand collectionneur d’armes à feu.
6. Devant le bureau en bois brut dessiné par Rick Owens, un fauteuil de Eliel Saarinen, modèle très rare d’un ensemble créé en 1907 dont on retrouve d’autres pièces dans chacun des appartements du créateur. Au fond, sur une stèle en bois brut, une tête en bronze Ritratto di Filippo Tommaso Marinetti de Thayaht.
7. Les livres occupent une place prééminente dans la vie de Rick Owens. Systématiquement débarrassés de leur jaquette, ils le suivent à la plage, débordent de la bibliothèque et s’empilent sur le sol et les meubles.
8. La partie salon ouvre sur le balcon terrasse par des portes-fenêtres dont les huisseries ont été remplacées par des modèles en Inox surmontés de bandeaux boulonnés, dans un esprit Wiener Werkstätte. Le canapé est une grande banquette réalisée dans la même pierre que le sol, agrémentée de matelas et de traversins en grosse toile. À côté de la sculpture de Thayaht, une des chaises d’Eliel Saarinen. Au fond, un tabouret en bois brut dessiné par Rick Owens.
9. Un équipement de sport professionnel, haltères, poids, appareil de musculation… occupe la dernière pièce de l’appartement. Au premier plan, un sarcophage égyptien en bois datant du IXe siècle avant J.C.
10. Le cabinet de toilette adjacent à la salle de sport et ses murs en marbre noir comme les toilettes, un modèle cylindrique réalisé sur mesure que l’on retrouve dans tous les appartements de Rick Owens.
11. Vue de la terrasse sur la plage du Lido et ses rangées de cabines en bois peint.
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Text by Marie Kalt
Image by Jean-François Jaussaud
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Mon agenda de Mai
La saison des festivals commence ! Je suis super excitée de la venue de ce mois de Mai, j’en ai les pépins qui palpitent. Cette sélection a été difficile, et je suis sûre que plein de belles choses vont venir se rajouter au calendrier... Stay tuned comme on dit !
2 mai - Chants afro-colombiens
Le temps d’une soirée, le groupe Zumaya Verde nous emmène vers d’autres horizons, avec des chants croisant les styles d’Amérique du Sud et d’Europe. Pour cette soirée, le duo présente la vie des indigènes de la côte Pacifique et Atlantique de la Colombie, l’arrivée des Espagnols, et les luttes des esclaves noirs pour s’affranchir.
> 20h30, entrée libre
> Remue-Méninges, 43 rue Michelet
2 au 22 mai - Le Mai de la typo
Pendant trois semaines, découvrez la typographie dans tous ses états ! Au programme, des expositions, des ateliers, des livres, des bières...
> Divers lieux
3 mai - Vernissage de l’exposition Climate Canary
Découvrez l’exposition d’Aurélie Menaldo du 4 mai au 1er juin. Inspirée par le passé stéphanois, elle pose un regard présent sur un monde proche, un univers charbonneux s’inscrivant dans une faille sensible.
> Entrée libre
> L’Assaut de la Menuiserie, 11 rue Bourgneuf
4 mai - La Sociale #2
Deuxième soirée de bienfaisance pour ce collectif composé de Néodemos, Syndrome Odyssée, Poto Feu Events et Positive Education. Avec La Sociale, ils apportent leur soutien aux habitant.e.s de la Maison Bleue.
> 5 euros / entrée gratuite contre denrées alimentaires
> F2, rue de la Ville
5 mai - De parc en parc
Journée à vélo pour découvrir les chants des oiseaux avec un ornithologue de la Ligue de Protection des Oiseaux (LPO), encadrés par l’association Ocivélo. Une balade de parc en parc à Saint-Etienne !
> Prix libre : inscription obligatoire via le Framadate (cliquez) ou par téléphone au 04 77 21 18 29.
10 & 11 mai - Les Fanfaronnades
Le fil et le Château du Rozier s'associent pour un week-end collaboratif, participatif et surtout festif autour de la fanfare !
Avec TOO MANY ZOOZ ; Parquet ; La Fanfare de la Touffe ; Les Monstros.
> Pass 2 jours : 20 euros
> 10 mai Château du Rozier / 11 mai le fil
11 mai - Limbo Jet #2
« MAYBE LIGHT » de Marie Kaya & Carole Nosella + invité.e.s
Limbo Jet est une soirée unique à vocation festive, présentant une exposition accompagnée d’une proposition sonore et d’une proposition gustative. Limbo Jet est un projet annexe de l’espace Les Limbes.
La prochaine : Limbo Jet #3 le 18 mai : Alain Barthélémy + invité.e.s.
> Les Limbes, 7 rue Henri Barbusse
14 mai - L’esprit Le Corbusier
Projection du film documentaire de Gilles Coudert. Autour du film, rencontre animé par des enseignants de l’ENSASE et le site Le Corbusier
> Le Méliès, place Jean Jaurès
15 mai - Concerts
Ne pas rester dans sa zone de confort et aller voir Binidu et Borja Flames à l’Entre Pôts, c’est bon pour la santé !
> 5 euros
> Entre Pôts, place Jules Guesde
18 mai - La Fuchine des Lulu
Une journée 100% nature qui fait du bien, organisée par les Lulu ! Salon des vins natures, conférence avec Dominique Hutin, concerts avec Lion in Bed - Cavalerie - Ratel et dédicaces de Fleur Godart et Justine Saint-Lô avec la librairie Lune et l’autre. Du beau !
> Salon 10h-19h : 5 euros
Concerts 20h-1h : 5 euros
Toute la journée : 8 euros
> Ursa Minor, 11 rue de l’Egalerie
19 mai - Marché de la création
Huitième édition du Marché de la Création, organisé par l’asso Tisser des Liens. Peintres, graphistes, photographes, sculpteurs, céramistes, créateurs de bijoux, de vêtements, de mobiliers… Il y en aura pour tout le monde !
> 8h - 17h30, place Jacquard
20 au 22 mai - Pint of Science 2019
Le concept ? Apprendre en buvant une bière ! Fini la conférence compliquée, bienvenue dans la science festive ! Venez rencontrer des chercheurs dans l’ambiance détendue des bars, pour parler de sujets aussi divers que les neurosciences ou l’astrophysique…
> 2 euros par soirée
> Café Les Jardins - Méliès Café, place Jean Jaurès
23 au 25 mai - Fest’U
Le Fest'U 2019 c'est plus de 50 spectacles pour découvrir presque 500 artistes ! Le festival de la création étudiante stéphanoise est de retour avec des concerts, de la danse, du théâtre, des chorales, du cirque, des démonstrations d'arts martiaux et même de l'hypnose.
Programme complet en pdf (cliquez ici)
> Entrée libre
> Université Jean Monnet, Campus Tréfilerie
24 & 25 mai - Faut qu’ça brasse
Festival de la bière artisanale, Faut qu’ça brasse c’est une trentaine de brasseurs artisanaux présents, des food-trucks, des ateliers-dégustations animés par le biérologue Cyril Hubert, des animations, des jeux et deux grandes soirées ! Horaires : vendredi 17h - 00h et samedi 15h - 00h.
> 1 jour : 5 euros (prévente) / 7 euros (sur place)
2 jours : 10 euros (uniquement en prévente)
> Parc expo (Hall B)
24 au 26 mai - Complètement Gaga !
Le festival d’arts de rue revient ! Musique, danse, théâtre, arts du cirque prennent possession de divers lieux de la ville pour une programmation éclectique pour petits et grands.
> Prix libre
> (Dans l’ordre) Amicale Laïque Crêt de Roc ; La Cartonnerie ; Puits Couriot
24 mai au 1er juin - Festival Trax
Sixième édition du festival de danse hip hop de Saint-Etienne, organisé par la Compagnie Dyptik.
Toute la programmation en pdf (cliquez ici)
> Tarifs en fonction des jours
> Divers lieux
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María de Naglowska
Publicado: Jueves, 30 de Septiembre de 2010 00:18 por Ernesto Milá enESOTERISMO
Infokrisis.- En el París de los años 30, una mujer se recogía en una iglesia de Montparnasse, pero en la noche daba cursos sobre magia sexual. Era conocida como “la Sacerdotisa de Lucifer”. Se llamaba Maria de Naglowska. Discreta, pero extremadamente influyente, fue sin duda la gran difusora de la magia sexual en el siglo XX.
María de Naglowska nació el 15 de agosto de 1883 en San Petersburgo. Era hija del gobernador de Kazan, el general Dimitri de Naglowski que en 1895 resultaría envenenado por un nihilista. A la edad de 12 años quedó huérfana. Su tía la matriculó en el instituto Smola para jóvenes aristócratas. Allí culminó brillantemente sus estudios. Durante ese tiempo, según su propia confesión, contactó con la secta de los Khlistis a la que pertenecía Rasputín y cuyos ritos incluían técnicas de magia sexual. Ese fue el primer contacto con la doctrina que absorbería toda su vida.
HACIA OCCIDENTE
La revolución de 1905 la impulsó a frecuentar círculos cerrados de intelectuales. Enamorada de un músico de origen judío, Moisés Hopenko, abandonó con él Rusia para instalarse, primero en Berlín y luego en Suiza, donde se casaron. Allí continuó sus estudios universitarios siguiendo simultáneamente varias carreras. Para salvar su matrimonio y permitir a su marido terminar su formación como músico, dio clases particulares. Poco después nacieron sus tres hijos: Alexandre, Marie y André.
Hopenko seducido por las ideas sionistas decidió partir hacia Palestina abandonando a su mujer y a sus hijos. Maria continuó enseñando y escribiendo algunos artículos para diferentes revistas. Dio también conferencias. Pero estas actividades y la aparición de un libro le costaron ser encarcelada por actividades políticas y espionaje. Tras su liberación abandonó Ginebra para radicar en Berna y luego en Bale.
DEL GRUPO DE “UR” A LA TEOSOFIA
Pronto abandonó Suiza y se trasladó a Italia instalándose en Roma donde permaneció entre 1921 y 1926. Siguió enseñando y se convirtió en redactora del diario "L’Italia". Quiso trasladar a sus hijos desde Suiza, pero Alexandre se unió con su padre en Palestina.
Pronto surgieron los problemas: Maria perdió su empleo y debió dar clases a cualquier precio para sobrevivir. En Roma, frecuentó a un grupo de escritores ocultistas. Este contacto le permitió conocer a un filósofo ruso exiliado que le reveló las tradiciones Boreales más secretas.
En ese período conoce a Julius Evola y a otros amigos suyos que formarán poco después el “Grupo de Ur” de magia operativa. Evola, junto con René Guenon, son dos de los esoteristas más prestigiosos del siglo XX y aun hoy sus obras son frecuentemente reeditadas.
Su hijo Alexandre que consiguió un buen puesto de trabajo en Alejandría, la llevó a Egipto con sus hermanos. Pronto fue invitada a dar conferencias en la Sociedad Teosófica en la que ingresó finalmente. La logia de Alejandría había sido fundada por la propia Blavatsky. Así mismo se convirtió igualmente en redactora del diario “La Bolsa”.
EN MONTPARNASSE
En 1930, volvió a Roma, sus amigos le encontraron un trabajo en una editorial de París donde pudo establecerse. Desgraciadamente no obtuvo autorización para trabajar en Francia y debió contar con su hijo André para sobrevivir.
María se estableció entonces en Montparnasse donde conoció a escritores, artistas y poetas. Pronto inició la edición de un semanario mágico, "La Flèche" en la que colaboraron Julius Evola y otros destacados esoteristas de la época. Aparecieron 18 números que hoy se cotizan a precios extremadamente altos. La revista se subtitulaba “organo de difusión del Tercer Término”
Estableció su cuartel general en el restaurante La Coupole dónde se reunían los ocultistas de la época. La dirección le ofrecía gratuitamente cada tarde la cena y los numerosos cafés que consumía a lo largo del día. El miércoles daba conferencias en el Estudio Raspail situado en el número 36 de la cercana rue Vavin y todas las tardes acudía a la iglesia de Notre-Dame des Champs para concentrarse y meditar. Diariamente, durante 2 horas, recibía a sus discípulos en el Hotel Americano (15, rue Brea) no lejos de allí. Estos llegaban desde muchos países extranjeros; no en vano María de Naglowska dominaba el inglés, el ruso, el alemán, el francés, el italiano y el yidish, comprendía el polaco, español y checo y, finalmente, algo de árabe.
Su biógrafo y discípulo más directo, Marc Pluquet, cuenta que a las conferencias solían acudir en torno a 40 personas, luego, al concluir, un pequeño grupo pasaba a la sala contigua y realizaba ritos más discretos. Allí confería iniciaciones que ella misma calificada de “satánicas”. La prensa se ocupó frecuentemente de ella y un artículo en la revista “Voilà” fue suficiente para que su nombre alcanzara fama y relieve.
HACIA EL FINAL DE UNA VIDA
A finales de 1935, anunció a Marc Pluquet que acababa de terminar su misión y que preparaba la partida. Profetizó que el advenimiento del Tercer Término no podría hacerse más que en dos o tres generaciones cuando el mundo estuviera preparado para las transformaciones sociales y políticas que implicaba el advenimiento de una nueva era. La misión de los que han compartido su obra será conservar la enseñanza para que pueda reaparecer bajo una forma clara y comprensible a hombres y mujeres que no estarán necesariamente formados en el simbolismo.
El pequeño grupo de sus discípulos estaba formado por conocidos esoteristas, entre los que figuran Claude Lablatinière (alias “Claude d’Ygée”, luego dedicado a la alquimia), Camille Bryen y su biógrafo Marc Pluquet. Algunos de ellos, como d’Ygée, se movían en el entorno en el que aparecieron las obras de Fulcanelli, el misterioso alquimista del siglo XX.
A principios de 1936, María dio su última conferencia un sábado en el Estudio Raspail (36, rue Vavin, en un hotel que, reformado, aun existe y en el que vivieron entre otros Aleister Crowler y Eliphas Levi) a fin de las cual se despidió de la concurrencia sin dejar ningún sucesor. Luego se reunió con su hija María en Suiza.
Contrariamente a la versión que se ha dado de sus últimos años, el 17 de abril de 1936, María de Naglowska, la Sophiale de Montparnasse, como fue llamada por unos y “sacerdotisa de Lucifer” para otros, murió en casa de su hija en Zürich. No es cierto que los alemanes la detuvieran en 1940 en París y la deportaran a Austwitz tal como han publicado erróneamente autores como Jean Pierre Bayard (“La meta secreta de los rosacruces”).
MARIA DE NAGLOWSKA Y LE CORBUSIER
Maria de Naglowska, con el pequeño grupo de sus discípulos constituyó la Orden de los Caballeros de la Flecha de Oro de los que Marc Pluquet era el más próxima a ella. Pluquet constituye, al mismo tiempo, la fuente más preciosa de datos sobre la Naglowska. En la Biblioteca del Arsenal de París se encuentran depositados 75 folios mecanografiados con el título de La Sophiale, Maria de Naglowska: sa vie – son oeuvre. Pluquet era, al mismo tiempo, arquitecto y trabajó en un período de su vida –justamente en la época en la que estuvo en contacto con María de Naglowska- con el arquitecto Le Corbusier. Pluquet afirma que las ideas de la Naglowska influyeron en el estilo y en las ideas de éste renovador de la arquitectura.
Por esas fechas (1931), el famoso arquitecto, había ido a vivir a París a una casa que él mismo diseñó en rue Molitor. Poco después, en 1935, Le Corbusier interviene en el congreso Internacional de Arquitectura Moderna con una ponencia titulada La Ciudad Radiante. En 1935 desarrolla este tema en un libro del mismo título. Su propuesta es constituir edificios con la planta en forma de cruz, lo que permitiría aprovechar al máximo la luz. Su idea consistía en construir un rascacielos en París de 220 metros de altura, que permitiera circular entre los pilares. Poco después, cuando le encargan el plano urbanístico de Sao Paulo (Brasil), vuelve a insistir otra vez en la forma de cruz, para toda la ciudad.
Estas ideas se encuentran en las obras de María de Naglowska. Por otra parte, no hay que olvidar que Le Corbusier tenía en aquella época una vena mística muy acusada que le llevó incluso en visitar Barcelona las obras de Antonio Gaudí por invitación del pintor José María Sert (hombre muy versado en esoterismo y uno de los grandes maestros y amigos de Dalí).
MARIA DE NAGLOWSKA Y LA MAGIA SEXUAL
En 1931, María de Naglowska publica en París un libro, generalmente atribuido a Pascal Beverly Randolph, Magia Sexual. En la biografía de Randolph resulta probable que viajara a París, pero se desconoce la forma en que llegó el manuscrito de “Magia Sexual” a manos de María de Naglowska. De hecho no hay pruebas siquiera de que el libro fuera escrito por el propio Randolph. Algunos fragmentos del libro son sospechosamente idénticos a los que contienen otras de sus obras (en especial todo lo relativo a los espejos mágicos y la animación de estatuas), pero, en general, el estilo es diferente y parece más influido por Josephin Peladan (artista y ocultista rosacruciano francés de finales del XIX y principios del XX) que por el propio Randolph.
La Naglowska explica en su revista La Fleche que el texto le fue remitido “por un desconocido en una céntrica calle de París, sin darle tiempo a preguntarle nada más”. A pesar de que Julius Evola, no solamente dio por auténtico el texto, sino que además lo prologó, por nuestra parte pensamos que Magia Sexual encierra un misterio difícil de resolver, pero que, en cualquier caso, la clave está en Maria de Naglowska, la mujer que publicó el libro en 1931 y que, probablemente lo escribiera a partir de fragmentos de Randolph, de ideas de Peladan y de las suyas propias.
Si esto es así, a la “Sacerdotisa de Lucifer” le cabe el honor de ser la inspiradora del libro sobre técnicas sexuales mágicas más difundido en Occidente incluso en nuestros días. El mensaje esotérico de esta gran desconocida sobrevive en nuestros días, sin que la mayoría lo perciba.
[ r e c u a d r os f u e r a d e t e x t o ]
MARIA DE NAGLOWSKA Y GALA DALI
En 1931, Salvador Dalí pasó una temporada en París donde se encontraba el centro mundial del surrealismo. Cierta mañana de junio, fue a visitar a su amigo Joan Miró y éste le propuso ir al restaurante La Coupole donde estaba el fundador del dadaísmo, Tristan Tzara. En La Coupole, los surrealistas tenían una animada tertulia en la que participaban los exponentes más destacados del movimiento.
Dalí frecuentó este artículo durante los años 1931-1933. Iba acompañado por Gala Dianokov, su esposa.
Resulta difícil pensar que ambas mujeres no se encontraran en la Coupole y no sintonizaran. Gala, nacida en Kazan (donde residió la Naglowska mientras su padre fue gobernador de esa provincia), rusa, interesada en la magia sexual y en el ocultismo (por entonces Gala oficiaba de médium de los surrealistas e introduce en la mediumnidad a otros miembros del grupo; ha aprendido a tirar el tarot) y le apasiona el ocultismo y la astrología. Aparecía por entonces y en los años que siguieron una réplica de la Naglowska.
A decir verdad, la influencia de la ocultista rusa aparece en la vida de Gala en distintas ocasiones. Su psiquiatra contó que en 1973 Gala estaba convencida de que el semen de muchachos jóvenes la rejuvenecía y, hasta sus últimos meses de vida, siguió manteniendo relaciones sexuales. Muy frecuentemente sus amantes quedaron destrozados por la experiencia: Jeff Fenholt, por ejemplo, protagonista de Jesucristo Superstar, pasó a un grupo de rock satánico; varios se convirtieron en toxicómanos.
Por lo demás, las ideas de Dalí sobre el andrógino, sobre la sexualidad mágica, su misticismo neocatólico y sobre todo sus concepciones en el terreno del erotismo parecen extraídas directamente de las doctrinas de la Naglowska sobre el Tercer Término.
[recuadro II]
LA “MISA DE ORO” Y LA DOCTRINA DEL “TERCER TERMINO”
La idea central del pensamiento de la Naglowska consiste en intuir como será la religión del Tercer Término. Para ella el judaísmo es la religión del Padre, el cristianismo, la del Hijo y queda todavía por manifestarse el Tercer Término de la Trinidad que inspirará la religión de la Nueva Era.
De la misma forma que atribuía un carácter andrógino al Padre y un carácter masculino al Hijo, la nueva religión del Tercer Término debía de surgir e la unión de los contrarios y tendría una naturaleza femenina. Para esto era preciso dominar las técnicas de magia sexual.
¿Y Satán? ¿por qué la Naglowska se hace llamar Sacerdotisa de Lucifer? En su particular visión, en el ser humano están presentes dos componentes, el cuerpo de Dios (la vida) y la Razón. Ambos son interdependientes y complementarios. La Naglowska afirmaba que la razón está al servicio de Satán e incluso sostenía que la razón es Satán. Existe una relación dialéctica entre Dios-Vida y Satán-Razón. La práctica hermética tiene que enseñar el calvario de Satán que resuelve la relación dialéctica en una síntesis que es precisamente el Tercer Término, el Espíritu Santo.
El elemento ritual central de este calvario es la llamada Misa de Oro. En 1935, Maria organizó reuniones para presentar los ritos preliminares de la Misa de Oro cuyo fin era consagrar el advenimiento del Tercer Término. La Naglowska daba mucha importancia a un ritual extraño y siniestro en el cual el adepto era colgado por el cuello. Incluso dedica una de sus obras más turbadoras Le Mystère de la Pendaison (literalmente El Misterio del Ahorcamiento) inspirado en la carta del Tarot. Para la Naglowska esta carta era algo más que un símbolo. En esa posición, el acto sexual parece tener una mayor intensidad traumática; se sabe incluso que los ahorcados experimentan una erección que llega hasta la eyaculación en el curso de su agonía. Sería el momento en el cual, confundido el placer con la muerte se alcanzaría el punto álgido del calvario de Lucifer y... justo en ese momento el adepto provocaba en sí mismo el nacimiento del Tercer Término.
[recuadro III]
LA FRATERNIDAD DE EULIS: DE RANDOLPH A LA NAGLOWSKA
Pascal Beverly Randolph, tras escindirse de la Hermandad Hermética de Luxor, constituyó su propia organización iniciática, la Fraternidad de Eulis. Tras su muerte en 1875, Freeman B. Dowd asumió la dirección. En 1878, fundó una gran logia en Filadelfia y en 1907, al retirarse fue sucedido por Edward Brown.
A la muerte de éste en 1922, el teósofo rosacruciano R.S. Clymer tomó el relevo. Nacido en 1878, Clymer fue recibido como Neófito en el seno de la F.R.C. y de la Fraternidad de Eulis en 1897. En 1911, se instaló en Berverly Hall donde estableció la sede de la Orden. Tuvo una agria polémica con Spencer Lewis y su A.M.O.R.C. (Antigua y Mística Orden rosa Cruz) a quien acusó de falsario y mistificador.
Con otros iniciados, Clymer construyó la F.U.D.O.S.F.I. (Federación Universal de Ordenes, Sociedades y Fraternidades Iniciáticas) a fin de combatir a Lewis y la influencia de la F.U.D.O.S.I. (Federación Universal de Ordenes y Sociedades Iniciáticas) que éste había constituido.
La Naglowska conoció la obra de Clymer mientras permaneció en Roma junto a Julius Evola y tuvo contactos con la F.R.C. en París, sin embargo, considerando que la enseñanza sexual de Randolph estaba muy atenuada, prefirió fundar su propia estructura iniciática, la Orden de los Caballeros de la Flecha de Oro.
© Ernest Milà – Infokrisis – [email protected] – http://infokrisis.blogia.com – Prohibida la reproducción de este texto sin indicar origen
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Tomita Kazuhiko
Tomita Kazuhiko. Diseñador industrial y de producto.
Tomita Kazuhiko (1965, Nagasaki, Japón) se describe a sí mismo como un nómada errante entre el Este y el Oeste, y su trayectoria profesional y biográfica no hace más que confirmar esta teoría.
Como diseñador es capaz de construir nuevas marcas o de darles un nuevo giro, al aplicar su experiencia creativa en varios campos, desde el diseño gráfico hasta la arquitectura.
Tomita Kazuhiko estudió diseño industrial en la Universidad de Chiba en Japón (1989).
Posteriormente, en la década de 1990, gracias a una beca de Cassina & British Council, estudió diseño de muebles en el Royal College of Arts de Londres, donde se graduó en 1992.
Éste mismo año (1992) se mudó a la ciudad que es la meca del diseño industrial: Milán.
En 1993 diseñó la línea “Stars” de productos cerámicos en colaboración con Alessandro Mendini y Ettore Sottsass.
También en 1993 fundó el Studio 2.5-Dimensional Design (Milán) -que después se convertiría en Tomitadesign– empezando a presentar sus colecciones en ferias internacionales.
En el año 2000, se convirtió en director de Arte de la compañía COVO, y en este contexto, diseñó también la COVO Shop en la ciudad de Roma.
COVO, una marca con un ADN completamente italiano y raíces internacionales, combina elegancia con simplicidad, tradición y contemporaneidad, y clasicismo con diseño vanguardista.
En 2001 creó la colección de artículos de mesa “Rim” para Rörstrand, empresa de porcelana en Kungsholmen (Estocolmo, Suecia), junto con Vico Magistretti.<
Tomita Kazuhiko fue nombrado director de Arte de NUSSHA París en 2004, y desde entonces ha trabajado con varios fabricantes más, incluida por ejemplo, la empresa italiana Moroso.
Las creaciones de Tomita Kazuhiko son lúdicas, pero a la vez prácticas.
Con una mirada cuidadosa y sensible que combina armoniosamente forma y contenido promueve, sin sacrificar nada a la funcionalidad, la investigación y la experimentación que va desde el uso hábil de los materiales hasta la selección previsora de productores internacionales.
Su universo se encuadra dentro del arte y del estilo de vida tradicional japonés a la vez que convive con el concepto europeo de lo moderno. Sus ideas asumen el mismo objetivo, hacer artículos destinados a un uso global y prolongado que dure toda la vida.
Un factor de enlace entre todas sus creaciones es la simplicidad, pues para él éste es un factor muy importante, pero no la simplicidad llevada al minimalismo entendido como lo hacía la Bauhaus.
Para Tomita Kazuhiko la reducción a lo que es importante y esencial es una característica del shintoismo japonés, donde según su teoría los objetos inanimados también contienen energía espiritual.
Así por ejemplo, la colección de mesas de sobremesa”UkiYo” (2006-2007) para Moroso, realizadas en resina de poliéster co-moldeada, están decoradas con los patrones utilizados en los kimonos tradicionales e inspirados en Ukiyo, un movimiento cultural japonés del siglo XVIII.
Relacionado con el realismo sintoísta, que establece que nada puede permanecer sin cambios durante mucho tiempo, la filosofía de este movimiento (Ukiyo) vive cada momento al máximo como una forma, curiosamente, de alcanzar la vida eterna.
Desde esta perspectiva, la floración se convierte en el período anual más alegre y radiante, donde se extiende por todas partes la máxima cantidad de energía. Sin embargo, nadie puede decir si la flor recién florecida seguirá viva un momento después.
Las tapas o sobres de estas mesitas -con finísimas patas de acero tubular acabado en polvo RAL 3003 rojo brillante- se pueden invertir y utilizar como bandejas.
Su trabajo se ha exhibido a nivel mundial, en ciudades como Tokio (exposición individual “2.5-Dimensional Design“, Ozone Gallery, 1999); en Jerusalén (“FUSION: Arquitectura + Diseño en Japón“, 2002, Museo de Israel); Nueva York (Exposición “COVO”, 2002, galería Totem SOHO) o en Milán (“RE-FUSION”, 2003).
También sus productos han entrado en los museos para quedarse, como los productos que diseñó para la marca Essential, que se han integrado en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Tomita Kazuhiko es profesor visitante en Diseño Industrial en la Universidad de Roma.
Y ha ganado numerosos premios internacionales a lo largo de su carrera, como por ejemplo el primer premio en el concurso “El futuro arquitectónico del acero inoxidable” (Londres, 1991) por Sir Noman Foster.
El Marchette Award Gold, RCA, (Londres, 1993); Distinción G-mark / Good Design Award (1998), Departamento de pequeñas y medianas empresas, JIDPO (Tokio), y The International Design Yearbook (1998 y 2002), Londres.
Tomita Kazuhiko (pág. web).
Tomita Kazuhiko y mesa de sobremesa”UkiYo” (2006-2007) para Moroso.
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X
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Y
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Estos temas se pueden encontrar en los escritos de Gaston Bachelard, Jean Baudrillard, Sra. Isabella Beeton, Pierre Bourdieu, Beatriz Colomina, Le Corbusier, Mary Douglas, Diana Fuss, Dolores Hayden, Martin Heidegger, Henri Lefebvre, Edith Wharton, entre muchos otros. Las discusiones sobre el hogar pueden ayudar a comprender mejor y desafiar las percepciones del yo y la extensión del yo.
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https://murcia.bedpage.es/homes-for-sale/
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BACK IN THE BOOKSHOP: DECORATION : TRADITION ET RENOUVEAU : (COLLECTION CONNAISSANCE DES ARTS) (1973) • First printing of one of the heaviest hitters of Interior Design books, the enormous, lavishly illustrated "Decoration : Tradition et Renouveau" (Collection Connaissance des Arts) published in 1973 is without a doubt one of the most collectable of 1970's design books. • This huge, prestigious, cloth-bound volume travels through some of the world's most incredible domestic interiors of the period, including those of major architects, interior designers, fashion designers, critics, art and antiquities collectors, and more, showcasing objets d'art, historical artifacts and furniture (from Pablo Picasso, Mies van der Rohe, Lucio Fontana, Nicola L, Cesar, Jean Dubuffet, Arman, Gae Aulenti, Marcel Breuer, Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Enzo Mari, Pierre Paulin, Afra + Tobia Scarpa, Charles Eames, Joe Columbo, Verner Panton, Bruno Munari Afra Scarpa, Mario Bellini, Tom Wesselman, Sonia Delaunay, Man Ray) adorning decorated interiors ranging from "Tradition" ("a formula that allows one to integrate older items, furniture and artwork in a contemporary context"); "le Renouveau" (contemporary interiors of the 1970's and "a section dedicated to design of the time offering a selection of the finest furniture, objects and accessories created by top designers"); and "l'Avant-garde" (displaying some of the most experimental, idiosyncratic, and forward-thinking interiors that bring together modern materiality, pop art and space design to create inspired interior living architectural spaces). • "How to reconcile antique furniture and contemporary structures? Can we adapt modern furniture within a traditionally inspired framework? This book, illustrated with beautiful photographs, mostly in color, reproducing the finest achievements of the great contemporary designers, responds to these questions." All texts in French. • A must-have for the interior design lover. • One perfect copy via our website and in the bookshop. • #worldfoodbooks #decoration #1973 (at WORLD FOOD BOOKS)
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Jean-Marie Corbusier, Ordonnance du réel, Châtelineau : Le Taillis Pré, 2021
Jean-Marie Corbusier, Ordonnance du réel, Châtelineau : Le Taillis Pré, 2021
Une note de lecture de Pierre Schroven
http://Jean-Marie Corbusier, Ordonnance du réel, Châtelineau : Le Taillis Pré, 2021
Jean-Marie Corbusier, Ordonnance du réel, Châtelineau : Le Taillis Pré, 2021
Dans cette suite de poèmes en prose, Jean-Marie Corbusier hisse haut l’air vif d’une parole qui nous invite à aller au-delà de nos abstractions et de nos idées toutes faites pour découvrir une vie…
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Montpellier has definitely been the most interesting city I’ve seen in south of France from a merely architectural point of view. There just so much in terms of contemporary buildings and many others are currently in the making. For sure we can say that the city of Montpellier is no stranger to urban development. Internationally acclaimed architects and engineers have been called to revitalize and reshape the city, names as Jean Nouvel, Ricardo Bofill, Zaha Hadid, Massimiliano Fuksas, Philippe Starck. A new very interesting TGV station designed by a Paris-based architecture and engineering firm Marc Mimram or a new housing tower designed by Sou Fujimoto just to name a few.
The modern side of Montpellier with its contemporary architecture is absolutely fascinating. Mixed with the beauty and charm of its old historic heart.
Let’s have a look at what you can find here in Montpellier!
GARE SAINT-ROCH |JEAN-MARIE DUTHILLEUL|
The interior of this train station was the very first discovery here in Montpellier. The exterior is purely neo-classical; admire it and then step inside and go to the first floor to walk in this newly renewed nave-like space.
JEAN-MARIE DUTHILLEUL
Place Auguste Gilbert, 34000 Montpellier
TOUR LE TRIANGLE |PIERRE TOURRE|
The tallest building you can find in Montpellier. Think about the awesome view you can get from its top!
PIERRE TOURRE
Allée Jules Milhau, Immeuble Le Triangle, 34000 Montpellier
ANTIGONE |RICARDO BOFILL|
On the edge of the old city lies Antigone, a vast area with a mix of private and social housing. You will definitely notice its monumental scale and neo-classical buildings designed by Ricardo Bofill. The neo-classical style makes the whole site look grandiose and even more ancient than it actually is (the project started in 1979 and completed in 2000) reminding of a Greek or Roman ancient development. It’s an entire district that spreads around a central axis that connects the historic centre to the newly developing area along the river Lez.
RICARDO BOFILL
Place du Nombre d’Or, 34000 Montpellier
MÉDIATHÈQUE EMILE ZOLA |PAUL CHEMETOV|
MÉDIATHÈQUE EMILE ZOLA
PAUL CHEMETOV
218 Boulevard de l’Aéroport international, 34000 Montpellier
L’ARBRE BLANC |SOU FUJIMOTO|
The White Tree is called. The 17-sories housing tower that Sou Fujimoto was called to design for the city of Montpellier. Of course I can’t wait to see it finished. It will be a good excuse to come back.
L’ARBRE BLANC
Place Christophe Colomb, 34000 Montpellier
FACULTÉ D’ÉCONOMIE
Site Richter, Avenue Raymond Dugrand, 34960 Montpellier
NUAGE |PHILIPPE STARCK|
Strange to find a building designed by a product designer. Philippe Starck is very well-known for the pieces of furniture and products he designed but in Montpellier he went further stepping into the field of architecture with ‘Le Nuage’ fitness and wellness centre. He conceived a bubble-like facade made of an inflatable membrane that uses a special material called ETFE (the same used for the Aquatics Centre in Beijing and the Allianz Arena in Munich).
NUAGE
PHILIPPE STARCK
769 Avenue de la Mer-Raymond Dugrand, 34000 Montpellier
LA MANTILLA | JACQUES FERRIER |
I have to admit that I didn’t know about this enormous development but it’s pretty impossible to miss it if you walk in Port Marianne area. It’s so big and the facade so geometrical and white that you see it. The name that identifies the project says everything: mantilla is a lace or silk scarf worn by women, mainly in Spain, over the head and shoulders. That’s what this geometrical pattern recalls creating a figurative connection with Mediterranean architectural language. In this case this pattern takes the form of a lattice that wraps around the balconies and loggias.
JACQUES FERRIER
812 Avenue de la Mer-Raymond Dugrand, 34000 Montpellier
PORT MARIANNE
Port Marianne is the district in the south-east part of Montpellier in which all the newly realised buildings are. It’s an area in full expansion so just walk every street and you’ll see something eye-catchy for sure.
HÔTEL DE VILLE |JEAN NOUVEL|
On the banks of the Lez, in Port Marianne area, the City Hall won’t go unnoticed. It is a bold blue-green-goldish structure, like a three-dimensional puzzle made of numerous layers of reflective steel and glass.
JEAN NOUVEL
1 Place Georges Frêche, 34267 Montpellier
HOUSING |BERNARD BUHLER|
The use of colour is what identifies the architectural language of Bernard Buhler. He mainly realised residential projects and the common feature is a pop of colour, usually used for the balconies, as in this case.
BERNARD BUHLER
rue des Justes, Zac Rive Gauche, Port Marianne, Montpellier
SCHOOL ANDRÉ MALRAUX |DOMINIQUE COULON|
A nursery, primary school and dedicated playground housed in these dynamic and playful stacked volumes. A remarkable building for its functionality and aesthetics.
DOMINIQUE COULON
34000, Impasse Joan Miro, 34980 Montpellier
LYCÉE GEORGES FRÊCHE |MASSIMILIANO FUKSAS|
A school of hotel management designed by the Italian architect Massimiliano Fuksas with his wife Doriana Fuksas. The sculptural shape of the building is wrapped with thousands of anodised aluminium cases in triangular shapes. Each one is unique and has its specific barcode so that it can be identified for its specific situation on the façade.
MASSIMILIANO FUKSAS
401 Rue Le Titien, 34000 Montpellier
MÉDIATHÈQUE PIERRES VIVES |ZAHA HADID|
As usual Zaha Hadid’s buildings are easily recognisable for their strong lines and identity they convey. In Montpellier she designed a sculptural concrete and glass block that accommodates a multimedia library but even a public archive and sports department. The main entrance is very impressive with that massive and solid-stone-looking cantilevered canopy.
PIERRES VIVES
ZAHA HADID
907 Rue du Professeur Blayac, 34080 Montpellier
OLD MONTPELLIER
Among all this glass and steel the historic centre of Montpellier is such a jewel with La Place de la Comédieas its focal point. It’s such a beautiful area filled with charming alleys with leaning medieval buildings and around every corner seems to be another peculiar square with a fountain or an olive tree. Such a Mediterranean ambience.
LA GRANDE MOTTE
When in Montpellier don’t miss the chance to go to La Grande Motte! This is one of the rare cases in which a city is entirely planned and designed from scratch by one single architect. Jean Balladur is the architect that worked for 30 years on designing every single aspect of this seaside resort built in the 60’s, imposing what was his vision of the ideal city. Just as Le Corbusier did with Chandigarh in India. It’s an inspiring urban experiment that turned a formerly sand dunes’ desert area into a holiday resort with architecture inspired by the Inca pyramids in Mexico and the modernist architecture that Oscar Niemeyer designed in Brazil. Every single building is different and has its own features and characteristics but always linked to the same coherent aesthetic that gives architectural unity to the whole resort. Jean Balladur envisioned the “architecture of vacation” as a place far away from the commonplace, as a place in which space and time have to be different from those of everyday life so that the vacation resort has to be a place of escape. Such a wonderful place to discover! If you head to Montpellier keep one full day to explore La Grande Motte and then let me know what you think of it.
Now a couple of things I want to ask you.
First of all, have you been in Montpellier? If so let me know writing a comment down here. I want to know what you think of it.
And if you know the city maybe you even know other interesting or remarkable places that I should add?
I collected here everything regarding architecture to visit that you wouldn’t normally find in an ordinary travel guide. My intention is to make it useful for all the architecture lovers out there so if you have suggestions just write me and let me know.
Lastly it would be very much appreciated if you can share it with anyone you think may be interested in having a look at this guide.
MONTPELLIER |FRANCE| – ARCHITECTURE TRAVEL GUIDE Montpellier has definitely been the most interesting city I've seen in south of France from a merely architectural point of view.
#architecture#France#Jean Nouvel#la grande motte#massimiliano fuksas#Montpellier#philippe starck#Ricardo Bofill#sou fujimoto#travel#travel guide#Zaha Hadid
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Jean Prouvé: Master of Materials
“Never design anything that cannot be made.” – Jean Prouvé
Jean Prouvé, one of the Twentieth century’s most influential designers, combined his knowledge of steel and aluminum with his engineering skills to introduce the groundbreaking use of these materials in modern product design. While Prouvé influenced the next generation of mid-century designers, like Harry Bertoia and Robin Day, his “main achievement was transferring manufacturing technology from industry to architecture, without losing aesthetic qualities”(1). Prouvé’s work in prefabricated housing blurs the line between architecture and industrial design.
Jean Prouvé’s Youth
Jean Prouvé was born on April 8, 1901 in Paris, France to artist Victor Prouvé and his wife musician Marie Duhamel. He was the couple’s second child; they would have five more children after Jean. The couple was always surrounded by other artists. Designers Emile Galle and Louis Marjorelle were close friends of the Prouvés. During Jean’s childhood the family returned to his father’s home of Nancy where Victor became one of the founders of the art collective, "l'École de Nancy" (1). The collective, whose goal was “to forge links between art and industry”(1) would greatly influence young Jean.
At the age of thirteen young Jean began three years of studies at “the school of fine arts in Nancy”(1,2). After that, he apprenticed as a blacksmith in Paris and then went to work in the studio of metalsmith Aldabert Szabo. (3)
Prouvé’s Early Career
1924 was an important year in Jean Prouvé’s life. He opened his own shop that year at the age of 23 (1) and married “Madeleine Schott, one of his father’s [art] students. The couple would have six children”(4). In his new shop Prouvé designed “lamps, chandeliers, and handrails”(3) of wrought iron and steel. The first piece of furniture Prouvé designed was a lounge chair made of flat metal tubes which allowed it to be folded and stacked. During this time architect Robert Mallet-Stevens commissioned Prouvé to design the gates for several of the houses Mallet-Stevens was building. (3)
“In 1930 Prouvé helped establish the Union of Modern Artists”(1) and with the great success his design business was gaining he renamed it “Ateliers Jean Prouvé"(3). Its mission was “to produce highly industrialized pieces for the building industry along with mass-produced furniture” (3).
Jean Prouvé, Standard Chair (1934). Image source.
During the 1930s, Prouvé designed his “most notable furniture pieces, including the Cité set,”(3) along with furniture for offices, hospitals and universities. In 1934 Prouvé introduced the “First ‘standard’ type chair with a tubing and bent steel base”(4). In 1936 Prouvé collaborated with architect LeCorbusier on bathroom fittings. (3) Designers who collaborated on furniture design projects with Prouvé during this time were Charlotte Perriand and Pierre Jeanneret. (1)
Prouvé’s BLPS Prefabricated House
In 1936, Prouvé introduced the BLPS a standalone housing structure that could be mass-produced. (1) The house “could be put up or taken down by five workers”(3) in several hours.
It would be the first of several pre-fabricated structures that Prouvé would design over the coming decades (5) that would establish Prouvé as an international expert in this field.
Jean Prouvé, Barracks for the French Army (1939). Image source.
Prouve’s Work During World War II
During World War II the Prouvé developed “portable barracks for the French army”(1) that were more durable than the BLPS. He also designed “emergency housing for refugees and the homeless from modular wooden panels, as metal was still scarce”(2).
Prouvé served in the French Resistance while he continued to design projects for portable, affordable housing until he was “compelled to make cooking stoves and bicycle frames under the German occupation”(2).
Post World War II Work
After the war, as materials like plywood, Formica, aluminum and steel became more available, designers turned their interest to “using new methods and materials for mass production of furniture”(1). In the post-war years there was “a boom in the need for new housing. To meet this need, Prouvé collaborated with Pierre Jeanneret, the cousin of architect Le Corbusier, to develop the first in the line of Demountable Houses”(3). This new line of structures combined the ease-of-assembly found in the BLPS with the stronger structural integrity of Prouvé military housing. Many of these structures were shipped to France’s colonies in West Africa to address critical housing shortages there. (1)
Jean Prouvé, Maison Tropicale (1951), Brazzaville, Republic of Congo. Image source.
In 1947 Prouvé built the Maxéville factory for the production of the Demountable Houses and furniture; the complex also housed a materials research facility. (1)
Unfortunately Prouvé was “forced out of the factory by his financial backer” (2)
in 1952. Undaunted, Prouvé continued to design pre-fabricated structures, including “a temporary school in Villejuif (1956), the Métropole House (1949), ... a mass-producible rural school with classroom and teacher accommodation, and a filling station for energy company Total (1969)” (3).
Jean Prouvé, Pre-fabricated Gas Station, Baden, West Germany (1953). Image source.
In 1954 Prouvé, built a home for his family in Nancy which demonstrated his “constructive principles: simplicity of design, lightness of materials, speed of assembly”(6). During the 1950’s Prouvé “collaborated with architect Jean Dimitrijevic on the Musée des Beaux Arts du Havre”(1), and with sculptor “Alexander Calder to construct the steel base of La Spirale, a monumental mobile for the UNESCO site in Paris”(1).
Jean Prouvé, The Prouvé House (1954), Musée des Beaux-Arts de Nancy. Image source.
Jean Prouvé ��s Later Years
During the 1960s “Prouvé lectured at the Conservatoire des Arts et Métiers in Paris”(1). In 1964 he designed molded aluminum panels for the “facade of the French embassy in Warsaw, Poland”(4).
In the middle of the 1960s Prouvé established a consulting firm in Paris (4), but was spending most of his time in his hometown of Nancy (2). His last significant commission was “the building for the Ministère de l’Éducation Nationale (1970), a metal skyscraper designed around a vast internal patio”; sadly, the project was never built. (1)
In 1981 Jean Prouvé was awarded the Medal of Commandeur de la Légion d’honneur presented [to him] by President François Mitterrand at the Palais de l’Élysée. (4) Prouvé died in 1984; (1) his home in Nancy is now part of the Musée des Beaux-Arts de Nancy and is open for public tours. The Center Pompidou and Museum of Modern Art have both held exhibitions of Prouvé’s work. (1) Many of Prouvé ’s furniture designs are available on the market today. (3) Perhaps Prouvé ’s greatest legacy is that contemporary architects, designers and engineers continue to look towards his work for inspiration in solving the challenges of providing sustainable affordable housing to the world’s homeless population.
References
Wikipedia.com, (1 July, 2020). Jean Prouvé, https://en.wikipedia.org/wiki/Jean_Prouv%C3%A9
Rawsthorn, A. (17 August, 2012), Jean Prouvé: A Testimony to Ingenuity, https://www.nytimes.com/2012/08/20/arts/20iht-design20.html
Lynch, P., (11 April, 2020) Spotlight:Jean Prouvé, https://www.archdaily.com/tag/jean-prouve
Galerie Patrick Segiun, (n.d.). CV-Jean Prouvé, https://www.patrickseguin.com/en/cv-jean-prouve/
Sisson, P. (16 September, 2014). The Progressive Prefabs of Jean Prouvé, https://www.dwell.com/article/progressive-prefabs-of-jean-prouve-89981f92
Musée des Beaux-Arts de Nancy, (n.d.). Maison Jean Prouvé. https://musee-des-beaux-arts.nancy.fr/le-musee/maison-jean-prouve-2597.html
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Le Corbusier de Pessac - Documentaire de Jean-Marie Bertineau (2013) https://t.co/lkWNYoZ2Dh via @YouTube
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October 26, 2019 at 10:44AM
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When the French took ascendancy of the Moroccan anchorage of Casablanca a aeon ago, they set about transforming it into a advertise of colonial power. The burghal they larboard to an absolute Morocco in 1955 was not alone the country’s bigger but additionally its best modern, a acceptable city with an arrangement of acclaimed 20th-century architecture—a bequest that Casablanca’s designers accept connected to body on. “Today, the houses are actual minimalistic—white boxes with holes cut out of them,” artist Mohammed Kabbaj says of his hometown’s ascendant residential style, which grew out of Le Corbusier’s early, machines-for-living aesthetic, itself aggressive by aboriginal North African architectural forms. The arch of Mohammed Kabbaj Architects is afflicted by Le Corbusier, too. But as a glance at the two-story alcazar he afresh completed for his family, it is Corbu’s afterwards brutalist appearance (from béton brut, or asperous concrete, the master’s advantaged actual afterwards World War II) that has afflicted Kabbaj more. “I was aggravating for article added sculptural, added claimed than the archetypal modernist house,” he acknowledges.
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“Brutalism was huge actuality in the ’60’s and ’70’s,” Kabbaj continues. “The ample accurate buildings, area anatomy and raw abstracts are celebrated, had a big appulse on me.” Along with Corbusier, the architects he best admires—Louis Kahn, John Lautner—all formed in that tradition. But conceivably his arch access was Jean-François Zevaco, a Casablanca-born French architect, generally referred to as the Moroccan Oscar Niemeyer. “Zevaco advised an amazing abode for my ancestor in the ’70’s,” Kabbaj recalls. “Watching them coact is what aboriginal drew me to the profession.”
But Kabbaj grew up in a French 1940’s bungalow. The new 8,000-square-foot, four-bedroom abode he advised sits on its exact footprint. “I gave myself permission to breach bottomward my adolescence home as continued as I replaced it with article better,” he states. He was additionally bent not to blow a distinct timberline on the lushly buried bend lot, alike creating a aperture in the roof overhang so the branches of an astronomic Ficus elastica he climbed as a boy charge not be trimmed.
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The abounding greenery helps abate the architecture, which is all post-tensioned concrete, including the multiangle roof. The actual supports spans of up to 40 feet, so Kabbaj was able to actualize astronomic window openings and as free-flowing a attic plan as he desired. “The accomplished abode rests on alone six columns, giving a activity of lightness,” he reports. “The roof is one massive accurate sheet, bankrupt origami style, giving my accouchement the awareness of sleeping beneath the affectionate of pitched roof you’d acquisition in an aerial cabin.”
He’s additionally provided his two daughters and son, ages 4 to 13, anniversary with a ample bedchamber and en apartment bathroom. “Today, kids sometimes break at home into their backward 20’s, so you accept to architecture apartment for adults that are acceptable for accouchement and not the added way around,” he reasons. His son’s shower, which appearance a bank sheathed in bright Brazilian marble, is decidedly stunning. “I sometimes bastard in to use it myself.”
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Another characteristic marble, this time from India, clads a allotment crabbed the capital entry. “It’s the alone allotment of the old abode larboard standing,” says Kabbaj, who gave it a accurate accompanying beyond the hall. Neither touches the ceiling, establishing a faculty of both accumulation and airiness that’s begin throughout.
Although Kabbaj was initially afraid to assignment with an autogenous designer, he afflicted his apperception afterwards affair Christophe Vialleton and Charles-Phillipe Mommeja, two Frenchmen who own Laboratoire Design. The three men allotment a affection for bond abreast accoutrement with quirkier best and artisanal pieces. But Kabbaj didn’t see eye-to-eye with the designers on everything: “They abhorrence the Mario Bellini covering chairs I insisted on befitting from the old house,” he says with a laugh. “My ancestor has a set from the ’70’s, which accept developed a brighten I admire and attending advanced to seeing on mine.”
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Perhaps it is the salon, the best academic amplitude in the house, that best represents their sensibilities alive in absolute synergy. “Moroccans consistently absorb on a ample scale,” Kabbaj explains. “We reinterpreted the archetypal salon marocain, with its accent on seating, by giving it a mid-century avant-garde vibe.” Jean-Marie Massaud’s exclusive sofa, adipose in pale-gray and Hermès-orange leather, are abiding in a wall-hugging U. On the bank hangs a clear carpeting by Daniel Drouin, “which we saw in Paris, liked, and bought unresearched, alone to apprentice afterwards that he’s absolutely well-known,” Kabbaj reports. It’s abutting by three altered best cocktail tables—in abashed wood, brass, and aluminum, respectively—also bought on Paris arcade expeditions. The cautiously blooming wool-and-silk rug and the ablaze acclaim clarification through the foliage alfresco accord the amplitude a calm, underwater feeling. “It’s the best commonly Moroccan allowance in the house, and I adulation it,” Kabbaj says with justified enthusiasm.
Project Team: CCL Stressing Systems Maroc: Structural Engineer. Equiconseil: MEP. Maghreb Études Développement: Civil Engineer. Société Générale Des Travaux Du Maroc: General Contractor.
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Martino Gamper
Martino Gamper. Diseñador de productos, de interiores y comisiones únicas.
Martino Gamper (1971, Merano, Italia) vive y trabaja en Londres.
Martino Gamper, que creció en los Alpes italianos, comenzó cuando tenía 14 años como aprendiz de un ebanista en su ciudad natal de Merano.
Más tarde se inscribiría en dos escuelas de arte en Viena (una de ellas, la Academia de Bellas Artes de ésta ciudad), donde estudió escultura y diseño con Michelangelo Pistoletto.
Después, regresó a Italia para trabajar para un arquitecto, pero rápidamente descubrió que el mundo del diseño industrial era demasiado alienante.
Además explica, “Italia a mediados de los 90 estaba muerta. Todos los iconos del diseño legendario habían desaparecido“.
Gamper pensó entonces en Londres, ciudad que estaba llena de personalidades experimentales tan interesantes como Tom Dixon, o Ron Arad.
Martino Gamper se mudó a Londres en 1997 para estudiar en el Royal College of Art, donde en el año 2000 completó un Máster y donde también estudió con Ron Arad.
En el Royal College of Art forjó interesantes conexiones entre los diferentes departamentos y con miembros del naciente colectivo de diseño gráfico Åbäke, colaboradores habituales desde entonces.
La llegada de Gamper a Londres marcó el comienzo de un período creativamente expansivo para el diseñador.
Así desarrolló exposiciones emblemáticas como “100 sillas en 100 días” de 2007, donde re-configuró 100 sillas abandonadas que había rescatado de diferentes lugares durante un período de dos años.
O “En un estado de reparación“, Rinascente, Milán (2014), para el cual se invitó a la gente a traer sus artículos rotos, desde bicicletas hasta productos electrónicos, para que los reparara un grupo de artesanos que había seleccionado.
Gamper también ha sido anfitrión del proyecto “Trattoria al Cappello“, una serie de cenas de arte pop-up donde, con la ayuda de sus colegas, hace de todo, desde la comida hasta el mobiliario.
Desde el año 2004, ha ayudado a dirigir una pequeña editorial llamada Dent-De-Leon que produce monografías para amigos como Max Lamb, el diseñador de modas Peter Jensen o el artista Ryan Gander.
Interesado en el aspecto social del diseño de muebles, Martino Gamper usa materiales recuperados o reciclados y usa muebles para crear nuevos trabajos que reflejen este proceso.
Gamper tiene una comprensión profunda de la historia del diseño integrada en el proceso de creación. Él sabe que crear una articulación de una manera no es simplemente una opción práctica, sino que también está cargada de significado.
“Me gusta usar materiales de uso cotidiano en un contexto diferente para darles una nueva vida“, dice Gamper, que en la última década se ha hecho un nombre internacional al reutilizar materiales humildes y objetos no deseados, así como volver a re-interpretar piezas clásicas de iconos de diseño italiano, como Gio Ponti y Carlo Mollino, transformándolos en muebles híbridos y salvajes.
El diseñador reconoce que: “Nunca quise ser un diseñador industrial porque no me importan los múltiples“.
Sin embargo, Martino Gamper también trabaja a menudo con clientes que producen sus productos comerciales de forma masiva -muebles producidos en serie- como la firma italiana Moroso, para la que ha diseñado por ejemplo la silla apilable “St Mark” (2015), una silla simple que permitía a los cafés o restaurantes crear áreas de asientos interiores y exteriores con una estética unificada.
También ha hecho bolsas para la firma Valextra, o instalaciones para la firma de moda Prada, entre otras muchas colaboraciones.
El diseñador italiano está casado con la escultora neozelandesa Francis Upritchard, que suele colaborar con él en muchas de sus muestras y exposiciones.
La pareja se conoció después de que Upritchard viera un póster para el espectáculo de Gamper “Confronting the Chair” en el Design Museum de Londres en 2006 y decidió visitar su estudio.
En la casa del diseñador y su mujer en Londres hay numerosos ejemplos de su diseño de improvisación. El espacio es una antigua fábrica de impresión de siete mil pies cuadrados que Gamper y Upritchard han asumido en su totalidad con unos pocos amigos y dividido en cuartos de estar y de trabajo.
Upritchard, al igual que su esposo, se siente atraída por las extrañas paletas de colores alegres como los verdes de los años 70 y las naranjas de neón.
“Nunca me siento limitado por los materiales, las técnicas o el color en mi práctica“, dice el diseñador de muebles italiano.
Por ejemplo, en 2007, la galerista milanesa Nina Yashar (Galería Nilufar) encontró varias cabeceras y puertas de gabinetes diseñadas por Gio Ponti en un antiguo hotel en Sorrento.
Yashar no estaba segura de qué hacer con estas piezas, así que se los ofreció a Gamper, quien los transformó en aparadores gráficos y mesas que se parecen a caramelos de menta gigantes.
Martino Gamper, da así a los objetos no deseados nueva vida como muebles. “Admiraba que eran de Gio Ponti, pero también me gustaban el diseño y el material, y no solo que tuviera este prestigioso pedigrí“, dice.
En 2012, el espacio Pirelli HangarBicocca, espacio de arte contemporáneo de Milán, reunió los 60 años de éxito de la marca de diseño italiana Moroso, uniendo el mestizaje de referencias, edades, experiencias y culturas de las alianzas firmadas con nuevos talentos.
Así fue que la empresa fundada por la pareja Agostino y Diana Moroso en 1952 se convirtió en un nombre fuerte en el diseño de mobiliario, y al mismo tiempo catapultó la carrera de diseñadores como por ejemplo la española Patricia Urquiola, el israelí Ron Arad, o el italiano Massimo Iosa Ghini.
En la exposición “Metamorphosis. Behind, After or Beyond“, el diseñador y artista Martino Gamper propuso una nueva visión de la empresa (comandada hoy por los hermanos Roberto y Patrizia Moroso) desde una perspectiva muy particular, creando nuevas formas y prestando otras funciones a los muebles.
Entre las nuevas formas Martino Gamper concibió una serie de ocho piezas clásicas de Moroso, re-interpretadas para el 60 aniversario de la compañía.
Gamper hizo referencia a artículos de mobiliario de varios diseñadores conocidos, tomando elementos de una parte de la obra original y añadiéndola a otra, utilizando un tipo de collage físico para crear nuevos diseños.
Trabajando con el equipo de la fábrica de Udine, Gamper hibridó/manipuló las formas originales utilizando estructuras de espuma moldeadas sobre acero y estructuras de madera como un tema para unir los diferentes sofás, sillas y asientos, con un tejido de patchwork colorido.
Desde el principio de su carrera Martino Gamper se ha involucrado en una gran variedad de proyectos, desde diseño de exposiciones, diseño de interiores, comisiones únicas relacionadas con el arte y muebles personalizados, y el diseño de productos fabricados en serie para la vanguardia de la industria internacional del mueble.
Las estructuras experimentales se extienden desde las primeras investigaciones de Martino Gamper sobre la re-elaboración de muebles con proyectos como “Gio Ponti Translated by Martino Gamper“, Design Basel (2007); “100 sillas en 100 días“, 5 Cromwell Place, Londres (2007), y/o “Martino with Carlo Mollino” (2008).
Otras que destacan son: “Bench to Bench“, mobiliario urbano público en East London en colaboración con LTGDC (2011); “Gesamtkunsthandwerk” (Karl Fritsch, Martino Gamper y Francis Upritchard), Galería de Arte Govett-Brewster, Nueva Plymouth – Nueva Zelanda (2011); “Bench Years“, comisión del London Design Festival, Victoria & Albert Museum, Londres (2012).
“Tu casa, mi casa“, The Modern Institute, Glasgow (2013); “Sala de Periodos“, Palais de Tokyo, Paris (2013); “El diseño es un estado mental“, Serpentine Sackler Gallery, Londres (2014); “Transformers“, MAXXI, Roma (2016); “Below Stairs“, Museo Sir John Soane, Londres, Reino Unido (2016); “Middle Chair“, The Modern Institute en Pollock House, Glasgow (2017).
Martino Gamper ha sido galardonado con el Brit Insurance Designs of the Year, ganador del premio Furniture (Muebles) 2008 por su proyecto “100 sillas en 100 días“; el Wallpaper, Premio al mejor alquimista (2008), o el Premio Moroso de Arte Contemporáneo en 2011.
Martino Gamper (pág. web).
Fuente: (New York Times).
Martino Gamper y una de las ocho piezas de la colección “Metamorfosi” (2012) para el 60 aniversario de Moroso.
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BACK IN THE BOOKSHOP: "DECORATION : TRADITION ET RENOUVEAU" Collection Connaissance Des Arts, 1973 First printing of one of the heaviest hitters of Interior Design books, the enormous, lavishly illustrated “Decoration : Tradition et Renouveau” (Collection Connaissance des Arts) published in 1973 is without a doubt one of the most collectable of 1970’s design books. This huge, prestigious, cloth-bound volume travels through some of the world’s most inspired domestic interiors of the period, including those of major architects, interior decorators, fashion designers, art and antiquities collectors, and more, showcasing objets d’art, historical artifacts and furniture (from Pablo Picasso, Mies van der Rohe, Lucio Fontana, Nicola L, Cesar, Jean Dubuffet, Arman, Gae Aulenti, Marcel Breuer, Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Enzo Mari, Pierre Paulin, Afra + Tobia Scarpa, Charles Eames, Joe Columbo, Verner Panton, Bruno Munari Afra Scarpa, Mario Bellini, Tom Wesselman, Sonia Delaunay, Man Ray) adorning decorated interiors ranging from “Tradition” (“a formula that allows one to integrate older items, furniture and artwork in a contemporary context”); “le Renouveau” (contemporary interiors of the 1970’s and “a section dedicated to design of the time offering a selection of the finest furniture, objects and accessories created by top designers”); and “l’Avant-garde” (displaying some of the most experimental, idiosyncratic, and forward-thinking interiors that bring together modern materiality, pop art and space design to create inspired interior living architectural spaces). “How to reconcile antique furniture and contemporary structures? Can we adapt modern furniture within a traditionally inspired framework? This book, illustrated with beautiful photographs, mostly in color, reproducing the finest achievements of the great contemporary designers, responds to these questions.” All texts in French. A must-have for the interior design lover. One copy in the bookshop and via our website. #worldfoodbooks #decoration #1973 (at WORLD FOOD BOOKS)
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