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Barnaby Barford
Barnaby Barford. Artista y ceramista.
Barnaby Barford (1977, Redhill, Condado de Surrey, Gran Bretaña) es un artista británico que, a través de la escultura, el dibujo y las películas, utiliza un hilo de investigación claro que conecta todas sus piezas: la condición humana.
Utilizando una iconografía familiar Barford explora las cuestiones humanas fundamentales.
Barnaby Barford utiliza la belleza y, a menudo el humor, para ofrecernos una visión incómoda del mundo que nos rodea, invitándonos a cuestionar nuestro lugar en el mundo, nuestros valores, nuestras elecciones y a nosotros mismos, pidiéndonos que “miremos de nuevo“.
En el año 2000 Barnaby Barford se graduó con una licenciatura de Primera Clase BA en Diseño 3D en la Universidad de Plymouth.
Un año antes, en 1999, había participado en el Programa Erasmus, viajando al Instituto Superior de Industrias Artísticas en Faenza, Italia.
En 2002, se graduó en el Royal College of Art con una maestría en Cerámica y Vidrio, y ha sido profesor asociado en Central Saint Martins de Londres desde 2004.
Desde su trabajo inicial, con objetos y figuritas antiguas kitsch de cerámica, Barnaby Barford crea narraciones con numerosas capas de significado, debajo de la primera capa superficial.
Subvirtiendo la narración de antiguos cuentos creaba escenas hogareñas contemporáneas manipulando figuras originales y ubicándolas dentro de nuevos subtextos, a menudo más oscuros.
“Por medio de la seducción y la astucia, su trabajo expone nuestras debilidades internas, prejuicios y deseos. Pocos son tan incisivos y perspicaces“.
La periodista Caroline Roux ha declarado que: “El trabajo de Barford siempre tiene una simpatía instantánea que sirve, al principio, para ocultar su oscuridad o posición política. Pero siempre hay algo siniestro pasando debajo de la superficie“.
Aunque trabaja con otros materiales, Barford siempre regresa a la cerámica, no por sus connotaciones de artesanía, sino por la oportunidad de utilizar procesos de producción industrial y en masa de los que puede beneficiarse, o interferir, para crear obras de arte.
“La cerámica es un material fascinante, está impregnada de una historia tan rica y tenemos una relación única con ella como material táctil. Comemos y bebemos de ella todos los días, decoramos nuestras casas con ella, pero no esperamos que nos desafíe, lo que hace que sea divertido jugar con ella“.
En 2008, Barford realizó “Damaged Goods“, una película de animación encargada y financiada por Channel 4 y Arts Council England.
La película contaba una historia de amor (con figuras de porcelana) que se desarrollaba en los estantes de una tienda de artículos de bricolaje. Las figuras creadas por Barford para la película se exhibieron en la galería David Gill -galería que le representa desde 2005- en febrero de 2010.
En 2013 tubo lugar una importante exposición que mostraba la práctica de Barford hasta esa fecha en el Museo de Arte Contemporáneo de Virginia (Estados Unidos). En 2014, esta exposición viajó a Dovecot Studios en Edimburgo (Escocia, Gran Bretaña).
Este mismo año (2014) a Barford se le encargó la creación de cinco esculturas de pared permanentes para Louis Vuitton Townhouse dentro de los Almacenes Selfridges de Londres. Cada escultura estaba hecha de “miles de flores, hojas y mariposas de cerámica y porcelana“.
Otros trabajos anteriores han hecho a Barnaby Barford explorar también el pecado y la decadencia moral en un contexto contemporáneo.
En “The seven deadly sins” (2013) hacía una interpretación de los 7 pecados capitales muy seductora, ya que las piezas son hermosas, pero también viscerales y a menudo, brutales en su representación.
Espejos de la exposición “The seven deadly sins” (2013) y escultura “Corzo” de la exposición “Me want now” (2016), todo en la galería David Gill de Londres.
Cada una de las siete obras tomó la forma de un espejo de escala humana, reflejando al espectador en toda su longitud.
En su descripción de la lujuria, el espejo estaba envuelto en cientos de pétalos y follaje, agrupados como corales, visualmente atractivos… pero al inspeccionarlos más de cerca se revelaba mucho más.
Cargados de mensajes emocionales, los rosados y las cremas sutiles se mostraban como los suaves tonos de la piel de las caras de las estrellas del porno. “Quería concentrarme en las caras de los actores“, explicó Barford.
“Estas películas (porno) son impersonales, en el sentido de que no son las caras lo que los espectadores quieren ver“. Cuando el espectador se enfrenta a estos espejos, se ve obligado a verse reflejado en el centro de este caos confrontado con los extremos del sexo contemporáneo.
En 2015, Barnaby Barford creó “The Tower of Babel” para el Victoria & Albert Museum de Londres.
Para Alun Graves, curador principal de cerámicas y colecciones de vidrio de éste museo londinense, la instalación escultórica es “un proyecto innovador” para el museo.
La torre de 6,5 m de altura, estaba formada por 3.000 edificios individuales de porcelana que medían entre 10 y 13 cm de altura cada uno, y que representaban un verdadero local comercial de Londres fotografiado por el artista.
En los dos años que tardó Barford en completar la Torre de Babel, el artista fotografió más de 6.000 tiendas, recorriendo más de 1.000 millas para visitar todos los códigos postales de Londres. Las piezas de cerámica se completaron por medio de transferencias fotográficas.
Las tiendas abandonadas y las tiendas con un precio de venta más bajo aparecían en la parte inferior de la Torre, mientras que las exclusivas boutiques y galerías de Londres se presentaban en la cumbre.
A medida que se ascendía por la Torre los precios subían y obligaba a las personas a confrontar dónde encajaban en la jerarquía del consumo, proporcionando un diálogo que capturaba la historia del comercio minorista de Londres y el consumismo que sustenta la capital.
La Torre reflejaba la sociedad y la economía de Londres, invitando a los visitantes a verse a sí mismos como consumidores.
De pie, como un monumento al pasatiempo favorito de los británicos, la torre de cerámica comparaba los esfuerzos para encontrar satisfacción a través del consumo con el intento bíblico de la Torre de Babel para alcanzar el cielo.
Borrando los límites entre el arte y el comercio, cada tienda estaba a la venta a través del museo V&A.
Barford explica: “Estoy enamorado de Londres y la Torre de Babel es una celebración del comercio que construyó esta ciudad. Igualmente es una invitación a considerar nuestro lugar en este panorama. ¿Hemos dejado de ser ciudadanos de una comunidad y simplemente nos convertimos en los consumidores que la alimentan? Si es así, ¿cómo y por qué nos hemos convertido en cómplices de eso?“.
“Esto es Londres en todo su esplendor comercial… Estoy encantado de exponer en uno de los museos más grandes del mundo, es fantástico tener la oportunidad de explorar nuestra sociedad contemporánea en entornos tan históricos“.
También en 2015, Barford recibió el encargo de crear una obra de arte pública permanente para el distrito londinense de Waltham Forest.
“El elefante y la tortuga” es una escultura de acero inoxidable de 4 x 2 metros que conmemora la fábrica Halex de British Xylonite que se encontraba, entre 1897 y 1971, en el sitio de Highams Park.
Los Zorros de Tottenham son otro ejemplo de cómo Barford usa los asuntos actuales para examinar la condición humana más amplia.
Una familia de tres zorros de tamaño natural desarman (inicialmente) al espectador con sus bordes suaves y orejas mullidas, pero cuando se ven con detenimiento vemos que las flores y las hojas de cerámica están hechas con imágenes impactantes de los incendios y las secuelas de los disturbios de Londres de 2011.
Barford hace una comparación entre los zorros de la ciudad, obligados a luchar y a hurgar entre las basuras, y las presiones sociales y económicas experimentadas por diferentes franjas socio-económicas de la ciudad.
En noviembre de 2016 Barford dió a conocer otro trabajo. “Me want now” ofrecía una narrativa metafórica sobre el predominio de la ideología yo primero y el debate sobre nuestros valores en un panorama cada vez más polarizado.
“Más“, “Poder“, “Cambio“, “Elección“, “Esperanza“, “Gloria“, “Grandeza“, son dibujos a gran escala de palabras enérgicas que encarnan la inmediatez caótica y la naturaleza casi contundente de la cultura del “yo primero“.
Actuando como redes claustrofóbicas, estos dibujos atrapan tanto a la audiencia como a la pieza central de la obra, una cola de animales de cerámica de tamaño natural, ofreciéndonos lo que queremos ahora.
Desde el imponente oso polar de 8 pies hasta un pequeño y tímido conejo, cada uno de los animales y oraciones intrincadamente incrustadas se sientan uno junto al otro esperando lo desconocido.
Barford explica: “Parece que las palabras nunca han sido tan importantes: las que están escritas en la prensa, publicadas en las redes sociales y en los discursos de nuestros políticos, en tiempos volátiles las palabras pueden ser peligrosas“.
Su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, como por ejemplo el Victoria & Albert Museum (Londres) y el MoFA (Houston, Texas).
En 2016, Barford recibió el Premio h.Club 100 de Arte, Diseño y Artesanía del Hospital Club, que celebra a las personas más influyentes e innovadoras en la industria creativa.
Barnaby Barford (pág. web).
Barnaby Barford y espejo “Wrath” exhibido en “The seven deadly sins” (2013) en la Galería David Gill de Londres.
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André Ricard
André Ricard. Diseñador pionero del diseño industrial español, profesor y escritor.
André Ricard Sala (1929, Barcelona) estudió Bellas Artes en la Academia de Warnia Zarzescka en Barcelona, artista polaco que enseñaba arte siguiendo las pautas de la Bauhaus.
En su infancia influyó decisivamente la personalidad de su madre y de su padre, un emprendedor representante farmacéutico francés, veterano de la Primera Guerra Mundial.
André Ricard ha sido un profesional pionero y abanderado del diseño industrial en España, contribuyendo decisiva y definitivamente al desarrollo social, institucional y profesional de esta disciplina dentro y fuera de nuestro país.
Ricard es una de las figuras más sobresalientes por su constante labor de impulso al diseño y al fomento de la profesión.
“André Ricard encarna el proceso de gestación y cristalización del diseño y la internacionalización de nuestra cultura, ya que desde los años cincuenta ha sido uno de los grandes impulsores del proceso de europeización y de desarrollo industrial y social“, ha reconocido el crítico Daniel Giralt-Miracle.
“Entonces éramos un país acomplejado y de segunda fila, pero no lo éramos intelectualmente y vimos que podíamos hacer cosas con personalidad propia, como demostraron Miguel Milá con su lámpara TMM, o las vinagreras de Ramón Marquina“.
En su papel de promotor de la profesión a nivel nacional e internacional, además de escritor y docente, André Ricard destaca por su concepción ética del diseño vinculada directamente a la mejora de la utilidad.
Sus proyectos han tenido como objetivo mejorar la función de una gran variedad de objetos de usos cotidiano como: vajillas, cafeteras, electrodomésticos, ceniceros, lámparas, buzones, etc., colaborando con empresas como Bidasoa; Gaggia; Corberó; Moulinex; Flaminaire; Metalarte; Tatay, entre otras.
Sus diseños, sencillos y funcionales, reflejan una búsqueda constante de lo que él denomina la “ética y estética de la utilidad”.
Ricard desprecia los objetos inútiles. “Los países tendrían que utilizar la tecnología que son capaces de inventar“, afirma.
“Antes las innovaciones llegaban despacio y daba tiempo a que la sociedad fuera adaptándose. Ahora todo llega de la noche a la mañana, como los virus, que también se contagian más rápido. Puede parecer retrógrado, pero creo que es peligroso que se utilice una tecnología de la que no se conocen las consecuencias“.
“La globalización ahora quiere decir sólo homogenización y pobreza cultural…. Ahora al diseñador se le pide que resuelva algo que otras personas han decidido por razones de mercadotecnia. No hay un deseo de perfección que exigiría tiempo. No hay tiempo para pensar de forma tranquila y serena cómo tiene que hacerse una obra. Todo tiene que ser rápido, y eso va en detrimento de la calidad“.
André Ricard iba para pintor hasta que en 1951, el libro de Raymond Loewy “Never leave well enough alone” le reveló el diseño como profesión.
Cosmopolita y viajero, durante cuatro años realizó prácticas en Suiza e Inglaterra, y en 1951, año del Festival of Great Britain, proyectó stands para la British Industries Fair y el Ideal Home Exhibition.
En el verano de 1951, el Festival de Gran Bretaña, según el historiador Kenneth O. Morgan: un “éxito triunfante“, fue una exposición y feria nacional que alcanzó a millones de visitantes en todo el Reino Unido que se centró por completo en Gran Bretaña y sus logros, y que ayudó a reformar las artes, la artesanía, el diseño y el deporte británico durante una generación.
En 1956 se entrevistaría con Raymond Loewy en Nueva York y le pondría en contacto con los fundadores del ICSID (International Council of the Societies of Industrial Design).
En 1959, André Ricard es invitado como observador al congreso fundacional ICSID de Estocolmo.
Ese año (1959) abre su propio estudio en Barcelona y realiza sus primeros diseños, como por ejemplo la lavadora “Jalitan“.
André Ricard ha ocupado cargos importantes en agrupaciones y asociaciones de diseñadores.
En 1960 es miembro fundador de la asociación privada, independiente y sin ánimo de lucro ADI FAD (Asociación de Diseño Industrial del Fomento de las Artes y del Diseño) y en 1961 presidió la delegación ADI FAD al 2ª congreso ICSID de Venecia, en donde fue elegido miembro de Study Group.
Study Group (Grupo de Estudio internacional) es una compañía global que prepara estudiantes internacionales para programas de estudios universitarios, enseña educación secundaria y cursos de inglés.
Study Group posee y opera colegios universitarios y también se asocia con más de 50 universidades en todo el Reino Unido, Europa, América del Norte y Australia.
En el siguiente congreso ICSID de Paris, en 1963, Ricard fue elegido Vice-Presidente de esa organización internacional, cargo que ostentó hasta 1971.
André Ricard fue uno de los organizadores -pese a las reticencias europeas contra la España franquista- del congreso ICSID de Ibiza en el otoño de 1971, lo que supuso un acontecimiento seminal que marcaría el futuro.
Entre los impulsores de aquella aventura, además de André Ricard, se encontraban los diseñadores Ives Zimmermann y América Sánchez; el filósofo Xavier Rubert de Ventós; el artista Albert Ràfols-Casamada; el arquitecto Antoni de Moragas, y el joven crítico Daniel Giralt-Miracle.
El diseñador gráfico Yves Zimmermann, que durante años compartió despacho con André Ricard, ha reconocido que “cuando en los años sesenta llegué a Barcelona nadie sabía lo que era un diseñador, continuamente tenía que explicar que ni era un dibujante, ni un artista“.
Para acoger a los estudiantes que acudieron al congreso se decidió recurrir a un sistema experimental de cúpulas hinchables diseñado por el arquitecto José Miguel de Prada Poole, que fue bautizado con el nombre de Instant City.
“Instant City” para el congreso ICSID (1971) de Ibiza en cala Sant Miquel, y antorcha para los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992.
El catalizador de toda una generación.
Aquel evento colocó el diseño catalán y español -hasta entonces casi autárquico- en el mapa internacional, y también sirvió de catalizador a una generación que de pronto descubrió que existía como tal frente a la opresiva mediocridad del tardofranquismo.
El congreso acabó convertido en una especie de Festival multimedia en el que las intervenciones artísticas se intercalaban con conciertos y conferencias sobre arquitectura, urbanismo y filosofía.
André Ricard fue Presidente del ADI FAD en 1971 y 1973, y en 1976 fue Presidente Fundador de la ADP (Asociación de Diseñadores Profesionales).
En 1990 fue Vice-Presidente del BCD (Barcelona Centre de Disseny).
Entre 1988 y 1994 impartió cursos en la escuela de diseño Art Center Europe (Suiza).
En 1993 organizó el Departamento de Diseño de Producto de la escuela de diseño Eina de Barcelona que dirigió hasta 1999.
En 1998 participó como Patrono y Presidente en la Fundación de Design for the World (la ONG del diseño) que presidió hasta 2005.
Con este organismo se pretendía conseguir una red de diseñadores voluntarios para solucionar problemas prácticos con los que se encontraban las asociaciones humanitarias.
En la actualidad es Patrono honorario de la Fundación Loewe, Miembro de honor de la Real Academia de Bellas Artes Sant Jordi y Académico de la Reial Academia de Ciencies i Arts de Barcelona.
Desde 1963, los diseños de los envases para Antonio Puig Perfumes han sido particularmente sobresalientes y prolíficos. Para Ricard la fragancia empieza en el envase, y en general un 20% de su valor se invierte en el frasco.
La colonia Agua Brava de Puig se envasaba en unas botellas recubiertas de mimbre que se fabricaban en Mallorca. Esos frascos tuvieron una excelente acogida en Estados Unidos pero las personas que trabajaban el mimbre en la isla cambiaron de oficio con la llegada del turismo y dejó de existir mano de obra capaz de hacerlo.
“Entonces vino a verme Puig y me preguntó cómo podía mantenerse ese aspecto artesanal, tradicional, pero produciéndolo de modo industrial. Diseñé un frasco que aparentase, dentro de lo posible, la labor artesana, pero que al mismo tiempo se pudiera industrializar: cristal ahumado, tapón de madera y una cinta de rafia con un sello de lacre… Intenté mantener la esencia de aquel recubrimiento de mimbre“.
También deben destacarse sus trabajos para el movimiento olímpico, especialmente la Antorcha para los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992 y el Crisol para la Llama Olímpica en el Musée Olympique de Lausana (Suiza).
En 2012 también se le encargó el testigo de titanio que Sebastian Coe, el presidente de los juegos de Londres 2012, entregó al brasileño Carlos A. Nuzman, como representante de los juegos que le correspondía organizar a la ciudad de Río de Janeiro (Brasil) en 2016.
En 2009 publicó su octavo libro: “Hitos del diseño” (Ariel), en el que explicaba a través de 100 objetos -desde el reloj Swatch hasta el coche monovolumen- cómo entendía Ricard el diseño.
“Me decidí a escribir cuando me di cuenta de la importancia y la necesidad de los objetos. De lo decisivo que resulta para la especie humana crear esas prótesis cuando el ser humano no alcanza a todo. Si nos dejan en una isla desierta lo primero que hacemos es diseñar“, afirma André Ricard sin dudar. Por ejemplo, un peine: “Son dedos más finos que peinan mejor que la mano“.
El cenicero “Copenhague” es el único producto diseñado por él que incluyó en el libro. Éste cenicero ligero y apilable era para tenerlo siempre a mano, como si fuera una copa.
Si el diseño es el reflejo de un país, este objeto expresa las cualidades del español: sobrio y poco tecnificado, más próximo al diseño escandinavo, que al inglés o al americano.
André Ricard ha sido galardonado con once Premios Delta. Ha sido reconocido con el Premio Nacional de Diseño de España 1987; la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya; la Orden Olímpica del Comité Olímpico Internacional; la Medalla de Oro al Mérito Artístico de la ciudad de Barcelona y es Chevalier des Arts et des Lettres y Chevalier de Légion d ‘Honneur de Francia.
André Ricard (pág. web).
Fuente (El País).
André Ricard y “Tatu” desktop spotlight (1972) para Metalarte.
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Francois-Xavier y Claude Lalanne
Francois-Xavier y Claude Lalanne. Artistas de piezas escultóricas funcionales.
François-Xavier y Claude Lalanne son un matrimonio de artistas franceses de renombre internacional, creadores de un lenguaje propio, con piezas famosísimas de mobiliario que se encuentran en la ambigua frontera entre el arte y el diseño.
François-Xavier y Claude Lalanne desarrollaron, desde mediados de los años 50 -que comenzaron a colaborar juntos- dos obras paralelas hechas de asociaciones surrealistas, humor y poesía, pero separadas e individuales, según su propia forma de entender su práctica.
Los dos artistas tienen su propia producción, su propio taller y sus propias técnicas.
En el libro que Daniel Abadie dedicó a Les Lalanne, “Lalanne(s)” Flammarion, (2008), escribió que “la obra de Claude Lalanne, como la de François-Xavier Lalanne, obviamente posee, bajo la firma común, su identidad específica“.
Claude Lalanne (1924, París, Francia).
Para Claude, que estudió arquitectura en la École des Beaux-Arts y en la École des Arts Décoratifs de París, la naturaleza está en el centro de su arte.
Más tarde se involucró con la comunidad de artistas del callejón Impasse Ronsin (Montparnasse, París) y se hizo amiga de los artistas estadounidenses Larry Rivers y Jimmy Metcalf, quienes le ayudaron a ella a desarrollar el arte de la galvanoplastia.
En el París de los años cincuenta y sesenta, un callejón llamado Impasse Ronsin era el callejón donde trabajaban (en un estudio miserable) artistas tan relevantes como Constantin Brancusi; Max Ernst; Yves Klein; Jean Tinguely; Martial Raysse, o Niki de Saint Phalle.
Claude Lalanne se dio a conocer al gran público en Francia en 1976 cuando el cantante Serge Gainsbourg (1928 -1991) seleccionó una de sus obras, la escultura “El hombre con cabeza de col” (1968), para a partir de esta imagen escribir su álbum de 1976, al que dio el mismo título y la portada.
Hoy Claude Lalanne, viuda desde 2008 del fallecido François-Xavier, vive y continúa produciendo trabajo con su propio nombre en Ury, cerca de Fontainebleau, al sur de París.
El universo íntimo y espontáneo de Claude abarca desde joyas y muebles inspirados en la naturaleza hasta esculturas monumentales.
El estilo de Claude está impulsado por un espíritu ornamental y barroco, pero que mantiene una intuición libre… lejos de las limitaciones técnicas.
“Lo que importa es la forma y lo que me transmite“, ha declarado en alguna ocasión.
Las obras de Claude Lalanne están hechas con técnicas relacionadas con la impresión, el moldeado y la galvanoplastia, proceso éste, que descubrió en 1956 gracias al artista estadounidense James (Jimmy) Metcalf.
La técnica de la galvanoplastia congela las formas naturales transformándolas en esculturas, en mesas, sillas, bancos o espejos.
Esta es una técnica de orfebrería que deposita una fina capa de metal alrededor de una forma: una hoja o una flor, a través de un baño de electrólisis (se bañan en sulfato de cobre) que con una corriente lo atraviesa.
El cobre se adhiere al material orgánico para crear una réplica perfecta, situando el resultado entre los límites del arte y el diseño.
Claude Lalanne en la actualidad. Portada del disco de Serge Gainsbourg (1976) y pieza de metal del cuerpo de la modelo Verushka para Yves Saint Laurent.
Francois-Xavier Lalanne (1927, Agen – 2008, Ury, Francia).
François-Xavier Lalanne -que afirmó en una ocasión que “el arte supremo es el arte de vivir“- es un escultor cuya obra casi siempre se ha presentado junto a la de su esposa Claude Lalanne, caracterizándose ambos por su espíritu de síntesis.
Antes de su mayoría de edad, recibió una educación jesuita y a los 18 años se mudó a París para estudiar escultura, dibujo y pintura en la Académie Julian.
François-Xavier consiguió un trabajo como guardia en el Louvre, donde pasaba horas estudiando la colección de artefactos egipcios. Desde babuinos y gatos, hasta rinocerontes e hipopótamos. Siendo evidente en su obra escultórica la influencia de este tiempo trabajando en el museo.
Después de completar el servicio militar obligatorio, Francois-Xavier volvió a París y se alquiló un estudio en Montparnasse, al lado de su amigo Constantin Brâncuși, a quien Lalanne visitaba con frecuencia con vodka y cigarrillos.
El gran escultor lo introdujo en el círculo de los surrealistas, donde conocería a artistas como Max Ernst; Jean Tinguely; Man Ray, o Marcel Duchamp, que demostraron ser muy influyentes en el trabajo del joven artista.
Francois-Xavier conoció a Claude en 1952, en su primera exposición en una galería. Este momento significó para François-Xavier el final de su carrera como pintor, pues él y Claude comenzaron su carrera juntos como escultores.
La técnica del metal martillado de François-Xavier le permitió combinar la pureza del dibujo con el rigor de las formas, consiguiendo piezas utilitarias pero a la vez opulentas.
François-Xavier, es famoso por sus obras de semi-escultura y semi-muebles, como el “Rhinocrétaire” (1964), a la vez escultura y mesa de despacho; las ovejas de lana, “Moutons“, esculturas y a la vez sillones; o el gorila de seguridad, “Gorille de Sillereté” [Security Gorilla] (1970) que es en realidad una caja fuerte.
François-Xavier Lalanne estaba convencido de que la escultura, y más ampliamente la obra de arte, puede tener una función.
En la década de los 60, François-Xavier tuvo la primera comisión privada importante cuando Yves Saint Laurent, y su pareja y socio Pierre Bergé, le encargaron un bar escultórico para el hogar de éste diseñador de moda.
Ésta pieza se vendió en 2009, en la legendaria subasta de Christie’s de la colección de la pareja por 2.753.000 € (más de 15 veces su estimación inicial más baja).
El mítico modisto también trabajó con Claude Lalanne, cuyas piezas de metal dorado del cuerpo de la supermodelo Verushka se incorporaron a su colección “Empreintes” de 1969.
Sus moldes electro-chapados del cuerpo humano para Saint Laurent son íconos del arte y de la moda del siglo XX.
Yves Saint Laurent también solía tumbarse en su famosa silla oveja Lalanne en su jardín. Y en la biblioteca de Yves Saint Laurent y Pierre Bergé se exhibían sus famosas ovejas realistas de bronce de Francois-Xavier cubiertas de piel, junto con lirios creados por Claude.
Gracias al gran éxito de la subasta de Yves Saint Laurent y Pierre Bergé, el público en general descubrió el importante lugar que la pareja Lalanne ocupó entre las obras maestras reunidas por estas dos personalidades durante su vida.
También Christian Dior ha utilizado los talentos creativos de Claude Lalanne para diseñar la colección de joyas para su exhibición primavera-verano 2017.
“Le très grand ours” (1994 – 2015) de Françoic Xavier Lalanne (cortesía de Galerie Mitterrand), e imagen del matrimonio sentado en una de sus sillas con forma de pájaro.
“Una oda al surrealismo y al Art Nouveau“.
François-Xavier y Claude Lalanne -a lo largo de su fecundo matrimonio- fueron co-creadores, no colaboradores, y trabajaron a menudo juntos, pero en estilos muy diferentes que demuestran su gran creatividad e imaginación.
François-Xavier prefería crear piezas inspiradas en el reino animal, mientras que Claude prefería la botánica y la vegetación.
Sin embargo, se unieron en su amor por lo surrealista y por el uso del humor a lo largo de su trayectoria profesional, una mezcla de arte fino y decorativo que ha seducido a los coleccionistas durante casi medio siglo.
“Prefería que mi arte fuera más sonriente que severo“, dice Claude. “Al principio, la gente realmente no consideró nuestro trabajo“.
“Sin embargo, creo que ahora sí lo entienden“, ha reconocido Claude, aclarando lo que hoy es claramente obvio.
La primera vez que éste matrimonio de artistas mostraron su trabajo fueron juzgados muy duramente por el mundo del arte por realizar piezas escultóricas con una función de mobiliario.
“Los críticos nos ignoraron completamente; para ellos, hacer esculturas que tuvieran un uso, que fueran funcionales, fue un completo disparate“, reconoció Claude Lalanne en 2013.
Sin embargo, Les Lalanne se negaron a dejarse influir, y pronto su trabajo estuvo en todas partes, desde sesiones de fotos en revistas hasta las galerías más modernas de París.
Ambos, François-Xavier y Claude Lalanne creían que el arte debía ser parte de lo cotidiano, una idea que resulta evidente a partir de sus obras escultóricas.
Incluso las ovejas están destinadas a ser utilizadas como muebles. “Pensé que sería divertido invadir esa gran sala de estar, con un rebaño de ovejas“, explicó una vez François-Xavier.
“Después de todo, es más fácil tener una escultura en un apartamento que tener una oveja real. Y es aún mejor si te puedes sentar en ella“.
Ahora conocidas como las “Moutons” de Laine, las famosas esculturas de ovejas de François-Xavier fueron presentadas por primera vez con el título “Pour Polytheme“, una referencia a un pasaje de “La Odisea” de Homero.
Ahora, con la década de 1970 totalmente en boga, las esculturas surrealistas y los motivos orgánicos impresos de las artes decorativas de François-Xavier y Claude Lalanne son codiciados por los coleccionistas.
Su mezcla distintiva de bellas artes y artes decorativas asegura que sus piezas sean muy buscadas por los coleccionistas contemporáneos.
Las obras de François-Xavier y Claude Lalanne, al ocupar muchos nichos, desde el diseño de interiores hasta las bellas artes y la alta sociedad, tienen un gran atractivo que las convierte en objetos aspiracionales.
Los temas explorados por los dos artistas iban en contra de la tendencia predominante en los años 60 y principios de los 70 del siglo XX: el arte abstracto.
Pero después del modernismo monocromático de la era espacial de los 60, la década de 1970 marcó el comienzo de un renovado interés por la naturaleza y lo orgánico.
No hay confusión posible entre sus enfoques tan diferentes de la escultura: moldeo y montaje para ella, dibujo y construcción para él. Y entre sus mundos: clásico y arquitectónico para François-Xavier, orgánico y barroco para Claude.
La obra de François-Xavier abarca un numeroso bestiario malévolo, alineando su obra escultórica con la gran tradición francesa de representación de animales como los realizados por artistas como Antoine-Louis Barye (1795 – 1875); François Pompon (1855 – 1933) o Constantin Brancusi (1876 – 1957), su vecino de estudio en Montparnasse.
Sin embargo, a los ojos del público en general -que hoy en día los está re-descubriendo- la unidad de la firma ha sido suficiente durante mucho tiempo para hacer que sus obras sean inseparables, como obras salidas de una sola mano y voluntad.
Exposiciones de Les Lalanne.
En 1983, el Ministerio de Cultura francés encargó a Les Lalanne el diseño de nuevas fuentes monumentales para la plaza frente al Hôtel de Ville de París (el Ayuntamiento) y también el diseño de los jardines para Les Halles, un barrio en el centro de París.
En los últimos años, las obras de Les Lalanne se han expuesto en diferentes lugares de la ciudad de Nueva York.
En 2009, el dúo de artistas participó en Park Avenue Recession Art, un esfuerzo desarrollado por la Galería Paul Kasmin con la división de arte público del Departamento de Parques de la Ciudad de Nueva York y el Fondo para el Comité de Escultura de Park Avenue.
El proyecto involucró una serie de esculturas entre los pasos de cebra en Park Avenue. Las piezas presentadas fueron una manzana de bronce llamada “Pomme de New York” en 52nd Street; “Moutons” en 53rd Street; “Choupatte (Très Grand)” en 56th Street, y “Singe Avisé (Très Grand)” en 58th Street, que fue la última escultura que hizo François-Xavier.
En 2010, el Musée des Arts Décoratifs de París organizó una retrospectiva de sus obras, diseñada por el famoso arquitecto norteamericano Peter Marino.
En el otoño de 2013, en una antigua estación de servicio concebida por el desarrollador de bienes raíces y coleccionista de arte Michael Shvo, expuso con mucha fanfarria 25 de las ovejas, “Moutons“, de Les Lalanne, como instalación pública inaugural de la Getty Station, en la esquina de West 24th Street y 10th Avenue en el distrito de Chelsea, Manhattan (Nueva York).
Con sus montículos de hierba y su cerramiento blanco, “Sheep Station” atrajo a multitudes de personas que se divirtieron con la naturaleza surrealista de la obra.
Sus obras también se han mostrado en muchas exposiciones colectivas, como “Decorum, tapis et tapisseries d’artistes” (2013) en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, y “Power Station of Art” (2014) en Shanghai.
François-Xavier y Claude Lalanne están representados por la Galería Paul Kasmin en la ciudad de Nueva York y Ben Brown Fine Arts en Londres.
En Junio de 2016, Christie’s (París) subastó un rinoceronte único de mármol de François-Xavier Lalanne -de la colección de Zeineb y Jean-Pierre Marcie-Rivière– que se vendió por 453.000 dólares.
Del 24 de Noviembre al 27 de Enero de 2017, una exposición en Ben Brown Fine Arts (Londres) presentó nuevas piezas de Claude Lalanne junto con esculturas de su difunto esposo, François-Xavier.
La Galerie Mitterrand presentó, del 14 de Abril al 27 de Mayo de 2018, la primera exposición individual de Claude Lalanne.
Esta exposición precedió a una segunda dedicada a la obra de su marido François-Xavier Lalanne, del 1 de Junio al 28 de Julio de 2018.
Al presentar la obra de Claude y François-Xavier Lalanne por separado, Galerie Mitterrand deseaba destacar la singularidad de los dos artistas y celebrar el vínculo excepcional que les unió a Jean-Gabriel Mitterrand desde la creación de su galería en 1988 (hace ya 30 años), y con la que han realizado más de una docena de exposiciones.
Esta primera exposición dedicada a la obra de Claude Lalanne presentó, a través de más de cuarenta obras, un panorama de su creación artística desde los años 60 hasta nuestros días.
Una selección de piezas históricas y obras más recientes, como los memorables “Moutons” y la “Fontaine aux oiseaux sur la plage” (1995) se han reunido junto con “Table aux pieds de Cerfs” y “Moyen Mouflon“, que se muestran aquí por primera vez.
Las obras recientes de Claude -que atestiguan la actividad creativa ininterrumpida de la artista- se muestran junto a las nuevas esculturas creadas especialmente para la exposición en la Galería Mitterrand: “Berces Adossées” (2015); un par de “Fauteuils Entrelacs” (2015); “Petite Table Crocodile” (2015 ); “Marcassin” (2015), así como una nueva serie de seis “Miroirs” (2015).
El público re-descubrió también obras pequeñas, como una serie de impresiones corporales realizadas en 1975 que recuerdan el encargo que Yves Saint-Laurent utilizó para su colección otoño-invierno 1969.
En esta ocasión, Claude Lalanne reunió tres versiones del emblemático “Galvanized Choupatte” [Colbage with legs] (1978), una de las cuales, de tamaño gigante, se presentaba por primera vez en París.
Las “Serpientes de mesa“, el “Banco de sentarse en el bosque” o la escultura de la gran pared vegetal, todas de 2017, forman un conjunto de piezas originales tomadas directamente del taller.
Galerie Mitterrand (pág. web).
Francois-Xavier y Claude Lalanne y el famoso escritorio con forma de rinoceronte “Rhinocrétaire / Rhinodesk” (1964).
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Alain Gilles
Alain Gilles. Diseñador de producto, de mobiliario y director de arte.
Alain Gilles (1970, Bruselas, Bélgica), aunque nació y creció en Bélgica, cuando tenía 13 años se fue con su familia -durante cinco años- a vivir a Washington, D.C. (EE. UU.). Luego vivió en el sur de Francia antes de regresar a Bélgica.
“Así que soy una mezcla. No soy un diseñador belga típico en la forma en que uso el color. Sin embargo, con los materiales, tiendo a usarlos de una forma muy belga. Si utilizo madera, no la escondería detrás de una capa gruesa de pintura“.
De pequeño, antes de dormir, Alain Gilles, leía con sus padres la serie de cómics belgas The Adventures of Tintin.
En los dibujos de Tintin se puede ver una línea negra alrededor de cada forma. Y en ese momento, esa escuela de dibujo, Ligne Claire, era muy diferente de la escuela de dibujo estadounidense.
“Ésta metodología de línea clara está cerca de lo que yo hago porque tiendo a separar los materiales en mis diseños“.
Contrariamente a lo que se pudiera pensar, los comienzos de Alain Gilles no están relacionados con el mundo de la creación. Después de estudiar Ciencias Políticas y Dirección de Marketing, trabajó en el mundo financiero internacional durante 5 años.
“Pero uno tiene que vivir su propia vida“. Y a la edad de 32 años, y gracias al apoyo de su esposa, abandonó una carrera exitosa en finanzas internacionales para inscribirse en un programa de Diseño industrial en Francia.
“Trabajé durante cinco años en finanzas internacionales, pero siempre soñaba con productos. Tenía todas esas ideas y no quería olvidarme de ellas, así que a veces no podía dormir“.
Un día, su esposa le dijo que debería estar estudiando diseño y “al día siguiente, pensé: Después de esto estoy libre. ¡Alguien dijo que yo podía hacerlo! Así que me inscribí en un programa de diseño industrial“.
Y a finales de 2007, persiguiendo sus propios sueños, abrió su propio Estudio para poder desarrollar su enfoque personal en el diseño de productos, diseño de muebles, dirección de arte y escenografía.
Al principio pensó que sólo se dedicaría a la iluminación: “Siempre estaba dibujando lámparas“.
Y empezó a hacer muebles casi por accidente. “Hicimos la Big Table (2009) para el fabricante italiano Bonaldo, y se convirtió en un éxito de ventas. Ganó un Good Design Award y hoy se sigue vendiendo“.
Desde la apertura de su Estudio comenzó a colaborar con varios editores internacionales.
Ha trabajado y trabaja con empresas como Bonaldo; Qui est Paul?; Galerie Gosserez (Paris); Magnitude; O’Sun; La Chance; Evolution; BuzziSpace; Casamania; Ligne Roset y Vincent Sheppard.
Así por ejemplo, en 2017, en la Feria de Comercio NeoCon (Chicago), lanzó una colección de sofás “BuzziSpark“, para BuzziSpace, y paneles absorbentes de sonido -que incorporan musgo real- para Green Mood.
Él y la editora se enfocaron en nuevas formas de trabajar, en particular con pequeños espacios o micro-arquitecturas, lugares donde se puede trabajar o relajarse en un entorno ligeramente protegido, y donde se pueden crear con paneles flexibles diferentes combinaciones.
Los paneles acústicos cubiertos de musgo (seco) para Green Mood son una colección de pantallas o particiones que absorben el sonido para oficinas que usan plantas estabilizadas.
Las piezas de la colección “Faux” mirror (2017) para espejos Deknudt, resultan de la combinación de un nuevo material falso en el espejo: un metal perforado o una textura de madera.
Esta adición falsa hace referencia a la imitación artística de la madera, una práctica muy frecuente en el Renacimiento, donde era común elaborar concreto con una armadura de hierro y hacer que se pareciera a la madera.
Estos espejos tienen una forma asimétrica que recuerda al vidrio roto, como si sus bordes se hubieran roto con la forma de un diamante.
Hecho con técnicas de serigrafía, su transparencia actúa como un velo, jugando con la percepción de quienes la miran, generando una nueva dimensión a la realidad.
“La idea era darles una textura… pero también jugar con la reflexión parcial generada por el área tratada gráficamente“, comenta Alain Gilles. “El reflejo de un objeto o persona aparece casi como si un velo o una cortina de luz pasara frente a una parte del espejo“.
En Light + Building (Marzo de 2018), se lanzó su primer producto de iluminación, “BuzziHat” (BuzziSpace), una lámpara colgante acústica que tardó cinco años en desarrollarse.
Light + Building es una Feria bienal de diseño arquitectónico y tecnología (Messe Frankfurt en Frankfurt am Main, Alemania), enfocada principalmente en los campos de iluminación, ingeniería eléctrica, automatización de edificios y software de ingeniería civil.
Light + Building es la feria comercial más grande del mundo en su industria. En 2018, hubo 2.719 expositores y 220.864 visitantes, más de la mitad de ellos del extranjero.
Y anteriormente, en Enero de 2018, en la Feria del mueble IMM Cologne (Colonia, Alemania), lanzó un nuevo espejo para Ligne Roset.
El nombre de éste espejo, “Goeffery“, viene del mayordomo de The Fresh Prince of Bel-Air y la idea era que fuera más que un espejo, también es un mayordomo. Cuando vuelves a casa, pones tus llaves en el plato y cuelgas tu camisa o bufanda en la percha.
“Geoffrey” es un espejo / mayordomo con una forma simple, un estilo ,mínimo, pero que es mucho más rico de lo que parece. Y sus grandes dimensiones (192 x 148 cm) abren el espacio a su alrededor.
Alain Gilles ha declarado en alguna entrevista que ha llegado a comprender recientemente que: “… me siento feliz cuando mis lados masculino y femenino se unen, incluso si uno es un poco más evidente que el otro“.
“Me gusta cuando una creación ofrece varias historias, varias formas de entrar… o cuando uno encuentra dos o incluso tres productos en uno“.
“Quiero ofrecer flexibilidad. Me gustan ciertas piezas… para llevarnos a otro lado, para hacernos soñar un poco. El diseño es una obra sobre la banalidad“.
Para Alain Gilles, “… el lado modular de algunos de mis productos está pensado para que el usuario final, yuxtaponiendo los elementos de forma aleatoria, genere un resultado único“.
Y para algunos de los miembros destacados de la industria, como Lene Kemps, editora jefe de Knack Weekend, “Alain Gilles no crea experimentos de diseño salvaje. Su mérito es diseñar muebles y accesorios relevantes. Es el ejemplo perfecto de un diseñador de hoy que asume sus responsabilidades industriales“.
En Orgatec, la Feria internacional líder para el mundo laboral moderno -celebrada en Octubre de 2018 (Cologne, Alemania)- la empresa BuzziSpace presentó sus nuevas soluciones, diseñadas por Alain Gilles, para los espacios de trabajo donde las necesidades son siempre cambiantes.
Las “BuzziBracks” ejemplifican los enfoques que abordan la importancia del sonido, la luz y la naturaleza de los espacios de oficinas mediante la creación de salas flexibles y personales.
El diseño se compone de una nueva familia de unidades modulares para dividir grandes espacios de trabajo. Estos sistemas arquitectónicos permiten a los usuarios modificar las áreas de oficina para satisfacer cualquier necesidad.
Reconoce que no hace prototipos. “Trabajo con ordenador y luego se envía una presentación a las empresas. Si les gusta, hacemos los productos“.
A la pregunta de quien le inspira en la industria dice: “me encanta Oscar Niemeyer. La legibilidad es importante para mí, y lo que él hace es extremadamente legible“.
Y en Instagram sigue muchas páginas de arquitectura brutalista. “Uno es WaxandBrutalism. Si superas la suavidad tapizada de mis productos, si observas la estructura misma, verás que el producto es realmente muy masculino y duro. Realmente me aprovecho del Brutalismo“.
Alain Gilles, para muchos uno de los diseñadores más productivos e innovadores de Bélgica, fue elegido como el diseñador del año 2012 por las cualidades éticas, industriales y estéticas de sus creaciones, y por su investigación innovadora y enfoque seductor.
“Welded” table (2012) para Bonaldo y “BuzziBracks” (2018) para BuzziSpace de Alain Gilles.
Varios de sus productos han sido galardonados con numerosos premios internacionales.
Premios como el Henry Van De Velde Label 2008 (BE) por las mesas “Tectonic” diseñadas para Bonaldo; el Henry Van De Velde Label 2011 (BE) para “BuzziBooth” diseñado para BuzziSpace; el Henry Van De Velde Label 2012 (BE) para la lámpara solar portátil “Nomad” diseñada para O’Sun, y este mismo premio 2015 (BE) por el sofá “Structure” diseñado para Bonaldo.
Good Design Award 2009 (Chicago, EE. UU.) por la “Big” Table diseñada para Bonaldo.
Design for Asia – Golden Award, 2012, (HK) otorgado por el Centro de Diseño de Hong Kong por la lámpara portátil solar “Nomad” diseñada para O’Sun.
En 2012, fue nombrado Diseñador del año (BE) otorgado por la Bienal Interieur Kortrijk; el Design Museum of Gent; el Grand-Hornu Image Museum; la revista Knack Weekend y la revista Le Vif Weekend.
Green Dot Award 2013, Los Ángeles, (EE. UU.) por la lámpara portátil solar “Nomad” diseñada para O’Sun.
Premio de diseño Red Dod – Best of the Best, 2013 (DE) por la mesa “Welded” (2012), y el premio Good Design por la mesa “Big“, ambas diseñadas para Bonaldo.
Premio a la innovación IMM 2014 (Colonia, DE) por la mesa multifuncional “BuzziPicnic” diseñada para BuzziSpace (BE).
Premio Good Design 2014 (EE. UU.), otorgado por el Chicago Athenaeum: Museum of Archiecture and Design por la colección de mesas multifuncionales “BuzziPicnic” y por la “Tracks” Table para Bonaldo.
En 2016, ganó los premios HIP (NeoCon, Chicago, EE. UU.) en la categoría de productos “Accesorios” para los nuevos “BuzziBlinds” diseñados para BuzziSpace.
La colección de herramientas de cocina diseñada para Evolution ganó en 2017 Les découverte M&O.
En 2017, recibió el Wallpaper Design Award 2017 (categoría Best Best Angles) para los nuevos BuzziBlinds diseñados para BuzziSpace. Y el “Möbel des Jahres” 2017, nominación por Wohnen Magazine (CH), para el sillón “Eddy” diseñado para Bonaldo.
El premio Hospitality Design Award 2018 (EE. UU.), de Hospitality Design Magazine, por la luz acústica “BuzziHat” para BuzziSpace.
Recibió el HiP Award 2108 (EE. UU.) por la lámpara acústica BuzziHat.
“Lo mejor de NeoCon – Premio de plata” 2018, concedido por Contract Magazine (EE. UU.) en la categoría de Iluminación decorativa para la lámpara acústica BuzziHat.
“Product Innovations 2018 – Premio al mérito“, otorgado por Building Magazine (EE. UU.), segundo lugar en la categoría de asientos de la colección de sofás BuzziSpark para BuzziSpace.
“Product Innovations 2018 – Grand Award”, por parte de Building Magazine (EE. UU.), primer lugar en la categoría de acústica de la colección de sofás BuzzZepp para BuzziSpace.
Alain Gilles (pág. web).
Fuentes: (InteriorDesign) (designboom).
Alain Gilles y sofá “Structure” (2015) + espejo “New Perspective” (2016), todo para Bonaldo.
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U
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Sebastian Errazuriz
Sebastian Errazuriz. Artista, diseñador y activista.
Sebastian Errazuriz (1977, Santiago, Chile) partió en 1983 con sus padres a la ciudad de Londres a la edad de seis años.
Pasado el tiempo, volvió a Santiago donde obtuvo una Licenciatura en Diseño en la Pontificia Universidad Católica de Chile.
Siguió su formación con clases de Arte en Washington y de cine en Edimburgo. Y con una Maestría en Bellas Artes por la Universidad de Nueva York , ciudad en la que reside y trabaja en la actualidad.
Sebastian Errazuriz es un artista y diseñador con una carrera floreciente, y es uno de los pocos creadores internacionales cuya mezcla de géneros, áreas, oficios y disciplinas produce constantemente trabajos que son plenamente contemporáneos y con reconocimiento internacional.
Errazuriz es famoso por sus intervenciones públicas y por los objetos que diseña, donde aborda temáticas actuales de manera provocadora.
El hombre que no deja nada al azar y que no se sorprende con el talento de nadie, a los cinco años ya quería ser artista.
“Sabía que si me esforzaba muchísimo, que si tenía un poco de suerte, y que si efectivamente tenía una cantidad equis de talento, lo máximo a lo que podría aspirar sería a hacer un pequeño aporte, un pequeño gesto dentro de la historia macro de las artes“.
Durante un tiempo se instaló en Chile donde fue columnista, tenía un programa de televisión y daba clases en tres universidades. Pero en Chile era un bicho raro. “Allá, salirse del marco está mal visto. Ser capaz de romper con lo establecido tiene costes muy altos“.
Y en 2006 partió a Nueva York para probarse de verdad. Y no fue fácil. “Esta ciudad es como estar en las olimpíadas del arte“, comenta.
En esta ciudad están algunas de las personas con más dinero del mundo, “y es gente que está acostumbrada a los más altos niveles de exquisitez cultural… Y por otro, aquí están todos aquellos artistas que vienen a competir“.
“Ese pulso, esa velocidad, esa competencia, esa exigencia, es muy positiva porque te destruye a diario, te recuerda que tal vez puedes ser alguien importante en un pequeño pueblo o ciudad, pero que aquí no eres nada ni nadie. Y eso te exige una disciplina altísima“.
Y aunque muchos todavía ven sus innovaciones más extremas como sorpresas ingeniosas, hoy en día los críticos le respetan.
Así, por ejemplo, en la realización de objetos que él denomina “Múltiples“, dividió una taza de café en dos para poder compartirla. Y también juntó unos palillos chinos que al final formaban un tenedor occidental.
Mucha gente puede ver estos experimentos como una anécdota ingeniosa… “y quizás no terminan de calar porque, en nuestra sociedad, repensar las cosas de forma diferente, que es lo que hacen los niños, no va relacionado con hacerse mayor“.
A lo mejor, cada uno de los ejercicios que él hace no tienen importancia por sí mismos, pero sí cuando se convierten en una práctica. “Tienes que ir todos los días para hacer un cambio sustancial“.
Al final, su práctica se trata siempre de seguir el proceso de cuestionamiento: “ser capaz de presentarse ante la realidad y cuestionarla“.
Es joven, ambicioso, pero sobre todo, tiene muy claro lo que quiere y donde quiere llegar.
Su taller en Brooklyn (Nueva York), es un típico conjunto de antiguas fábricas, un loft gigante donde conviven su amplia oficina, sus talleres, sus obras.
Todo esta en perfecto orden, incluso las herramientas que -colgadas- parecen una instalación artística. Nada es feo, no hay nada al azar.
Sebastian Errazuriz tampoco tiene pinta de artista. “La imagen del artista que viene de la bohemia, que es un muerto de hambre, una suerte de outsider, un tipo incapaz de comunicarse con nadie salvo a través de un vómito de pureza interior que es su obra, me carga…. Yo no soy así”, dice con firmeza.
Sus obras sorprendentes y provocativas, siempre invitan al espectador a plantearse una nueva mirada de la realidad, a menudo oculta a sus ojos.
“Cuando uno es capaz de ilustrar a través de una metáfora una situación a la que todos estamos acostumbrados, lo que puede llegar a conseguir es muy potente”.
La gente consigue ver lo cotidiano de manera diferente, y eso lo ha conseguido a base de provocar, sobre todo con temas socio-políticos, lo que le ha generado más de un conflicto con empresas, con la Iglesia y con gobiernos.
Con su talento aborda desde obras de arte políticas hasta enormes proyectos de arte público, muebles experimentales, diseño de productos, zapatos de mujer y hasta motocicletas. Su idea es generar obras que eduquen, entretengan e inspiren.
“Yo tengo un estudio en el que desarrollamos algo así como cuarenta proyectos en paralelo, que van desde el interior de un avión hasta una instalación de arte público a gran escala; o un zapato“.
En la actualidad trabaja, dentro del área de producto y diseño industrial, en un proyecto ambicioso que es… como en un ejercicio constante “la reinvención de todos los objetos básicos, de todos los objetos cotidianos“.
“Ahora tengo toda una parte del equipo trabajando en esto para poder invitar a la gente, más que a comprar el producto, a ver conmigo cómo sería el proceso de re-imaginar y resolver“.
Taller en Brooklyn (Nueva York) de Sebastian Errazuriz. Un loft gigante donde conviven su amplia oficina, sus talleres y sus obras.
Sus trabajos son originales y provocativos en diferentes disciplinas.
Errazuriz ha recibido numerosas veces el reconocimiento internacional y de la crítica. Ha realizado más de 50 exposiciones internacionales, retrospectivas, instalaciones públicas de alto impacto.
Sus obras han ido adquiriendo cada vez cotizaciones más altas -llegando a precios que superan los 200 mil dólares- y son adquiridas por museos y coleccionistas de arte de todo el mundo. Pero él aclara que no es un millonario.
“Yo no tengo nada. Ni casa, ni coche. Todo lo invierto en mis obras, en mis diseños, en el arte. No me quejo. Vivo bien; pero mantener todo esto funcionando requiere de mucho esfuerzo”.
Él planifica hasta los detalles más ínfimos, “Yo no creo en la suerte… Todo lo que me ha pasado lo he buscado y planificado cuidadosamente… Cada movimiento está estudiado. Estoy donde he querido estar”.
A él lo que le gusta es el proceso completo. “La cantidad de operaciones que hay que hacer para lograr hacer un proyecto son muchas. Y yo me involucro en todas. Hay que financiarla, vender la idea, lograr que vaya gente, que la muestren en la prensa, en las redes sociales“.
“Si hay que escribir el comunicado de prensa, lo hago. Tomar la fotografía… Me encanta la parte creativa, pero disfruto también la ejecución. Creo que es la única manera como las cosas funcionan… En fin, es un camino muy largo“.
“Si yo me encerrara en la obra, entonces no estaría donde estoy”. Según él, está comenzando, pero ya no le para nadie: “Tengo cuerda para rato“, reconoce.
Como obsesivo adicto al trabajo, Errazuriz se convirtió, a la edad de 28 años, en el segundo artista sudamericano vivo en subastar obras en la importante subasta de Diseño del Siglo XX de Sotheby’s.
“No sé descansar. No me cojo nunca vacaciones porque me siento culpable cuando no haga nada“.
Sebastian reconoce que es un privilegio poder dedicarse todos los días a hacer lo que uno quiere.
“Costó llegar hasta aquí. Durante mucho tiempo uno sabía que si dejaba de trabajar se podía caer todo. Ahora ya no es el caso, pero aún sigo con la mentalidad de que si paro se podría derrumbar todo“.
“No sé, simplemente me cuesta; estoy aprendiendo a descansar pero la verdad es que está siendo una rehabilitación dura“.
En 2007, fue seleccionado como uno de los 10 mejores diseñadores internacionales emergentes -una de las promesas del diseño en el mundo- elegido por la prestigiosa revista I.D. Y su ya mítica portada fue un punto de inflexión para él.
En 2010 recibió el título de Diseñador Chileno del Año, y al final del año 2011 fue seleccionado para el Compasso d ‘Oro.
Die Gestalten Verlag, una editorial internacional que colabora con creativos de todo el mundo y conocida principalmente por sus 600 libros sobre arte, arquitectura, diseño, fotografía y tipografía, lanzó una monografía de su trabajo en 2013.
En 2014, Sebastian Errazuriz fue objeto de una retrospectiva, “Look Again“, su primera exposición individual, en el Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, Pennsylvania).
Entre 2014 y 2015, fue invitado a impartir tres TED Talks (ciclos de charlas que promueven ideas dignas de difundir desde el ámbito de las Tecnologías, el Entretenimiento y el Diseño).
En una de ellas: “Step back and look again” o ”Da un paso atrás y mira de nuevo”, Sebastian Errazuriz explicaba como dar un paso atrás desde el problema para ver nuevas soluciones.
“La sociedad nos enseña a resolver problemas haciendo un zoom en los mismos. Desafortunadamente, si todo el mundo está mirando de cerca el problema, las soluciones de todo el mundo tenderán a tener un punto de vista similar“, señaló Sebastian.
También abrió una doble exposición individual en las dos galerías de Nueva York que representan su trabajo.
En 2015, Errazuriz fue invitado por Times Square Arts para presentar su instalación de arte público “Una pausa en la ciudad que nunca duerme” en 50 pantallas gigantes en Times Square. Ese mismo año, Errazuriz fue el homenajeado en la Gala del Museo de Arte y Diseño de Nueva York.
Hoy, Sebastian Errazuriz no solo hace arte y diseño. En 2017, fundó su segundo Estudio creativo en paralelo: Cross Lab, donde combina arte, tecnología, diseño y comunicaciones para producir soluciones tecnológicas innovadoras para problemas contemporáneos.
En Cross Lab exploran ideas alternativas e investigan el impacto de las tecnologías emergentes para ayudar a las organizaciones, instituciones y marcas a enfrentar los desafíos actuales y futuros.
“Mi trabajo es imaginar situaciones que sean difíciles de imaginar“, y él está convencido que la inteligencia artificial “lo va a cambiar todo, y por ende, todo lo que yo hago ahora tiene que empezar a cambiar en esa dirección”.
Con un equipo multidisciplinario desarrolla desde la investigación, el desarrollo, la comunicación y la producción de contenidos, hasta la creación de prototipos de productos.
Del 1 de Junio al 4 de Julio de 2018 tubo lugar “Anything You Destroy, We Will Rebuild“, la que ha sido su exposición debut en la Galería David Gill (Londres).
La obra de Sebastian Errazuriz se mueve entre el arte, el diseño y las instalaciones.
La obra de Sebastian Errazuriz nada entre las turbias aguas de lo desordenado, lo híbrido y a veces hasta de lo inclasificable.
Aportando una frescura que es muy saludable y un enfoque intuitivamente interdisciplinario. “No sé dónde está la línea entre el arte y el diseño“, ha revelado Errazuriz en varias entrevistas.
Ignorando la convención, Errazuriz rechaza fundamentalmente el consenso que distingue el arte del diseño actual, y se ha convertido en un experto en dotar al diseño de un contenido desafiante, mientras defiende las obras de arte conceptuales que propongan alguna utilidad.
Este tipo de declaración -que suele constituir una nota de suicidio profesional para la mayoría de los artistas y diseñadores- en su caso, le impulsa en la búsqueda decidida de un ideal esencial y transformador.
Lo que podría ser una práctica creativa conflictiva se ha convertido en una manera de hacer arte tan punzante como poco convencional.
En lugar de inclinarse a las normas establecidas, este exitoso multitarea simplemente fue y re-diseñó las fronteras entre el arte y el diseño. “Se supone que el arte no tiene una funcionalidad, y creo que eso está mal“, dijo Errazuriz. “El diseño limitado a piezas meramente funcionales también es incorrecto“.
Ya sean percibidos como insultos informativos o como provocaciones socio-políticas, sus propuestas resultan a menudo impactantes, incluso incendiarias.
Con una mezcla de eficiencia formal y concentración temática, Sebastian Errazuriz sorprende repetidamente a los espectadores con mensajes que sobrecargan lo cotidiano, lo que se pasa por alto.
“Para mí es importante que un proyecto tenga solo un pequeño giro“, ha declarado. “En última instancia quiero que la gente vea lo obvio, lo cotidiano de manera diferente“.
“American Kills” (2010) y “A pause in a city that never sleep” (2015) como parte del proyecto “Midnight moments” en Times Square (Nueva York).
Su obra multifacética maneja varios componentes.
Por ejemplo, en el año 2006 plantó un manzano de 10 metros en la mitad del campo del Estado Nacional de Chile, obra que denominó “A tree memorial of a concentration camp”.
Hay que recordar que este estadio fue usado como centro de detención y tortura durante el régimen represor del general Augusto Pinochet.
Como parte de la exhibición se jugó un partido de fútbol -al que asistieron más de 20 mil personas- con el árbol en el medio del campo.
En “American Kills” (2010), mostraba una investigación que demostraba que la tasa de suicidios de los soldados estadounidenses duplicaba el número de víctimas en 2009 de la guerra de Irak en EE. UU.
La hasta entonces ignorada conclusión era que, son dos veces más los soldados estadounidenses que mueren por suicidio que por fuego enemigo.
“Occupy Chairs” (2012), son sillas diseñadas a partir de réplicas de letreros escritos a mano realizados por manifestantes en contra de Wall Street (curiosamente, estos mensajes ocupan ahora los hogares de varios miembros prominentes del privilegiado 1%).
Uno de sus trabajos públicos más impactantes fue el anteriormente mencionado de Times Square (Nueva York) a comienzos de 2015.
Se trata de una zona que visitan cerca de 360 mil personas al día y uno de los centros más vivos de la ciudad, rodeado de cientos de pantallas luminosas.
Errazuriz ocupó 50 de estas pantallas para proyectar su obra “A pause in a city that never sleep” como parte del proyecto “Midnight moments“, que impulsa la ciudad.
Su vídeo de 3 minutos, que lo muestra bostezando, tuvo un efecto impactante pues miles de personas se detuvieron a mirar –una pausa- y comenzaron a bostezar.
Una segunda línea de trabajo es lo que él denomina Esculturas funcionales; como por ejemplo “Boat coffin” (2006), un ataúd con forma de lancha motora que en palabras del autor, y siguiendo la tradición de culturas ancestrales como la egipcia o la vikinga, fue creado para viajar al otro mundo.
“La vida es corta, y si sé que estoy a punto de morir, prefiero tomar las riendas de mi propia vida gritando a los cuatro vientos que se vayan a la mierda“.
En esta misma línea está también uno de sus clásicos, su famosa lámpara “Duck“. Éste pato fue rescatado del basurero de un antiguo museo de taxidermia y fue definida por la crítica como un objeto misterioso pero divertido y hermoso que explora las fronteras entre la escultura y lo funcional tanto del diseño como del arte.
Una tercera área es su famosa línea de muebles que se transforman en verdaderas obras de arte. Ejemplos de esto son el “Magistral” chest, o el “Wave” Cabinet.
Finalmente están los objetos de diseño puro, como su colección de zapatos para Melissa, empresa que anteriormente ha trabajado con diseñadores como Vivienne Westwood o Karl Lagerferd.
Sebastian Errazuriz creó una colección denominada “12 zapatos para 12 amantes”, para liberar sus sentimientos acumulados en sus fallidas relaciones de pareja, y que además tuvo un gran éxito en las redes sociales y en la crítica.
Intensa, argumentativa y perfeccionista en extremo, la postura creativa de Errazuriz constituye una militancia estética y artística que promueve la controversia (en oposición al conformismo) como el sine qua non del credo del artista.
Es un artista-diseñador que confiesa sin problema el delito de impureza estética y conceptual.
Errazuriz ha demostrado que es posible lograr un equilibrio entre el arte y el diseño sin subordinar significativamente una disciplina a la otra. “La verdad es que necesito a los dos con pasión“, ha reconocido varias veces.
“Haberme definido como artista y diseñador generó todo tipo de sospechas. Es mucho más difícil construir una marca cuando te dispersas. Pero yo voy por otro camino. Y los frutos se están viendo“.
“Creo que haber decidido ir en contra del sistema, de hacer carreras paralelas, simultáneas, de hacer preguntas difíciles, de provocar, cuestionar, de no venderse, hace que mi trabajo sea mucho más difícil, porque no soy una marca constante que solo hace dibujitos o rayas“.
Por eso, según el artista y diseñador, es un trabajo mucho más complicado de identificar. “Es más difícil para venderse como un objeto de lujo o de estatus“.
Para Errazuriz, él está haciendo lo que es más difícil, pero también lo que es más honesto. “Y después habrá que ver si el trabajo que hice valió la pena o no“.
Quiere que se pueda decir de él: “mira, Sebastian es igual de bueno que aquel en este terreno, pero a su vez está haciendo quince otras áreas en paralelo, todas al máximo nivel, en diálogo con los mejores de su época”.
“Para mí eso tiene más valor… y entonces el esfuerzo habrá valido la pena“.
“Wave Cabinet” y un ejemplo de la colección “12 zapatos para 12 amantes” de Sebastian Errazuriz para Melissa.
“Hay pocos artistas que me impresionen y estén trabajando simultáneamente en tantas áreas como yo“.
“La cantidad de trabajo que he generado a estas alturas yo creo que es equivalente a la que han generado otros artistas, otros diseñadores que son mucho más reconocidos que yo“.
Sus opiniones son tajantes, y también su forma de ver la vida. “Naturalmente uno siempre quiere ser más reconocido“, comenta.
Pero en su caso -según Errazuriz- no por vanidad, sino por “tener una plataforma de poder que implica que el cambio que uno puede generar es muchísimo más alto“.
Decidió jugar a un alto nivel, donde para triunfar es necesario ser claro y fuerte. Y esa es la fórmula como ha conseguido su innegable éxito.
Tanto, que no duda en confesar que su matrimonio fracasó porque no quería tener hijos. “Ahora estoy demasiado concentrado en mi carrera. No me parece justo para un niño tener un padre ausente”.
A veces, suena arrogante, como cuando dice que no le impresiona mucho el trabajo de nadie.
El artista se hace el duro en su discurso. Dice lo que piensa sin plantearse las consecuencias, pero hay mucho de juego en él, en su obra, en sus opiniones.
“El humor es importante. Si uno como artista es capaz de lograr que la gente vea cosas y, al mismo tiempo, les produzca una reacción física, entonces la obra se potencia”.
El humor le permite a Errazuriz hablar de temáticas complejas de manera lubricada: temáticas que penetran fácilmente.
Aun así, “no pasa nada si no tienes ni idea de la cantidad de guiños y referencias que hago de los diferentes artistas del siglo XX. Yo trabajo por capas, como una torta de milhojas“.
Otro de sus intereses, casi obsesivo, es estar pendiente de lo que pasa a nivel macro, “y a mí me asusta cómo va a cambiar todo“.
“Estoy convencido de que la inteligencia artificial, dentro de veinte años, llegará a nuestro nivel como humanos, y que en cuarenta años cambiará la sociedad, y que de ahí en adelante nos quedaremos sin trabajo“.
Él cree que a la gran mayoría de las personas, incluso aquellas que trabajan en las áreas de la ciencia, les es imposible medir esto, “les cuesta visualizarlo, les cuesta imaginar las diferentes repercusiones que tendrá, porque no es parte de su trabajo, realmente“.
Errazuriz piensa que dentro de veinte años serán las máquinas las que harán el arte, y “harán arte mucho más fascinante del que tú y yo podríamos pensar jamás, que nos va a tener embobaos“.
Éste cambio, a la vez fascinante y obsesivo, hace que se sienta “como uno de estos locos que cree que hay un complot del gobierno o cualquiera de esas locuras. Yo me siento como un psicópata“.
Además reconoce que cuando trabaja, trabaja de manera obsesiva, “como un psicópata adicto, que si no genero trabajo me siento inútil, y siento que mi vida no tiene sentido“.
Por ejemplo, para él, la felicidad es algo que está sobrevalorado. “Que yo sea feliz no tiene importancia, porque yo no soy nadie“.
“Pero si yo soy capaz de generar más o menos trabajo, de ayudar a más o menos gente, de hacer ciertos cambios en ciertas áreas que tal vez generen ciertos efectos… eso vale mucho más que el hecho de si yo soy feliz o no“.
Sus propuestas creativas han sido desde sus comienzos una serie sucesiva de respuestas virales.
Su colección “12 Shoes for 12 Lovers” generó 35 millones de visitas en Google y su “Wave Cabinet” tiene más de 10 millones de visitas en internet.
Errazuriz ha aparecido en múltiples portadas de revistas e incontables artículos de prensa especializada en arte y diseño. Ha recibido elogios de la crítica de The New York Times; The Financial Times, y de Wall Street Journal, entre otros.
Múltiples libros y catálogos presentan sus proyectos, que también han sido presentados en las televisiones más importantes: BBC; CNN; ABC o NY1.
Su trabajo también se ha exhibido junto a los arquitectos y diseñadores más célebres en más de cuarenta exposiciones internacionales.
El trabajo de Sebastian Errazuriz ha sido incluido en exposiciones y colecciones de museos como: el Museo de Arte de Palm Springs (California); Copper Hewitt, Museo Nacional de Diseño en Nueva York; Museo Peabody Essex en Salem (Massachusetts); Museo de Arte Contemporáneo Kiasma (Helsinki, Finlandia).
Museo Vitra en Weil AM Rheim (Alemania); El Museo de Arte y Diseño de Nueva York; el Bellevue Arts Museum de Washington; el Mint Museum de Charlotte (Carolina del Norte); el Corning Museum of Glass de Corning (Nueva York.).
El Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago (Chile); el Museo de Albuquerque en Albuquerque (Nuevo México), y el Museo Amparo en Puebla (México).
Sebastian Errazuriz (pág. web).
Fuente: (LaTercera), (incessants).
Sebastian Errazuriz y mesas “Meleager” y “Athena Lemnia” (2018) de la colección “Anything You Destroy, We Will Rebuild” presentada en David Gill (Londres).
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Apparatus Studio
Apparatus. Estudio de diseño de iluminación, muebles y colecciones de objetos.
Apparatus Studio -fundado en 2012 por Jeremy Anderson y Gabriel Hendifar– es un Estudio de diseño con base en Nueva York que explora la relación entre iluminación, muebles y objetos en ambientes inmersivos que cuestionan lo histórico y la cultura a través de una lente moderna.
Gabriel Hendifar, es el director creativo (el cerebro) detrás de los codiciados accesorios de iluminación, muebles y objetos de arte de la marca, y Jeremy Anderson se encarga de la parte comercial, supervisa la producción y las operaciones de Apparatus.
Hoy por hoy, esta firma es una de las más atrevidas y elegantes del panorama actual en cuanto a diseño, creando elegantes objetos con una reverencia palpable a los materiales y, como lo define el propio Hendifar, con un toque narrativo.
Aprovechando el vocabulario del deseo y la respuesta emocional, inspirados por el principio Modernista de una obra de arte total, Apparatus articula materiales sensuales (mármol, piedras semi-preciosas, ágata, jaspe, perlas de jade, porcelana…) con otros materiales más crudos (latón, madera e incluso piel de anguila o crin de caballo).
Sus detalles extravagantes van desde la modernidad hasta la grandeza del viejo mundo, abrazando una tradición ancestral de diferentes artesanías donde cada pieza escultural está terminada y ensamblada a mano.
Jeremy Anderson y Gabriel Hendifar: Apparatus.
Cuando se conocieron en la ciudad de Los Ángeles, Gabriel Hendifar trabajaba en moda y Jeremy Anderson tenía un trabajo de relaciones públicas.
Empezaron una relación sentimental y se mudaron a vivir juntos como pareja en 2010. Como ellos mismos reconocen, en ese momento vivían en L.A. y no se podían permitir demasiados lujos.
“Jeremy es alfarero y tiene una fuente inagotable de energía, y había estado diseñando interiores y confeccionando ropa de mujer“.
“Hicimos algunos objetos de iluminación y un amigo, que es dueño de Gallery L7 en Los Ángeles, vino a cenar una noche y preguntó: “¿Quién hace estas lámparas? Creo que podemos venderlas”, relata Hendifar.
En 2011, una oportunidad laboral para Anderson llevó a la pareja a Nueva York, y empezaron a actuar… “como si tuviéramos un negocio“.
Pronto, la gente comenzó a admirar los sistemas de iluminación que habían realizado para su apartamento y en 2012 dejaron atrás sus carreras para lanzar Apparatus.
Empezaron con la iluminación porque era algo accesible, algo que es factible hacer, algo parecido a las joyas.
“Cuando haces una mesa, tiene que ser estable y tiene que comportarse de una manera concreta. Con la iluminación puedes experimentar con la forma. No tienes que hacer mucho, pero resulta que es lo más mágico de la habitación“, dice Hendifar.
Hoy en día, Apparatus lo forman un equipo de 47 personas, con una sala de exposiciones en Nueva York y otra en Milán. Y crean todo, desde muebles hasta entornos completos para clientes; entre los que están Four Seasons; Soho House; el Hotel Lutetia de París y la arquitecta Annabelle Selldorf.
Hendifar, reconoce que “al comienzo el planteamiento era preguntarnos ¿qué necesitamos? y ¿con qué queremos vivir?. En la actualidad eso sigue siendo la prueba de fuego, pero estamos más interesados en la narrativa de lo que estábamos al principio“.
“Las colecciones hacen referencia a momentos específicos en el tiempo” (así por ejemplo, las colecciones se llaman Actos II, III…). “Esto da como resultado colecciones que se perciben más ricas y fuera del ámbito del diseño convencional“.
“Esperamos que las piezas resultantes se perciban como artefactos de un momento y un lugar desconocidos“, reconoce Hendifar.
En cuanto a la implicación de Jeremy Anderson en el proceso creativo, él reconoce que “Gabriel siempre ha sido el hombre de las ideas. Pero desde el principio estuve muy involucrado en los aspectos de la creación: cableado de los accesorios, aplicación de las pátinas y todos los detalles relacionados con el cuero, el empaquetado, de todo“.
“También estaba haciendo todo el trabajo administrativo. A medida que hemos ido creciendo esa parte del trabajo comenzaron a asumirla otras personas. Ha sido genial traer a otros a bordo“, reconoce con entusiasmo.
Ambos reconocen que también a lo largo de los años, han encontrado formas más eficaces de mantener el equilibrio entre ambos, “pero somos una pareja y hay momentos en los que es más o menos difícil dependiendo de todo lo que sucede en nuestras vidas“.
Hendifar declara que el equilibrio creativo en su asociación al final se mantiene porque “siempre hay un punto en el proceso en el que es fundamental contar con los comentarios de Jeremy“.
Él “siempre hace que el objeto se vuelva mejor… Es un editor con ojo de halcón que es capaz de encontrar inmediatamente el eslabón débil“.
Por otro lado, con el trabajo experimental como ceramista de Jeremy -que prepara una colección que saldrá en la primavera de 2019- se puede decir que ha encontrado su propia voz, reconoce él mismo.
Los frutos de su trabajo como ceramista se exhiben por todos los rincones de su apartamento de Manhattan, y además están construyendo un estudio para esta faceta en una casa que la pareja tiene en el norte del estado de Nueva York.
“Queríamos descubrir cómo hacer para que el alma entrara en los objetos“, dice Anderson.
Desde el principio, el dúo estaba interesado en crear objetos que combinaran formas escultóricas modernas con materiales que parecieran tener alma, algo que sentían que estaba ausente en el paisaje de diseño en ese momento.
La pareja siempre espera que sus objetos produzcan en el espectador un deseo de tocar e inter-actuar con ellos, o simplemente de mirarlos.
“En última instancia, todo se reduce a crear una reacción emocional que esperamos atraiga tanto al coleccionista de diseño sofisticado como, más ampliamente, a las personas que ven algo esencialmente hermoso en un equilibrio de formas y materiales“, dice Hendifar.
En 2015 el Estudio dio un paso más allá de los objetos de iluminación, lanzando su primera colección de muebles: mesas geométricas de madera presentadas en ICFF (la Feria Internacional y anual del Mueble Contemporáneo que se celebra en el Centro Javits de Nueva York).
A esta colección de muebles le siguió el lanzamiento de una nueva colección de iluminación -con fuertes reminiscencias a antiguos rituales- llamada “Neo Marble“.
“Para nosotros, el mármol conlleva un sentido de permanencia e historia que hace que el material mismo dictamine cómo debe ser usado“, dice Hendifar. “Era importante que los objetos se redujeran a sus elementos más esenciales“.
En 2016 Hendifar y Anderson empezaron a experimentar por primera vez con la tecnología LED.
“Nuestro estudio se ha dedicado al cálido resplandor de la luz incandescente, por eso llegamos tarde al juego, o debería decir que hemos estado esperando la tecnología adecuada en el momento adecuado“, dice Hendifar.
Tienda de Apparatus en Nueva York y Vasija “Neo Vessel“.
Showrooms, Loft y nuevos proyectos.
Apparatus tiene un showrooms en Nueva York y otro en Milán; y recientemente -en Noviembre de 2018- abrieron otro en la ciudad de Los Ángeles (1021 North McCadden Place).
La sede en Manhattan de Apparatus es un espacio histórico de Nueva York, un loft de 10,000 pies cuadrados en West 30th Street totalmente reformado que abrió en 2016.
El edificio fue construido como una escuela, para más tarde ser el estudio del artista Philip Taaffe (1955, New Jersey, United States) durante unos veinte años.
Es un espacio mágico, donde un techo de doble altura crea una sensación de volumen que se hace cada vez más grande y que incluye una sala de exposiciones, oficinas, taller (producción) y laboratorio creativo (desarrollo).
Cuando la pareja visitó el espacio por primera vez, en Agosto de 2015, no estaban buscando nada tan grande, solo un lugar para expandir la producción para su marca (que desde el 2011 no había dejado de crecer).
“Abrimos la puerta y en unos minutos ambos dijimos: Tenemos que hacer que esto suceda“, recuerda Hendifar.
“Era más espacio del que necesitábamos, pero consolidó la idea de potenciar cada parte de nuestra empresa: ventas, diseño y producción“.
Firmaron el contrato y emprendieron una reforma que duró ocho meses, creando zonas distintas para cada sección de las operaciones de la firma.
En un extremo, un taller para ensamblar las piezas; en el otro un taller de acabado y las propias oficinas privadas del dúo. En el medio se encuentra el nuevo showroom de la marca.
Este espacio es todo espejo y moqueta (acentuado por una constelación de “apparatus” de iluminación) cuyo diseño evoca, en parte, el famoso e icónico taller del diseñador de moda Halston (1932, Des Moines, Iowa – 1990, San Francisco, California, United States).
Todo es importante para este dúo y cuidan en exceso hasta el último de los detalles: “la forma en que se empaqueta una caja es lo primero que se encuentra un cliente“.
“Siempre nos hemos centrado en crear una cultura específica. Estar aquí nos ha ayudado a definir lo que es importante para nosotros, que va más allá de la estética“, dice Hendifar.
“Eso significa asegurarse de que cualquiera de nuestro equipo entienda que él está tan conectado con el cliente como alguien que tiene una interacción cara a cara con él“.
En 2016, Gabriel Hendifar y Jeremy Anderson también transformaron su loft de Nueva York en un ejemplo de su estética tan característica.
Su casa de Manhattan puede parecer ecléctica pero Hendifar rápidamente encuentra una expresión mejor “es un poco alquímica“.
Ubicada en el último piso de un antiguo edificio industrial en el distrito de Flatiron, el loft habla mucho sobre la marca y las pasiones de sus protagonistas.
El hogar de los fundadores de Apparatus se parece mucho a uno de los diseños de iluminación exclusivos de su compañía, pero querían algo más formal, “una fórmula intermedia entre un loft y un apartamento convencional“.
En un momento de creciente uniformidad, cuando los diseñadores de todo el mundo extraen de un “pozo digital común” inspiraciones e influencias, la estética de Apparatus sigue siendo idiosincrásica. Son proyectos que comparten una extraña clase de belleza, muy refinada y seductora.
Llena de prototipos, piezas personalizadas, objetos de interés peculiares y detalles arquitectónicos, la residencia logra un delicado equilibrio entre lo crudo y lo cocinado.
“Muchos de nuestros diseños de productos y colecciones evolucionaron directamente de piezas que hicimos para nosotros mismos. Pero por mucho que este loft funcione como un laboratorio creativo, también es nuestro hogar“.
También Hendifar apunta que “establecemos un alto nivel para las cosas con las que vivimos y las que lanzamos al mundo… Además, siempre necesitamos un proyecto para que fluya la creatividad“.
Todo se mezcla como en un juego, con reminiscencias entre el Art Decó, el racionalismo e incluso el surrealismo. En toda la casa, los diseñadores combinaron la iluminación y el mobiliario de Apparatus con piezas vintage simpáticas, tanto con pedigrí como sin firma atribuida.
También “hay algo sobre el glamour de finales de los 70 y principios de los 80 que nos hace sentir bien“, dice Hendifar. Una vibración loca, sexy y fresca del libertinaje de la era disco. Como él lo expresa: “… es una especie de Alexis Carrington-Dynasty suite“.
Aquí se muestran, y en todas las habitaciones, obras gráficas de arte contemporáneo, desde esculturas de Robert Moreland hasta pinturas neo-cubistas de Mattea Perrotta.
“Imaginamos esto como un lugar donde podríamos traer piezas que complementen lo que hacemos“, afirma Anderson. Además, también sirve como tarjeta de presentación para lo que consideran el próximo paso de su práctica.
“Estamos interesados en ver a dónde nos lleva este espacio en términos de diseño de interiores“, dice Anderson, explicando que el Studio tiene la mirada puesta en la creación de interiores completos, desde residencias hasta hoteles.
La seducción es la línea que queremos seguir para todas nuestras colecciones.
En Mayo de 2018, la ardiente elegancia del mundo de Apparatus cobró vida en forma de una película que el director creativo Gabriel Hendifar produjo junto con el cineasta Matthew Placek (vídeo).
Creada para reflejar la última colección de Apparatus (Act III), ésta película y sus diseños hacen referencia a los recuerdos de infancia de Hendifar como un estadounidense de 1ª generación (nacido después de la Revolución Islámica en Irán) que escucha historias de un lugar en el que nunca ha vivido.
Una escena poética, una villa futurista ubicada en un sublime paisaje desértico iraní, sirve para que un niño pequeño inter-actúe con los objetos moviéndose por las estancias vacías de la familia, que muestran la última colección.
Su tono soñador y melancólico se ve realzado por la banda sonora de una mujer que canta en farsi (en realidad, la madre de Hendifar, Afsaneh).
“Esta es la primera vez que extraigo la historia cultural personal para apoyar una colección, por lo que ésta colección me resulta muy cercana“, dice Hendifar.
Su conexión con Irán siempre ha sido a través de sus recuerdos teñidos de rosa o ámbar. Recuerdos de un lugar que está suspendido en el tiempo, casi una fantasía. “Esta colección es un intento de crear una conexión tangible con ese lugar, y de imaginarlo con mis propias claves“.
Algo muy diferente pasa con las interacciones que Hendifar tiene como estadounidense, viéndolo como un lugar aterrador donde suceden cosas terribles.
Así, por ejemplo, en el proceso de fabricación de la colección trataron de crear una serie de objetos en Irán, pero se dieron cuenta de que, como entidad estadounidense que son, era algo ilegal.
Ha sido una de las colecciones más gratificantes y difíciles, tanto a nivel personal como por las circunstancias, pero tenía la sensación de que, al final de todo el proceso, de alguna manera me sentiría completo.
De intentar reconciliar los dos mundos surgió el deseo de poblar esos recuerdos con cosas que existen en un espacio de fantasía.
En “Act III“, hay una fusión poética y sofisticada de influencias pan-culturales que se transmiten a través de cada uno de los diseños.
Ese momento eléctrico, donde una cosa se convierte en un sentimiento, eso es lo que realmente nos esforzamos por capturar. La forma de hacerlo es a través de la seducción, y la forma en que seducimos es a través de los materiales.
Ya sea que estemos usando gamuza, alabastro o pelo de caballo, la seducción es la línea que queremos seguir para todas nuestras colecciones.
El trabajo de Apparatus ha sido frecuentemente destacado en importantes publicaciones de estilo de vida, incluyendo la revista AD; Vogue; The World Interiors; T: The New York Times Style Magazine; Wallpaper, y varias ediciones internacionales de AD y Elle Décor.
Apparatus Studio (pág. web).
Fuente (Surface), (Wallpaper) y (AD).
Jeremy Anderson y Gabriel Hendifar de Apparatus Studio y “Talisman 8” Pendant.
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Achille Castiglioni
Adolf Loos
Alessandro Mendini
Alfredo Häberli
Alvar Aalto
Alvaro Catalán de Ocón
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Andy Martin
Antonio Citterio
Apparatus Studio
Arend Groosman
Arik Levy
Arne Jacobsen
Atelier Oï
Atelier Van Lieshout
Autoban
B
BarberOsgerby
Benjamin Graindorge
Benjamin Hubert
Bertjan Pot
Boca do Lobo
C
Carlo Alessi
Carlo Mollino
Carlos Tíscar
Charles Rennie Mackintosh
Charles y Ray Eames
Claesson Koivisto Rune
Claudio Colucci
Curro Claret
D
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Dieter Rams
DimoreStudio
Doriana y Massimiliano Fuksas
Doshi Levien
E
Ed Annink
Edward van Vliet
Eero Aarnio
Eero Saarinen
Eileen Gray
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Enrico Franzolini
Enzo Mari
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F
Fabio Novembre
Färg & Blanche
Federica Capitani
Fernando Mastrangelo
Filippo Mambretti
Finn Juhl
Formafantasma
Francesco Rota
François Bauchet
Frank Gehry
Frank Lloyd Wright
Fredrikson Stallard
G
Gabriella Crespi
Gae Aulenti
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Gio Ponti
Goula Figuera
Greg Lynn
H
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Héctor Serrano
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Hervé Van der Straeten
I
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India Mahdavi
Inga Sempé
J
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Jasper Morrison
Jean Prouvé
Jean Royère
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Konstantin Grcic
Kram-Weisshaar
L
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Lindsey Adelman
Lucas Muñoz Muñoz
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Luigi Colani
Lukas Peet
M
Maarten Baas
Maarten Van Severen
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Marc Thorpe
Marcel Breuer
Marcel Wanders
Marco Acerbis
Marianne Brandt
Marie Christophe
Mario Bellini
Mario Ruíz
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Martino Gamper
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Matteo Thun
Mattia Bonetti
Max Lamb
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Michele de Lucchi
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N
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Neil Poulton
Nendo
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Nika Zupanc
Noé Duchaufour-Lawrance
O
Odosdesign
Oeuffice
Olivier Mourgue
Ora Ïto
OS and OOS
P
Paola Navone
Paolo Lomazzi
Patricia Urquiola
Patrick Jouin
Patrick Naggar
Patrick Norguet
Pedro Friedeberg
Peter Ghyczy
Peter Marino
Philip Michael Wolfson
Philippe Starck
Piero Fornasetti
Piero Lissoni
Pierre Charpin
Pierre Paulin
Piet Hein Eek
Poul Kjaerholm
Q
Quentin de Coster
R
Ricardo Fasanello
Richard Hutten
Richard Sapper
Rick Owens
Rodolfo Bonetto
Rodolfo Dordoni
Ron Arad
Ron Gilad
Ronan & Erwan Bouroullec
Ross Lovegrove
S
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SANAA
Satyendra Pakhalé
Scholten & Baijings
Serge Mouille
Sérgio Rodrigues
Seung-Yong Song
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Simone Simonelli
Snarkitecture
Sori Yanagi
Sou Fujimoto
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Stefano Giovannoni
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T
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Thomas Sandell
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Tom Dixon
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U
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UUfie
V
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Vico Magistretti
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Vincenzo de Cotiis
Vladimir Kagan
Von Pelt
W
Warren Platner
William Plunkett
William Sawaya
X
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Xavier Mañosa
Y
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Yves Béhar
Z
Zaha Hadid
Zanuso
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Álvaro Catalán de Ocón
Álvaro Catalán de Ocón. Diseñador industrial de productos y empresario.
Álvaro Catalán de Ocón (1975, Madrid) empezó en 1995 sus estudios de Gestión y Administración de empresas en la Universidad Complutense de Madrid, licenciándose en 1999.
Después completó su formación estudiando Diseño de productos en el Instituto Europeo di Design de Milán (2000-2001), y más tarde se graduó con honores en la Central St. Martins de Londres (2001-2004).
“Sabía que cuando estudiaba negocios no me interesaba realmente. Pinté e hice esculturas y estaba muy interesado en la arquitectura“.
A raíz del servicio militar, que fue un año de cambio, decidió que seguiría estudiando negocios durante otros dos años más, pero inmediatamente después empezó a estudiar diseño.
De Milán aprendió sobre su vasta cultura de diseño de posguerra, la importancia de la relación entre la marca y el diseñador, y sobre la importancia del concepto y la funcionalidad. Y en Londres entendió como el diseño puede ser una oportunidad para el emprendimiento.
Álvaro Catalán de Ocón diseña muebles, iluminación y accesorios, y su proyecto de tesis “Glow Brick” -un pequeño cubo de resina con una bombilla que estaba destinado a explorar la relación entre escultura y diseño- todavía hoy en día lo fabrica y lo distribuye una firma en el Reino Unido llamada Suck-UK.
“Ese fue el proyecto que me permitió comenzar a hacer mis propias cosas“, comenta el diseñador/empresario en una entrevista de 2015 a la periodista Ana Domínguez, para FvF × Zeit.
Su estética limpia y elemental, que a menudo trasluce sensaciones lúdicas, es a la vez sofisticada y rica en experiencias y asociaciones, lo que le convierte en uno de los más singulares diseñadores del panorama español.
Esta estética limpia, relajada y sencilla se traduce en, por ejemplo, lámparas reduccionistas y evocadoras, en las que una bombilla se enciende al colocarla sobre un soporte, como una vela en un candil.
En 2004, Álvaro Catalán de Ocón abrió su propio Estudio de diseño en Barcelona, donde diseñó la lámpara “La Flaca” -ahora producida y distribuida por Metalarte– y ganadora del Design Plus Award (Frankfurt), y finalista de los premios Delta en Barcelona.
En 2009, se mudó a Madrid, donde también da clases (desde 2009) a estudiantes de tesis en el Laboratorio de Diseño de Producto del Instituto Europeo di Design.
Álvaro Catalán de Ocón produce él mismo la mayor parte de sus diseños desde un antiguo espacio industrial -situado en el oeste de Madrid y que además en el pasado había sido una fábrica de lámparas- transformado en vivienda, estudio y taller (en la primera planta) y almacén (en la planta baja).
“El taller y el estudio ocupan la parte anterior, junto al acceso, y la sala de reuniones y la cocina actúan de elemento de transición”, dice Álvaro.
“Una lámpara Cornucopia junto a la entrada a la vivienda sirve para señalar si se puede acceder o no a la zona privada según esté apagada o encendida”.
En cuanto a sus aficiones Álvaro afirma que ha construido la forma en la que piensa como diseñador alrededor de los libros que le han llamado la atención en un momento dado de su vida.
“Compro muchos libros de arte. En cuanto a la literatura, leo más ensayos que novelas. Estos libros son una referencia continua en mi trabajo… Son una forma de hacer un seguimiento de mis ideas“.
Le gusta todo tipo de música. “Bob Dylan es una gran inspiración para mí… Lo que él hace es tan genuino. Él siempre se está reinventando… y no está tratando de hacer música hermosa. Me identifico con eso”.
“Como diseñador, no estoy particularmente interesado en la comodidad. Creo que un poco de frío y hambre te mantiene alerta y vivo“.
Álvaro Catalán de Ocón se dio a conocer en el panorama internacional del diseño en 2010, cuando su stand -conjunto con su buen amigo y colega Francesco Faccin– ganó el premio del Salone Satellite en Milán.
Su proyecto más conocido es su lámpara “PET” (concebido y desarrollado entre 2011 y 2012), un proyecto todavía en curso que combina el diseño industrial y las técnicas artesanales tradicionales transformando botellas de plástico recicladas en lámparas únicas.
Proyecto, todavía en curso desde 2011-2012, de lámparas “PET” de Álvaro Catalán de Ocón.
Es un proyecto que ha cambiado la forma en que el diseñador se acerca a la vida y al trabajo. “Como diseñador, al principio“, dice, “siempre te concentras en hacer cosas hermosas. Pero la belleza debe ser inherente a cualquier cosa que hagas“.
Para cada lámpara, artesanos de Sudamérica crean -con fibras de palmeras tejidas a mano y botellas de plástico desechadas- lámparas únicas de un contrastante colorido étnico.
Cuenta Álvaro que “en 2011, fui invitado a Colombia para participar en un proyecto para crear conciencia sobre el difícil problema de la eliminación de botellas de plástico en la Amazonía colombiana“.
“Al año siguiente (2012), con el patrocinio de Coca-Cola y la cooperación de Artesanías de Colombia -organización pública cuyo objetivo es mantener viva la artesanía en las comunidades locales- organicé un Taller con la comunidad artesanal de Cauca“.
El cuello de la botella provocó la idea de las lámparas “y un utensilio de bambú pelado que se utiliza en la ceremonia del té japonesa, muy similar a una botella, inspiró la técnica para cortar y tejer el plástico con otras fibras para crear pantallas que siempre son diferentes unas de otras“.
El proyecto se presentó por primera vez en 2013 en la milanesa Galleria Rossana Orlandi, y desde entonces ha sido un éxito creciente que le ha permitido crear la Sociedad de Estudio de Lámpara PET para que el proyecto pueda llegar aún más lejos.
El proyecto se ha vuelto bastante grande y tiene su propia vida. Un esfuerzo social y artístico que continúa evolucionando. Es una forma de conocer gente y de ver el mundo.
“Tenemos una organización aquí en Madrid que ejecuta los tres proyectos que tenemos en Colombia, Chile y Etiopía, y se nos acercan diferentes organizaciones y personas interesadas en desarrollar sus propios proyectos en otros países“.
En dos años se han vendido 4000 lámparas de la colección que se hace en Colombia. “La experiencia en Colombia me hizo darme cuenta del potencial de este proyecto, que es tanto social como cultural, y una oportunidad para establecer una micro-empresa, a partir de la cual las comunidades locales puedan beneficiarse económicamente“, comenta el diseñador.
“Los artesanos de cada país hacen las pantallas que se ensamblan y cablean en mi estudio de Madrid, donde siete empleados dedican el 70% de su tiempo al proyecto de la lámpara “PET”, y luego las lámparas se distribuyen por todo el mundo“.
El público comprenden de forma retrospectiva la historia de sus creaciones, que “son el producto de un objeto industrial global (la botella de plástico, que tiene una vida útil muy corta) con la habilidad detrás de una producción textil tradicional con fuertes raíces locales“.
“La mayoría de la gente compra las lámparas porque les gusta el diseño, y solo más tarde se dan cuenta de que hay una botella dentro“.
Álvaro Catalán de Ocón y sus colaboradores explican a cada comunidad local el proceso de fabricación, y éstas interpretan el concepto de manera individual. “Proporcionamos inspiración sin imponer instrucciones precisas… y ellos a su vez nos muestran sus técnicas“.
“Después de Colombia, replicamos el proyecto en Chile, donde los artesanos utilizaron el mimbre. Luego nos mudamos a Addis Abada, en Etiopía, donde trabajamos con una comunidad de mujeres. El diseño de la lámpara se modificó nuevamente para adaptarse a su técnica de tejido en espiral“.
“Luego pasé tres semanas en Kyoto, en Japón, donde un periodista nos invitó a trabajar con artesanos locales de bambú“. Éstas lámparas fueron expuestas en The FAB Mind en 21_21 Design Sight de Tokio (2014).
“Creo que los diseñadores no deben tener necesariamente un estilo de firma, sino que deben tener un método de trabajo“.
Álvaro dice que: “Mi generación de diseñadores estamos un poco abrumados por la cantidad de cosas que se producen en estos días y por lo mucho que ya se ha hecho. Mi preocupación cuando diseño otra silla u otra lámpara es: ¿debería existir realmente?“.
El proyecto de lámpara “PET” ha sido respaldado con reconocimientos como el premio CODESPA en la categoría de mejor PYME (pequeñas y medianas empresas, 2013); nominaciones al Mejor Producto del Año del London Design Museum (2013), y una nominación para el Delta Award (2014).
El trabajo de Álvaro Catalán de Ocón ha recibido numerosos premios y nominaciones y se ha presentado en varias instituciones, museos y galerías de todo el mundo, que incluyen, entre otros:
La Feria de muebles de gama alta y contemporánea ICFF, Nueva York (2005), y en la ya desaparecida Galería OA de Madrid (2010).
David Gill Galleries, Miami Art Basel (2011); “Spain Alight” en la Semana de Diseño de Tokio (2011); en la tienda de diseño de interiores Mint, Londres (2012); ShowMe Gallery, Portugal (2013), y “Fuera de Serie” en Madrid CentroCentro (2013).
La Galleria Rossana Orlandi, Milán (2011-2014); el premio AD al Mejor Estudio de Diseño Emergente (2014); la exposición “Waterweavers“, Nueva York, Madrid y Washington (2014-2015).
La anteriormente mencionada exposición “The FAB Mind en 21_21 Design Sight“, Tokyo (2014); la exposición individual “Double Game” en la Galería Muñoz-Machado, Madrid (2015), y una nominación para el Premio Alemán de Diseño (2015).
También ha comisariado varias exposiciones, incluida la exposición en 2010: Helsinki-Madrid FINDESIGN / FIN LAND MES (Semana del Diseño Finlandés en el Centro de creación contemporánea Matadero Madrid), co-curada con Pedro Feduchi y Kari Korkman.
Hoy en día combina su trabajo como docente con proyectos en diferentes empresas y con la auto-producción de algunos de sus diseños, como la silla “Home / Office“, donde interpreta la icónica silla de aluminio de Charles y Ray Eames, (1958) -producida en Europa por Vitra– con bordados de flores perfectamente ejecutados por una señora búlgara que vive en Madrid.
El punto de partida de éste diseño/intervención está muy vinculado al concepto de la lámpara “PET“, pero aquí toma un giro casi iconoclasta al añadir los bordados que transforman un mueble de oficina serio en algo relajado y amable.
“¡Hasta el punto de que ganó la aprobación del propietario de Vitra, que incluyó mi versión de la famosa silla en su gama!“, dice el diseñador.
Álvaro Catalán de Ocón (pág. web).
Fuente (FvF × Zeit).
Álvaro Catalán de Ocón y su silla “Hogar/Oficina“, una interpretación de la icónica silla de aluminio de Charles y Ray Eames (1958) producida por Vitra.
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Achille Castiglioni
Adolf Loos
Alessandro Mendini
Alfredo Häberli
Alvar Aalto
Andrea Branzi
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Andreu Carulla
Andy Martin
Antonio Citterio
Arend Groosman
Arik Levy
Arne Jacobsen
Atelier Oï
Atelier Van Lieshout
Autoban
B
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Benjamin Hubert
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Boca do Lobo
C
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Carlo Mollino
Carlos Tíscar
Charles Rennie Mackintosh
Charles y Ray Eames
Claesson Koivisto Rune
Claudio Colucci
Curro Claret
D
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Dieter Rams
DimoreStudio
Doriana y Massimiliano Fuksas
Doshi Levien
E
Ed Annink
Edward van Vliet
Eero Aarnio
Eero Saarinen
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Elena Manferdini
Elisabeth Garouste
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Enzo Mari
Ettore Sottsass
F
Fabio Novembre
Färg & Blanche
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Finn Juhl
Formafantasma
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Frank Lloyd Wright
Fredrikson Stallard
G
Gabriella Crespi
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Jaime Hayón
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Jean Prouvé
Jean Royère
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L
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Ludovica y Roberto Palomba
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Michele de Lucchi
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N
Nacho Carbonell
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Nigel Coates
Nika Zupanc
Noé Duchaufour-Lawrance
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Odosdesign
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Ora Ïto
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Paola Navone
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R
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Luigi Colani
Luigi Colani. Escultor, pintor, ingeniero de vuelo, urbanista, diseñador industrial y técnico.
Luigi Colani (1928, Berlín, Alemania) es un diseñador industrial de madre polaca y de ascendencia kurda por parte de padre.
A pesar de los orígenes de su padre -que trabajó como arquitecto de cine- éste nació en Madulain (cerca de St. Moritz, en el este de Suiza).
Sus diseños poco convencionales lo han hecho famoso en todo el mundo, no sólo en los círculos de diseño, sino también entre el público general.
Sería interminable mencionar los sectores y materias en los que Colani ha participado y demostrado su creatividad, sobre todo en el sector de la automoción.
En 1946 Luigi Colani estudió escultura y pintura en la Academia de las Artes de Berlín, y en 1948 realizó un curso de aerodinámica en La Sorbona de París.
Después de que en 1952 completara sus estudios en ésta Universidad, en 1953 se fue a California donde fue jefe -como experto en aerodinámica- del grupo de Proyectos de nuevos materiales en McDonnell Douglas.
Pero realmente su amplia carrera comenzó un año después cuando regresó a Europa, donde formó uno de los equipos más exitosos de Alemania diseñando automóviles para compañías como Fiat; Alpha Romeo; Lancia; Volkswagen y BMW.
Ese mismo año recibió en Ginebra (Suiza) el premio internacional Golden Rose (1954) por el diseño para la carrocería especial de Fiat.
Nacido como Lutz Colani, en 1957 dejó de utilizar su nombre de pila (Lutz) y a partir de ese año se hará llamar Luigi.
En 1958, realiza el diseño de un catamarán de carreras que fue un éxito en Hawai, y al año siguiente (1959) presentó el primer automóvil deportivo monocasco del mundo: el BMW 700.
Y en 1960 presentó el primer coche del mundo con un kit en serie, el Colani GT, del que vendió 1.700 copias.
En la década de 1960, su rango de diseño se amplió a los muebles, y en 1963 hizo una versión de hucha elefante “Piggy Bank Elefant”.
En 1965, alcanza un gran éxito en todo el mundo con diseños de mobiliario para Asko; Fritz-Hansen; Cor; Kusch+Co.
También se hizo famoso con el rediseño de “Abarth” de Alfa Romeo, tomando elementos de versiones no exitosas del “Abarth 1000 GT Coupé” y que se mostró en 1966 en el IAA de Frankfurt.
A partir de la década de 1970, se expandió aún más en áreas que van desde objetos domésticos y artículos para el hogar (con cocinas), accesorios (bolígrafos) y electrodomésticos (televisores) en incluso ropa (uniformes) y vehículos de transporte pesado (camiones).
Así en 1972, había desarrollado una reputación y unos ingresos suficientes para establecer un Estudio con un importante equipo de diseño en Harkotten Castle, cerca de Sassenberg, Alemania.
El Estudio tubo un éxito enorme, con trabajo y exposiciones en todo el mundo, realizando proyectos para muchas empresas importantes como Villeroy and Boch; Rosenthal; Thyssen; Pelikan y Boeing.
Y mientras tanto continuó con sus innovaciones en el diseño de automóviles, incluyendo su diseño del “Eifelland Formula Uno“.
Pero no todos sus diseños fueron exitosos y entre ellos están el desarrollo de su primer diseño aerodinámico de camiones, según él, “fue una respuesta directa a la crisis mundial del petróleo”, que pasó inadvertido.
En 1973, realizó su primer viaje al Lejano Oriente, durante el cual compradores japoneses reconocieron su potencial por lo que recibió numerosas invitaciones de distintas empresas para establecer un Centro de Diseño Colani en Japón.
Durante esta década, la tetera “Drop” que diseñó para Rosenthal, un líder mundial en porcelana, fue adquirida para la colección permanente del Museo Cooper-Hewitt de Nueva York.
Posteriormente, en 1999, Rosenthal volvería a sacar una edición especial de su ahora famoso diseño.
Es en 1976 cuando se le asigna la tarea de diseñar el “Fanliner RFB“, el primer avión deportivo de plástico con un motor rotatorio.
En 1978, sus revolucionarios estudios de camiones, aviones, coches y barcos habían comenzado a verse con frecuencia en exposiciones de todo el mundo.
En la década de los años 80 Colani continuó con su interés por economizar en el consumo de combustible y logró definitivamente abrirse camino en Asia, logrando ser contratado por varias compañías como Sony; Yamaha; Seiko; Hitachi Nissan y Canon.
En 1981, estableció un récord mundial de economía de combustible con el “Colani 2CV ” de cuatro plazas (basado en el francés “Citroën 2CV “) que consumía sólo 1,7 litros de gasolina por cada 100 km.
Y a partir de 1982 también aceptó ser profesor en varias universidades de Japón y Alemania.
En 1984, desarrolló para Canon, los prototipos de cámara “5 Systems”, siendo elegido como el mejor diseñador industrial en Japón en la Exposición de Otaru por su proyector de 60 m.
Dos diseños de Luigi Colani: “The Frog” (1973), estudio aerodinámico para una motocicleta, y una de las cámaras fotográficas que diseñó para Canon.
En The International Science Technology Exposition (1985), que fue una Feria Mundial celebrada en Tsukuba (Ibaraki, Japón) el Pabellón diseñado por Colani fue el más concurrido de toda la exposición internacional.
También ese año dio a conocer su avión de propulsión con dos hélices -propulsores supersónicos de aceleración centrípeta- lo que era una nueva idea… pero que nunca resultó aeronavegable.
En 1986, una de sus motos estableció un récord mundial en Italia. Ese año, fundó Colani Design Bern en Suiza, y recibió el Premio Cámara de Oro por la “Canon T90“.
En 1987, continúa mostrando sus diseños en exposiciones internacionales, incluyendo una exposición en el Georges Pompidou de París.
Mientras, sus diseños automotrices continuaron en Japón para Mazda, pero también realizó el diseño de objetos más manejables y asequibles como la pluma para Pelikan A.G. (Alemania).
En 1988, abre sus oficinas de Toulouse y Bremen, además de ser nombrado profesor en la Universidad de las Artes de esta última ciudad, en Alemania.
Mientras tanto se preparaba a gran escala para establecer nuevos récords de velocidad en los registros mundiales de tierra, agua y aire en Utah. Y en 1989 creó Colani Trading AG en Zúrich (Suiza).
Los años 90 trajeron más exposiciones y más diseños. Montó una exposición en el Centro Internacional del automóvil en París, y en 1993 realizó exposiciones a través de toda Suiza.
En 1991, diseñó un marco óptico y una colección de joyas, además de fijar el récord para un diseño de Ferrari, especialmente diseñado para Bonneville, el desierto salado de los records.
El Salar de Bonneville (Bonneville Salt Flats) es un desierto de sal de 260 km2, ubicado cerca del poblado de Wendover en el estado de Utah, en Estados Unidos.
En 1991 diseña los nuevos uniformes para la tripulación de la compañía aérea Swissair, y también empieza a desarrollar ideas inspiradoras para la NASA.
Realiza, en 1993, el diseño de mobiliario de oficina para Grahl (Michigan, EE.UU.). Y en 1996, dentro de sus diseños de instrumentos musicales, destaca el llamativo piano de cola usado por el cantante y compositor Prince, fabricado y vendido por la compañía Schimmel.
En 1997, realiza un diseño de botella de agua para Carolinen-Brunnen (Alemania) que fue expuesta en una exhibición itinerante por más de 30 centros comerciales de todo el país.
Sus diseños continuaron en el año 2000 con el modelo de arquitectura “Human-City” para MW Energie AG en Mannheim (Alemania) y posteriormente desarrolló, para algunos constructores de prefabricados alemanes, un diseño de casa experimental para Hanse-Haus.
En 2001 diseñó, desde su oficina de Shanghai, nuevos marcos ópticos que fueron presentados en espectáculos de Milán, París y Las Vegas, y también un nuevo microscopio y una cámara fotográfica para Seagull.
Luigi Colani inauguró, en Abril de 2002, un Centro de diseño en Karlsruhe (Alemania) que incluía un gran centro de investigación, y también abrió un museo de diseño líder en el mundo, la Pinacoteca de Arte Moderno de Múnich (Alemania), que presentaba varios diseños de Colani.
En el diseño de envases, creó un nuevo diseño de botella para la empresa suiza de agua mineral Valser (adquirida por Coca-Cola en ese año).
En 2003, diseñó el avión “HPA TT62” y re-diseño los uniformes para el Departamento de Policía de Hamburgo, que más tarde fueron adoptados por toda la Policía de Alemania.
En 2004, emprendió un proyecto de Vida a bordo para los coches de la marca Volvo, y creó un diseño futurista para un coche llamado el tiburón de Speedster.
Continuó con sus grandes diseños para un super-camión, esta vez para Spitzer Silo-Fahrzeugwerke GmbH, y el resultado fue presentado en el IAA de Hannover (Alemania).
Desde el 2004 al 2007 tubo lugar la exposición retrospectiva de su obra “COLANI – Das Lebenswerk / COLANI – El trabajo de una vida” en el salón Nancy del Centro de Congresos de Karlsruhe, donde se exhibió -entre otros- su famoso BMW 700.
De 2005 a 2006, completó una serie de 140 esculturas de atletas para los Juegos Olímpicos de Pekín, y participó en el evento “Alemania en Japón” con el nombre de “Colani Back in Japan“, que tubo lugar en el Museo de Arte y Diseño, adscrito al Instituto Tecnológico de Kyoto.
Además de todo esto también realizó un estudio para un robot con forma de bebé.
En 2009 se presentó en el Nowa Zukunftsmesse de Marburg (Alemania) el primer modelo de la serie de ordenadores de lujo AGOS, Opus Magnum.
En ese mismo año 2009, terminó su increíble y fastuosa “Villa Colani” en una zona tranquila y segura de Nova Santa Ponsa, en Mallorca (España).
La mansión con espectaculares vistas al mar cuenta con un área de 994 metros cuadrados, que incluye más de 114 metros cuadrados de oro de 24 quilates que se utilizaron en las piscinas y la casa; además de figuras de oro y candelabros de cristal y muchas pinturas de artistas famosos.
“Sportscar C 112” (1970) de Luigi Colani.
Luigi Colani ha sido premiado numerosas veces y también muy alabado, pero también repudiado y criticado por su enfoque poco convencional.
Algunos de sus diseños de vehículos son muy poco utilitarios, por lo cual muchos de sus diseños siguen siendo conceptuales, lo que le ha dejado en gran medida fuera de la corriente principal del diseño industrial.
La característica principal de sus diseños son sus formas redondeadas y orgánicas, definidas por él mismo bajo el término “Biodinámico o Biodesign“, reivindicando así una ergonomía superior a la aplicada tradicionalmente.
“La tierra es redonda, todos los cuerpos celestes también lo son; todos se mueven en órbitas circulares o elípticas. Esta misma imagen, es la de un globo circular formado por mini mundos que se orbitan unos a otros como si tratasen de microcosmos“, reconoce Colani.
Él incide además que “nos despertamos incluso en presencia de formas redondas relacionadas con el erotismo y la propagación de la especie. ¿Por qué debo unirme a la desviación de la masa que quiere hacer todo angular? Voy a seguir la filosofía de Galileo Galilei. ¡Mi mundo, también es redondo!“.
Como dato curioso a reseñar, Luigi Colani fue presentador y orador invitado en el Foro Económico Mundial 2004 en Davos (Suiza).
Una de las últimas muestras que tubo como protagonista al excéntrico diseñador fue en la Trienal de Milán, en el barrio de Bovisa, que presentó “El futuro se muestra en Milan. Colani, biodesign codex show“.
Desde el 21 de Septiembre de 2011 al 8 de Enero de 2012 tubo lugar esta retrospectiva que se realizó en la Triennale Bovisa Milano (Italia), dedicada al arte contemporáneo, donde se presentaron los miles de proyectos, diseños, invenciones, prototipos y modelos de tamaño natural concebidos por el artista.
Las más de mil obras, diseños e instalaciones que Colani ha producido en los más de 60 años de trayectoria profesional forman la colección más grande jamás realizada por un solo artista con sus propias manos y sin la ayuda de ordenadores.
Esta exposición fue como hacer un viaje en el tiempo de su metodología evolutiva, donde arte y naturaleza se fusionan con la ciencia.
Aquí se exhibía el trabajo del que se puede considerar un gurú y pionero del diseño ecológico -el biodiseño- que genera formas cambiantes interpretando las formas de la naturaleza, y conectando naturaleza con humanidad.
Ya en la década de 1960 hacía campaña para ahorrar energía, reducir el consumo y utilizar recursos energéticos alternativos.
Dentro del recinto ferial, en la galería interior de 800 m², se instalaron una selección de diseños conceptuales y elementos de diversas escalas, desde sillas hasta cúpulas geodésicas.
Y en el área exterior, en un espacio al aire libre de 1.500 m² (y también en lugares monumentales de la ciudad de Milán) se exhibieron objetos adicionales dispersos que mostraban la diversidad de formas de sus proyectos automotrices, siempre con un enfoque aerodinámico.
Luigi Colani piensa radicalmente y con visión de futuro. Afirma que “…necesitamos un verdadero cambio repentino. La humanidad simplemente debe volver a sus orígenes y volver a la naturaleza“.
“Tenemos que ser parte de la naturaleza en sí, no solo consumirla: Biodesign nos muestra cómo vivir en armonía y en paz con la naturaleza. Podemos aprender a proteger lo que sabemos y amamos“.
Actualmente Luigi Colani reside entre Shangai (China) y Karlsruhe (Alemania). También su hijo Solon Luigi Lutz , que vive en Berlín, trabaja como diseñador.
Luigi Colani (pág. web).
Luigi Colani sobre el Ferrari “Testa d’Oro”, que en 1989 alcanzó el récord mundial de velocidad en su clase (351 km/h.) y la silla Alien (1968).
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Adolf Loos
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B
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C
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Carlo Mollino
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Charles Rennie Mackintosh
Charles y Ray Eames
Claesson Koivisto Rune
Claudio Colucci
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D
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Doshi Levien
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Färg & Blanche
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Fernando Mastrangelo
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G
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H
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I
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India Mahdavi
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J
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Jean Prouvé
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Kram-Weisshaar
L
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Luigi Colani
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Maarten Van Severen
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O
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Ora Ïto
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R
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S
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X
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Kram-Weisshaar
Kram-Weisshaar. Estudio de diseño de vanguardia digital y multidisciplinar.
El trabajo del Estudio de diseño Kram-Weisshaar, fundado en 2002 por el diseñador alemán Clemens Weisshaar y el diseñador estadounidense Reed Kram, re-definen el diseño de vanguardia.
Clemens Weisshaar (1977, Munich, Alemania) después de un aprendizaje como trabajador del metal, estudió diseño de producto en la Escuela de Arte y Diseño Central Saint Martins y el Royal College of Art, ambas escuelas en Londres.
Después de tres años como asistente de Konstantin Grcic fundó su propia oficina de diseño en el año 2000, que trabajaba en proyectos que van desde consultoría estratégica sobre arquitectura de exhibición hasta diseño de producto.
Por ejemplo, consultaba a la firma de investigación Office for Metropolitan Architecture (OMA) de Rem Koolhaas en temas relacionados con el diseño industrial.
Clemens Weisshaar trabaja y vive en Munich y Estocolmo.
En 2002, Clemens Weisshaar y Reed Kram (1971, Columbus, Ohio, EE.UU.) fundaron la oficina Kram-Weisshaar como una plataforma para integrar los esfuerzos multidisciplinares.
Reed Kram, que también vive y trabaja en Munich y Estocolmo.
Estudió en la Duke University (una universidad privada de investigación ubicada en Durham, Carolina del Norte, EE.UU.) y estudió diseño en el innovador MIT Media Lab, donde co-fundó el Grupo de Estética y Computación del Laboratorio de Medios liderado por John Maeda.
También asistió a la Escuela de Postgrado de Harvard, y en 1998 ganó la Beca Fulbright de Arte y Diseño para los Países Bajos.
Desde su primer trabajo ha explorado la integración de intermedios activos y entornos en comisiones que abarcan el rendimiento de los medios, juegos electrónicos, gráficos en movimiento, instalaciones de vídeo y diseño.
El trabajo de Weisshaar-Kram se centra en la intersección entre el diseño y la tecnología, entre lo digital y lo físico, siempre comprometido con el “diseño de re-diseño” (Arch + magazine).
Al estudio Kram-Weisshaar se los conoce como “la vanguardia de la próxima generación de diseñadores digitales” (revista FORM) y sus proyectos abarcan desde el desarrollo de software hasta el diseño de procesos, desde el diseño del producto hasta la arquitectura.
Algunas de las comisiones de Kram-Weishaar incluyen el concepto, diseño y ejecución de instalaciones y dispositivos de medios para por ejemplo la tienda de PRADA en Beverly Hills, California.
Una instalación interactiva para el Center Georges Pompidou en París; herramientas de visualización de datos para el grupo BMW y PWC (PriceWaterhouseCoopers).
Un plan maestro y arquitectura de exposición para “The Design Annual” en Frankfurt (Alemania); interfaces de conmutación para The Merten Company y mobiliario para Moroso y Classicon.
El trabajo del dúo Kram-Weisshaar.
En el trabajo del dúo de diseñadores destaca, entre otros intereses, cómo investigan democratizar el acceso a la maquinaria industrial costosa.
“¿Cómo diseñamos herramientas que nos ayudan a tener un contacto mucho más estrecho con la maquinaria?” dice Weisshaar.
Así “Outrace“, era una instalación -dentro del London Design Festival de 2010- que comprendía seis brazos robóticos industriales que los visitantes podían programar para escribir mensajes ligeros en el aire.
“Queríamos entregar el control de estas máquinas masivas al público. Podrían enviar un mensaje a los robots por SMS o correo electrónico y los robots dibujarían su mensaje. Después, 36 cámaras alrededor del pedestal grababan esas letras y al reproducir esas imágenes se revelaba el mensaje“.
El proceso “Multithread” (2012), adaptaba su articulación para formas asimétricas agregando soporte donde era necesario, girando la articulación y/o aumentando su masa.
Originalmente creado como una instalación para la Galería Nilufar de Milán, “Multithread” formó parte de la exposición “Adhocracy” en la Istanbul Design Biennial 2012.
El curador de la exposición Joseph Grima declaró a la revista Dezeen que las nuevas tecnologías están causando una “revolución cultural” que podría transformar cómo se ven y cómo se hacen los objetos (la fabricación).
El diseño de cada pieza de muebles “Multithread” comienza con un conjunto de superficies horizontales ubicadas en el espacio: mesa, estante, escritorio, etc., y se define una red de barras de conexión finas para soportar estas superficies.
Luego, un software personalizado creado por los diseñadores Kram-Weisshaar analiza, modifica y pinta la estructura en función de las fuerzas que pasan por ella. La forma y el color final de cada articulación es una representación directa de la energía que admite.
El software genera un conjunto completo de planos digitales para los tubos y uniones de conexión que posteriormente se imprimen en 3D con la última tecnología de impresión de metal: Selective Laser Melting (SLM).
Estos se entregan luego a un equipo de 21 maestros artesanos que unen las partes y aplican colores al marco de acuerdo con los cálculos de elementos finitos generados por computadora. Cada articulación está personalizada para ilustrar las fuerzas que actúan dentro de ella.
“Robochop” (2015), permitió a cualquier persona con un teléfono inteligente, ordenador o tableta tener acceso a un brazo robótico industrial para esculpir un bloque de espuma con un cortador de alambre y utilizando una interfaz 3D.
“Con Robochop fue la primera vez que dijimos: hagamos objetos, hagamos que la gente realmente diseñe cosas“, dice Weisshaar.
Y agrega: “Alguien de la industria verá esto como una demostración tecnológica perfecta de lo que es la Industria 4.0. Usted tiene una orden del usuario, entrega una especificación a través de Internet a una planta industrial y finalmente la envía al cliente“.
Sin embargo, Weisshaar dice que el proyecto también destaca los peligros potenciales de conectar robots industriales a internet.
En la Vienna Design Week del 2016, Weisshaar exploró el concepto de Industria 4.0, un término acuñado en 2014 por líderes de la industria alemana para describir la producción industrial de redes.
“Industry 4.0 es en realidad una invención alemana“, explica Weisshaar.
“Describe lo que sucede cuando se conectan las máquinas a las cadenas de suministro y todo lo demás. Es la industria del futuro: máquinas conectadas entre sí que interactúan con personas y otras máquinas. La versión civil se llama Internet de las cosas. La versión industrial es Industria 4.0 “.
“Robochop” (2015) y Table “SmartSlab” en Milan Design Week (2016).
Así por ejemplo, la mesa de comedor “SmartSlab“, de Kram-Weisshaar (presentada en la Milan Design Week 2016) tiene tecnología oculta para cocinar y refrescar bebidas.
Weisshaar dice que gran parte de su trabajo, que realiza junto con su colega diseñador Reed Kram, explora las posibilidades de estos avances en la producción industrial.
Kram-Weisshaar comentaron que si bien en los últimos años las actitudes hacia la comida habían cambiado radicalmente, no había sido así en el diseño de las cocinas.
Están las cocinas hechas de unidades modulares, que condujeron al desarrollo de la cocina equipada, y “… están las cocinas elegantes que son monolíticas y son sólo demostraciones de poder adquisitivo“.
“En los años 70 y 80 hubo un par de intentos, como Joe Colombo convirtiendo la cocina en un carro móvil que se puede llevar a cualquier parte, pero en las últimas dos décadas no se ha intentado repensar la cocina“.
Las mesas “SmartSlab” se han desarrollado para probar el concepto de: en lugar de ser un producto arquitectónico, que sea un producto de mobiliario, de ahí que presente una tapa de cerámica súper delgada hecha de SapienStone.
Una mesa delgada como una navaja con circuitos ocultos para que pueda preparar la cena y mantener los platos calientes y bebidas frías mientras se cena. “… Pensamos que podría ser mucho más una hoja en lugar de un volumen, y la mesa lo demuestra“.
Los proyectos del Kram-Weisshaar incluyen “Picó Blitz“, un sistema de sonido (un altavoz móvil) que reemplaza el recubrimiento de tela habitual por una superficie reflectante y flexible hecha de una lámina fina de papel de aluminio que distorsionan los reflejos de los bailarines al ritmo de la música.
“A medida que la música se reproduce, ritmos colosales e imágenes vibrantes se combinan para crear una experiencia interactiva embriagadora“, declaró el dúo Kram-Weisshaar.
La instalación se creó para Plusdesign Gallery en Milán, como parte de su exposición del “Proyecto Picós” de sistemas de sonido colombianos.
La exposición se inauguró el 13 de febrero de 2016 coincidiendo con Festivale Musicale Sonido Classics, un evento de 12 horas de duración que celebra la cultura de la calle.
Este sistema de sonido cubierto utiliza vibraciones de audio para distorsionar las reflexiones de los oyentes.
Kram-Weisshaar trabaja también con la empresa EWO, una empresa de iluminación con sede en el Tirol italiano, para desarrollar sistemas inteligentes de alumbrado público que puedan detectar autos y peatones, y así ajustar el encendido de luz cuando se necesite.
“Añadimos un poco de inteligencia a este sistema. Básicamente es una pequeño ordenador que es capaz de entender lo que sucede debajo del poste sobre el que está montada la lámpara. Si no hay nadie debajo, no se necesita una farola“.
El trabajo de Kram-Weisshaar forma parte de las colecciones permanentes de Die Neue Sammlung (Munich); el Vitra Design Museum en Weil am Rhein y el Centro Georges Pompidou de París.
Kram-Weisshaar (pág. web).
Fuente: (Dezeen).
Kram-Weisshaar y pieza de la colección “Multithread” (2012), muebles impresos en 3D y diseñados utilizando una aplicación de software.
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A
Achille Castiglioni
Adolf Loos
Alessandro Mendini
Alfredo Häberli
Alvar Aalto
Andrea Branzi
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Andreu Carulla
Andy Martin
Antonio Citterio
Arend Groosman
Arik Levy
Arne Jacobsen
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Bertjan Pot
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Tomita Kazuhiko
Tomita Kazuhiko. Diseñador industrial y de producto.
Tomita Kazuhiko (1965, Nagasaki, Japón) se describe a sí mismo como un nómada errante entre el Este y el Oeste, y su trayectoria profesional y biográfica no hace más que confirmar esta teoría.
Como diseñador es capaz de construir nuevas marcas o de darles un nuevo giro, al aplicar su experiencia creativa en varios campos, desde el diseño gráfico hasta la arquitectura.
Tomita Kazuhiko estudió diseño industrial en la Universidad de Chiba en Japón (1989).
Posteriormente, en la década de 1990, gracias a una beca de Cassina & British Council, estudió diseño de muebles en el Royal College of Arts de Londres, donde se graduó en 1992.
Éste mismo año (1992) se mudó a la ciudad que es la meca del diseño industrial: Milán.
En 1993 diseñó la línea “Stars” de productos cerámicos en colaboración con Alessandro Mendini y Ettore Sottsass.
También en 1993 fundó el Studio 2.5-Dimensional Design (Milán) -que después se convertiría en Tomitadesign– empezando a presentar sus colecciones en ferias internacionales.
En el año 2000, se convirtió en director de Arte de la compañía COVO, y en este contexto, diseñó también la COVO Shop en la ciudad de Roma.
COVO, una marca con un ADN completamente italiano y raíces internacionales, combina elegancia con simplicidad, tradición y contemporaneidad, y clasicismo con diseño vanguardista.
En 2001 creó la colección de artículos de mesa “Rim” para Rörstrand, empresa de porcelana en Kungsholmen (Estocolmo, Suecia), junto con Vico Magistretti.<
Tomita Kazuhiko fue nombrado director de Arte de NUSSHA París en 2004, y desde entonces ha trabajado con varios fabricantes más, incluida por ejemplo, la empresa italiana Moroso.
Las creaciones de Tomita Kazuhiko son lúdicas, pero a la vez prácticas.
Con una mirada cuidadosa y sensible que combina armoniosamente forma y contenido promueve, sin sacrificar nada a la funcionalidad, la investigación y la experimentación que va desde el uso hábil de los materiales hasta la selección previsora de productores internacionales.
Su universo se encuadra dentro del arte y del estilo de vida tradicional japonés a la vez que convive con el concepto europeo de lo moderno. Sus ideas asumen el mismo objetivo, hacer artículos destinados a un uso global y prolongado que dure toda la vida.
Un factor de enlace entre todas sus creaciones es la simplicidad, pues para él éste es un factor muy importante, pero no la simplicidad llevada al minimalismo entendido como lo hacía la Bauhaus.
Para Tomita Kazuhiko la reducción a lo que es importante y esencial es una característica del shintoismo japonés, donde según su teoría los objetos inanimados también contienen energía espiritual.
Así por ejemplo, la colección de mesas de sobremesa”UkiYo” (2006-2007) para Moroso, realizadas en resina de poliéster co-moldeada, están decoradas con los patrones utilizados en los kimonos tradicionales e inspirados en Ukiyo, un movimiento cultural japonés del siglo XVIII.
Relacionado con el realismo sintoísta, que establece que nada puede permanecer sin cambios durante mucho tiempo, la filosofía de este movimiento (Ukiyo) vive cada momento al máximo como una forma, curiosamente, de alcanzar la vida eterna.
Desde esta perspectiva, la floración se convierte en el período anual más alegre y radiante, donde se extiende por todas partes la máxima cantidad de energía. Sin embargo, nadie puede decir si la flor recién florecida seguirá viva un momento después.
Las tapas o sobres de estas mesitas -con finísimas patas de acero tubular acabado en polvo RAL 3003 rojo brillante- se pueden invertir y utilizar como bandejas.
Su trabajo se ha exhibido a nivel mundial, en ciudades como Tokio (exposición individual “2.5-Dimensional Design“, Ozone Gallery, 1999); en Jerusalén (“FUSION: Arquitectura + Diseño en Japón“, 2002, Museo de Israel); Nueva York (Exposición “COVO”, 2002, galería Totem SOHO) o en Milán (“RE-FUSION”, 2003).
También sus productos han entrado en los museos para quedarse, como los productos que diseñó para la marca Essential, que se han integrado en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Tomita Kazuhiko es profesor visitante en Diseño Industrial en la Universidad de Roma.
Y ha ganado numerosos premios internacionales a lo largo de su carrera, como por ejemplo el primer premio en el concurso “El futuro arquitectónico del acero inoxidable” (Londres, 1991) por Sir Noman Foster.
El Marchette Award Gold, RCA, (Londres, 1993); Distinción G-mark / Good Design Award (1998), Departamento de pequeñas y medianas empresas, JIDPO (Tokio), y The International Design Yearbook (1998 y 2002), Londres.
Tomita Kazuhiko (pág. web).
Tomita Kazuhiko y mesa de sobremesa”UkiYo” (2006-2007) para Moroso.
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Adolf Loos
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C
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Claudio Colucci
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Curro Claret
Curro Claret. Diseñador industrial freelance y profesor de diseño.
Curro Claret (1968, Barcelona, España) estudió diseño industrial en la Escuela de Diseño Superior Elisava de Barcelona, y amplió su formación -pero no la finalizó- en la Central St. Martins de Londres.
A su regreso a Barcelona trabajó en varias actividades relacionadas más o menos con el diseño. Como él mismo reconoce “¿Hay algún trabajo que no esté relacionado con el diseño?“.
El trabajo más sorprendente fue el de una fábrica de piezas de automóviles, donde los trabajadores permanecen todo el día frente a una máquina prácticamente sin moverse, repitiendo el mismo gesto una y otra vez.
En 1998 comenzó su trabajo freelance, y desde entonces ha estado trabajando en una variedad de proyectos diferentes (objetos pequeños, objetos grandes, instalaciones, diseño de interiores, eventos, sucesos…).
“Todos estos diseños se hicieron para mi familia, amigos, galerías, instituciones, fundaciones, la ciudad de Barcelona, la Generalitat de Catalunya, pequeñas empresas, medianas empresas y algunas grandes empresas“.
Durante estos años de trabajo independiente ha estado trabajando como profesor de diseño industrial, principalmente en la Escuela Elisava y, ocasionalmente, en otros centros españoles y también en otros países.
En la actualidad, Claret forma parte de la junta directiva de FAD (Foment de les Arts i el Disseny).
Curro Claret empezó en esto del diseño porque quería ser como Mariscal.
“Mariscal era conocido… y caía simpático. Un tipo divertido que hacía cosas simpáticas, atrevidas y un poco gamberras… y encima entonces ganaba mucho dinero“.
Y eso para un joven como Claret era muy atractivo. “Mariscal ha dejado huella en todos nosotros“.
Lejos del estrellato, el trabajo del diseñador es a menudo una herramienta para generar el proceso de inclusión, colaboración y co-diseño con comunidades que se encuentran en una situación socialmente frágil.
En lo personal reconoce que no tiene coche, no tiene hijos ni hipoteca, vive en el piso de su novia y, aun así, hay meses que le cuesta llegar a fin de mes.
“Sí, vivo en una incertidumbre económica, como tantas muchas personas, y mirando con lupa los gastos. Yo me aprovecho de unas circunstancias que son poco habituales entre mis colegas de profesión. Si tuviera una familia, no podría hacer lo que hago ahora“.
En una entrevista en Mayo de 2016 a Luis Miguel Marco para El Periódico de Catalunya, el periodista describe a Curro Claret como la antítesis del diseñador estirado.
Para él su trabajo es la mejor recompensa. “Es lo que hace que me levante cada mañana. Soy consciente de ser un privilegiado. No estoy ocho horas trabajando en algo que no me llena con el único aliciente de la paga a final de mes y esperar las vacaciones de verano“.
“Me considero un diseñador al que le gusta estar donde hay jaleo, donde hay problemas, donde hay personas que, por lo que sea, se han quedado al margen“.
Por poner un ejemplo, una de sus creaciones, “Por el amor de Dios“, es un banco de iglesia con un respaldo reclinable para que sirva también de cama.
Esa propuesta en concreto pretendía recuperar el espíritu que durante mucho tiempo tubo la iglesia, acogiendo a personas que por diferentes motivos han necesitado esporádicamente un lugar donde dormir.
Curro Claret reconoce que en general “el establishment” para un diseñador es algo peligroso.
“Me incomoda estar al lado del establishment porque significa que aceptas el sistema y sus normas, que además han establecido unos pocos privilegiados. Para él “urge re-diseñar este caos… que provoca graves fracturas sociales y mucho sufrimiento“.
Claret reconoce que tiene una relación de amor / odio con la industria. “Yo creo en la idea de un sistema de producción industrial honesto. Pero… ¿cuántas empresas lo son? Existimos como clientes, como usuarios. Pero ¿dónde quedan las personas?“.
Por otro lado entiende también que el empresario busque obtener beneficios. “Vivimos todo el tiempo inmersos en la contradicción, haciéndonos preguntas“.
El estudio en el que trabaja Curro Claret es espartano, con una mesa recogida en la calle que ni siquiera es de Ikea.
Siguiendo con la entrevista para éste diario catalán, Claret declara que a ésta empresa sueca hay que reconocerle que ha hecho realidad el sueño del diseñador del siglo XX: “crear muebles y objetos accesibles y útiles“.
“Aunque luego está la trampa de la vida limitada, de la secuencia de producción no demasiado clara y esa cosa de usar y tirar que no es posible, porque hay que frenar tanto consumo“.
Para él la sostenibilidad debería ser el mayor desafío de los diseñadores. “Cuando yo estudiaba, estábamos convencidos de que el diseñador debía estar donde fuera útil para solucionar problemas“.
“Hace unos años, empecé a aplicar el diseño en este contexto de la gente que no piensa en el diseño porque bastante tiene con resolver su día a día y lo hice sin saber muy bien cómo. Y aquí seguimos, repensando cómo hacer cosas reutilizando más que reciclando, sin maltratar el medio ambiente“.
El discurso detrás del objeto, más allá de la función para la que ha sido creado.
Para Curro Claret el diseño -superada la fase donde la funcionalidad ya está resuelta- debería buscar más “una intencionalidad; plantear otra forma de hacer las cosas. Yo valoro que haya historias detrás de los objetos“.
Ejemplos suyos de objetos respaldados por un discurso coherente son por ejemplo el florero Chapapote, entendido éste como una denuncia, “pero la fealdad podía albergar una flor”.
“Reutilizar es mucho más simple, no implica ninguna transformación. Es la botella vacía que se convierte en jarrón”.
También diseñó la “T300“, una plancha de metal cortada con láser, doblada y con agujeros a la que se le puede atornillar tres patas y una superficie lisa para hacer taburetes a partir de materiales encontrados en la calle por personas que intentan rehacer sus vidas.
De esta “pieza” de metal salió una colección de sillas que se hicieron con la ayuda de diferentes personas de diferentes áreas, utilizando los recursos y materiales específicos de cada una.
El diseñador tiene querencia por los materiales pobres y piensa que la cantidad de objetos que desperdiciamos es un reflejo de un sistema desajustado. “Un cartón pisado por un camión y sucio me atrae de manera inconsciente”, asegura.
“Más allá de los materiales, hay una afinidad en todos los sentidos con lo rechazado, con lo que se tira, con lo que no se valora, con lo que se desprecia“.
Con la “T300” hay sillas como las hechas por Careli, una mujer que trabaja en el servicio de limpieza doméstica; por vendedores de bolsos de marcas falsas en la calle; por chatarreros de la calle; por Claudia, una trabajadora sexual, o por Joana Barcala, una asociación de artesanía urbana que trabaja con un tejido de lana.
En 2014, las sillas fueron presentadas en una exposición en la galería Vinçon (Barcelona) durante los meses de Junio y Julio.
“Esos objetos tienen valor por sí mismos, y no se han hecho para que la gente los compre por caridad. Tampoco hemos hecho el taburete que haría Ikea“.
Involucrar a los desfavorecidos en el proceso de diseño: una oportunidad en su proceso de recuperación.
Tuvo mucha repercusión el interiorismo de las dos tiendas para Camper, una en Barcelona (2012) -realizada con Arrels Fundació– y otra en Madrid (2014) -con la Fundación San Martín de Porres– con bancos, taburetes y lámparas hechas con cordones de colores de los zapatos.
“La empresa Metalarte confió en nosotros para hacer una serie de lámparas“.
Las piezas están hechas por organizaciones que ayudan a las personas que han estado en la calle y están en riesgo de exclusión social y la intención es involucrar a los participantes en el proceso de diseño, ofreciendo una oportunidad para ayudar en su proceso de recuperación.
En la tienda de Camper en Barcelona (en el Centro comercial Triangle, en la plaza Catalunya) se dio un paso más y trabajaron un grupo de seis “ex personas sin hogar” de Arrels Fundació (José, Nicolai, Miguel, Valerio, Aurelio y José).
Fue una gran oportunidad al involucrar a todas estas personas no solo en la construcción del interior, sino también en participar y tomar ciertas decisiones en el diseño mismo.
Para hacerla, se reutilizó la mayoría de los materiales empleados, algunos de ellos de la tienda anterior, y otros como madera encontrada en la calle o zapatillas viejas, carteles y cuero de las existencias fuera de uso de la misma marca Camper.
Para mostrar y explicar el proceso del proyecto, Miguel Fuster (uno de los miembros del equipo, 15 años viviendo en la calle) hizo algunos dibujos impresos en madera (también encontrados en la calle) y los pusieron en la entrada de la tienda.
Claret piensa que el consumo desaforado está destrozando el planeta.
“Uno necesita un techo donde cobijarse, pero eso no implica que la solución pase por hipotecarse toda la vida“.
Para él no está claro que acaparar bienes garantice el bienestar o la felicidad. Y entender eso es uno de los mayores retos que tenemos todos.
En esta línea, muchos separadores del carril bici en Barcelona son suyos. Los diseñó con ayuda de la empresa Zicla, que recupera residuos industriales, en este caso hechos con restos del aislamiento de plástico de los cables eléctricos.
Al hablar de las nuevas generaciones, con las que se relaciona en su trabajo como docente, reconoce que “les ha tocado vivir una realidad muy dura y ven que no puede ser más de lo mismo“.
“Sí o sí les toca a ellos repensar a fondo el papel que como diseñadores quieren tener en esta sociedad, y no solo para sobrevivir, sino para que sientan que lo que hacen da un cierto sentido a sus vidas“.
Según él, muchos jóvenes buscan otras fórmulas. “Me parece buenísimo que se imponga una menor dependencia de lo material y se abogue por construir un entorno de bienes compartidos“.
También hay un libro sobre el diseñador. “Conversación polifónica sobre diseño y otras cosas. Retrato imperfecto de Curro Claret“, escrito por el profesor Oscar Guayabero y Ramón Úbeda, y editado por Gustavo Gili.
El libro es una conversación sobre “diseño y otras cosas” en la que varias personas, entre ellas Curro y Guayabero, conversan en un texto fluido sobre un montón de aspectos.
“No queríamos que fuera un libro sobre diseño, sino un libro de ideas, dudas, experiencias, contradicciones y pensamientos que se han expresado a partir del lenguaje del diseño”.
La obra de Curro Claret ha sido expuesta en numerosas galerías y museos, y publicada en diferentes medios.
Curro Claret ha recibido varios honores y premios, como el premio Ciutat de Barcelona en 2013 en la categoría Diseño, por las piezas presentadas en la exposición “Un dilema, l’art contemporani i la inversió en la certesa“, como resultado de su colaboración con Arrels Fundació.
Curro Claret (pág. web).
Fuente (El Periódico).
Curro Claret con la colección de lámparas “Shoeslaces” (2014) para Metalarte, y silla hecha con la pieza “T300” para la exposición en la galería Vinçon (Barcelona 2014).
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Achille Castiglioni
Adolf Loos
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Joris Laarman
Joris Laarman. Diseñador, artista y empresario.
Joris Laarman (1979, Borculo, Países Bajos) es un diseñador, artista y empresario holandés conocido por sus diseños experimentales inspirados en las tecnologías emergentes más punteras.
“Usando tecnología emergente… y un lenguaje visual del futuro, damos pequeños saltos en el proceso evolutivo. Esto a veces resulta en un trabajo parecido a la ciencia ficción que estimula la imaginación y, a veces, en sugerencias muy prácticas que pueden aplicarse inmediatamente“.
Joris Laarman Lab colabora con artesanos, científicos e ingenieros y con todas las posibilidades de las tecnologías emergentes como: sistemas CNC, impresión 3D, robótica o software de simulación.
Para Joris Laarman la artesanía no tiene por qué ser algo nostálgico y debería plantearse como un proceso en continua evolución “que con la ayuda de herramientas de alta tecnología debería ser algo central para la sociedad“.
Joris Laarman nació en el pequeño pueblo holandés de Borculo, y pasó gran parte de su infancia construyendo sus propios patines y paracaídas.
Más tarde, después de decidir que la escuela de arquitectura era demasiado técnica y la escuela de arte demasiado autocomplaciente, terminó en la Design Academy Eindhoven, donde se graduó Cum Laude en 2003.
Aquí descubrió que los dos lados de su personalidad, el friki de la ciencia y el romántico soñador del artista, eran más compatibles de lo que él creía.
Joris Laarman recibió el reconocimiento internacional por primera vez con 23 años por su proyecto senior en la escuela de diseño del radiador “Heatwave” de hormigón modular.
Este radiador, con sus curvas barrocas inspiradas en el antiguo papel pintado francés, calienta un cuarto más eficientemente que un rectángulo de metal estándar, “combinar razón con emoción, eso es lo más difícil de hacer; en el diseño y en todo“, comenta Laarman.
Producido por la firma de diseño holandesa Droog y luego fabricado por Jaga Climate Systems, éste radiador se exhibe en la colección del Atlanta’s High Museum of Art (Georgia, EE. UU.).
En 2004, Laarman junto con su socia Anita Star, fundaron Joris Laarman Lab en Amsterdam (Holanda).
“Vivimos en un tiempo fascinante. Somos hijos de un momento de transición: un pie en la era industrial y el otro en la era digital. Es fascinante, aterrador e inspirador al mismo tiempo. Esta fascinación por los desarrollos tecnológicos y todas las posibilidades que lo acompañan están en el corazón de nuestro laboratorio“.
La fascinación de Laarman por la era digital empezó realmente “cuando vi una animación en un documental sobre el profesor alemán Claus Mattheck. Para mí, esto no fue solo una animación, sino una visualización de cómo en general la era industrial se está transformando en la era digital“.
Joris Laarman declara en su página web que “los tiempos industriales y los pioneros modernistas tenían que ver con las piezas estandarizadas y su ensamblaje en un lenguaje de formas geométricas dictado por las limitaciones de las máquinas industriales.
“En nuestra era digital, sin embargo, ya no estamos sujetos a estas limitaciones. Con el diseño digital y las herramientas de fabricación podemos crear formas personalizadas más inteligentes que son mucho más complejas“.
Desde el Art Nouveau hasta el diseño orgánico de los años 60 (impulsado por innovaciones en plásticos y madera contrachapada) los diseñadores se han esforzado por crear objetos inspirados en la naturaleza, “pero nuestra era digital hace posible no solo utilizar la naturaleza como referencia estilística, sino también utilizar los principios subyacentes para generar formas como un proceso evolutivo“.
Laarman está considerado como uno de los talentos más formidables del diseño en la actualidad y disfruta de un “caché” especial entre los museos y coleccionistas prestigiosos.
Así por ejemplo, su silla “Bone” (2006) forma parte de la colección permanente del Rijksmuseum de Amsterdam; del Museo de Arte Moderno de Nueva York; del Vitra Design Museum; el Weil am Rhein; el Centraal Museum de Utrecht, y del Museum fur Kunst und Gewerbe de Hamburgo.
El diseño de “Bone” comenzó en realidad en 1998 cuando Adam Opel GmbH, filial alemana de General Motors, desarrolló un nuevo software de imagen y simulación con la intención de crear un motor más eficiente. Este software en realidad lo que consigue es replicar un diseño que logra la máxima resistencia con una cantidad mínima de material.
“Cuando me pidieron que participara en la exhibición “Smart Deco”, iniciada por Droog y Barry Friedman, mi propuesta fue crear una silla completa utilizando este algoritmo como una herramienta de escultura digital de alta tecnología. Si la madre naturaleza quisiera crear una silla, probablemente se parecería a los resultados que obtendríamos“.
Para la silla “Bone” de aluminio el resultado generado por ordenador tuvo que ser replanteado para las especificaciones concretas de este material; y aunque dio como resultado que su forma se convirtiera en más esbelta fue todo un desafío debido a su complejidad orgánica.
“Prácticamente todas las empresas a las que nos acercamos se negaron a aceptar el desafío, hasta que recurrimos a Phil Verdult, que tenía un pequeño taller en algún lugar de la pequeña ciudad de Heerhugowaard“.
Gracias a años de experiencia con los procesos de fundición y a experimentos con nuevas técnicas como la fundición de metal en moldes de cerámica impresos en 3D -que ensamblados daba como resultado el objeto real fundido de una vez- se consiguió la primera silla de hueso de aluminio.
“Es como si un árbol simplemente creciera del suelo para mantenerlo apuntalado“, dice Paola Antonelli, curadora del MoMA de Nueva York.
Después de que la lámpara/candelabro “Nebula” (2007), que creó para Flos, fuera una de las piezas favoritas en la Feria del Mueble de Milán de ese año, y dos de sus piezas de mobiliario se presentarán en la exhibición del MoMA: “Design y Elastic Mind” (del 24 de febrero al 12 de mayo de 2008), Paola Antonelli destacó a Joris Laarman como una figura clave en la ola actual de diseñadores que exploran la intersección entre la tecnología de vanguardia y la belleza clásica.
“Muchos diseñadores ahora están buscando trabajar con software como una forma de crear nuevas formas”, dice Antonelli, pero “Joris lo hace con particular elegancia“.
Flos se convirtió en la primera de las pocas firmas de diseño con las que Joris comenzó a colaborar. “Conocía a todos los artistas que trabajaron con Flos y, para ser sincero, me sentí un poco intimidado… Quería hacer algo elegante y atemporal fuera de lo anónimo y lo común; quizás un poco en la tradición de Achille Castiglioni, pero a mi manera“.
De la lámpara “Nebula” comenta que “creé esta versión de vidrio soplado de un grupo de pantallas de lámparas antiguas que encontré en un mercadillo local. Mientras los mezclaba en diferentes composiciones, me llamó la atención la fuerza de la imagen que apareció al combinarlos en un grupo como una explosión de luz, casi sin simetría, pero con una armonía natural en su composición“.
En el año 2013, el Laboratorio (Joris Laarman Lab) colaboró con Greenpeace instalando una cápsula del tiempo en el fondo del mar Ártico para la campaña “Save the Arctic“.
Otro hito fue en 2014 con la producción de la consola “Vortex” (2014), que fue diseñada de tal manera que permitiera crear una nueva variación cada vez.
Múltiples capas de contornos de aluminio perforado se ensamblan siguiendo un modelo digital y en el laboratorio desarrollaron un sistema de molde a presión para laminar hojas delgadas de aluminio que resultó en si mismo espectacular.
Desde el comienzo del diseño moderno ha habido un discurso sobre el uso del ornamento contrapuesto a la funcionalidad, y de la artesanía frente a la industria.
“El ornamento siempre ha sido un aspecto importante de nuestro trabajo y nuestra era digital permite muchas perspectivas nuevas… Al observar un mundo globalizado cada vez más uniforme, creemos que el ornamento y la personalización son cada vez más importantes“.
Las piezas de “Vortex” se inspiraron en la investigación sobre métodos computacionales de vórtices de Mark J. Stock de la Universidad de Michigan, ya que con éste método los vórtices se pueden controlar.
“El uso de este conocimiento en nuestros diseños permite a los usuarios decidir la cantidad de ornamentación que desean, como un duelo entre la funcionalidad y el ornamento, un juego entre el bien y el mal“.
En Junio de 2015 se anunció otro proyecto importante. Entre Abril y Octubre de 2018 cuatro robots de seis ejes terminaron de imprimir en 3D la estructura de 4 metros de ancho de un puente para la ciudad de Ámsterdam.
Ésta estructura, impresa en el aire a partir de capas de acero fundido, se planificó para que la colocación de la plataforma y todo el complejo puente de metal llegara a tiempo para la Dutch Design Week.
“Creo firmemente en el futuro de la producción digital y la producción local“, declaró Joris Laarman al anunciar el proyecto en 2015.
Éste es un puente peatonal de acero de 12 metros de largo diseñado por Joris Laarman Lab e ideado por la startup de tecnología MX3D (con sede en Ámsterdam) que cruzará uno de los canales más antiguos y famosos de la ciudad (en el Oudezijds Achterburgwal, en el Barrio Rojo) una vez que se complete la renovación del canal.
La firma de ingeniería Arup e investigadores del Imperial College de Londres realizaron varias pruebas de carga completa para probar la integridad estructural del puente, que se imprimió dentro de un antiguo hangar de construcción naval.
Con geometrías complejas, fuertes y elegantes, el puente está programado para ser instalado en 2019, y muestra cómo la impresión 3D finalmente entra en el mundo de la gran escala.
La impresión 3D permite objetos funcionales y materiales sostenibles que a la vez permite una libertad de forma sin precedentes. “El simbolismo del puente es una hermosa metáfora para conectar la tecnología del futuro con la ciudad vieja de una manera que saca lo mejor de ambos mundos“.
Para este puente -que mide 12,5 metros de largo, 6,3m de ancho y pesa 4.500 kg- se utilizó el software MX3D (especialmente diseñado para este proyecto) y cuatro robots industriales multi-eje que tardaron seis meses en imprimir el tramo completo del puente.
En el fondo, Joris Laarman se parece mucho a un inventor de la vieja escuela de Buckminster Fuller, aunque su idealismo se equilibra con el mismo grado de conocimiento comercial que ha hecho que sus compañeros de Eindhoven, como Maarten Baas, tengan tanto éxito.
Gracias a la gran demanda de la silla “Bone” -de edición limitada y agotada- y sus colaboraciones regulares con gigantes del diseño como Flos y Droog, a Joris Laarman le resulta más fácil financiar sus propios experimentos fantásticos.
“Su trabajo es alucinante“, agrega Li Edelkoort, presidenta de la renombrada Design Academy Eindhoven, “y está cambiando nuestra perspectiva sobre el funcionalismo“.
Los diseños de Laarman se encuentran en colecciones permanentes y exposiciones en instituciones como el MoMA de New York; el Victoria & Albert de Londres y el Centro Pompidou de París.
Joris Laarman ha colaborado también en artículos y seminarios para la revista Domus y ha dado conferencias en la Architectural Association School of Architecture de Londres; la Gerrit Rietveld Academy de Ámsterdam, y la Design Academy Eindhoven.
Joris Laarman (pág. web).
Fuente: (designboom).
Joris Laarman sentado en su silla “Bones” (2006) y consola “Vortex” (2014).
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Bertjan Pot
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Charles Rennie Mackintosh
Charles y Ray Eames
Claesson Koivisto Rune
Claudio Colucci
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Elena Manferdini
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Enzo Mari
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Fabio Novembre
Färg & Blanche
Federica Capitani
Fernando Mastrangelo
Filippo Mambretti
Finn Juhl
Formafantasma
Francesco Rota
François Bauchet
Frank Gehry
Frank Lloyd Wright
Fredrikson Stallard
G
Gabriella Crespi
Gae Aulenti
Gaetano Pesce
Geoffrey Harcourt
George Nelson
George Sowden
Gerrit Rietveld
Gio Ponti
Goula Figuera
Greg Lynn
H
Hans J. Wegner
Héctor Serrano
Hella Jongerius
Hermanos Campana
Hervé Van der Straeten
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India Mahdavi
Inga Sempé
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Jaime Hayón
Jasper Morrison
Jean Prouvé
Jean Royère
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Le Corbusier
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Lievore Altherr
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Lukas Peet
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Maarten Baas
Maarten Van Severen
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Marc Thorpe
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Marcel Wanders
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Martino Gamper
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Matteo Thun
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Michael Anastassiades.
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Rodolfo Bonetto
Rodolfo Dordoni
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Seung-Yong Song
Shiro Kuramata
Simone Simonelli
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Sou Fujimoto
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Stefano Giovannoni
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Tapio Wirkkala
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William Plunkett
William Sawaya
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Xavier Mañosa
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Zaha Hadid
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Atelier Van Lieshout
Atelier Van Lieshout. Taller de diseño y producción de objetos y obras de arte.
Joep Van Lieshout (1963, Ravenstein, Países Bajos) es un artista y escultor fundador de Atelier Van Lieshout (AVL), taller situado en un gran almacén en los puertos de Rotterdam (Países Bajos).
De 1980 a 1985 Josep Van Lieshout se formó en la Academia de Arte Moderno de Rotterdam, de 1985 a 1987 continuó en Ateliers ’63 de Haarlem (Holanda) y en 1987 en Villa Arson (Niza, Francia).
En 1995, Van Lieshout fundó el grupo de estudio Atelier Van Lieshout (AVL) en la ciudad de Rotterdam, donde la compañía continúa diseñando y fabricando sus obras de naturaleza diversa e inherentemente esquizofrénicas.
El diseño y la producción de las obras de arte de Atelier Van Lieshout (AVL) comienzan sus vidas aquí -en este taller- con diferentes departamentos (talleres de fibra de vidrio, escultura, madera y metal), antes de exponerse por todo el mundo.
Atelier Van Lieshout ha obtenido el reconocimiento internacional por proyectos basados en objetos que están en el límite entre el arte, la arquitectura y el diseño.
El Atelier van Lieshout afirma no hacer distinción entre “obras de arte reales” y “simplemente construir algo para alguien“.
Los 20 empleados de AVL tienen diferentes orígenes y antecedentes, y los diseñadores están estrechamente involucrados en el proceso de fabricación de cada producto.
El nombre de Atelier Van Lieshout enfatiza el hecho de que, aunque Joep Van Lieshout fundó y lideró el colectivo, el trabajo producido proviene de los impulsos creativos de todo el equipo.
Joep Van Lieshout se centra en la creación de obras de arte cuyos principios de diseño desafían las ideas convencionales de utilidad y funcionalidad al reinventar cómo el espectador percibe o se acerca a un objeto y al entorno en el que se ubica.
Esto se logra mediante la implementación de materiales no tradicionales y una paleta de colores poco convencionales, temas inusuales, y mediante el posicionamiento estratégico o la ubicación de la obra de arte.
Los temas recurrentes más relevantes en el trabajo de Atelier Van Lieshout (AVL) incluyen la autosuficiencia, la domesticación, los sistemas complejos de funcionamiento y la re-contextualización de objetos domésticos familiares; también el poder, la política, el sexo y los temas más clásicos de la vida y la muerte.
Durante la Capitalidad Cultural de Rotterdam en el año 2001 diseñaron AVL-Ville, un Estado Libre de Atelier Van Lieshout.
Originalmente fue un proyecto diseñado para la ciudad de Almere como un lugar para experimentos e inventos. Pero después de que Almere rechazara la propuesta, Atelier Van Lieshout decidió realizar su ciudad pionera en su propio taller, el que tienen en el puerto de Rotterdam.
AVL-Ville era arte, un santuario y una estructura social que se combinaron en una comunidad funcional con su propia granja, su propia constitución, una bandera e incluso su propia moneda.
Pero, después de sólo 9 meses, el experimento fue cerrado por el gobierno local porque fue demasiada gente a visitarlo, lo que planteó un “riesgo para la salud“.
Otra de sus obras públicas famosa es “Funky Bones” (2010), ubicada en el Virginia B. Fairbanks Art & Nature Park: 100 acres, dentro del IMA, Museo de Arte de Indianápolis (Indiana, EE.UU.).
“Funky Bones” es imposible verla en su totalidad, excepto a distancia, preferiblemente desde arriba. Moverse lo suficientemente cerca como para realmente inter-actuar con la pieza produce una perspectiva completamente diferente.
La obra “Infernopolis“, que tuvo lugar del 29 de Mayo al 26 de Septiembre de 2010, ocupaba un área de casi 5.000 metros cuadrados en un muelle submarino abandonado de Rotterdam.
Organizada por el puerto de ésta ciudad y el museo Boijmans Van Beuningen, esta exposición abordaba cuestiones centrales de la práctica habitual de Atelier Van Lieshout, que incluyen la autonomía, la autosuficiencia, el poder y la economía.
Los visitantes de “Infernopolis” se movían entre siniestras instalaciones y numerosas escenas en las que las distinciones entre: el bien y el mal, la vida y la muerte, la realidad y la ficción se difuminaban.
En conjunto, esos elementos -dos inmensas instalaciones y un bosque de esculturas- formaban un escenario aterrador plagado de instrumentos médicos, bombas de vacío, cuerpos desollados, excrementos humanos, células espermáticas gigantes y órganos corporales.
Las enormes esculturas representaban partes del cuerpo individuales pero también órganos internos inter-conectados.
“Me gusta trabajar con órganos para mostrar algo de la belleza de nuestro interior y del sistema que hay detrás de él“, declaró Atelier Van Lieshout.
Aunque las esculturas de órganos son anatómicamente correctas y nos dan una idea de cómo está diseñado el cuerpo humano, su significado hay que buscarlo, sobre todo, en las similitudes entre los grandes modelos coordinados (la sociedad) y los sistemas íntimos y personales (el cuerpo y sus órganos).
El sistema digestivo por ejemplo plantea un paralelismo con el mundo en general, que también consume y produce. Ambos elementos se fusionan en la obra “Barrectum“, que representa los órganos del sistema digestivo, desde la lengua al ano.
Una serie de esculturas unificadas bajo el título de “Cuna a la cuna” consistía en un teatro anatómico, un matadero semi-industrial y una sala de operaciones de alta tecnología.
Huesos, cráneos, grupos musculares y órganos se encuentran en la mesa y los cuerpos desollados cuelgan de los rieles. En un modelo de clara eficiencia, los órganos se usan para trasplantes, mientras que la carne, los líquidos, la grasa y los huesos se procesan para obtener alimentos, y el resto se usa para producir energía.
Otra parte del muelle contenía las piezas que, bajo el título “Esculturas heroicas” (un caballo que se encabrita y un cañón grande WWIII) se hicieron como un monumento dedicado tanto a la guerra como al heroísmo.
Para Lieshout, las esculturas se reflejan en nuestra sociedad extremadamente avanzada y compleja, donde el consumo excesivo y las materias primas limitadas juegan un papel crucial.
Van Lieshout cree que esto llevará previsiblemente a la aparición de varias culturas nuevas en el futuro. Una vez que se agoten los suministros, la sociedad verá un recrudecimiento de los conflictos interpersonales y un mayor instinto de supervivencia.
Esto le hace plantear la pregunta de si tales cambios radicales, que acarrearán situaciones de violencia pero que también pueden conducir a una sociedad nueva y mejorada, son buenos o malos.
Otra parte de su programa, titulada “El tecnócrata“, comprende todo tipo de aparatos como contenedores, camas y cubas de destilación que todos juntos forman un circuito cerrado de comida, alcohol, excremento y energía.
En la feria Design Miami / Basel 2015, Atelier Van Lieshout presentó una escultura habitable presentada por Carpenters Workshop Gallery (con sucursales en Londres y París) como parte de la sección Design at Large de Design Miami / Basel.
Ésta estructura de fibra de vidrio, una cueva-vivienda híbrida con forma orgánica, es una mezcla entre un salón de lujo y una vivienda primitiva para albergar a una tribu ficticia.
“The Original Dwelling es parte de la serie en curso New Tribal Labyrinth que presenta una visión de un mundo futuro, aunque primitivo, habitado por tribus imaginarias donde habrá diferentes éticas“, dijo el Atelier.
La escultura blanca mide aproximadamente 10 x 7 metros e incluye un dormitorio, una sala de juegos, un bar, un salón y un vestidor.
Cada uno de los espacios internos está dictado por la forma externa, y parece estar tallado en una pieza sólida de material, similar a las formaciones de cuevas.
“El trabajo lleva a la humanidad a sus orígenes, recordando un estado de ser primitivo“, dijo Atelier van Lieshout.
Van Lieshout también creó una serie de muebles de exterior para acompañar a la casa en un estilo que describe como “nuevo brutalismo“.
Las sillas, con formas más angulares que la vivienda redondeada, tienen variedad de tamaños y formas parcialmente abstractas, incluido un banco en forma de L que incorpora una lámpara de pie.
Dentro de su trabajo para empresas de producción en serie -que también lo desarrolla- destaca su trabajo para la empresa holandesa Moooi, como por ejemplo la lámpara “Statistocrat” (2016).
Presentada en el Salone del Mobile 2016 de Milán, es “básicamente una especie de diagrama“.
La lámpara”Statistocrat” es una composición de volúmenes y masas, una serie de pantallas cilíndricas que se ramifican o bifurcan a partir de un poste de metal central.
“El origen de esta lámpara proviene de un proyecto muy oscuro llamado Slave City“, explica Lieshout. “Una instalación a gran escala en la que diseñé una ciudad imaginaria y carcelaria para esclavos, auto-sostenible y sin emisiones de carbono“.
Como parte del proyecto, Atelier Van Lieshout diseñó una serie de estructuras de diagramas con diferentes volúmenes que representan diferentes estadísticas.
“Es un comentario sobre el mundo en el que vivimos, donde muchos procesos y muchas decisiones se toman en base a los cálculos y las estadísticas“, dice Van Lieshout.
“Statistocrat” está soldada a mano y está disponible en una gama de 25 colores diferentes en versiones colgantes o de pie. “Está soldada y ensamblada en la forma en que lo haría en mi taller. Y para mí fue muy importante ver cómo está hecha“.
En octubre de 2017 el Centro Pompidou de París presentó una escultura de Atelier Van Lieshout que era demasiado lasciva para el Museo del Louvre.
“Domestikator” -un híbrido entre arte y arquitectura que trata sobre la domesticación humana y la dominación del entorno natural- había sido programado para exhibirse en el Jardín de las Tullerías, como parte de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (FIAC).
Pero el Museo del Louvre la retiró en el último momento en medio de la polémica sobre la naturaleza explícita de su contenido.
La polémica escultura de Atelier Van Lieshout, que representa un hombre penetrando a un animal a cuatro patas, llevó al columnista de The Guardian, Jonathan Jonesun, a calificarla de “arte público desagradable“.
El crítico afirmó que “exhibirlo en un lugar donde los niños y los desprevenidos miembros del público pudieran verlo es equivalente a la intimidación“.
“Es la torpeza y la complacencia del uso del sexo de Domestikator lo que lo hace repulsivo“, dijo. “Tómatelo en serio, y la imagen que muestra es inherentemente violenta y cruel. Tómatelo aún más en serio y es el abuso de los animales“.
En cambio, el Centro Pompidou la instaló en la plaza que da a su fachada principal como parte de su programa de exposiciones Hors les Murs.
Bernard Blistène, director del Centro Pompidou, que estaba detrás del cambio de emplazamiento, declaró que la plaza era el “lugar perfecto“.
“El trabajo de Atelier Van Lieshout es una bella utopía totalmente conectada al espacio público“, dijo Blistène.
“Me complace que los visitantes del Pompidou tengan la oportunidad de experimentar este trabajo, y espero que genere preguntas y diálogo sobre la complejidad del tema de la domesticación“, dijo Lieshout.
Pero al Louvre lo acusó de hipócrita en relación a la gran cantidad de pinturas y esculturas que hay en su colección que representan la desnudez, la violación y la bestialidad.
Van Lieshout, que presentó la obra de 12 metros de altura por primera vez en 2015 en el festival Ruhrtriennale en Alemaniaha como parte de una Aldea de Arte, declaró que el trabajo no trata sobre sexo y bestialidad sino sobre tabúes.
“Esta pieza no trata de sexo. Trata de qué tabúes éticos quedan cuando la ciencia y la tecnología superan los límites de la biología“, dijo Van Lieshout.
“No es en absoluto explícito. No es escandaloso“, agregó. “De hecho, invita a las personas a pensar en un tema muy importante: ¿Qué hacemos con los macro-datos, la manipulación genética, la inteligencia artificial, con los robots… que llevan los límites éticos al extremo?“.
También añadió que la pieza no es tan explícita como originalmente había planeado debido a restricciones presupuestarias.
“Creo que el arte debe ser un lugar donde haya muy pocos límites…. los museos, y todos en realidad, tienen mucho miedo de lo que el público pueda decir“, reconoció Joep Van Lieshout.
Atelier van Lieshout (pág. web).
Fuente: (Dezeen).
Joep Van Lieshout de Atelier van Lieshout y lámpara “Family” (2008).
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A
Achille Castiglioni
Adolf Loos
Alessandro Mendini
Alfredo Häberli
Alvar Aalto
Andrea Branzi
Andrée Putman
Andreu Carulla
Andy Martin
Antonio Citterio
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Arik Levy
Arne Jacobsen
Atelier Oï
Atelier Van Lieshout
Autoban
B
BarberOsgerby
Benjamin Graindorge
Benjamin Hubert
Bertjan Pot
Boca do Lobo
C
Carlo Alessi
Carlo Mollino
Carlos Tíscar
Charles Rennie Mackintosh
Charles y Ray Eames
Claesson Koivisto Rune
Claudio Colucci
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Dieter Rams
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Doriana y Massimiliano Fuksas
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E
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Eero Aarnio
Eero Saarinen
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Enrico Franzolini
Enzo Mari
Ettore Sottsass
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Fabio Novembre
Färg & Blanche
Federica Capitani
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François Bauchet
Frank Gehry
Frank Lloyd Wright
Fredrikson Stallard
G
Gabriella Crespi
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Geoffrey Harcourt
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George Sowden
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Gio Ponti
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Hervé Van der Straeten
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Ico Parisi
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J
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Le Corbusier
Lex Pott
Lievore Altherr
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Ludovica y Roberto Palomba
Lukas Peet
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Maarten Baas
Maarten Van Severen
Marc Newson
Marc Thorpe
Marcel Breuer
Marcel Wanders
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Marie Christophe
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Mario Ruíz
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Philippe Starck
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Ricardo Fasanello
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SANAA
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Serge Mouille
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Seung-Yong Song
Shiro Kuramata
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Stefano Giovannoni
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Vincenzo de Cotiis
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Warren Platner
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Zaha Hadid
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El último día de Septiembre finalizó el Festival enBarcArte
enBarcArte se convierte en su 1ª edición en un Festival necesario.
El 8 de Septiembre de 2018 se inauguraba, después de más de medio año de preparativos, enBarcArte la 1ª edición del Festival de Instalaciones Artísticas en el contexto urbano en la villa de O Barco de Valdeorras (Ourense, Galicia).
Empezaban así tres semanas donde los/las ciudadanos/as se encontraban, muchos de ellos/ellas inesperadamente y sin saber el motivo, con muebles convencionales y anticuados, tapizados con 165 bombillas led, ocupando un lateral de la entrada del antiguo edificio del Ayuntamiento.
Con enormes círculos (hechos con lousas) situados en el casco antiguo y a orillas del río -en una zona donde normalmente solo habitan patos y ocas- que se podían ver con una perspectiva privilegiada desde la pasarela peatonal que conecta con la zona de Viloira.
Tres estructuras con forma de casa, iluminadas con tiras de luces led remarcando sus líneas simples y prototíticas, flotando en el río al vaivén del agua.
O numerosos relojes que como gigantescos lunares ocupaban reticularmente la fachada de un visible y centenario edificio del centro del pueblo.
En total siete obras que se integraban con éxito en el espacio público de la villa, re-interpretándolo e inter-actuando con vecinos y visitantes.
Estas intervenciones de arte emergente y efímero -proyecto concebido y coordinado por el artista y diseñador barquense Jorge Barredo– finalizaban el 30 de Septiembre, y se empezaban a retirar en los primeros días del mes de Octubre.
Jorge Barredo, que en Enero de 2018 proponía al Concello do Barco sin demasiadas expectativas lo que desde hacía años rumiaba en su cabeza, en unas declaraciones para el periódico O Sil (https://www.osil.info) hace al final un balance positivo de lo que supuso para él tamaña locura y osadía.
“Aún es pronto para una valoración, pero creo que mereció la pena. Era la primera edición y hubo imprevistos, cosas que no salieron como yo quería, problemas…. pero simplemente por el mero hecho de que se pudiese realizar ya se puede considerar un logro, porque era algo que nadie había hecho antes“.
“Hubo mucha gente a la que le gustó, que me ha felicitado por el resultado y que se alegró de que algo así se pudiese llevar a cabo en O Barco“.
Además de las piezas en la calle, incluía la exposición colectiva de arte contemporáneo “Inter-relaciones. Patrones de convergencia” en la sala de ABANCA, con la participación de 12 artistas en total, tres de ellos de O Barco y el resto de Madrid.
Entre los aspectos menos celebrados de este innovador Festival están algunos actos vandálicos que obligaron a retirar una de las instalaciones y a reparar otras.
“Es cierto que hay gente in-cívica , pero son una minoría y fueron muchas las personas que se me acercaron para decirme que no había derecho a que no respetaran las obras y eso también es de agradecer“.
“Es importante que cada vez más personas tomen conciencia de que es importante respetar lo que está y lo que se hace fuera de las puertas de sus casas, eso también ayuda a crear ciudadanía“, añadió Jorge Barredo al periódico.
Barredo destaca además la satisfacción y el trabajo de los artistas madrileños que participaron en esta edición: “se entregaron a la causa como si fuera una exposición prestigiosa en una gran ciudad. Les gustó mucho todo, el pueblo y el trato recibido, y quedaron con ganas de repetir“.
Jorge Barredo agradece de corazón el apoyo generoso y entusiasta de las entidades y las empresas valdeorresas que han participado: Concello do Barco de Valdeorras, CUFA, ANPEMA, periódico O Sil, O Barco Aberto Centro Comercial, ABANCA, ArteBric, Nanta Ricardo Terán, Muebles Victoria, que hicieron posible el Festival.
Al artista, diseñador y curador le gustaría que enBarcArte tuviera continuidad, pero para eso, dice, es necesario formar un equipo de trabajo sólido y operativo, y contar con más apoyo de otras empresas importantes y de instituciones provinciales y autonómicas.
“No creo que vaya a ser fácil, tampoco lo fue poner en marcha este proyecto que hoy ya es una realidad tangible, pero lo voy a intentar porque creo que a pesar de llevar una sola edición, enBarcArte se ha convertido en un Festival necesario” asegura.
Noche de inauguración del Festival enBarcArte, el 8 de Septiembre 2018, y la Instalación “Círculos de Piedra” vistos desde un dron.
enBarcArte (pág. web)
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Jeffrey Bernett
Jeffrey Bernett. Diseñador, interiorista y planificador de estrategias.
Jeffrey Bernett (1964, Illinois, EE.UU.) antes de estudiar diseño de mobiliario en Parnham College en el Condado de Dorset (Inglaterra), Jeffrey Bernett ingresó en la universidad para obtener un título en administración de negocios en la Universidad Northwestern (Chicago, Illinois, EE.UU.) y en la Universidad de Minnesota (Minneapolis, Minnesota, EE.UU.).
Durante este tiempo profundizó en todo lo relacionado con la comprensión de la mecánica y los procesos de fabricación.
Jeffrey Bernett reconoce que se dio cuenta de cual iba a ser su camino en una tienda de máquinas a los 10 años de edad.
Dodziuk habla de la influencia de sus padres -su padre era matemático y su madre artista- al darle los genes para aprovechar ambos lados de su cerebro con creatividad y precisión.
La combinación de experiencia en diseño, negocios y fabricación contribuyó -y contribuye- al impresionante éxito de Jeffrey Bernett como consultor de diseño multidisciplinar, fundando en 1995 la consultora Studio B con sede en Nueva York.
Al año siguiente, 1996, Jeffrey Bernett presentó una colección debut en la Feria Internacional de Mueble Contemporáneo (ICFF), que se celebra todos los años en el Centro de Convenciones Javits de Nueva York y que fue galardonada con el Premio del Editor por “Best of Show“.
En 2002, Jeffrey Bernett estableció Consultants for Design Strategy (CDS) en ésta misma ciudad.
CDS desarrolla iniciativas comerciales estratégicas para resolver problemas humanos e industriales, instigar, provocar cambios y ayudar a los clientes a avanzar de manera significativa.
Ésta consultoría de diseño trabaja desde la observación cultural, las preguntas y los paradigmas existentes, y detecta las mejores oportunidades para la intervención.
Consultants for Design Strategy cree que las mejores soluciones surgen a partes iguales de la humanidad, el intelecto y la creatividad, y con numerosas patentes ha ganado muchos y prestigiosos premios internacionales de diseño.
El diseñador Nicholas Dodziuk (1976, Nueva York) se graduó en la Escuela de Diseño de Rhode Island en 1998 con un título en diseño industrial.
A partir de éste momento, una Beca Fulbright lo llevó a Alemania, y a su regreso en el año 2000, trabajó como diseñador independiente para empresas como Unilever y Sony, hasta que en 2003 unió sus fuerzas para formar un equipo junto a Jeffrey Bernett en CDS.
En 2007, Knoll presentó tres productos de Bernett y su socio de diseño, Nicholas Dodziuk: la silla “Essentials Work“; la silla “Moment Side” y “Dividends Horizon“, una versión actualizada y expandida del sistema “Dividends” lanzado originalmente en 1998.
El re-diseño, según Jeffrey Bernett, “evoluciona el panorama de la oficina al crear un enfoque estratificado para el diseño de mobiliario, con nuevos puntos focales y una consistencia de diseño general que integra el producto existente con nuevas ofertas de productos“.
Jeffrey Bernett trabaja en muchas disciplinas y áreas de diseño, desde mobiliario residencial y de oficina, productos para el hogar, iluminación, diseño de transporte, joyería, diseño de cosméticos, diseño gráfico, diseño de envases y botellas (packaging), medio ambiente y arquitectura de interiores, comunicación de diseño y planificación estratégica.
Jeffrey Bernett ha trabajado con las principales empresas estadounidenses de muebles como Bernhardt Design y Knoll international, así como con fabricantes europeos de muebles y productos para el hogar. Con frecuencia Bernett ha sido el primer estadounidense elegido para trabajar con varios de sus clientes europeos.
Entre algunos de estos clientes están: B&B; Boffi; Cappellini; Ligne Roset; DWR; L’Oreal; y Kvadrat Design; BMW; Boeing; Condé Nast; Dupont / Corian; Design Within Reach; Herman Miller y Mercedes Benz.
Jeffrey Bernett ha asesorado en mobiliario y accesorios a medida para proyectos como la tienda insignia de Michael Kors en Nueva York, y para asientos ergonómicos para los pasajeros de Northwest Airlines / Delta.
Así por ejemplo, con los conocimientos adquiridos gracias a su diseño de éstos cómodos asientos de vuelo, Bernett desarrolló un sillón aerodinámico “Flight Recliner” (2005), para Design Within Reach, con una ligereza visual contemporánea que sostiene el cuerpo cómodamente desde la cabeza a los pies y que se reclina con un ligero empuje una vez ya sentado.
“Los mejores productos anticipan y definen las necesidades y comportamientos futuros y, en última instancia, promueven el equilibrio, la armonía y la simplificación de nuestras vidas complicadas“.
Bernett reconoce tres grandes pasiones que le inspiran para su trabajo: los deportes, la velocidad y la resolución de problemas, todas las cuales requieren autodeterminación, concentración y disciplina.
También recurre a los viajes para ampliar su experiencia cultural, lo que ha influido en su enfoque de diseño: “Ya sea por trabajo o por motivos privados, visito un lugar al año donde nunca había estado antes. Disfruto mucho experimentando la cultura de ese lugar y absorbiéndola“.
Jeffrey Bernett dice que en cualquier proyecto, “las necesidades del usuario final siempre son lo primero: ¿quién va a usar o querer esto y por qué?“.
Estudiar a las personas, cómo piensan, se comportan e inter-actúan es fundamental para su proceso de diseño, y también ambos diseñadores -Bernett y Dodziuk- siempre han tenido un gran interés en cómo funcionan las cosas.
“Por supuesto, también hay criterios de rendimiento”; entonces surge la pregunta de “¿cómo vamos a fabricar?” o “¿en qué estamos trabajando?“.
Dodziuk, que enseña en Parsons Design School, dice que alienta a sus estudiantes a “traer algo nuevo a la mesa, desafiar las suposiciones y encontrar una ventaja para impulsar. Así es como ocurre el progreso“.
“Creo que el diseño nos ayuda a entender el mundo en el que vivimos y nos conecta entre nosotros“, dice Bernett.
Al igual que muchos diseñadores, Jeffrey Bernett y Nicholas Dodziuk aman los desafíos y crearon un paisaje de oficina totalmente nuevo con las soluciones prácticas y reflexivas a las que llegaron con la línea “Canvas Office Landscape” de Herman Miller.
“Con los muebles, los problemas son complejos, pero requieren soluciones simples“, reconoce Bernett.
“Creo que hay muchas oportunidades de afectar la calidad de vida de las personas cuando se trabaja con muebles, después de todo, se sientan en las oficinas 8-10 horas al día, cinco días a la semana“.
Jeffrey Bernett también siente que es importante reflexionar sobre el pasado. “Al igual que con la arquitectura y el arte, el diseño es parte de un continuo: aprendemos de lo que otros han hecho“.
Incorporaron dos líneas Herman Miller existentes, “Vivo” e “Intent“, así como algunos componentes de presentación de “Meridian”, para crear una solución cohesiva para espacios de trabajo individuales.
Otra re-interpretación también fue el Sillón “Metropolitan ‘14” (2017), para B&B Italia, que con la intención de abrirlo al sector de los contratos, planteó qué es lo que sucede cuando un producto exitoso decide adoptar un nuevo rasgo.
Sus volúmenes se volvieron más delgados, las superficies mejoraron su diseño fluido, las costuras a medida ahora resaltaban ciertas áreas cruciales y el cojín del asiento, que ya no está separado, ahora está completamente integrado.
Como dice Jeffrey Bernett “el diseño, como el cine, el arte y la arquitectura, es una serie de espejos y lentes que registra los cambios en el progreso” y es natural re-interpretar la evolución de un objeto durante un período de tiempo más largo.
“Es un desafío interesante que permite explorar los cambios, lo que hemos aprendido en el proceso y qué nuevos problemas se pueden resolver“.
Consultants for Design Strategy (pág web).
Jeffrey Bernett / B&B Italia (pág. web).
Jeffrey Bernett y el sillón “Metropolitan ‘14” (2017) para B&B Italia.
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A
Achille Castiglioni
Adolf Loos
Alessandro Mendini
Alfredo Häberli
Alvar Aalto
Andrea Branzi
Andrée Putman
Andreu Carulla
Andy Martin
Antonio Citterio
Arend Groosman
Arik Levy
Arne Jacobsen
Atelier Oï
Autoban
B
BarberOsgerby
Benjamin Graindorge
Benjamin Hubert
Bertjan Pot
Boca do Lobo
C
Carlo Alessi
Carlo Mollino
Carlos Tíscar
Charles Rennie Mackintosh
Charles y Ray Eames
Claesson Koivisto Rune
Claudio Colucci
D
David Adjaye
Dieter Rams
DimoreStudio
Doriana y Massimiliano Fuksas
Doshi Levien
E
Ed Annink
Edward van Vliet
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W
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Xavier Mañosa
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enBarcArte 2018, Festival de Instalaciones artísticas
El Festival enBarcArte es sobre todo Arte en el contexto urbano.
enBarcArte es un proyecto que surge a comienzos del año 2018 de la mente del artista y diseñador Jorge Barredo con el apoyo y patrocinio del Ayuntamiento de O Barco de Valdeorras (Ourense, Galicia) y con la ayuda de empresas locales.
Éste Festival dedicado al arte contemporáneo surge como un proyecto artístico de carácter público, abierto y gratuito, desarrollado en las calles y plazas de O Barco, para reivindicar el espacio de todos como lugar común para disfrutar y compartir.
También ocupa espacios en algunos edificios privados muy significativos para la villa, que manifiestan y traslucen nuestra historia y patrimonio.
La Instalación “Little Venice” del artista Jorge Barredo para enBarcArte 2018.
El arte siempre han sido una parte fundamental de la creación humana.
Con el pensamiento de que la cultura es motor de desarrollo, un proceso en la resolución de problemas y una solución para formar una sociedad y un futuro mejor, nace la primera edición de enBarcArte, el 1er Festival de Instalaciones Artísticas en el contexto urbano.
enBarcArte ha comenzado como un proyecto personal del artista y diseñador Jorge Barredo para su pueblo natal que ha sido desarrollado de manera altruista.
Lo atractivo del proyecto y la envergadura del mismo ha hecho que profesionales de distintos campos (distintos artistas y colectivos, gestores culturales, gestores de medios, etc) se hayan puesto a trabajar con él de manera desinteresada para sacar el proyecto adelante.
enBarcArte pretende ser, por primera vez -pero con la idea de expandirse y consolidarse en el tiempo en años sucesivos— un Festival de Arte en la calle dedicado al arte contemporáneo emergente, el que se hace hoy en día, y una plataforma para identificar y reconocer a las próximas generaciones de artistas.
Diferentes vistas de la obra “Little Venice” del artista Jorge Barredo.
Al apoyar a los creadores, enBarcArte espera ayudar a que el talento florezca.
La motivación para la creación de un Festival de Arte, enBarcArte, en O Barco de Valdeorras surge con la intención activa de que se convierta en un poderoso agente de cambio que pueda enriquecer la sociedad.
enBarcArte también comienza como un proyecto que propone explorar y descubrir/re-descubrir el entorno urbano, para empezar a verlo y a disfrutarlo de otra manera.
La urbanidad, el respeto al y a lo otro, se pone en práctica en estos espacios públicos plena y verdaderamente democráticos, que ya desde los griegos -el ágora- eran el espacio del intercambio de ideas y productos.
Instalación “Little Venice” de Jorge Barredo para enBarcArte.
Instalación “Little Venice” en el Parque del Malecón a orillas del río Sil.
“Little Venice“, enBarcArte 2018.
“Little Venice” para el Festival de Instalaciones artísticas en el contexto urbano de la villa de O Barco.
enBarcArte se trata de una fórmula de interacción con la villa de O Barco.
Una fórmula de interacción también con su área de influencia, tanto a nivel urbanístico como social, que desde esta primera edición atraiga tanto a ciudadanos como a turistas.
El Festival enBarcArte trata de reforzar acciones significativas, como acercar el arte a los ciudadanos -al hacerlo accesible- e involucrar al espectador propiciando experiencias en un ámbito distinto al habitual.
Una experiencia artística y de creación que pretende alcanzar un notorio peso específico en la programación cultural de O Barco y que termine erigiéndose en una propuesta que, reinventándose en cada edición, prevalezca en el tiempo y llegue a convertirse en un referente en arte contemporáneo autonómico, e incluso nacional.
“Circulos de Piedra” del artista y diseñador Jorge Barredo para enBarcArte 2018.
Círculo I, realizado con losas de pizarra de la empresa CUFA.
El Festival enBarcArte propone planteamientos artísticos temporales.
Se trata de planteamientos artísticos efímeros para que ocupen el espacio público solo durante las semanas que dura el Festival.
En enBarcArte muchas veces el propio espacio a intervenir es el que indica qué hacer, lo que produce a su vez que se estructure un nuevo paisaje desconocido hasta ese momento.
Desarrollado en éste espacio público, la idea es hacer del arte algo accesible al involucrar al espectador y propiciar experiencias en relación con el espacio, la percepción y los significados.
Vista desde un dron de los “Círculos de Piedra“.
Con las propuestas seleccionadas, enBarcArte busca producir emociones estéticas, filosóficas, psicológicas…
El Festival enBarcArte busca también comunicar ideas, sensaciones, pensamientos, valores, etc. en el ciudadano, que se enfrenta a una propuesta sorpresiva e inesperada por el contexto en la que se encuentra la obra.
Siguiendo un recorrido aleatorio por todo el pueblo, plasmado en un tríptico de mano, los transeúntes se pueden encontrar con 7 propuestas temporales de tres artistas: Clotilde Lajusticia, Coquixo y Jorge Barredo, y dos colectivos de artistas: CalaveraClon y Los Ratón.
La Instalación “Siéntete como en casa” de Los Ratón para enBarcArte 2018.
Instalación de Los Ratón en la Plaza de O Concello de O Barco.
El espacio público adquiere así una nueva perspectiva y un nuevo significado.
Son siete propuestas temporales que durante tres semanas -del día 8 al 30- en el mes de Septiembre de 2018 ocupan directamente el espacio público, otorgándole a éste un valor específico y haciendo que se constituya en parte destacada de la obra.
Las siete Instalaciones reinventan algunos de los lugares donde se desarrolla la vida cotidiana, ayudándonos a re-pensar y re-descubrir el entorno urbano para empezar a verlo y disfrutarlo de otra manera.
enBarcArte da la bienvenida a artistas de diversa índole y de todos los campos que sean capaces de desarrollar obras que vayan más allá del dominio de la forma y se conviertan en experiencias emocionantes y emocionales con las que poder vincularse.
Al final, la cultura es un proceso en la resolución de problemas y una solución para formar una sociedad y un futuro mejor.
“¡Que tarde voy a llegar!” del colectivo de artistas Los Ratón para enBarcArte 2018.
Las Instalaciones Artísticas.
A partir de la década de los 50 del siglo pasado las Instalaciones —un género o categoría dentro del arte contemporáneo— empezaron a incorporar medios diversos para crear una experiencia visual o espacial.
Los artistas de Instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio que solemos utilizar/habitar habitualmente todos/as, convirtiéndose así en el espacio expositivo contemporáneo.
Con esta disciplina artística se busca una experiencia, donde los choques de significados son también deliberadamente buscados por el artista, con un planteamiento ligado a la reflexión sobre los límites de la obra de arte y su clasificación tradicional en categorías, el museo y los espacios expositivos.
Instalación “Consumo consumado” del colectivo CalaveraClon para enBarcArte 2018.
Little Venice. Instalación del artista y diseñador Jorge Barredo.
Se trata de tres sencillas estructuras de madera -mínimal- de diferentes dimensiones (2,07 metros la más baja y de 2,55 metros la más alta) sobre sendas bases de poliestireno expandido y que flotan suavemente en las aguas del río Sil.
Sus formas son las prototípicas de lo que entiende nuestro subconsciente como una casa, rectangulares o cuadradas y con un tejado a dos aguas.
Estas elegantes estructuras, que se reúnen y alinean de una menara casual según el movimiento del agua, están permanentemente iluminadas con tiras de luces led que delimitan sus formas.
Círculos de Piedra. Instalación del artista y diseñador Jorge Barredo.
Es una Instalación de dos enormes círculos en el suelo hechos con losas de pizarra natural de 30 cm x 20 cm y suministradas generosamente por la empresa local CUFA.
La actividad de la pizarra es uno de los sectores estratégicos de la economía de la comarca de Valdeorras y éstos círculos de 7,5 metros y 6,5 metros respectivamente –que parecen dos tejados construídos en el suelo- se han situado en una península sedimentaria (donde crían patos y ocas) creada a través del tiempo por el caudaloso río Sil a su paso por la villa de O Barco.
La Instalación “Colorforest” de Clotilde Lajusticia para enBarcArte 2018.
Siéntete como en casa. Instalación del colectivo de artistas Los Ratón.
Ésta Instalación son catorce muebles convencionales y claramente anticuados -dispuestos en la plaza del Ayuntamiento de O Barco- tapizados con 170 bombillas led.
Los hábitos que tenemos en nuestra vida cotidiana non son, ni por lógica pueden ser, los mismos que tenemos cuando inter-actuamos en sociedad.
Al exponer el interior cotidiano de un hogar en un contexto extraño como es una plaza pública y al in-utilizarlo llenándolo de bombillas nos hace plantearnos realmente cual es nuestro sitio y donde nos podemos sentir protegidos.
¡Qué tarde voy a llegar!. Instalación del colectivo artístico Los Ratón.
Es una Instalación de veintitrés relojes de 65 cm de diámetro -en funcionamiento, y que de forma aleatoria marcan cada uno horas diferentes- dispuestos en la fachada de un edificio de más de 100 años que está en la calle principal de la villa.
Esta obra se inspira en el famoso libro de Lewis Carroll, “Alicia en el País de las Maravillas“, y en la escena con el conejo blanco que siempre va con prisa.
También alude a la relojería más antigua del pueblo, que está en uno de los locales comerciales del edificio, y se plantea como una reflexión sobre la importancia del tiempo -en realidad una invención humana- que determina toda nuestra existencia.
Consumo consumado. Instalación del colectivo CalaveraClon.
Dieciséis peanas hechas con cajas de cartón, y con ruedas, sirven de pedestal a 16 gatos de la fortuna (Maneki-neko) que mueven sus patitas atrayendo a los transeúntes.
La sociedad de consumo nos dice, como los gatos chinos con su patita: “mírame”, “ven”; al reiterarse en número hace que su atractivo se vuelva casi hipnótico y no podamos resistirnos a su reclamo.
Con esta Instalación, situada en los jardines de una casona antigua de arquitectura tradicional, el colectivo artístico CalaveraClon nos invita a reflexionar sobre las trampas de la sociedad de hoy en día.
Obra del escultor Iván Prieto en la Plaza de Abastos y “Pulpo urbano” de Luís Enrique Rodríguez Coquixo para enBarcArte 2018.
Colorforest. Instalación de la artista Clotilde Lajusticia.
Su propuesta se despliega en otro edificio significativo y centenario del pueblo donde está una empresa dedicada a la venta de plantas y productos de jardinería.
Aquí se dispone un bosque de colores hecho de troncos y ramas que puede rememorar a otros bosques, como el de Oma del artista Agustín Ibarrola, y donde se produce un diálogo entre lo vivo y lo inerte, entre lo natural y lo artificial.
Conejo. Obra del artista Iván Prieto.
La obra del escultor barquense Iván Prieto se presenta aquí rodeada de puestos de comida en la Plaza de Abastos de O Barco.
Un mundo disparatado y onírico, grotescamente conmovedor… pero a la vez extrañamente bello y poético.
Pulpo urbano. Obra del artista Coquixo.
Esta obra realizada en madera, con la copa de un árbol platanero, tiene su característica forma ramificada pero vuelta del revés.
Ésta escultura se ha situado de forma móvil en la Plaza Mayor, la más antigua y característica del pueblo.
Inter-relaciones. Patrones de convergencia
“Que maravillosa sensación la de reconocer la unidad en un conjunto de fenómenos que a la observación directa se muestran como cosas distintas”.
Albert Einstein
En la Sala de exposiciones de ABANCA de O Barco de Valdeorras (Ourense) se presentó la exposición “Inter-relaciones. Patrones de convergencia”, una propuesta del Ayuntamiento de O Barco por abrirse al arte de nuestro tiempo, el que refleja y guarda relación con la complejidad de la sociedad actual.
En el arte del siglo XXI lo importante no es tanto la estética -la proporción y lo bello- como el diálogo que se establece entre el/la observador/a y lo observado.
El resultado es una exhibición de arte emergente no por joven (que también) sino por audaz … o por no histórica (aún). Una muestra “desobediente” que sin ser extremista o subversiva no es ni mucho menos complaciente.
Así por ejemplo, ya solo la presencia de colectivos de artistas tiene en su germen el cuestionamiento de algunos convencionalismos dominantes en la creación artística, como la autoría, el concepto de subjetividad y la originalidad.
Formulaciones que no dejan de ser ideales románticos / decimonónicos muy asentados todavía en la idea que tiene la sociedad de qué es el arte.
Exposición “Inter-secciones. Patrones de convergencia” en la sala de Abanca en O Barco.
Ésta muestra, dentro de enBarcArte, reunió a artistas sin ningún tipo de relación estética o conceptual
Son un total de 12 artistas (mujeres, hombres y colectivos de artistas) en la mayoría de los casos sin ningún tipo de relación estética o conceptual pero que surgen en el presente más cercano y exploran con diversas sensibilidades las cualidades sociales, culturales, políticas, comunicativas…. que definen la heterogeneidad en la que vivimos.
Al igual que ocurre con la ciencia moderna -donde se amplifica el conocimiento gracias a la convergencia entre distintas disciplinas- la idea de esta exposición parte de la constatación de la existencia, dentro de la diversidad, de un orden subyacente que termina manifestando relaciones entre movimientos y tendencias que pudieran parecer inconexas.
Propuestas (distintas formas de ver y entender la realidad) que en principio parecieran no relacionadas se entremezclan manifestando una unidad subyacente -un interesante y profundo patrón de convergencia- que se puede ir desvelando hasta formar un discurso, una narración sólida que prueba la naturaleza inter-conectada del Universo.
En lo que todos/as sí podríamos converger es que el futuro de una sociedad – de la sociedad contemporánea – tiene que pasar por los procesos culturales y educativos, porque sin educación el futuro se vuelve más oscuro, más pequeño.
from https://decorador.online/enbarcarte-festival-instalaciones/
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Piero Lissoni
Piero Lissoni. Arquitecto, director de arte y diseñador.
Piero Lissoni (1956, Seregno, Lombardía, Italia) es arquitecto, director de arte y diseñador.
En 1986, Piero Lissoni, junto con Nicoletta Canesi, abrió el estudio interdisciplinar Lissoni Associati y comenzó a colaborar como diseñador y director artístico con algunos de los mejores fabricantes italianos e internacionales de muebles.
En la actualidad el trabajo del estudio abarca la arquitectura, el diseño gráfico, el diseño industrial, el diseño de interiores y de productos con proyectos que van desde muebles, accesorios, cocinas, baños y accesorios de iluminación hasta identidad corporativa y publicidad.
En 1996 crean la agencia de comunicación visual Graph.x, dirigida por Massimo Lissoni, especializada en proyectos gráficos e identidad de marca, (incluyendo catálogos, campañas publicitarias, vídeos, diseño web y packaging).
Graph.x fue responsable de la coordinación visual, la gestión de la identidad corporativa, el logotipo y las vallas publicitarias de la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica de Venecia desde 2007 (la 64ª edición) hasta 2011.
En 2013, se estableció Lissoni Architettura para hacerse cargo de los numerosos clientes internacionales de arquitectura.
En 2015 se creó Lissoni Inc. en Nueva York, donde se desarrollan diseños de interiores para los mercados de América, Canadá y América Central y del Sur.
Actualmente, Lissoni y su equipo -compuesto por más de 70 arquitectos, diseñadores y diseñadores gráficos- trabajan en una gama infinita de productos y proyectos.
Los proyectos a nivel mundial incluyen villas privadas, edificios residenciales, oficinas, fábricas, teatros, restaurantes, hoteles, salas de exposiciones, stands comerciales, tiendas y yates.
La forma en que Piero Lissoni contribuye al mundo de la arquitectura y el diseño no es invasiva, abrumadora y sofocante, sino que es sosegada pero innovadora y muy personal, combinando sus líneas con los elementos circundantes, ya sea la naturaleza o un edificio.
Sus espacios tienen ese sentimiento ordenado, combinado con toques inesperados que caracterizan el conjunto y lo hacen distintivo. En diseño su estilo es fluido, simple y cómodo, con un fuerte sentido del diseño de producto sensato.
Piero Lissoni ha declarado en alguna ocasión, resumiendo su filosofía y su visión, que “La estética no es diferente en arquitectura, dirección de arte, diseño interior o diseño: la estética es una filosofía y las pautas son simplicidad, elegancia y silencio“.
Piero Lissoni es director de arte de Alpi; Boffi; De Padua; Lema; Living Divani; Lualdi y Porro.
Su equipo multinacional crea soluciones (productos y stands de exposiciones) para empresas tan relevantes y de prestigio como: Alessi; Audi; B & B Italia; Bonacina 1889; Cappellini; Cassina; Cotto; Fantini; Flos/Antares; Fritz Hansen; Glas Italia.
Golran; Illy; Kartell, para la cual diseñó la famosa y desafiante silla “Piuma“; Kerakoll Design Casa; Knoll International; Lualdi; Matteograssi; Olivari; Pierantonio Bonacina; Poltrona Frau; Riva 1920; Sabattini; Salvatori; Sanlorenzo; Tecno; Thonet; Wella; Viccarbe y Yachts .
Las incursiones en el mundo de la moda incluyen diseños de tiendas y showrooms para marcas como: Benetton; Brosway; Gallo; Piazza Sempione; Santandrea o Serapian, además de salas de exposición e identidad corporativa para el diseñador estadounidense Elie Tahari, con sede en la ciudad de Nueva York.
Diseñó las nuevas tiendas insignia para De Padova y Fantini en Milán; para Lema en Londres; las salas de exposiciones Alpi y Altagamma en Milán; el Kerakoll Design Lab en Sassuolo.
La experiencia en interiorismo y la pasión de Piero Lissoni por la cocina llevaron a la firma a diseñar el restaurante Filippo la Mantia Oste e Cuoco (2015) para el chef siciliano, y el restaurante D’O para el famoso chef Davide Oldani (2016).
También el interés de Lissoni por el mundo del arte lo llevó a diseñar la exposición sobre el pintor renacentista “Bernardino Luini ei suoi Figli” en el Palazzo Reale (2014) de Milán.
La sala para exposiciones temporales en el Museo Bagatti Valsecchi, inaugurado con la exposición “El tríptico de Antonello da Messina “(2015), seguido por la exposición “Jacques Henri Lartigue fotógrafo” (2017), y la retrospectiva del fotógrafo Giovanni Gastel -comisariada por Germano Celant– en el Palazzo della Ragione (2016).
Las incursiones en el mundo náutico de Piero Lissoni incluyen el diseño de los interiores del yate de vela de 36 m “Ghost” (2005), en colaboración con Brenta Yacht Design Studio, y propiedad de un comerciante de arte de Nueva York.
El yate a motor de 50 m “Tribù” (2007), en sociedad con el astillero de Mondo Marine y diseñado para Luciano Benetton, y el interior del yate a motor “SX88” de 27 m (2017) con el astillero Sanlorenzo, presentado oficialmente en el Festival de Yates de Cannes y en la Triennale de Milán.
Los proyectos arquitectónicos de Piero Lissoni incluyen el Bentley Design HotelTM (2002) en Estambul; la renovación de las áreas públicas del Hotel Monaco & Grand Canal (2002-2004) en Venecia; el Mitsui Garden Hotel (2005) en Tokio.
Una villa cerca de Como (2005); re-diseñó las nuevas oficinas del Grupo La Rinascente (2006) en Milán y la sede de Living Divani (2007) en Anzano del Parco.
Un loft privado en Monza (2009); la flagship store de ocho plantas de Benetton (2009) en Kadıköy, en Estambul; la sede de Glas (2010); el Hotel Mamilla (2009) en la Ciudad Vieja de Jerusalén; el Studio M Hotel (2010) en Singapur.
El Hotel Bellariva (2010), una histórica casa solariega en el Lago de Garda, transformado en un elegante hotel; las suites principales para el Pierre Hotel en New York (2010) y para el Taj Palace Hotel (2010) en Mumbai, y la sede de Matteograssi (2011) cerca de Milán.
Para la multinacional holandesa Stage Entertainment, Piero Lissoni renovó el histórico Teatro Nazionale (2009) en Milán, hoy dedicado exclusivamente a los musicales. Y convirtió el hoy Conservatorium Hotel (2011-2012), el antiguo Conservatorio de Música de Ámsterdam -en la zona de Museum Square– en un hotel de lujo.
Sus proyectos incluyen también la renovación de Ferrari Club House en el circuito de Fiorano; un taller de pastelería en el restaurante Filippo La Mantia dentro del Hotel Majestic en Roma junto con la renovación completa de las salas de recepción históricas (Salone Verdi y Sala Mozart) del mismo hotel; apartamentos y villas privadas en Suiza e Italia; tiendas y showrooms en París, Londres, Frankfurt, Milán.
El Hotel Mare Pineta en Milano Marittima, el primer Gran Hotel de la costa inaugurado en 1927; el Billia Grand Hotel & Casino en Saint Vincent (Valle de Aosta) con su vecino Parc Hotel Billia, el spa L’Eve, el Casino de la Vallée y el Centro de Congresos (2013-2014).
La arquitectura interior del Hotel David Citadel (2013-2016) con sus 384 habitaciones en la ciudad vieja de Jerusalén; la bodega Sant’Orsola en Piamonte (cerca de Alba), y el Roomers Hotel Baden-Baden (2016) con sus 130 habitaciones y spa en Alemania.
La Casa Fantini, un hotel boutique con spa a orillas del Lago Orta (2017), y doce hoteles en Corea del Sur para Shilla Stay Hotels (2017).
Entre las últimas comisiones están The Oberoi Beach Resort Al Zorah en Ajman (Emiratos Árabes Unidos); La Casa Media para el Swire Hotel Group en Shanghai; exclusivos condominios y villas frente al mar para Miami Beach Ritz-Carlton Residences; una casa de lujo en Nueva York y una villa privada en Amsterdam.
Su trabajo es reconocido en todo el mundo y le ha valido una serie de premios internacionales. Entre ellos el Fondo de pantalla “Best Grid“, Premio de diseño 2015 por el “Sofá Lipp” para Living Divani; Ganador 2016 “Mejor producto/sistema de equipamiento” 1st Salone del Mobile; Premio Milano Commodore – Glas Italia.
Ganador 2016 “Meilleur hotel du Moyen Orient“, Premio Villégiature 2016 por el Mamilla Hotel (Jerusalem); Ganador del 2017 Fondo de pantalla de “Best Ribs and Ripples“.
Ganador del 2017 “Red Dot Award/Best of the Best” Essen (Alemania) por la silla “Piuma” para Kartell; Ganador icónico de “Interior/Arquitectura” 2017 por Roomers Hotel Baden Baden, concedido por el Consejo Alemán de Diseño.
Piero Lissoni es conferenciante invitado y miembro de la Junta Asesora del Politecnico de Milán, y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Diseño de Interiores de Nueva York.
Piero Lissoni (pág. web).
El arquitecto y diseñador Piero Lissoni.
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