Découvrir la Pose Longue en photographie. Tout savoir sur cette pratique (technique, matériel, astuces)

Découvrir la Pose Longue en photographie. Tout savoir sur cette pratique (technique, matériel, astuces)

Ces derniers mois, j’ai partagé beaucoup d’astuces généralistes sur les bases de la photo et sur la composition. Pourtant, j’ai noté que beaucoup des lecteurs de mon blog avaient parfois des pratiques plus spécifiques. Je me suis dit que ça serait bien de faire un article ou l’autre sur des sujets ou des domaines plus particuliers de la photo. La première à laquelle j’ai pensé est une pratique…

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Sunrise on Tuan Giao (Lever de soleil sur Tuần Giáo) J'ai reçu des centaines de plaintes, protestations et autres vitupérations, c'est vrai, cette année, le 31 janvier à 23h47 il ne s'est rien passé, vous n'avez rien reçu, je n'ai pas envoyé mes voeux photographiques. Je sais que pour beaucoup d'entre vous, c'est quasiment vital et que cette absence vous donne le sentiment que l'année n'a pas vraiment commencée. Ce dramatique incident est essentiellement lié à un problème technique de distribution que je dois encore résoudre. Mais pas d'inquiétude, je mijote quelques mauvais coups, vous recevrez certainement bientôt une newsletter pour annoncer le printemps. Mon année 2022 n’était pas exceptionnelle mais j’avais quand même deux ou trois petits trucs à raconter. Pour les plus impatients, l'Atelier reste ouvert aux visiteurs curieux, sur demande et de préférence à l'heure de l'apéro, des douzaines de nouvelles oeuvres ont été fabriquées et accrochées du sol au plafond, dont cette photo, dans un élégant grand format rococo noir en bois sculpté. https://ift.tt/JP8YKBu Sunrise on Tuan Giao (Lever de soleil sur Tuần Giáo) 2008-10 North Vietnam https://ift.tt/oS2iXLI #vietnam #travel #paysage #landscape #dreamscape #travelphotography #wanderlust https://instagr.am/p/CoNbQ_IIE5B/

Toujours pratiquer l'art photographique dans la même région

Pour des raisons tout à fait personnelles, je ne peut pas trop m'éloigner de chez moi pour faire de la photographie. Pourquoi serait ce un avantage, ou un désavantage, de toujours pratiquer l'art photographique dans la même région?

J'ai pas mal réfléchi à la question et voici mes conclusions: En fait, en photographiant régulièrement dans la même région, vous développez une connaissance intime des lieux, des paysages, des conditions météorologiques et des variations saisonnières. Cela vous permet de repérer les meilleurs endroits et moments pour capturer des images uniques et spéciales. En vous concentrant sur une région spécifique, vous avez l'opportunité d'explorer en profondeur ses caractéristiques uniques. Vous pouvez documenter les changements survenant au fil du temps, suivre des événements locaux et créer un récit visuel de votre région. En vous spécialisant dans la photographie d'une région spécifique, vous pouvez développer un style artistique unique et reconnaissable. Vos images peuvent refléter l'essence et la beauté spécifiques de votre région, créant ainsi une cohérence visuelle dans votre travail. Ceci étant dit, rester dans la même région peut limiter la diversité des sujets disponibles pour votre photographie. Si vous recherchez des sujets spécifiques qui ne sont pas présents dans votre région, vous pourriez ressentir une certaine stagnation créative. Photographier continuellement dans la même région peut entraîner une certaine lassitude ou une impression de répétition. Vous pourriez vous sentir limité par les mêmes paysages et motifs, ce qui peut nécessiter une plus grande créativité pour trouver de nouvelles perspectives. Si votre région présente des caractéristiques visuelles limitées, vous pourriez vous retrouver à produire des images qui se ressemblent souvent. Cela peut rendre difficile le développement d'une variété de styles et de techniques photographiques. En fin de compte, que ce soit un avantage ou un inconvénient de pratiquer l'art de la photographie dans la même région dépend de vos objectifs artistiques personnels, de votre créativité et de votre capacité à trouver de nouvelles façons d'explorer et de capturer votre environnement. Read the full article

David Hockney (UK b 1937), Bigger Trees Near Warter, 2007

Bigger Trees Near Warter or ou Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique is a large landscape painting by British artist David Hockney. Measuring 460 by 1,220 centimetres or 180 by 480 inches, it depicts a coppice near Warter, Pocklington in the East Riding of Yorkshire and is the largest painting Hockney has completed.It was painted in the East Riding of Yorkshire between February and March 2007. 

The painting's alternative title alludes to the technique Hockney used to create the work, a combination of painting out of doors and in front of the subject (called in French ‘sur le motif’) whilst also using the techniques of digital photography.

Vues de mon leporello format a5 appartenant au projet éditorial AVALANCHE 4 @avalanche_4.0, 5 faces recto (Sans titre #1 à #5, 2022, technique mixte sur papier, 29,7 x 21 cm) et 5 faces verso (archives photographiques personnelles, textes écrits en 2022 et 2023, coupure de presse etc.).

Projet @aisnestreetprojects (2018 - en cours) porté sur l'histoire récente de mon département d'origine, l'Aisne, principalement les territoires de Tergnier, Beautor, La Fère et Chauny. Un grand merci au @fracpicardie @bourdetti @miratmasson, les artistes participants, la DRAC Hauts-de-France, l'Artothèque de Tergnier, et les médiathèques de Tergnier, Condren et Sinceny.

Le projet @aisnestreetprojects sera en partie visible à Laon dès janvier 2024 dans le cadre de mon exposition personnelle CE QU'IL FAUT SAUVER, à la Maison des Arts et Loisirs, en partenariat avec le @fracpicardie !

Coordination graphique : Mirat-Masson

Crédit photographique : Gabriel Folli

Cinématographe Lumière par Marcelin Auzolle, 1896.

La fascination constante des hommes pour les représentations animées a conduit de nombreux savants de l’époque moderne à concevoir des appareils permettant de projeter une succession d’images fixes. Ainsi, au XVIIIe siècle, les « optiques » des montreurs d’images ambulants, caisses à travers lesquelles le spectateur aperçoit des scènes lumineuses édifiantes, connurent un franc succès. Ce n’est cependant qu’à la fin du XIXe siècle que les tentatives de figuration du mouvement aboutirent avec la mise au point du cinématographe par Louis Lumière (1862-1948). Déjà célèbre pour ses recherches photographiques, ce savant s’est appuyé en particulier sur les travaux d’Emile Reynaud, Etienne Marey et Thomas Edison, les inventeurs respectifs du praxinoscope (1877), du fusil chronophotographique (1882) et du kinetoscope (1891), pour parvenir à projeter des images photographiques animées sur un écran, au moyen d’un appareil de prises de vue et de projection mécanique, capable d’entraîner une bande. Après avoir déposé un brevet le 13 février 1895 pour « un appareil servant à l’obtention et à la vision des épreuves chronophotographiques », les frères Auguste et Louis Lumière, associés dans leur profession, organisèrent à Paris le 22 mars une première projection publique du film La Sortie des usines Lumière, qui rencontra immédiatement un véritable succès. C’est ainsi que l’exploitation commerciale de l’appareil débuta officiellement le 28 décembre 1895, lorsqu’eut lieu la première séance publique payante à Paris, dans le Salon indien du Grand Café, boulevard des Capucines. Devant l’accueil triomphal du public, les frères Lumière étendirent l’exploitation commerciale du cinématographe en envoyant dès 1896 leurs opérateurs le diffuser dans le monde entier. Parallèlement, la production des films Lumière atteignit son apogée entre 1896 et 1897, pour ensuite connaître une récession due non seulement à la fin de l’exploitation du cinématographe aux Etats-Unis, mais aussi et surtout à l’absence de renouvellement du répertoire des scènes filmées. En effet, Louis Lumière, qui envisageait le cinéma non comme un spectacle mais comme une conquête technologique, recentra bientôt son activité sur la photographie. Poursuivant ses recherches techniques sur la qualité de l’image photographique, il parvint en 1903 à mettre au point l’autochromie, un procédé très élaboré qui autorise la reproduction des couleurs, tandis que de grandes compagnies créées par Charles Pathé et Louis Gaumont entre autres se lancèrent dans la production de films. Jusqu’en 1914, les cinéastes explorèrent différentes voies. Ainsi Georges Méliès, qui prit pleinement conscience de l’importance esthétique du nouveau procédé, réalisa-t-il des films dans lesquels la réalité disparaît au profit de la fantaisie et de la poésie. L’introduction progressive de la fiction et l’élaboration d’une écriture propre permirent ainsi au cinéma de se dégager progressivement de ses origines et d’accéder à la maturité, en devenant un art à part entière.

AUGUST SANDER - La nouvelle objectivité, l’Allemagne des années 20.

Première vue d’ensemble sur ce courant artistique en France, l’exposition pluridisciplinaire du Centre Pompidou se penche sur l’art et la culture de l’Allemagne des années 1920, dans un parallèle avec l’œuvre du photographe August Sander.

L’ensemble de cette exposition aussi riche qu’inédite trace un parcours qui donne toute leur visibilité aux représentations artistiques de l’Allemagne d’August Sander, qui fit de l’objectivité absolue le principe premier et exclusif de son travail.

Entre les deux guerres mondiales, l’Allemagne fut un creuset où nombre de révolutions plastiques se mêlèrent en s’opposant. Né avant-guerre, l’expressionnisme et l’abstraction y respirent encore, mais leur élan a été brisé par le conflit et ses dégâts collatéraux. La vocation spirituelle de l’art, ses ambitions idéalisantes, son apologie de l’imagination créatrice, la confiance qu’il accordait à la subjectivité émancipatrice ne sont plus à l’ordre du jour. 

En réaction, un nouveau ce courant artistique va naître et prendre de l’importance, baptisé Neue Sachlichkeit, autrement dit Nouvelle objectivité, il va se développer en imprégnant toutes les formes d’expressions artistiques et culturelles de la société allemande jusqu’en 1939.

Au sortir de la première guerre mondiale, c’est une ère de contrastes qui s’ouvre dans une Allemagne aussi désabusée que riche de créativité. D’un côté, les aspirations démocratiques naissantes de la République de Weimar, l’essor fulgurant de la technique, la libération des mœurs, voire d’une marginalité jusqu’alors réprimée. De l’autre, la fin des illusions et des utopies terrassées dans l’enfer des tranchées, la violence irréfrénée du développement industriel, et la montée des totalitarismes.

L’arrivée au pouvoir du nazisme, en 1933, mettra brutalement fin à la vague créative de la Nouvelle Objectivité, qualifiée « d’art dégénéré » par les représentants du Troisième Reich qui ordonnèrent la destruction de très nombreuses œuvres des artistes associés au mouvement. 

Pour beaucoup inspirés par les idéaux socialistes, ces derniers dépeignent une société aux antipodes des dérives fascistes qui s’annoncent, célébrant tour à tour la solidarité entre les travailleuses et les travailleurs, la transgression des normes, le progrès humain, l’émancipation sexuelle, tout en dénonçant les souffrances dues au militarisme et la grossièreté brutale d’une bourgeoisie qui soutiendra bientôt l’accession d’Hitler au pouvoir.

Pluridisciplinaire, l’exposition réunit peinture, photographie, architecture, design, littérature, autour de quelques-unes des grandes figures de l’art allemand des années 1920. On y retrouve ainsi des œuvres marquantes de Hans Baluschek, Aenne Biermann, Heinrich Maria Davringhausen, Rudolph Dischinger, Otto Dix, Franz Xaver Fuhr, Wilhelm Heise, George Grosz, Oskar Nerlinger, Lotte B. Prechner, Rudolf Schlichter, Georg Scholz, ou encore Karl Völker. 

La première partie de l’entre-deux-guerres apparaît comme ailleurs comme une parenthèse, dans une Allemagne en ébullition qui hésite entre les promesses offertes par le progrès social et technologique, et la nostalgie d’un empire synonyme de puissance.

L’impressionnant travail photographique d’August Sander fait office «d’exposition dans l’exposition». Dans une démarche documentaire, le portraitiste originaire de Cologne réalise « une coupe transversale de la société allemande, reflétant les bouleversements et les distorsions de son histoire ».

Familles ouvrières ou paysannes, grands ou petits bourgeois, artistes ou marginaux : les séries de portraits rassemblées au Centre Pompidou constituent un témoignage sans équivalent du quotidien et des divisions de l’Allemagne de Weimar. 

L’ensemble est d’une richesse exceptionnelle et notamment du fait qu’une grande matière à réflexion est proposée par ces nombreuses œuvres, sans pour autant que ne soit résolu le mystère de cette période sociale et politique aussi sombre que complexe. Ce sont ces années charnières qui menèrent aux affres de la seconde guerre mondiale, on scrute les images et on lit avidement tous les commentaires proposés dans l’espoir de saisir un nouvel éclairage sur ce qui fit advenir l’horreur. 

Aucune explication ni aucune analyse n’est proposée, mais grâce à la monstration de ces nombreuses œuvres aussi radicales que dérangeantes, une certaine lumière s’impose, envers et malgré tout. 

Journal d’un photographe / Après une si longue absence / Journal d’Auvergne

Grande commande photographique - BNF - Bibliothèque nationale de France/ Ministère de la Culture.

Mardi 31 mai.

La Chaumette, Haute-Loire. RDV avec Anaïs. Elle est technico commerciale, vend et assure des suivis et conseils techniques de produits naturels pour le travail du sol. C’est par le cousin de Claude, la femme de mon plus vieux copain Henri que j’ai eu ce contact. On a rendez-vous avec Pierre C., 26 ans, exploitant agricole, 70 hectares, 110 à 120 bêtes, viande et veaux de boucherie (veaux sous la mère), c’est comme ça que l’on dit. Il est seul à travailler dans l’exploitation.

 Anaïs est super pro et très sympa, jeune comme l’exploitant photographié.

Murat : chambre d’hôte pour touriste.

Demain je dois photographier un producteur de fromage (entre autre le goûteux Salers) et un thé dansant, finalement annulé faute de participants.

BNF / Au final il y aura un rendu de dix photographies. Beaucoup de photos, que j’appellerais « intermédiaires », non choisies mais importantes dans le cadre de mon histoire paraitront dans ce journal. Elles seront le ciment de ce projet personnel qui dépassera la commande.

Les modestes textes de mon journal de bord essayeront de raconter le déroulé et les raisons de ce travail. Ils sont écrits à partir de notes glanées pendant la journée et de souvenirs de route.

Robe, Espace Intime, 2021 (Prototype 1),tirage photographique, 152x152 cm, incisée et plié. Installation et performance filmée, video loop 6 min, Pays d'Aix, 2021.

Les robes prototype 1 et 2 ont été réalisées avec l'aide de Carine Kuntz pour la couture sur la photographie imprimée sur toile à Berlin en septembre 2021.. Ces prototypes ont donné suite à un workshop avec les femmes de l'association "Une voix pour elle" et le centre social "Harpèges" pendant la résidence "artiste en territoire" en Pays de Grasse en 2021-2022.

Porter physiquement l’image de l’intérieur d’une maison, se couvrir de cette image, habiter l’image - sont des thèmes abordés par ce pliage simple. Je reviens à plusieurs reprises pour photographier une maison à l'abandon à Maussane-les-Alpilles, jusqu'a sa disparition complète en 2022. Je documente plusieurs pièces de l’intérieur de la maison afin d’avoir assez de matière pour porter cette empreinte visuelle vers l’extérieur.

Le tirage utilisé pour le prototype 1 documente l'intérieur de la maison avec les portes ouvertures entre espace de vie et espace cuisine, les tapisseries abimées se décollent des murs. La robe cousue à partir de cette photographie n'est pas un patron à assembler. Elle est faite à partir d'une photo complète et peut redevenir une image plate à tout moment, grace à la technique des incisions sur l’image originale, tirée sur une matière avec le meme grain que les tapisserie d'origine. La matière rigide n'épouse pas les formes du corps mais laisse un espace « d’intérieur » entre la carapace (ou les parois) et le corps qui porte l’image. Les murs porteurs sur la photographie deviennes des "murs" souples à déplacer à l'échelle de corps. Dans la performance l'image passe par plusieurs formes, évoquant la forme d'une maison, les murs en train de s'effondrer, un paravant qui s'ouvre, une tente, un drap etc...

Je distingue entre le terme robe et costume. Mes pièces ne sont pas des costumes, par leur fabrication, il s’agit des images entières compactées rendu mobiles pour les performances.

Alfons Alt  Bestiae

Peliti Associati, 2000, 138 pagine, 25 x 31 cm., ISBN  9788885121645

euro 35,00

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Bestiaire photographique réalisé par l´artiste-photographe (né en 1962 en Allemagne) selon une technique  pigmentaire , non argentique... Si chaque animal photographié renvoie à une imagerie connue et conventionnelle, il ne s'agit pas pour Alfons Alt, de documenter une espèce. Chaque animal porte un nom (le percheron Raspoutine, le macaque Jimmy...) et l'image devient son portrait. Le sens symbolique est omniprésent dans l'oeuvre de ce photographe animalier.

15/09/22

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La Photographie - Un Art ou Pas ?

La Photographie – Un Art ou Pas ? La photographie est un domaine qui suscite de nombreux débats, en particulier sur la question de savoir si elle peut être considérée comme un art véritable. Pour aborder cette question, il est essentiel de comprendre les nuances et les complexités qui entourent la photographie. Tout d’abord, la maîtrise de la photographie nécessite du talent. Ce n’est pas…

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‘’Cérémonial Saphique’’ (1971)_______________Clovis Trouille.

Technique mixte collages photographiques et huile Dimensions: 60 x 90 cm

La cible animale : le regard scopique 

tuer ou regarder, ici inséparable, parce qu’on tue, on regarde mieux, on sait où regarder, on regarde la vie et la mort aussi, peut-être l’oeil qui regarde à travers la gâchette cligne t’il, on ne le sait pas.

L’histoire de la photographie et de la photographie animalière. L’histoire du regard et de la chasse, de la capture d’image et d’être. Une histoire qui touche là comme sa fin.

Qui filme, quel est ton nom et ton visage ?

En regardant ces vidéos j’ai appris sur le comportement des animaux. Comment ils mourraient, réagissaient au bruit des balles, couraient, fuyaient, agitaient leurs corps dans l’agonie, je peux dire que je les connais mieux. Et eux les connaissent-ils mieux ? Faut-il enlever la vie pour connaitre jusqu’au bout ? Savoir du meurtrier.

Ils regardent et jouissent, et publient ces vidéos , on les trouve facilement sur Internet. Mais pourquoi les trainer par terre par exemple ? Pourquoi filmer ? Que cherchent-ils à montrer ? Le contrôle, la vengeance ? La preuve de la force à montrer aux autres hommes ? Regarder à quoi nous sommes contraints ? Regarder ce que sommes poussés à faire ? Regarder comme nous sommes équipés, préparés, aguerris ? 

Pourquoi publient-ces vidéos, que veulent ils montrer, aux autres, au monde, qu’ils contrôlent, qu’ils se défendent, qu’ils ont le dessus ? Qu’ils y arrivent. Oui, on y arrive, voyez, voyez. Oui, on voit.

Et je vois autre chose.

Que se passe t’il dans l’oeil du chasseur, dans ce rêve du chasseur ? Ce qu’il voit je ne sais pas, ce que nous voyons qu’est-ce ?

Que c'est facile de tuer. Ça ne fait rien dans le monde que l’on tue, ça se fait dans le grand silence des plaines.

Dans cette vision qui promet la mort, qui contemple avec le pouvoir de décision ultime, elle observe avec la permission de tuer, le viseur aide à cibler, à cadrer, enfin, les hommes se défendent. On découvre l‘affaissement d’un animal, 

La pratique de la chasse (ou l'influence de cette pratique) a engendré, pour certains amateurs de photographie, la création d'une discipline propre : la chasse photographique dans laquelle un photographe, dans l'intention de ramener des images d'animaux, utilise les moyens et les techniques empruntés aux chasseurs traditionnels pour approcher des animaux.

Là où l'objectif premier du chasseur est de tuer un animal afin de ramener une source de protéine sauvage, celui qui pratique la chasse photographique ne rapportera que des images comme trophée.

Pourquoi un blog?

Au début, mes galleries me suffisaient! Maintenant, me prend l'envie d'ajouter un blog sur la photographie! En fait, je me suis dit qu'un blog sur la photographie peut être un excellent moyen pour moi de partager ma passion, de créer une communauté, d'apprendre et d'enseigner, de m'inspirer et d'inspirer mutuellement, de développer une présence en ligne et de progresser en tant que photographe. Donc, voilà, je me suis dit qu'un blog me permet de partager mon amour pour cet art avec les autres. Je peux partager mes expériences, mes connaissances techniques, mes astuces et mes découvertes artistiques, de rassembler une communauté de personnes partageant les mêmes intérêts. Les amateurs de photographie, les passionnés ou même les professionnels peuvent trouver mon blog, commenter mes articles, échanger des idées et des conseils, et créer des liens avec d'autres passionnés. J'ai aussi la prétention de penser que mon blog peut servir d'inspiration pour les autres photographes en montrant mon travail et mes réalisations. Je peux également être inspiré(e) par les commentaires et les réactions de ma communauté, ainsi que par d'autres blogs et photographes que je découvre dans mon domaine, que c'est un excellent moyen d'apprendre de nouvelles techniques, d'explorer différents genres photographiques et de partager mes propres connaissances avec les autres. Je peux écrire des tutoriels, des critiques d'équipement, des guides pratiques, des conseils de composition, etc. Et enfin, de suivre ma propre évolution en tant que photographe. Je peux documenter ma progression, partager mes réussites et mes échecs, recevoir des commentaires constructifs et grandir dans ma pratique. Read the full article

Découvrez la technique du vertorama qui résout certains problèmes lors de la prise de vue et comment l’assembler dans Lightroom par la suite.