#Historia del Arte
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Virgen de los Lirios, Alphonse Mucha, 1905
Información General
Técnica: temple
Soporte o material: lienzo
Dimensiones: 247cm x 182cm .
Obra del gran maestro Alphonse Mucha (Ivaneice, 1860 - Praga, 1939). Fue un pintor, ilustrador y artista gráfico checo que vivió en París durante el período Art Nouveau.
Aunque es una de las obras menos conocidas de este artista, no deja de sorprender el nivel de técnica que lleva.
En 1902, Mucha fue comisionado para decorar una iglesia en Jerusalén dedicada a la Virgen María. La obra es uno de los murales que sería puesto en la iglesia. El proyecto se canceló más adelante por razones desconocidas, así que todo el remanente del encargo terminó en la colección Mucha Trust.
De caracter religioso, representa a María, virgen purísima según palabras de su autor. El fondo está sembrado de lirios que dejan una representación muy clara de lo que el artista quería expresar en la obra.
La santa madre, con aspecto casi infantil, posa vestida de telas muy pesadas cubriendo su pecho y mirando hacia abajo, donde hay una niña vestida con ropa tradicional de la cultura eslava. Ella, con una expresión ligeramente triste, inclina la cabeza hacia la izquierda, lo que nos dirige la mirada hacia la Virgen.
Ambas parecen estar conectadas entre sí por una de las telas del vestido de María. Se cree que la niña representa la vida profana cargada de belleza en el sufrimiento y la felicidad, María entonces al fondo, casi como si flotara, vigilándola desde un punto muy alto. Un encuentro del mundo real y el mundo ideal.
La imagen transmite a quien la ve una sensación serenidad y nostalgia. La virgen, con su expresión tranquila y los colores que lleva, dan la sensación de proteger al observador y la niña, quien tiene una expresión ligeramente triste.
Para dar este efecto, Mucha da uso a su característica paleta con colores poco saturados en una paleta complementaria doble que combina tonalidades azules y verdosas con amarillas y rojizas.
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Revelation
Flok, Mik and Puk
Liliana and Flor de Lli
The grecos dancing a sardana
Illustrations for the poem "Liliana" by Apel·les Mestres, Apel·les Mestres, 1905.
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VELÁZQUEZ, DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y (Hacia 1630) Vista del jardín de la Villa Medici de Roma con la estatua de Ariadna [Óleo sobre lienzo] Museo Nacional del Prado, Madrid, España
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"Del Impresionismo a la Abstracción: El Cambiante Mundo del Arte Contemporáneo 🎨🌈 #ArteContemporáneo #EvoluciónArtística"
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5 artistas indígenas paraguayos que reflejan su propia cultura y estilo
Los artistas indígenas paraguayos destacan por sus obras llenas de mensajes visuales que reflejan sus respectivas comunidades. Muchos de ellos vivieron, en carne propia, la desidia del gobierno y la pérdida de varias costumbres ancestrales por las invasiones de sus tierras.
Esto los llevó a refugiarse en el arte, en donde vieron una forma de sustento para sus familias, a la par que buscan…
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En el arte no sólo es la pintura si no también el sigfinicado tan profundo qué pueden tener y del que aveces ni nos imaginamos, es un forma de expresar nuestros sentimientos y emociones.
El arte no sólo es la pintura si no que existen diferentes tipos de arte como las arquitecturas, las esculturas, la música, la literatura, la danza, el cine también se incluyen la fotografía y el cómic, qué se incorporaron en el siglo XX
Pero... ¿sabemos de donde viene el arte? Las primeras manifestaciones artísticas viene de la prehistoria aproximadamente en el año 3.000 a.c, en este tiempo los humanos vivían en cuevas y sus dibujos los hacían en las paredes de piedra y para ello utilizaban la arcilla y el óxido. Ellos pintaban animales como: leones, hienas y caballos, también escenas de caza.
Poco a poco el arte fue cambiando según su época luego de la prehistoria comenzó el arte Egipcio y Mesopotamia.
El arte egipcio: se caracteriza por el colosalismo y monumentalismo de su arquitectura, por el hieratismo y frontalidad de sus esculturas.
El arte mesopotamia: es el arte qué se emplea en materiales de ladrillo.
Luego se fueron dando diferentes tipos de arte como:
El arte griego: este se caracterizaba por la búsquedas de la belleza ideal era hecho a la medida del hombre buscando el equilibrio y la belleza idea.
El arte en la edad media: este estuvo influenciado por la religión cristiana y fue patrocinado por iglesias y monasterios.
El arte renacentista: trataba de recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y la belleza, también tocaba temas mitológicos.
El arte de la Edad Moderna: se caracterizó por experimentar nuevas técnicas para crear obras más realistas.
El arte en la Edad contemporánea: se rompieron los estilos tradicionales reflejando innovación basado en un estilo experimental con influencias del arte abstractos.
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Androcles y el Leon. Mueso de Arte de Auckland. Briton Riviere (1908)
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El Popocatépetl e Iztaccíhuatl .
La leyenda de los volcanes es quizás uno de los relatos prehispánicos más difundidos en el Mexico actual. Cómo es de esperar, las versiones y detalles de esta historia varían (dependiendo el pueblo y región). Una de las más populares va así: Había una vez un Caudillo Tlaxcalteca que buscaba liberar a su pueblo del yugo mexica y en consecuencia decidió levantarse en armas. El Caudillo tenía una hija llamada Iztaccíhuatl, que era considerada la más hermosa de todas de las nobles tlaxcaltecas. Ella estaba enamorada del valeroso y noble guerrero Popocatépetl. El guerrero le pido al Caudillo por la mano de su hija y este aceptó con la condición de que volviera victorioso de la guerra . Sin embargo, un rival de Popocatépetl en un arranque de celos le dijo a la princesa que su amado había muerto en batalla. La princesa se agobió tanto que murió de tristeza. Popocatépetl volvió victorioso de la guerra y busca de su amada. Al enterarse de lo ocurrido una gran tristeza lo invadió, por lo que tomó el cuerpo de su amada y se la llevó a una montaña. Ahí, mientras custodiaba el sueño eterno de Iztaccíhuatl, los dioses y la nieve los transformaron en volcanes. Donde permanecen juntos hasta nuestros días.
La leyenda de los volcanes ha inspirado a múltiples piezas de arte y literatura, por ejemplo el poema de Santos Chocano, cuyo fragmento más melancólico va así: Duerme en paz, Iztaccíhuatl nunca los tiempos
borrarán los perfiles de tu expresión.
Vela en paz, Popocatépetl: nunca los huracanes apagarán tu antorcha, eterna como el amor…Aportacion de corazón de Aztlán.
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En este vídeo repasamos las claves y grandes ejemplos del movimiento literario conocido como el "absurdo".
La literatura del absurdo es un movimiento literario que surgió en el siglo XX, principalmente en la década de 1950. Este estilo se caracteriza por explorar temas relacionados con la falta de sentido, la irracionalidad y la desconexión entre el individuo y el mundo que lo rodea. Algunos de los autores más destacados de la literatura del absurdo incluyen a Samuel Beckett, Albert Camus y Franz Kafka.
En estas obras, los personajes a menudo se enfrentan a situaciones absurdas y sin sentido, y luchan por encontrar significado en un mundo aparentemente indiferente. La literatura del absurdo cuestiona las estructuras sociales, la lógica convencional y la comunicación humana, y a menudo se expresa a través del humor negro y la sátira.
Un ejemplo emblemático de la literatura del absurdo es la obra "Esperando a Godot" de Samuel Beckett, donde dos personajes pasan su tiempo esperando a alguien que nunca llega, lo que plantea cuestiones existenciales y filosóficas sobre la vida y la muerte.
En resumen, la literatura del absurdo se caracteriza por su enfoque en la falta de sentido y la irracionalidad de la existencia humana, y ha tenido un impacto significativo en la literatura y la filosofía del siglo XX.
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📜⠀Título: Thérèse sur une banquette. 👨🏻🎨⠀Autor: Balthus. 🗓️⠀Datación: 1939. 🎨⠀Estilo: Expresionismo. 🌍⠀Ubicación: colección privada. 📏⠀Medidas: 72.7 x 91.9 cm. 🔖⠀Género: escena de género.⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
🎬⠀ Comparado con: Nymphomaniac. Volume I (2013), dirigida por Lars von Trier.
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Joven madre cosiendo (1900), óleo sobre lienzo, Mary Cassatt
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ALENZA Y NIETO, LEONARDO (ca. 1839) Sátira del suicidio romántico [Óleo sobre lienzo] Museo del Romanticismo, Madrid, España
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El arte de la antigua Grecia: Un viaje en el tiempo
El arte de la Antigua Grecia es testimonio de la creatividad y el ingenio de una civilización que floreció hace más de 2.500 años. Desde las majestuosas esculturas de dioses y diosas hasta la intrincada cerámica y la delicada joyería, el arte de la Antigua Grecia sigue inspirando y cautivando a personas de todo el mundo. En este artículo, haremos un viaje en el tiempo y exploraremos las diferentes formas de arte que caracterizaron este fascinante periodo.
La primera época: Arte geométrico y arcaico
El periodo más antiguo del arte de la Antigua Grecia se conoce como periodo geométrico (900–700 a.C.). Durante esta época, los artistas griegos crearon intrincados diseños y patrones en cerámica utilizando un compás y una regla. Estos diseños incluían formas geométricas como triángulos, círculos y rombos, así como animales y criaturas míticas.
En el siguiente periodo, el Arcaico (700–480 a.C.), aparecieron las primeras esculturas. Estas esculturas eran en su mayoría de mármol o bronce y se crearon para honrar a los dioses y héroes de la Antigua Grecia. La más famosa de estas esculturas es el Kouros, una estatua de un joven erguido con los brazos a los lados. Estas esculturas estaban muy influidas por el arte egipcio, y las figuras se representaban con poses y expresiones rígidas y formales.
El periodo clásico: El perfeccionamiento de la escultura
El periodo clásico (480–323 a.C.) se considera la edad de oro del arte de la Antigua Grecia. Durante este periodo, los artistas griegos perfeccionaron el arte de la escultura, creando figuras realistas que capturaban la belleza y la gracia de la forma humana. Estas esculturas se caracterizaban por sus proporciones idealizadas y sus poses naturalistas. Una de las esculturas más famosas de este periodo es la Venus de Milo, una estatua de la diosa Afrodita que se conserva en el Museo del Louvre de París.
Además de la escultura, el periodo clásico fue testigo del desarrollo de otras formas de arte, como la pintura y la arquitectura. Los artistas griegos empezaron a pintar en cerámica escenas de la vida cotidiana y de la mitología, y también crearon intrincados frescos en las paredes de los edificios. Los arquitectos griegos diseñaron magníficos templos, como el Partenón de Atenas, que siguen en pie como testimonio de su habilidad y creatividad.
El periodo helenístico: El realismo y el drama
El periodo helenístico (323–31 a.C.) supuso una ruptura con la belleza idealizada del periodo clásico. Los artistas griegos empezaron a adoptar el realismo y el dramatismo, creando esculturas que representaban emociones fuertes y detalles realistas. Una de las esculturas más famosas de este periodo es Laocoonte y sus hijos, una estatua que representa al sacerdote troyano Laocoonte y sus dos hijos atacados por serpientes.
El periodo helenístico también fue testigo de la aparición de nuevas formas de arte, como los mosaicos y la escultura en relieve. Los artistas griegos crearon intrincados mosaicos utilizando diminutas piezas de vidrio o piedra coloreada, y también crearon esculturas en relieve que representaban escenas de la mitología y la vida cotidiana.
Conclusión
El arte de la Antigua Grecia es un fascinante viaje a través del tiempo, desde los intrincados diseños del periodo geométrico hasta las esculturas realistas y dramáticas del periodo helenístico. Los artistas griegos eran maestros en su oficio y crearon obras de arte que siguen inspirando y cautivando a la gente hoy en día. Tanto si le gusta la escultura como la pintura o la arquitectura, el arte de la Antigua Grecia tiene algo que ofrecer a todo el mundo.
Originally published at https://artemartinprieto.com/on March 9, 2023.
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Influencias del Constructivismo Ruso en el Diseño Gráfico Contemporáneo
Aaron Gallardo A.
Escuela de Arte Corriente Alterna
En este ensayo explicaré el impacto que el Constructivismo Ruso ha tenido en los principios y del diseño gráfico producido en el siglo XXI. Comenzaré explorando el contexto histórico y los elementos clave para interpretar obras Constructivistas, lo cual nos permitirá entender cómo este movimiento ha moldeado y actualmente inspira el campo del diseño gráfico de este tiempo. Finalmente, analizaré paralelismos conceptuales y gráficos para ilustrar la relevancia y permanencia del Constructivismo Ruso, enfocándome en la obra de Aleksandr Rodchenko, en el lenguaje visual del Diseño Gráfico actual.
Contexto Histórico
Las agitaciones políticas en Rusia de los años anteriores estallaron en la Revolución de Octubre de 1917, donde Lenin y los Bolcheviques consiguieron tomar el poder político del país. Como en toda Revolución, se construyeron nuevas ideologías y se inauguró un nuevo gobierno con Comisariatos de soviets con planes específicos para el Arte y sus funciones para el Partido Comunista.
Particularmente, el decreto Sobre los Monumentos de la República de 1918 enumera las intenciones de Lenin de servirse de las artes plásticas para realizar propaganda política a gran escala que organice las masas y reeduce las juventudes. Este Decreto contemplaba, entre otras cosas, la restitución de obras zaristas por nuevos monumentos dedicados a la propaganda del Partido (Bark 1995) y la expansión cultural del nuevo arte ruso a toda la URSS.
En este contexto, el nuevo arte no podía seguir obedeciendo a las estéticas burguesas del pasado herederas del naturalismo impresionista y romanticista, sino tenía que extender su visión hacia el presente, teniendo como pilar la propaganda para la organización y movilización de los trabajadores, y también hacia el futuro, creando nuevas estéticas para una identidad comunista mundial.
Con ese fin, las ideas del artista ruso Malévich y los suprematistas tuvieron una influencia importante en el desarrollo del nuevo arte ruso. Malévich planteaba una teoría no-objetiva del arte a partir de la abstracción total de las formas con el fin de elevar la conciencia espiritual a través del arte.
Imagen 1. Kazimir Malévich, Composición Suprematista (1916).
Las pinturas suprematistas se caracterizan por el uso de formas geométricas de colores sólidos flotando sobre un fondo blanco. La pintura ya no es una mímesis que representa objetos del mundo, sean estos naturales o creados por el hombre. Las pinturas ya no representna personas y no exigen una interpretación narrativa sino sensorial a través del innovador uso del color y la composición.
En palabras de Malévich (1927/2003) [traducción propia], “el suprematismo es el redescubrimiento del arte puro que, a través el tiempo, se ha oscurecido por la acumulación de ‘cosas’. Me parece que, tanto para los críticos como para el público, las pinturas de Rafael, Rubens, Rembrandt, etc., se han vuelto nada más que un conglomerado de ‘cosas’ que ocultan su valor real: el sentimiento que causan.”
A partir de las ideas suprematistas, así como el arte naciente Futurista y Cubista y las teorías sobre la forma y el color de Kandinsky, el Constructivismo Ruso se impone como el principal movimiento artístico y educativo que lleva los ideales comunistas al plano de la vida material de las personas, con el fin de reeducar y organizar al proletariado en función a las necesidades de su reorganización social.
2. Principios Clave para el Constructivismo
Una institución clave para el posicionamiento del Constructivismo como el principal movimiento artístico del Partido fue el Instituto para la Cultura Artística (INKhUK, por sus iniciales cirílicas), dirigido por Kandinsky, a partir del cual se creó el Grupo de Constructivistas integrado por Aleksandr Rodchenko, Varvara Stepanova y los hermanos Gabo y Pevsner, quienes en su Manifiesto realista (1920) proponen:
“1. En la pintura renunciamos al color como elemento pictórico: el color es la superficie óptica idealizada de los objetos; es una impresión exterior y superficial; es un accidente que nada tiene en común con la esencia más íntima del objeto. Afirmamos que la tonalidad de la sustancia, es decir, su cuerpo material que absorbe la luz, es la única realidad pictórica.
2. Renunciamos a la línea como valor descriptivo: en la vida no existen líneas descriptivas; la descripción es un signo humano accidental en las cosas, no forma una unidad con la vida esencial ni con la estructura constante del cuerpo. Lo descriptivo es un elemento de ilustración gráfica, es decoración. Afirmamos que la línea solo tiene valor como dirección de las fuerzas estáticas y de sus ritmos en los objetos.
3. Renunciamos al volumen como forma espacial pictórica y plástica: no se puede medir el espacio con el volumen, como no se puede medir un líquido con un metro. Miremos el espacio: ¿Qué es sino una profundidad continuada? Afirmamos el valor de la profundidad como única forma espacial pictórica y plástica.
4. Renunciamos a la escultura en cuanto masa entendida como elemento escultural. Todo ingeniero sabe que las fuerzas estáticas de un cuerpo sólido y su fuerza material no dependen de la cantidad de masas, por ejemplo: una vía de tren, una voluta en forma de T, etc. Pero vosotros, escultores de cada sombra y relieve, todavía os aferráis al viejo prejuicio según el cual no es posible liberar el volumen de la masa. Aquí, en esta exposición, tomamos cuatro planos y obtenemos el mismo volumen que si se tratase de cuatro toneladas de masa. Por ello, reintroducimos en la escultura la línea como dirección y en esta afirmamos que la profundidad es una forma espacial.
5. Renunciamos al desencanto artístico enraizado desde hace siglos, según el cual los ritmos estáticos son los únicos elementos de las artes plásticas. Afirmamos que en estas artes está el nuevo elemento de los ritmos cinéticos en cuanto formas basilares de nuestra percepción del tiempo real.”
En el Primer Programa del Grupo Constructivista, producido en 1921, los tres pilares centrales de la producción constructivista son: la tectónica, la fakturay la construcción, es decir, la estructuración, el manejo y la organización del material. La meta era lograr la expresión comunista en el plano de las estructuras materiales y también lograr una síntesis entre lo ideológico y lo formal (Fer 1989).
Los Constructivistas se consideraban más creadores industriales que artistas, y no se limitaban a las experimentaciones estéticas en las artes plásticas como la pintura y escultura, sino también exploraron a fondo el diseño industrial y fueron pioneros en el diseño gráfico a través de propagandas de agitación (agitprop), pósters de películas y anuncios publicitarios.
3. Constructivismo y Diseño Gráfico Contemporáneo
Cuando hablamos del diseño gráfico constructivista, uno de los creadores más versátiles y prolíficos fue Aleksandr Rodchenko, artista plástico, fotógrafo, publicista, diseñador industrial y diseñador gráfico.
En 1925, Rodchenko presentó en la exposición 5x5=25 el tríptico Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo, con la que inauguró una nueva era en la historia del arte. En sus propias palabras: “Reduje la pintura a su conclusión lógica y exhibí tres canvas: rojo, amarillo y azul. Y afirmé: ‘Este es el final de la pintura’.
Imagen 2. Rodchenko, Aleksandr. Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo (1921)
En esta pintura, Rodchenko parte de las obras no figurativas de Malévich, como su Cuadrado Negro (1915), para explorar las propiedades físicas y conceptuales de los colores en la pintura. Al reducirla a sus recursos más básicos —los tres colores primarios—, Rodchenko acorrala a la pintura y no le deja otra salida más que mutar en otro tipo de arte en el que las artes plásticas dialoguen con el pueblo y con otras tecnologías como la tipografía, la fotografía y el cine. En este nuevo arte prepondera la innovación en la composición visual de las obras.
Así, Rodchenko empieza a experimentar con el fotomontaje y el diseño editorial. Ilustra varias portadas del famoso poeta soviético Vladimir Maiakovsky, su cercano amigo, en las que mezcla tipografía experimental y fotomontaje con los retratos que él tomaba de Maiakovsky.
Imagen 3. Rodchenko, Aleksandr. Portada para el libro A Sergei Esenin, de Vladimir Maiakovsky (1926).
En esta composición, Rodchenko utiliza como fondo tres rectángulos negro, blanco y cian, que por sí mismos podrían ser pinturas abstractas suprematistas, que sirven para contrastar la cabeza recortada de Mayakovsky y su mirada severa. Alrededor de su cabeza está la Tierra, a la que le dan vueltas tres avionetas soviéticas. La metáfora es simple y directa: Mayakovsky es un poeta mundial en un mundo industrial. Es un mensaje llamativo, claro y entendible para personas no instruidas en historia del arte. Claramente, Rodchenko no está haciendo arte para ser expuesto en las paredes descontextualizadas de un museo ni para los ojos especializados de los críticos de arte. La producción visual del artista está pensada para el entendimiento del espectador ante todo. Al mismo tiempo, Rodchenko está construyendo la imagen del artista soviético: duro, masculino, industrial e imaginativo.
Posteriormente, junto a Maiakovsky también crea la primera agencia publicitaria en el mundo llamada En Reklam-Konstruktor, con la que publicitan relojes, aerolíneas estatales, e incluso postres:
Imagen 4. Rodchenko, Aleksandr. Empaque para marca de galletas Aviador Rojo (1923).
En este diseño resalta la elegante simpleza del logo hecho a partir de rectángulos, círculos y líneas que representan un avión en vuelo, así como el patrón geométrico que sirve de fondo para el empaque. Este tipo de ilustración es muy contemporánea y bien podría funcionar como el logo de una aerolínea actual. Veamos el siguiente concepto para una aerolínea canadiense:
Imagen 5. Truk, Jordan. Concepto de identidad gráfica para Cardinal Airlines (2019).
En este caso, el diseñador gráfico utiliza la figura de un pájaro nativo de Canadá para ilustrar un avión en vuelo a través de líneas y curvas simples. No dudo de que el diseño publicitario de Rodchenko ha influenciado en la lógica y el estilo con que lxs diseñadores creamos logos: el uso de vectores simples y escalables que funcionen en varias superficies, desde empaques a pósters hasta impresos en superficies enormes, como aviones.
Rodchenko es también reconocido por haber hecho un póster con la actriz Lilya Brik vociferando la palabra “¡Libros!” a través de un megáfono compuesto por tipografía y rectángulos en perspectiva.
Imagen 6. Rodhenko, Aleksandr. ¡Libros (Por favor)! En todas las ramas del conocimiento (1924).
Este póster, comisionado por la Casa Editorial Estatal de Leningrado, tuvo como propósito resaltar el compromiso del Gobierno Soviético con la educación y la alfabetización. El póster tiene la intención de ser legible incluso para personas que no saben leer, a través de una comunicación directa y efectiva con formas, fotos y colores. Actualmente, esta composición es parte importante de la iconografía visual contemporánea y ha influenciado múltiples diseños desde su concepción.
Imagen 7. Scher, Paula. Póster para obra teatral The Diva is Dismissed (1994).
La famosa diseñadora gráfica neoyorquina Paula Scher, encargada de la dirección gráfica para el Public Theather de Nueva York, se inspiró en Rodchenko para realizar este póster publicitario de un unipersonal de la comediante Jenifer Lewis. Igual que el póster de Rodchenko, la tipografía es utilizada para complementar el mensaje y el movimiento del diseño. La iconografía es la misma: una artista famosa vociferando un mensaje directo. El receptor se siente sorprendido e interpelado por la fuerza del contraste, el tamaño de las letras y la mirada de la actriz.
Imagen 8. Fotografía propia. Póster para Sindicalízate.com (2023).
La influencia de ¡Libros! de Rodchenko también ha llegado al Perú del 2023 a través de esta gráfica social-publicitaria para la promoción de la sindicalización en la ciudad de Lima. Aquí vemos a dos jóvenes, ninguno de ellxs famoso, que miran sonrientes hacia arriba vociferando la palabra “¡Sindícalizate!” Y más abajo se lee: “Por una chamba con derechos”.
Esta iconografía se ha permeado en la cultura popular y encontramos sus iteraciones en portadas de álbumes de rock, publicidad de marcas de ropa de lujo e incluso dibujos animados. Si consideramos que “los memes se han convertido en unidades semánticas capaces de evocar los significados a los que están asociados. Es el proceso de evocación y la eficacia del meme como disparador de atención, recuerdo y repetición del significado adscrito, lo que los vuelve relevantes” (Lissack 2004), ¿podríamos decir que ¡Libros! de Rodchenko fue uno de los primeros memes del siglo XX?
En un nivel más general, otras características visuales del arte constructivista, no solo de Rodchenko, sino también de otros artistas como El Lissitzky, también han influenciado en el lenguaje visual del diseño gráfico contemporáneo. Un ejemplo importante es el uso de tipografías sans serif para la comunicación de mensajes políticos simples, contundentes y directos.
Imagen 9. Arenas, Maria. Póster para la campaña política de Alexandra Ocasio Cortez (2018).
Imagen 10. Kulagina, Valentina. Póster para el Día Internacional de la Mujer Trabajadora (1930).
En ambos pósters, la composición utiliza la figura predominante de una mujer al lado izquierdo que es balanceada con el uso abundante de tipografía hacia el lado derecho. La tipografía utilizada es una sans serif delgada utilizada en diferentes tamaños. Este tipo de letras se popularizaron con el naciente Futurismo ruso y posteriormente en los pósters y libros de artista de los constructivistas rusos, y son utilizadas para comunicar mensajes inmediatos, modernos y legibles en diferentes formatos, desde una pequeña postal hasta una pantalla.
Por otro lado, la paleta de colores característica del Constructivismo Ruso utiliza el rojo sólido con gradaciones de negro, como la siguiente composición abstracta de El Lissitzky:
Imagen 11. Lissitzky, El. Proun (1922-23).
El constante uso del rojo no es una casualidad, sino que responde a la identidad visual de la U.R.S.S., que se caracterizó, desde su bandera, por el uso abundante del rojo como símbolo de la revolución comunista.
Imagen 12. N/A. Póster para al Aniversario de la Derrota Estratégica de la Armada Americana B-52 Bomber. N/A.
La motivación patriótica/política en la elección de colores se hace evidente en este póster que conmemora la victoria vietnamita frente a las fuerzas imperialistas estadounidenses. En este caso, la mano roja con una estrella representa la bandera de Vietnam, mientras que el fondo azul y la bomba negra representan a Estados Unidos a fin siendo vencido.
4. Conclusiones
A lo largo de este ensayo hemos analizado algunas obras gráficas del Constructivismo Ruso en búsqueda de su influencia sobre el lenguaje visual del Diseño Gráfico Contemporáneo en términos de estilo, composición, iconografía, uso del color y tipografía.
Nos hemos enfocado en la figura y la producción gráfica de Aleksandr Rodchenko, pues ha jugado un papel muy importante en la consolidación del Diseño Gráfico como una profesión artística popular preocupada por la transmisión de mensajes visuales a través de códigos claros, directos y eficaces que tienen en cuenta al receptor desde la concepción de la obra.
Se hace evidente la permanencia de los principios constructivistas en la producción gráfica contemporánea a escala mundial. Hemos visto ejemplos de arte gráfico canadiense, estadounidense, peruano y vietnamita claramente influenciados por el constructivismo ruso.
Finalmente, si bien es cierto que en muchos casos la influencia constructivista en el diseño actual es más prevalente en un nivel estético más que ideológico, es crucial que las nuevas organizaciones de izquierda o comunistas en el mundo reflexionemos sobre el rico legado gráfico constructivista y lo sigamos reinterpretando bajo nuestros contextos de creación identitaria y lucha anticapitalista. El valor del Constructivismo en la historia del Mundo radica en el poder de construir una estética radical, particular para la lucha comunista internacional, y su lenguaje visual puede ayudarnos en la creación de realidades postcapitalistas.
Imagen 13. Diseño propio. ¿Qué pasaría si el logo del partido izquierdista Perú Libre se hubiera inspirado en el constructivismo ruso? (2023).
Referencias Bibliográficas
Bark, Wendy (1995). Constructivist costume, textile & theatrical design, 1917 - 1934: a study of constructivism set in the socio-cultural, political and historical context of post-revolutionary Russia, Durham theses, Durham University, Inglaterra.
Gabo, Naum & Pevsner, Antoine (1920). El Manifiesto Realista. Extraído de https://arteydisegno.files.wordpress.com/2010/ 02/manifiesto-realista-1920.pdf.
Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) (2018). Catálogo para la exposición Caso de Estudio. Ródchenko y un futuro en construcción. Institut Valencià d’Art Modern, España.
Lissack, M. R. (2004), The redefinition of memes: ascribing meaning to an empty cliché, Journal of Memetics-Evolutionary Models of Information Transmission, núm. 8, EE.UU..
Malevich, Kazimir (2003). The Non-Objective World: The Manifesto of Suprematism. Dover Publications, EE.UU.
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¡Hablemos de las vanguardias artísticas!
¡Hola!
Primero que nada bienvenidos a este nuevo y primer blog. "¡Hablemos de las Vanguardias artisticas!". En este blog podremos encontrar su significado y cuales son algunas de ellas, sus características, ejemplos, personajes importantes y alguna que otra crítica desde mi punto de vista.
El objetivo de este blog es simplemente dar a conocer un poco más acerca de la historia del arte, en especial de las vanguardias.
¿Qué es una vanguardia artística?
En el mundo del arte, se le conoce como vanguardias históricas a los diferentes estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX. Son más una actitud ante el arte que una estética, abandonará la imitación de la naturaleza, para centrarse en el lenguaje de las formas y los colores.
Su término ha sido usado para definir las distintas posturas ante el arte y su papel en la sociedad, ordenando así la historia del mismo siglo XX. El término tiene un origen medieval y hacía referencia a la idea de lucha y combate.
La raíz de la vanguardia
Tras algunos acontecimientos políticos (La constitución de la segunda y la tercera república francesa y la primera guerra mundial) provocaron el estereotipo de artista incomprendido, bohemio y comprometido con valores contrarios a los de lasociedad.
Otro acontecimiento ocurrido que tuvo gran impacto son los “Salones de París”, en dónde se realizaban muestras artísticas anuales de mucho prestigio en dónde se contaba con un jurado tradicional y conservador, en el cual se rechazaba a muchos pintores impresionistas. A consecuencia, estos darían pie a la creación del “salón de los rechazados” como un sitio para mostrar sus trabajos, de tal manera logrando que este fuera apreciado y valorado por el público.
Es gracias a estos acontecimientos que se promovió un cambio de ideas y panorama de principios del siglo siguiente, lleno de cambios y aportaciones nuevas. Trayendo consigo estas vanguardias.
Vanguardias artísticas
Es hora de comenzar a conocer cuáles son estos estilos del arte, que han cambiado con el tiempo y con la sociedad.
Fauvismo 1905 / 1907
Nace en Francia. Su objetivo era cuestionar el arte como "una representación de la realidad". Erasubjetivos y buscaba poder expresar sentimientos por medio del color.
Enfrentaba la realidad por medio de la visión, se intentaba pintar con la mente.
Características:
--"Violencia cromática"
--Contrastes agresivos.
--Tintas y colores planos.
--Simplicidad en el dibujo.
--Ausencia de claroscuro.
Exponentes:
--Matisse
--Derain
--Dufy
--Braque
Crítica al Fauvismo:
Es obvio que se habla de un movimiento un poco "fuera de la regla del realismo", en lo personal lo encuentro divertido. Los colores vibrantes y la simpleza me produce un toque de proporcionar un rápido entendimiento aunado a un toque de diversión otorgada por esos colores explosivos y llamativos.
André Derain, Mujer en camisa, 1906, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm, Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague.
Cubismo 1907 / 1914
Desarrollado en Francia, principalmente por pablo Picasso, destruía la óptica renacentista. Nos permite representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen.
Este movimiento no trata de captar la realidad, sino que la ocupa como referencia para crear una imagen propia de la realidad.
Características:
--Abandona a perspectiva y el realismo.
--Hace uso de figuras y objetos.
--Es un tanto abstracto.
Exponentes:
--Pablo Picasso
--Braque
--L. Vauxcelles
--Juan Griss
--Francis Picabia
--Franz Leger
--Albet Gleizes
Critica al cubismo:
Sin duda el cubismo está un paso más cerca de expresar un punto de vista diferente de la realidad. Al permitir salir de los estánderes de lo realista podemos notar que hablamos de una manera singular de ver las ideas de los autores. En cuanto a las obras, puede llegar a decir que a mí personalmente me transmiten un poco de ansiedad y se siente como si estos chocasen.
Mandolina y guitarra (1924). Picasso. Cubismo sintético.
Para cerrar el blog de hoy recordemos que una vanguardia viene siendo un estilo.
¡Hago una invitación a que comenten acerca de su favorito!, proximamente más de estas vanguardias.
Bibliografía
caracteristicas de el cubismo - Buscar con Google. (n.d.). Com.Mx. Retrieved October 22, 2022, from https://www.google.com.mx/search?q=caracteristicas+de+el+cubismo&bih=744&biw=767&hl=es-
Imaginario, A. (2019, October 9). Cubismo. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/cubismo/
salón de los rechasados vanguardia artistica - Búsqueda de Google. (n.d.). Com.Mx. Retrieved October 22, 2022.
Imaginario, A. (2020, May 20). Fauvismo. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/fauvismo/
(s.f.). Las vanguardias artisticas historicas.
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