Beaux-arts des modes (New York, Paris, London, Milano, Wien, Bruxelles), no. 2, mars 1922. 119. Robe de soirée en satin noir. Bibliothèque nationale de France

(119.) Robe de soirée en satin noir. Devant princesse richement brodé corail et cristal. Lés de côtés prolongés en traînes.

(119.) Black satin evening dress. Princess front richly embroidered in coral and crystal. Side strips extended into strips.

Beaux Arts de Modes - 1920

L'art contemporain mode d'emploi flammarion paris

L'art du paraître au XVIIe siècle à découvrir tout l'été au musée des Beaux-Arts de Dijon

L’art du paraître au XVIIe siècle à découvrir tout l’été au musée des Beaux-Arts de Dijon

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More pre-Victorian 1830s (from top to bottom) -

ca. 1830 Evening or wedding dress (location ?). From tumblr.com/andrayblue 1080X1350.

1831 Marquise Chasseloup-Laubat (probably Marie Augustine Antoinette Le Boucher des Fontaines) by Joseph-Désiré Court (Musée des Beaux-Arts de Rouen - Rouen, Normandie, France). From their Web site' enlarged by half 845X1181.

1830-1832 María Cristina de Borbón, Queen of Spain by José de Madrazo y Aguado (Prado). From their Web site 1280X1745.

1832 Marie Franziska von Freytag by ? (Salzburg Museum  - Salzburg, Salzburgland, Austria). From tumblr.com/history-of-fashion 766X963.

1832 Amalie Klein by Friedrich von Amerling (Österreichische Galerie Belvedere - Wien, Austria). From tumblr.com/history-of-fashion; fixed spots & cracks throughout w Pshop 2893X3508.

1835 Illustration from La Mode by Paul Gavarni. From tumblr.com/clove-pinks 1650X2048.

1836 Marriage Portrait of Charlotte de Rothschild by Moritz Daniel Oppenheim (Israel Museum - Jerusalem, Jerusalem District, Israel). From Google Art Project.

Lady with Pink Sash by Camille Joseph Etienne Roqueplan (Sotheby's - 29Jan22 auction Lot 703) 1583X2000.

Suzanne Fabry (Belgian painter) 1904 - 1985

Female Nudes by the Sea, 1943

oil on canvas

157 x 173 cm. (61.75 x 68 in.)

signed and dated Suzanne Fabry/ 1943 (lower right)

private collection

© photo Sotheby's

Catalogue Note Sotheby's

Born in Brussels in 1904, Suzanne Fabry was the daughter of the Belgian symbolist painter Émile Fabry (1865–1966) and his wife Virginie Duchênes. Her brother, Barthélémy, was born in 1898. Three years before Suzanne’s birth, her father was named Professor of Drawing at the l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, where he had been a student in the 1880s, and her childhood was spent in his house-studio at rue Verte (today rue du Collège Saint-Michel, n°6) in Woluwe-Saint-Pierre, a south-eastern neighborhood of Brussels.

At the start of World War I, Suzanne moved with her family to England where they remained until the end of the war, first in Herefordshire and later in the Cornish town of Saint-Ives. They returned to their home in Belgium after the war and in 1923 Suzanne enrolled as a student at the Académie Royale des Beaux-Arts where she studied under Jean Delville (1867-1953) and Constant Montald (1862-1944), two of the founders, alongside her father, of a group of artists who called themselves “L'art monumental.” The group’s aim was to produce public, monumental, and culturally sophisticated art that would elevate the public consciousness through the representation of idealized universal themes. Their commanding nudes would constitute an important source of inspiration for Suzanne’s own work.

Suzanne graduated from the Académie in 1928 and embarked on her career as a painter in the 1930s, taking part in the triennial Salon in Antwerp (1930) and the quadrennial Salon in Liège (1931). Around the same time, her father was completing a cycle of large-scale paintings for the entrance and staircase of Brussels’ opera house, La Monnaie, where, many years later, Suzanne and her husband Edmond Delescluze (1905-1993) would be employed as costume and set designer respectively, a collaboration that began in 1948 and is recorded in over 900 sketches and stage maquettes preserved today in the archives of La Monnaie. She continued to pursue her career as a painter, alongside her work as head of the opera’s costume workshop, until her death in 1985.

In this monumental multi-figure composition, painted in 1943, Fabry adapted the solidity, scale, and style favored by the Symbolist painters of her father’s generation to a defiantly modern feminine subject. Fabry perfected her own brand of pointillism, establishing the pale blue background in broad loosely layered brushstrokes against which the four figures are sharply defined in saturated ochre tones. The palette and composition–statuesque theatrically posed figures arranged across a picture plane–ehcoing her father’s work, notably Maternity (1923) and Towards the Unknown, for which Suzanne posed and was photographed as aide memoires (see Jacqueline Guisset, Emile Fabry, 2000).

These photographs, and the studio practice they elucidate, suggest the context in which Suzanne developed her own working methods and artistic style. Suzanne’s four figures are arguably full-length self-portraits–with idealized features resembling the artist’s own, looking to her self-portrait with paintbrush in hand (1932) –making the composition a triumphant declaration of her artistic identity as both creator and muse.

The central figure’s pose recalls Botticelli’s iconic Birth of Venus, recasting the Renaissance goddess in a personal and fiercely modern mode. Rather than covering herself, Fabry’s figure reaches up to her auburn hair, staring straight at the viewer and seemingly strides forward, trading Botticelli’s stationary feigned modesty for confidence in motion. Impastoed splashes of water at her feet evoke Venus’s outsized shell in a more realistic and yet abstract reference perhaps to her own rebirth as an artist.

Fabry returned to the female nude the following year in a large-scale single-figure representation of a woman–perhaps herself–called L’Attente (1944), exhibited at the Salon de printemps that year. Holding an amphora above her head with two hands against a distant background of ancient ruins, the figure stands tall, matching the height of the doric column behind her, as a pillar of strength and fortitude, peering fearlessly ahead, her weight shifted to the front of her toes as if to leap forward.

Female Nudes by the Sea is an important rediscovery within the oeuvre of Suzanne Fabry, and the 20th-century Symbolist movement. In this multi-figure self-portrait, Fabry audaciously contends with her artistic heritage and asserts her own distinctive identity and aesthetic.

* * *

Born in Brussels in 1904, Suzanne Fabry was the daughter of the Belgian symbolist painter Émile Fabry (1865–1966) and his wife Virginie Duchênes. Her brother, Barthélémy, was born in 1898. Three years before Suzanne’s birth, her father was named Professor of Drawing at the l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, where he had been a student in the 1880s, and her childhood was spent in his house-studio at rue Verte (today rue du Collège Saint-Michel, n°6) in Woluwe-Saint-Pierre, a south-eastern neighbourhood of Brussels of recent urbanisation.

At the start of the First World War, Émile Fabry moved with his family to England, first staying in Herefordshire and later in the Cornish town of Saint-Ives, where he would continue to paint, and they would remain until the end of the conflict. Back in Brussels, the family returned to their home on rue Verte, and in 1923 Suzanne enrolled as a student at the Académie Royale des Beaux-Arts, where her teachers included Jean Delville (1867-1953) and Constant Montald (1862-1944), two of the founders, alongside Suzanne’s father, of the group “L'art monumental”. Their aim was to produce art for the public sphere, monumental in scale and steeped within the cultural tradition of the period, intended to elevate the public conscience by means of representing idealised, universal themes. Their commanding nudes would constitute an important source of inspiration for Suzanne’s own work.

Having graduated from the Académie in 1928, Suzanne began her career as a painter in the 1930s, taking part in the triennial Salon in Antwerp (1930) and the quadrennial Salon in Liège (1931). Around the same time, her father was completing a cycle of large-scale paintings for the entrance and staircase of Brussels’ opera house, La Monnaie, where, many years later, Suzanne and her husband Edmond Delescluze (1905-1993) would be employed as costume and set designer respectively, a collaboration that began in 1948 and is recorded in over 900 sketches and stage maquettes preserved today in the archives of La Monnaie. She continued to pursue her career as a painter, alongside her work as head of the opera’s costume workshop, until her death in 1985.

Source: Ambrose Naumann Fine Art

Illustration for Le Rire (color litho))

Henri Gerbault.

Henri Gerbault, Henry Gerbault, or Jean Louis Armand Henri Gerbault (24 June 1863 – 19 October 1930) was a French illustrator, water color painter, and poster artist.

He was born in Châtenay, Paris, France and was the nephew of the poet Sully Prudhomme. Henri studied at the École des Beaux-Arts in Paris to be a painter. Unsuccessful, he began submitting satirical cartoons to various newspaper and magazines. His work was published in magazines such as La Vie Parisienne, Fantasio, Le Rire, L'Art et la Mode and La Vie Moderne.

During his later years his wife was diagnosed with a chronic illness and they relocated to Roscoff, Brittany in 1919.

Henri Gerbault died on 19 October 1930, several years after his wife. They are both buried in the cemetery at Roscoff.

Lounès Darbois: Paris ce n’est pas une ville pour “investir”, où n’importe quel putois mondial aurait droit à son “pied-à-terre”. Paris c’est la concentration du génie pratique français de la construction et de l’art ornemental passés par de crucifiants essais et erreurs étalés sur des siècles, trouvant début 17ème son type classique fixé dans la pierre calcaire et le toit d’ardoise, pour enfin en obtenir fin 19ème-début 20ème siècle, une merveilleuse résurrection néo-classique. Paris c’est pour les Français seuls, c’est “pour nous, à nous, chez nous”. Les squatteurs étrangers qui y résident n’ont pas été une seule fois capable de créer un seul bâtiment qui ait le quart de la beauté du plus laid bâtiment érigé durant l’âge d’or 1880-1914. Ce ne sont pas des parisiens ce sont des squatteurs de cavités laissées vacantes par les morts à la guerre et il y a un terme pour les gens qui cherchent ce mode d’habitation: des troglodytes. Et pas plus que de génie pratique, quantifiable, mesurable, concret, ils n’ont de sens esthétique du mode de vie. En vêtement, en gastronomie, en choix de locomotion ils sont lourdingues et nuls. Ils foncent aux grossiers commerces crasseux, aux viandes mal saignées étalées sans bardage sous les présentoirs sans feuillage, à côté de cela comparons ce qu’est une boucherie française traditionnelle, une boulangerie, une cordonnerie bien tenue, avec travail en tablier. Et l’ambiance de frénésie gaie des samedi après-midi de Paris jusque vers 2010, avec ses familles françaises nombreuses, ses jeunes femmes habillées, coiffées, ses darons sans ventre en manteau longs et chaussures cirées qui passaient en coup de vent acheter la tarte aux poires du déjeuner, toute cette petite beauté gratuite de la rue, la vraie France organique, parquet et lambris, ascenseur à grillage et escalier à tapis serti de tiges de maintien, tout le savoir-faire d’hommes inconnus d’avant, qui avaient des vrais beaux noms de provinces francophones, pas ces noms trafiqués de tricheurs importés, de gougnafiers qui n’ont jamais rien embelli et qui se prétendent des droits sur nous. C’est le ressentiment? Mais le ressentiment contre une telle exploitation, un tel mensonge, une telle colonisation forcenée alors que nous n’avions rien fait, cela ne s’appelle pas ressentiment cela s’appelle du sang qui crie justice, un véhément redressement qui renverse la pensée contre soi-même, cela s’appelle la Grâce, et merde et cent fois merde aux catégories nietzschéennes et à leur engrenage mental incapacitant. La vie organique d’abord bordel! Et l’évidence, l’intuition, l’instinct d’abord. Nous disons ce que nous disons pas pour l’avoir “pensé” (penser la société...) mais pour l’avoir expérimenté, payé sur le terrain depuis 20 ans, depuis 50 ans même pour certains, et il faudrait s’inhiber l’évidence par respect d’un philologue allemand d’université qui n’a jamais vu venir l’invasion barbare contrairement aux grands Français Art Déco, les Céline, les Morand dès 1925 avec L’Europe galante, dès 1928 avec Magie Noire? Et Lapouge même avant. La vraie impulsion révolutionnaire c’est ça, et tout ce que ça induit.

[ 😵‍💫🔄❓❔

En fin de printemps dernier j’ai participé à un jury de Beaux-Arts pour les diplôme de master (oui c’est complètement nptk je réalise tjrs pas moi même. Shout-out to l’espèce de mec anticonformiste de leur école qui s’est dit que c’était une bonne idée) et BREF parmi le reste du jury y’avait quand même une grosse majorité de profs eux même fils de profs etc, bref c’était marrant pck on avait pas du tout le même âge et la même expérience du système scolaire et de la vie lol.

L’expérience en entier était à la fois intimidante/enrichissante/curieuse/terrifiante/incroyable/a aidé dans le processus d’apprendre à me défendre et défendre les autres en même temps, etc, etc BREF. Et parmi le jury y’avait une drôle de nerd prof que j’ai plutôt vraiment bien aimé au final, elle avait lu des livres sur à peu près tout sur terre ce qui était complètement l’opposé de mon cas lol donc elle avait une référence par minute à balancer sur à peu près tout (de la céramique tunisienne en passant par littéralement c’que tu veux)

Et bref dans pas mal de diplômes elle s’est retrouvée à demander aux élèves de justifier (je sais pas si c’est le mot exact) la violence dans leur travail ou du moins d’en parler (pas en mode culpabilisateur mais genre … let’s talk about it pck c’est là quoi…) . Chose que les gens ont plus ou moins réussi à faire (ce que je trouve grave normal).

Et bref y’a certains des mots de cette go qui sont trop restés gravés dans ma tête depuis et je me pose tout les temps les questions qu’elle posait aux élèves et j’ai juste vraiment pas les réponses 😂… Genre à un moment elle a sorti « processus de RE-traumatisation » et juste le terme slapped my face et après J’etais comme ça : «  😳😵‍💫😳😵‍💫😳🫢🫢🫢🔄🔄🔄🔄🔄🧠😶‍🌫️🧠😶‍🌫️🧠😶‍🌫️ ».

Depuis quelques temps, genre 2 ans, y’a de plus en plus de violence dans mon travail et je suis vraiment pas sur que je saurai en parler ou la justifier à quelqu’un PTDR. Genre déjà quand j’ai commencé à dessiner et peindre sérieusement j’étais en mode « AHHH VITE C L’URGENCE FAUT FAIRE ÇA SINON ON DEVIENT ZINZIN ET TOUT LE MONDE DISPARAÎT ! OSKOUR ! 🙀🙀🙀🙀🙀 » PTDRRRRRRRR, et juste le temps que genre mes sentiments se décantent, que je comprenne ce qui m’arrive etc, il m’a vraiment fallu un moment pour réaliser pourquoi je faisais ce que je faisais, PUIS que je « « « « « « réussisse » » » » » »  à en parler (car l’école oblige Lolz). Et AUJOURD’HUI je peux parler bien plus confortablement de ce que je faisais y’a des années tout simplement parce que je le comprends mieux.

Bref tout ça pour dire que à l’heure actuelle je pense vraiment pas encore avoir le recul nécessaire pour pouvoir/vouloir/savoir parler de ça, et en même temps bah j’ai quand même envie de le partager (Because maybe someone will feel me 🥲🤝???) est ce que c’est valide ??? Mais les gens sont en mode 👁️👁️ JUSTIFICATION THÉORIE THÉORIE !!! Et je comprends ….!

Mais du coup bref je me demande toujours genre est ce que je serai en train de « re-traumatiser » les gens pour citer la dame, si je fais une expo ou aucun de mes travaux sont paisibles lol et que la mort est vraiment présente.

Genre à un moment la go du jury parlait aussi d’un truc que je vais essayer de retranscrire sans ses mots et 9 mois, plus tard mais en gros elle était en mode « ou est la possibilité de s’échapper » en mode, tu nous laisses quoi comme moyen de s’en sortir et que ça soit pas juste un guet-apens quoi ???

Et je repense à cette question et je suis en mode JE SAIS PAS 🫢😵😳🫥😶…. The…. The door ..?????? 😳

Genre est ce que j’ai le droit de faire une expo prise d’otage parce que j’ai pas de dessins sympas à présenter ou est-ce que c’est grave ? genre est ce que c’est grave de vouloir partager quelque chose sur laquelle on a même pas encore mit de mots ? Est-ce que y’a des issues de secours dans mon travail que moi même je ne vois pas ou bien pas du tout ? Ou est ce que tout ça c’est juste des fausses questions ?

(Pck vraiment y’a des choses que j’ai envie de partager et je sais qu’elles seront pas prises pareil par tout le monde. mais maintenant je me demande est-ce que les gens se sentiront juste triste et effrayé en sortant, qu’est ce que je peux leur offrir comme échappatoire lol and do I have to ? Etc etc etc 🔄)

Encore une fois c’est un super long monologue sur ce blog, sorry. Mais si jamais vous avez déjà réfléchi à cette question je serai vraiment ravi et curieuxse/reconnaissante de vous entendre. ]

Musée national des beaux-arts de Québec.

L’art rencontre la mode

Alexander McQueen

Modo Italiano

Design et avant-garde au XXe siècle

Giampiero Bosoni, Vittorio Gregotti, Irène de Guttry, Maria Paola Maino

Skira, Milano 2006, 400 pagine, 343 ill.a colori, 24x28cm, ISBN 88-7624-874-9, Edizione francese

euro 95,00

email if you want to buy [email protected]

Tout au long du XXe siècle, le design italien a marqué de façon hautement originale la conception des objets d'usage courant dans notre société industrielle contemporaine. Ce " mode italien " a su, à travers un parcours aussi complexe qu'incertain d'Innovation industrielle et de mise à jour technologique, développer une culture du design autonome et multiforme, en mesure de concilier une tradition artisanale richissime et l'aspiration, souvent contestée, vers une modernité faite d'éclairs d'Improvisation et d'ironie joints à une tendance laborieuse à l'expérimentation. Les phénomènes culturels et artistiques de l'histoire du design italien n'ont pas encore fait l'objet d'une lecture approfondie en ce sens ; en particulier, on a jusqu'ici peu étudié la synergie qui tout au long du XXe siècle s'est opérée en Italie entre l'expérimentation artistique et le design innovateur. L'exposition et ce catalogue se proposent donc d'offrir une première reconnaissance de ces liens à travers l'exploration des différentes manières dont, en Italie, la société industrielle a été perçue, les artistes et les designers qui l'ont vécue, mais aussi en partie " inventée ". L'exposition, où figurent plus de 350 œuvres parmi les plus représentatives de la recherche artistique et de la culture du design en Italie au XXe siècle, se développe chronologiquement en quatre sections où sont définies les différentes périodes du propos philosophique, économique et esthétique qui a caractérisé le passé récent de l'art et du design italiens. Dans cette optique prennent forme les " philosophies " du design et les " esthétiques " qui, tout au long de cette période, ont trouvé dans ce pays une expression forte et dialectique et sont à la base d'un débat culturel très vivant sur l'art et le design. Ce catalogue a été publié à l’occasion de l’exposition Il modo italiano. Design et avant-garde en Italie au XXe siècle, produite par le Musée des beaux-arts de Montréal en collaboration avec le Musée royal de l’Ontario (ROM) et le Mart – Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto.

13/04/24

Beaux-arts des modes (New York, Paris, London, Milano, Wien, Bruxelles), no. 2, mars 1922. 110. Robe de petit soir en crêpe satin. Bibliothèque nationale de France

(110.) Robe de petit soir en crêpe satin. Devant délicieusement brodé de fils d'or; empiècement de hanches et petit manteau abbé, ornés de même. Manches en mousseline chiffon même nuance. Bordures et longs rubans brodés d'or; glands d'or.

(110.) Evening dress in satin crepe. Front exquisitely embroidered with gold threads; hip yoke and little abbot coat, decorated in the same way. Chiffon chiffon sleeves in the same shade. Borders and long ribbons embroidered with gold; golden tassels.

Beaux Arts de Modes - 1923

Exposition "À LA MODE. L'ART DE PARAÎTRE AU 18E SIÈCLE" Dijon, Musée des Beaux-Arts 13 May - 22 August 2022

https://musees.dijon.fr/a-mode-art-de-paraitre-18e-siecle

Jean Paul Gaultier   (FR, 1952)

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Cone corset made from 1930's gold lame, ca 1990. Musee des Beaux Arts, Montreal.

Madonna by Jean-Baptiste Mondino for Harper's Bazaar, 1990 [edited]

https://www.flickr.com/photos/sweetpeaillustrations/5991904860/in/photostream/

The Cone corset/conical bra is now an icon for both pop music and fashion. Madonna personally requested him to create the costumes for her Blonde Ambition tour (she even wrote him a letter to express her admiration for his humorous take on fashion). The look was the product of many months of collaboration, with fittings taking place both in New York and Gaultier’s ateliers in Paris.

https://www.vogue.fr/mode/article/bella-hadid-en-mythique-corset-conique-jean-paul-gaultier-de-madonna-blond-ambition-mode-tendance-instagram

https://www.vogue.com/article/madonna-blonde-ambition-jean-paul-gaultier-cone-bra?epik=dj0yJnU9MEp2cHEta0xkOS1PMnVrN1AyOHlMU2RXYTA1YTlPdG8mcD0wJm49YXFQNHExbENZWVlQUjRFN2pldkNrdyZ0PUFBQUFBR01Qcy1v

Images of Geneviève Lantelme -

According to Wikipedia "Geneviève Lantelme (born Mathilde Hortense Claire Fossey, 20 May 1883[1] – 24/25 July 1911) was a French stage actress, socialite, fashion icon, and courtesan. Considered by her contemporaries to be one of the most beautiful women of the Belle Epoque and bearing a resemblance to American actress Ethel Barrymore, she is remembered for the mysterious circumstances of her death: on the night of 24/25 July 1911, she fell from the yacht of her husband, Alfred Edwards."

1902 (May issue) Lantelme in Paquin, Les Modes May issue. From verbinina.wordpress.com/page/8/ 2106X3000.

1902 Geneviève Lantelme, Théâtre du Gymnase, photo by Reutlinger, Les Modes July 1902. From les-modes.tumblr.com/image/51225719455; fixed spots w Pshop 1280X1779.

Genevieve Lantelme in Doucet by Reutlinger. From tumblr.com/beautifulcentury859X1600.

ca. 1905 Geneviève Lantelme by Henri Manuel. From Wikimedia 2283X2883.

1907 Mademoiselle Lantelme by Giovanni Boldini (Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea - Roma, Italy). From Wikimedia 1474X2776.

1907 April Mlle. Lantelme of the Theatre Rejane with lace-trimmed celadon day dress, with pink roses and feathers in her red hair, wearing rings of white and black pearls, photographed by Paul Boyer, on cover of French periodical les Modes 853X1280.

Lantelme in Paquin day dress by Félix. From verbinina.wordpress.com/page/6/ 1266X2806.

ca. 1908/1909 Lantelme in Vionnet gown by ?. From verbinina.wordpress.com/page/3/; fixed larger spots w Pshop 1280X1707.

1910 (June) Genviève Lantelme in Maison Drion-Régnier sheath evening dress, Les Modes - photo by Félix. From les-modes.tumblr.com/page/28 1280X1784.

1910 Geneviève Lantelme in Le Costaud des Epinettes by Abel Faivre (location ?). From Wikimedia 1190X1620.

Lantelme in Paquin afternoon dress by Félix. From verbinina.wordpress.com/page/6/ 1789X2395.

1910 Lantelme in Paquin photo Reutlinger. From verbinina.wordpress.com/page/6/ 2048X3060.

1911 Elegante et son chien (Lantelme with blue hortensias) by Antoon van Welie (location ?). From verbinina.wordpress.com/2015/03/06/an-unknown-portrait-of-lantelme/; doubled size 1600X1032.

1911 Lantelme photo in 2 August 1911 issue of The Bystander. From verbinina.wordpress.com/page/2/; fixed spots w Pshop 815X1186.

1911 Un Vendredi au Salon des Artistes français by Jules-Alexandre Grün (Musée des Beaux-Arts de Rouen - Rouen, Normandie, France). From verbinina.wordpress.com/page/7/; fixed spots & abrasion flaws w Pshop 4800X2800. Lantelme is at the visual center of this work.

Lantelme and dogs by Reutlinger. From verbinina.files.wordpress.com/2015/06/lantelme-cabinet-photo-with-2-dogs; adjusted borders & fixed flaws w Pshop 1094X1594.

Lantelme in La Gamime wearing Paquin by Reutlinger. From verbinina.wordpress.com/page/6/ 1230X1636.

Lantelme in Paquin by Manue. From verbinina.wordpress.com/page/6/ 2197X3360.

Lantelme in Paquin. From verbinina.wordpress.com/page/6/ 1401X2000.