Entrada Final :(

1. Desde la perspectiva de alumno en un curso de teatro/ arte, ¿qué te gustaría incluir o desarrollar en el primer año de teatro bi? 

Durante el primer año de teatro BI, creo que deberíamos hacer dinámicas para conocernos mejor, tanto el maestro como el grupo. No obstante, algo que faltó con nuestra generación fue que nunca nos dieron una explicación de porque estábamos haciendo ciertos ejercicios, y esto puede ser frustrante para un alumno que no está acostumbrado a tener clases de teatro. Al mismo tiempo, no creo que el maestro debería de explicarse cada clase. Siento que un buen “middle ground” sería tener una pequeña reflexión de vez en cuando, para platicar de en qué dinámicas se vieron aspectos de la teoría teatral.

2. Desde la perspectiva de alumno bi (y de las evaluaciones que se tendrán) ¿qué te gustaría incluir o desarrollar en el primer año de teatro bi?

También es el momento perfecto para ver y leer obras de teatro, pues la carga de trabajo no es tan pesada como en quinto ni es tan tarde como en sexto. Tal vez hasta sería útil leer alguna obra en grupo, para hacer respuestas artísticas desde ya (tal vez así no se confundan tanto como nosotros lo hicimos). Creo que estaría bien dedicar las últimas clases a explicar el proyecto de una investigación teatral y que los alumnos elijan con cuál tradición quieren trabajar, para empezar a trabajar durante vacaciones si así lo desean. 

3. ¿En qué orden crees que funcionan mejor los proyectos? Creo que el orden que utilizamos (tradición, carpeta, colaborativo) funcionó muy bien. Van de la mano. Hacer la tradición primera permite que el alumno aumente su perspectiva del teatro. La carpeta viene después, para que el alumno tenga tiempo de haber leído y visto obras. Cerramos con el colaborativo porque se puede trabajar simultáneamente con la carpeta, pero necesita de más clases presenciales. La carpeta termina inspirando el colaborativo, pues permite que el alumno explore diferentes temas. 

4. ¿Cómo organizarías los proyectos? 

No entiendo la pregunta. ¿Con cuidado...? Si se refiere a pasos, u orden, creo que lo que hicimos estuvo muy bien. No lo sentí muy pesado.

5. ¿Cuándo los empezarías, y cuándo los terminarías?

La tradición tiene que ser iniciada a finales de cuarto semestre, y terminada para primer parcial de quinto. La carpeta tiene que ser avanzada durante el resto de quinto, y terminada para el primer parcial de sexto. El colaborativo debe empezar en el primer parcial de sexto y estar terminado para el segundo. Creo que hicimos algo así, y fue muy efectivo.

6. ¿Cómo te sientes sobre las dinámicas de trabajo para cada proyecto?

Estoy satisfecha con ellas. Fueron pertinentes y me ayudaron a escribir y llenar todos los aspectos que los proyectos BI pedían que llenara. 

7. De forma general de los dos años: ¿Qué quitarías/ajustarías del curso? 

Nada de cantar en público ni jugar al psicólogo frente a todos los alumnos durante la primera semana de clases. Y vice versa, nada de platicar de la vida amorosa del maestra a menos que sea relevante para alguna teoría teatral. Dejaría las actividades que nos permitieron crear e inventar personajes. Estas eran las mejores. 

8. De forma general de los dos años: ¿Qué te gustaría agregar del curso? 

Creo que faltó una actividad de cierre. Podría haber un paralelismo. Por ejemplo, hacer una dinámica extraña durante las primeras semanas de tercer semestre, cuando todos son muy penosos, y repetirla en la última semana de sexto, para ver cuanto crecimos y cuanto hemos cambiado. Siento que esa sería una linda manera de encerrar el curso.

Estructura

La estructura fue directamente derivada del outline que había hecho. Yo lo escribí de una manera que transformó el tiempo de la obra en circular, pues empezaba y cerraba con una narradora que estaba en el futuro. En estos aspectos, el guió no cambió y la obra final terminó teniendo una estructura circular. 

Otros detalles fueron agregados a la idea original que tenía mientras ensayábamos, pues surgió la necesidad de hacer un mayor tiempo y de explicar ciertas reacciones que parecerían muy exageradas sin una buena justificación. Todo esto terminó afectando el contenido de la obra, e hizo que la versión final incluyera todo el outline más nuevas ideas.

Fue trial and error, por así decirlo. Nunca memorizamos el guión, pero sí los significados de cada línea y cuando hablaba cada quién. Esto creó una dinámica interesante, porque podíamos improvisar a cualquier momento un comentario que antes no estaba allí. A veces, esos comentarios improvisados nos gustaban mucho y los seguíamos diciendo siempre. En otras veces, no nos gustaban, y no los volvíamos a mencionar. 

El efecto de esto se puede ver, por ejemplo, en la explicación de porque Victoria tenía para querer estudiar en el extranjero. La promesa que hizo a su abuelo empezó como un comentario improvisado, pero nos gustó bastante y lo agregamos a la obra como su propio momento. 

Calendario

Siento que fuimos meticulosas con nuestro tiempo, y por esta razón logramos manejarlo muy bien. Durante una semana no pudimos ensayar con un equipo completo, pero no sentí que el tiempo fue demasiado corto o largo. Por lo general, siento que fue suficiente, y que como equipo, lo logramos dividir de una manera que no nos afectó negativamente. Esto permitió que hiciéramos nuestro mayor esfuerzo en el proyecto, pues no tuvimos que repartir el tiempo con proyectos de otras materias, ya que ya los habíamos completado. 

Colaboración personal

Creo que la idea fue algo muy aterrizado por el equipo en sí, pero la dinámica que dibujé permitió que la calma del momento de tomar té estuviera fresca en nuestras memorias, y creo que esto tuvo una gran influencia sobre el resto de nuestro proceso artístico.

En términos de escritura, yo fui la responsable de escribir el primero outline de la obra que haríamos, lo que significa que los mayores puntos de tensión y el desenlace de la obra fueron ideas mías. Más tarde, una compañera se basó en el outline para escribir el primer borrador del guión. 

Yo sugerí los elementos que fueron utilizados como escenografía, y como equipo elegimos dónde estaría cada uno. También fui la que dio la idea de usar tazas simbólicas y de calentar el agua para hacer el té de antemano, para no correr el riesgo de que no se calentara lo suficiente o que se calentara demasiado durante la función. 

Tema principal

El tema fue una mezcla de resultados y discusiones que tuvimos después de hacer las exploraciones y estímulos. Llegamos a la conclusión de que el té nos hacía sentir calmadas y seguras, hasta en medio del estrés (en este caso, entrega de proyectos). 

La intención fue de la mano con el tema. Eso sentimos nosotras, y creímos que fue algo bonito de entender. Por esta razón, fue lógico llegar a la intención que tuvimos. Nos gustó y nos hizo pensar lo que el té nos provocó, y queríamos que el resto del mundo lo pudiera sentir también.

Después de las dinámicas, percibimos que queríamos hacer una pieza sobre un momento que estuviéramos viviendo, y decidimos hablar acerca de exámenes de admisión y el miedo de reprobarlos porque esta era la realidad. Tenía sentido que el público fueran personas que están pasando por lo mismo o que ya pasaron por lo mismo, por lo que estudiantes de prepa, maestros, y adultos pareció ser lo más adecuado para tener como público.

Exploración del estímulo

Yo decidí trabajar con el estímulo del té, porque fue el que más me gustó. Me basé en la compañía de Complicité para crear la dinámica, específicamente en la manera en que Complicité explora el estímulo en diferentes espacios. Quería ver dónde el estímulo llevaría el equipo. 

Fue muy simple. Hablamos por diez minutos sin parar, de lo que fuera excepto de la escuela. Después, nos callábamos por tres minutos. Hicimos esto una vez sin té, y la segunda vez con té. De esta forma, pudimos ver y sentir el efecto que el té tuvo en nosotras, y por consecuencia, en la conversación. Los silencios permitieron absorber lo que fue dicho de forma más concreta. 

Siento que la dinámica resultó ser más interesante de lo que había previsto. El té cambió nuestra conversación de forma casi inmediata, y todas estuvimos de acuerdo acerca de que habíamos platicado sobre temas personales que normalmente no salen en una conversación normal. Considerando que antes del té hablamos de tonterías, como sonidos de ornitorrinco, creo que fue un cambio considerable. Por lo general, fue una manera útil de abrir la semana de dinámicas, porque nos permitió tener una idea más fresca acerca de qué exactamente el té nos provocaba. 

Formando el equipo

Pasamos por un proceso largo para hacer la formación de equipos, pero esto permitió que los equipos se formaran de forma orgánica. Al menos este fue el caso con nuestro equipo. 

Empezamos viendo los estímulos de todos los demás estudiantes de curso de teatro, y anotando los que más nos llamaron la atención. Yo anoté varios, y más tarde me basé en ellos para elegir a cuáles compañeros entrevistaría personalmente. 

Cuando entrevisté a los demás miembros del equipo, hicimos click. Queríamos trabajar de forma parecida, en una obra que no fuera demasiado compleja, pero que pudiera transmitir un mensaje importante. Creo que ellas también se dieron cuenta que trabajamos de formas muy parecidas, porque a la hora de montar los equipos, naturalmente nos acercamos.

Fue un poco extraño ya cerrar el grupo, porque al principio nos habíamos reunido bastantes personas, y todas estaban intentando formar sus equipos. Fuimos las primeras en encajar y cerrar un grupo y se sintió muy feo abandonar a los demás. Pero no me arrepiento, dado que nuestro equipo fue muy coordinado.   

Finalmente, decidimos no aumentar el grupo a cinco miembros, porque no llegamos a un consenso acerca de quién sería la persona más adecuada para completar el equipo. Para evitar contratiempos, preferimos permanecer como un grupo de cuatro integrantes. Las dinámicas probaron ser efectivas, pues no tuvimos grandes desacuerdos y trabajamos muy bien.

Aquí anexo el link para la constitución del grupo para el trabajo colaborativo

Mi Perfil Artístico

Habilidades: soy buena trabajando en equipo, en el sentido de que estoy dispuesta a dar, aceptar, y ceder. Puedo dar ideas, pero puedo aceptar diferentes opiniones. También me gusta mucho escribir y siento que lo puedo hacer bien. Soy una persona organizada, que es muy puntual. Finalmente, soy muy disciplinada, y haré mi mejor siempre. 

Cómo quiero trabajar: me gusta lo contemporáneo. En el proyecto colaborativo, me gustaría partir de un punto presente en nuestra realidad. Quiero empezar despacito, con un outline muy básico de un guión, y de ahí, en cada ensayo, ir rellenando conforme el grupo vaya creando. Otro aspecto que podría ser interesante sería traer diferentes props para cada ensayo, siempre viendo qué funcionaría mejor, pues creo que un escenario minimalista puede ser muy poderoso para transmitir un mensaje. 

Experiencias: ya he escrito un guión antes, pero solamente para un proyecto de español. Nunca he actuado, pero ya he hecho una lectura dramática y una ponencia. He hablado en pública un respetable número de veces. 

Intereses: quiero hacer pensar. Quiero que meses después que la obra termine, alguien siga pensando en ella y en el impacto que le causó. Quiero hacer algo abstracto, pero que logre que el público haga una reflexión. Me gusta el simbolismo, y la idea de romper la cuarta pared. Quiero hacer pensar, pero al mismo tiempo, quiero hacerlo de una manera entretenida. Pero nunca he dirigido nada, entonces será un desafío. 

Mindmap de Amores Surdos, de la autora Grace Passô.

Reflexión Estímulos

         Creo que la mayor conexión que existe entre los estímulos que me llamaron la atención fue el sentimiento de magia, y casi de misterio, que me causaban. Ya sea porque la música tenía un tono que relaciono con hadas, o porque la imagen tenía una calidad casi mística en su composición. 

          También me di cuenta que los estímulos que me hicieron pensar “wow, de verdad me dan ganas de escribir una historia sobre eso” son los estímulos más quirky. Los que realmente no se ven todos los días, pero que cuando aparecen, dibujan una sonrisa en la boca de todos. Conforme han pasado los años, me he dado cuenta que mi estilo literario es muy narrativo y juguetón. Me gusta jugar con ideas que podrían ser consideradas casi infantiles, y darles una calidad que las haga más profundas.

         Una pequeña cantidad de estímulos me hicieron sentir estas ganas de escribir algo sobre ellos, pues contenían este elemento de juego y sorpresa con el cual me gustaría trabajar. Este grupo no necesariamente está separado de los estímulos mágicos, pero los estímulos mágicos no necesariamente pertenecen a este grupo. Si estos estímulos terminan no inspirando una posible obra de teatro, no me cabe duda de que inspirarán algún poema. 

Podcasts

Julie Taymor:

1. Identifica 3 cosas que te llame la atención de la vida de Julie Taymor pero que esté relacionado con su trabajo artístico. Es necesario incluir una explicación para cada una. 

-Sus papás no le podían dar mucha atención y esto le permitió hacer lo que quería. Gracias a esta libertad, Taymor empezó a actuar. Quería actuar papeles que no encajaban con su físico, y por esta razón, ella intenta no seguir estereotipos acerca de quién puede actuar cada papel. 

-Cuando cumplió 16, fue a París. Allí tuvo clases de como expresarse a través del cuerpo. Pudo entender que el cuerpo es una escultura. Creo que esto influyó en la manera en que ella decidió no ocultar el hecho de que los actores eran humanos, pues entiende que el cuerpo humano es una herramienta muy poderosa para contar historias.

-Fue a Indonesia y pudo experimentar el teatro tradicional de verdad. Vio obras en su lengua nativa y experimentó la conexión entre actor y público. Imagino que esto influyó en su decisión de mantener el idioma Swahili presente durante la producción de Lion King,

2. ¿Cómo su vida ha influenciado el tipo de trabajo que hace? Su vida le ha ayudado a entender que el teatro es para todos. Debe ser una experiencia vivida y compartida por tanto el actor como el público. También la vida le enseñó que no es necesario conformarse con un solo título, o pertenecer a una sola caja. Puedes dirigir una obra y encargarse de la música. Creo que todo eso combinado le dio la confianza de tomar riesgos y ser innovadora. 

Marianne Elliot:

1. Explica algo que te haya llamado la atención que esté relacionado con su labor artística.

Me pareció interesante la manera en que Elliot decidió hacer con que el ángel fuera el antítesis del estereotipo de un ángel, pues no era blanco y lleno de luz, sino una representación física de la “erosión” de la obra. O sea, ya no era solo un ángel, sino un simbolismo para la erosión de la tierra y del cuerpo, representando el terremoto y el SIDA respectivamente. Me pareció interesante la explicación por detrás de esta decisión.  

Estímulos Parte 2:

-Cromatografía de marcadores

Estímulos: Parte 1

-Money por That Poppy: https://www.youtube.com/watch?v=fS9f6_i6v3Q

-#IHarmU #4 por Jacob Collier (9:10-9:53): https://www.youtube.com/watch?v=IN1QQI-npbc 

-A Story About a Friend por KickthePj: https://www.youtube.com/watch?v=OlLu-sMx0XA

-Annie96 is Typing: http://storiesforyourscreen.com/annie96-is-typing/

Momentos

Tensión: En la obra de “Fractales” hubo un momento de extrema tensión, en donde se insinuaba a la audiencia que la protagonista intentó cometer suicido. Nunca fue dicho de forma explícita, sin embargo, otros elementos lo demostraron. El más marcante fue la luz, que cambio de un amarillo oscuro a un rojo brillante, similar a la sangre. La luz roja hizo con que la atmosfera del lugar pareciera más peligrosa. Aparte, el sonido de fondo jugó un papel importante. El sonido era similar al de una máquina que está a punto de explotar, pero se repitió tanto, de una manera tan monótona, que parecía que a cualquier momento habría una explosión. Como el auditorio era pequeño, el sonido hizo con que todo mi cuerpo vibrara, incluyendo el corazón. Este sonido, que hizo con que mi corazón latiera más rápido, mezclado con la luz roja creo un momento de tensión muy elevado. 

Emoción: La obra que más me causó emoción fue la de #39. La emoción que más senti fue miedo. Al principio de la obra, mantuvieron al público de pie, y los actores, vestidos de payasos, empezaron a moverse entre todos, caminando cerca del público, tocando sus manos, y mirándolos de forma rara. Tener un payaso sonriendo de manera asustadora me causó miedo, más que nada porque no lo estaba aguardando. Aparte, pusieron un video de una protesta estudiantil, y varios actores mezclados entre el público empezaron a actuar como si de verdad estuviéramos en la protesta. De la nada, la luz blanca que iluminaba el espacio en donde estábamos (backstage del escenario, todo negro), se apagó. No podía ver nada, y sentí como una de las amigas que estaba conmigo agarró mi mano. Fueron cinco segundos de confusión y mucho miedo (porque en este punto uno casi no sabe qué es real y qué no es), y luego se escuchó el ruido de un tiro, y mucha gente empezó a gritar. Me dejó tan asustada que hasta ahora se me ponen los pelos del brazo de pie, solo en pensar en este momento.

Clima: Una obra que trabajó con clima muy bien fue la obra de “Entre Familias”. En esta obra, una pareja de jóvenes se enamora, pero ella es de una familia de clase baja de Monterrey, y él es el hijo de una familia san petrina rica. La mamá del joven no quiere que él se case con ella por esta razón, pero su hijo ya decidió que se va a casar. El clima de separación y de disgusto entre las familias se hizo evidente durante la escena de la cena, en donde ambas familias se están conociendo por primera vez. Más que nada porque la ropa de la familia de la novia es completamente distinta a la de los padres del novio. Otro detalle importante es la manera en que la hermana del novio estaba vestida de rosa, de una manera muy fresa, y la ropa del hermano de la novia era emo, casi gótica. Fue una manera inteligente de hacer la diferencia entre familias aparente. 

Significado: En la obra de “Final Feliz”, uno de los momentos de mayor significado ocurrió justo en los primeros minutos de la obra, cuando la pareja tiene una discusión muy grande que termina con su inevitable separación. El hombre, después de casi pegar a su mujer, se da cuenta de lo que hizo. Cuando su mujer pide que se vaya, él deja las llevas de la casa arriba de un mueble, y sale por la puerta. La luz amarillenta que iluminaba el cuarto creaba un ambiente de tensión, pero la mirada de los actores mezclada con el dialogo de antes hizo con que la acción de dejar la llave de la casa denotara el hecho de que su divorcio seria permanente. 

Obras, Visitas, y Lecturas

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Connections

Durante el curso de teatro hemos visto y explorado tres teorías teatrales: El método de Stanislavki, de Grotwski, y el de Laban. Los tres tienen puntos de enfoque bien distintos y son utilizados por actores de todo el mundo para actuar personajes intrigantes y divertidos. Para la presentación de una tradición teatral, yo elegí trabajar y explorar la tradición de Punch y Judy, marionetas que se pegan y hacen con que los niños se rían. Aunque esta tradición es completamente distinta a todo lo que había estudiado antes en el curso, existen conceptos en las tradiciones que me ayudaron en la hora de explorar mi momento teatral de Punch y Judy.

En términos de movimiento físico, es dificil no hacer la conexión entre los movimientos exagerados de Grotowski, y la manera en que esta tradiicón explora la reducción y expansión del movimiento. Para hacer los movimientos de Punch, primero tuve que ver obras en dónde la estrella era su origen: Pulcinella. Después de estudiar el movimiento de Pulcinella, tuve la dificil tarea de reducirlo a mi mano. Estudiar a Grotowski me ayudó a encontrar la manera de expresar lo que Pulcinella transmitía utilizando nada más mi mano derecha. Laban también me ayudó con el movimiento de Punch, pues al categorizarlo como Slash (indirecto, pesado, y rápido), pude movimentarlo con más precisión.

Conceptualmente, Punch y Judy sería similar a lo que dice Grotowski. La emoción del actor no es necesaria. El movimiento es más que suficiente para transmitir algo al público, y como Punch y Judy fueron hechos para un público infantil, estos movimientos pueden ser exagerados y hasta clichés, pues permiten que los niños comprendan mejor lo que está ocurriendo.

Teoricamente, trabajar con Punch y Judy me ayudó a tener más conciencia acerca de como se mueven mis manos. Me han dicho que soy muy expresiva, y que a veces mis movimientos pueden ser muy “extra”. Como los movimientos de Punch y de Judy tiene que ser diferentes, no tuve opción más que controlarme. Esto me ayudó a percibir que no todos los personajes que haga tienen que usar las manos cada vez que hablan.

Finalmente, Punch y Judy me expusieron a mucha cultura europea, pues no solo son una gran parte de la historia de Inglaterra, sino que han dejado sus marcas en Alemania, Francia, e Italia. Sus raíces italianas me expusieron a la Commedia dell’arte, y a sus tradiciones hermanas, como la farsa. Fue divertido trabajar con ellos porque pude ver que una tradición puede ser interpretada de formas muy distintas de una cultura a otra.