#hayao okamoto | Explore Tumblr Posts and Blogs

elizadraws · 6 months

Text

Bulgarian Music in Studio Ghibli films

”Myth has it that Orpheus was born in what is now Bulgaria. It seemed to be fact, not myth, that his daughters are still singing there”

These words were written by the New York Times in the remote 1963 — the year in which the largest Bulgarian folk ensemble crossed the Iron Curtain to conquer an entire continent with its cosmic art.

The 1975 release of Le Mystère des Voix Bulgares, a compilation album of modern arrangements of Bulgarian folk songs, further popularized Bulgarian music, and in 1977, a vinyl record featuring the folk song “Izlel ye Delyo Haydutin” (Eng: Come out rebel Delyo) began its journey aboard the Voyager 1 and Voyager 2 spacecrafts.

From this point on popularity from the West spread to the East, and Bulgarian folk music made it to the entertainment industry, including legendary Japanese anime films, like the cult cyberpunk “Ghost in the Shell” or the heartwarming Studio Ghibli features.

In this short article I write about two occasions of Bulgarian music playing in Studio Ghibli’s films.

The record that inspired the creation of “Only Yesterday”

“Only Yesterday” is a 1991 Japanese animated drama film written and directed by Isao Takahata, based on the 1982 manga of the same title by Hotaru Okamoto and Yuko Tone. Set in rural Japan, the film draws parallels with the peasant lifestyle present in Eastern Europe.

The original work is a compilation of short stories about 11-year-old Taeko’s daily life in 1966. Director Takahata had a hard time making it into a movie since the manga, told in the form of a memoir, has no plot to hold a feature. Together with producer Toshio Suzuki, they came up with the solution of bringing the narrator of the story, adult Taeko, into the movie. But there is a curious anecdote about how this idea came to mind.

Taeko picks safflower as the Bulgarian song “Malka moma dvori mete” plays in the background. © Studio Ghibli

In a 2021 interview with students from Sofia University St. Kliment Ohridski, producer Suzuki recounts how a record of Bulgarian songs performed by the children choir “Bodra Smyana”, introduced to him by director Takahata, inspired the creation of the movie. Moved by the cosmic voices of the children, they decided to make “Only Yesterday” a musical. He also recalls what a tiring process it was to acquire the rights to the music, but if you’ve seen the movie, I am sure you will agree that it was worth it; the haunting, beautiful songs with the pastoral images of farmers picking flowers contribute to one of the greatest scenes created in cinema.

Producer Suzuki showing the record that inspired the creation of ”Only Yesterday”. Source: Studio Ghibli’s Twitter

In “Only Yesterday”, we can hear two songs from the album Bulgarian Polyphony I by Philip Koutev Ensemble. The upbeat “Dilmano Dilbero” [Eng. beautiful Dilmana] sets a happy mood as the protagonist gets changed and ready to go on the field. As the scene shifts and Taeko starts narrating a sad story about the girls in the past picking safflower with their bare hands, the song and mood shift as well.

While the first song has a fast rhythm, with lyrics about pepper planting that can also be interpreted figuratively, the second one, “Malka Moma Dvori Mete” [Eng., a little girl sweeps the yard], is a ballad about a young girl who is forced into marriage but has never known true love.

Both compositions sing about life-cycle events like marriage and the regular coming of the harvests, with lyrics perfectly fitting the setting and plot of the movie, which makes me wonder if the filmmakers chose them by chance or if they had someone translate the words.

Bulgarian Cosmic Voices Enchanting Howl

“Howl’s Moving Castle” is a 2004 Japanese animated fantasy film written and directed by Hayao Miyazaki, loosely based on the 1986 novel of the same name by British author Diana Wynne Jones. Set in a fictional kingdom the movie draws inspiration from various places in Europe. One of them being Bulgaria.

The story focuses on a young girl, named Sophie, magically transformed into an old woman, and a self-confident but emotionally unstable young wizard, Howl, living in a magical moving castle.

A sketch of a Star Child. Source: The Art of Howl’s Moving Castle

If you’ve seen the movie, you surely remember the scene when Madame Suliman ambushes Howl and tries to strip him of his magic powers. Star Children encircle him and his companions; their shadows grow big, dark and intimidating. They start dancing and chanting unintelligible magic words and are almost successful in their devilish act.

This scene, together with the music played in the background, have been a favourite of many fans of the film. Some even recount it giving them nightmares when they were children.

Star Children encircle Howl in an attempt to strip him of his magic powers. © Studio Ghibli

It turns out, however, that these aren’t any incantations, but the lyrics of a folk song. In Bulgarian. And a love song! Contrary to popular belief, the lyrics have nothing to do with magic and are actually about a boy taking his sweetheart, Dona, to the market to buy her new clothes. The excerpt used in the movie is very short and a bit altered from the original, but the words used go like this: Trendafilcheto, kalafercheto, Done mamino, translated as “the rose, the costmary, my darling Dona”.

I am planing a follow up article where I will post the translated lyrics together with a brief explanation on how they are related to the movies.

If you want to comment on or add something, I would love to hear!

Source

#studio ghibli #only yesterday #howls moving castle #Le Mystère des Voix Bulgares #bulgarian folklore #bulgaria #toshio suzuki #hayao miyazaki #isao takahata #bulgarian music in ghibli films #the boy and the heron #スタジオジブリ #ブルガリア #おもひでぽろぽろ #ハウルの動く城 #宮崎駿 #高畑勲 #鈴木敏夫 #bulgarian music

608 notes · View notes

anamon-book · 2 years

Photo

泰造 Cinema square Magazine No.35 シネマスクエアとうきゅう監督＝渡辺範雄／原作＝一ノ瀬泰造「地雷を踏んだらサヨウナラ」、一ノ瀬信子「わが子泰造」／出演＝岡本早生、小林桂樹、中原ひとみ、真野響子ほか

#taizo #泰造 #cinema square magazine #渡辺範雄 #taizo ichinose #一ノ瀬泰造 #一ノ瀬信子 #hayao okamoto #岡本早生 #anamon #古本屋あなもん #あなもん #映画パンフレット #movie pamphlet

9 notes · View notes

qwertyblog-asdasda · 4 years

Text

NGE y la copia

Esto era una falopeada sobre el trabajo iconografico en evangelion que se me fue de las manos y terminó en una historización también falopa. No intenta ser un recuento bien hecho y legible porque tardaria años de investigación (??) es más un resumen lleno de baches y agujeros para dar una idea masomenos cercana a lo que fueron las condiciones materiales-culturales en las que se forjó la serie. También digo porque es al pedo tirar análisis terminantes sobre la serie y terminó tirando un análisis terminante además de decir que no se pueden hacer análisis terminantes es en sí mismo un análisis terminante.

Una de las características de Evangelion es la presencia de símbolos religiosos en los elementos genéricos pertenecientes al robot gigante y la ciencia ficción. A estas referencias hay que sumarle un uso marcado de símbolos de otras áreas: Mucho de la psicología y de Freud y mucho de conceptos científicos como el mar de Dirac, que ahora es más conocido por Evangelion que por otra cosa. Todo esto atado a una combinación diegética de los elementos en juego y una presentación que no intentaba ser sutil en su uso.

Este mix de referencias intelectuales obvias, el crecimiento del internet a finales de los 90s y la masiva popularidad de la serie dieron paso a miles de fanáticos del programa con opiniones muy marcadas y muy osificadas sobre el sentido de cada gesto y cada imagen. Todos discutiendo entre ellos sus diversas teorías sobre lo que anno realmente intento decir, como si Evangelion fuera una pieza congruente y holística diseñada matemáticamente en la cabeza de un japonés y puesta en el mundo para que los fanáticos patrullaran cada centímetro de ella y con el poder de la metáfora interpretaran el verdadero mensaje que tiene adentro. Dando por hecho la calidad de este mensaje dictará la calidad de la obra en su totalidad.

Bueno, para esto les invito a ver la página de NGE en anime news network.

https://www.animenewsnetwork.com/encyclopedia/anime.php?id=49

6 escritores, 10 storyboarders, 14 directores de episodios, 1 diseñador de personajes, 1 director de arte, 11 directores de animación, 2 diseñadores de “mecha” (todo lo que sea mecánica) 1 director de fotografía, etc. Si conoces de anime vas a encontrar nombres como Enokido (escritor que laburo en Revolutionary Girl Utena) Mitsuo Iso (de los mejores animadores en la historia del anime, animo la pelea de Asuka contra los eva series) Shinji Higuchi (guionista y storyboarder, histórico compinche de Anno, tan otaku como el, muy de derecha) Tsurumaki (otro compinche de anno, director de FLCL y Diebuster) Masayuki (animador capo) Sadamoto (hizo el horrible manga de Evangelion que es malazo pero también es el diseñador de personajes, defiende los crímenes de guerra del ejército japonés en la WW2) Takeshi Honda (animador capo) entre otros.

Estos individuos tenían un rol asignado en la producción y le imprimieron toda su experiencia como artistas. Tenían gustos, cultura y opiniones individuales que se dejan ver en su trabajo. Sumado que Anno escribió la serie sobre la marcha, apurado, sumido en la depresión y con los engranajes del estudio cayéndose a pedazos y que con los años “retconnearia” cosas o al menos las recontextualizaria y además reeditaria los capítulos originales, da como resultado una imposibilidad de una obra coherente con sí misma. No significa que Evangelion no tenga narrativas identificables o gestos con interpretación directa y significable, tampoco vamos a ser tan posmodernos, pero si estuviste en los foros de evangelion o incluso en la comunidad de Taringa de evangelion sabes el nivel de extremismo con que los fans consideraban detalles mínimos y con la fe que trataban la lógica interna de la serie.

Un punto para los metaforistas (?) es que en su momento Anno era un director que destacaba por su detallismo y obsesividad, metiendo mano en todo aspecto de la serie y forzando a sus colegas a un ritmo de trabajo parecido al que Kubrick es famoso por tener, le metia 40 tomas seguidas a Tom Cruise donde tenía que entrar por una puerta, un tipazo. La actriz de voz de Asuka (Yuko Miyamura) hablo algunas veces del ritmo brutal que tenían las sesiones de grabación. de todos los trabajadores que hicieron evangelion ella tuvo la peor experiencia.

Los detractores de la serie suelen responder con un análisis metafórico igual de detallado pero con carácter negativo: si comparamos el rol de los símbolos religiosos, científicos y psicológicos que aparecen en la serie con su uso en sus textos originales no tienen ningún sentido, no ayudan a profundizar la trama o las relaciones entre los personajes y nada mas hacen parecer profundo a un anime que no lo es. encima el final es una falopa experimental que no se entiende nada estoy indignadisimo quiero mi trama con sentido lógico Anno la concha de tu madre que pedazo de estafador devolveme los megas que gaste bajandome este bodrio de un pibito con depresión sentado mirando la nada ahahbrebjhqehtbtqe.

En ambos casos el corazón de la crítica sigue siendo el mismo: la búsqueda de un mensaje congruente y una historia con desarrollo lógico donde las explicaciones cierren, una obra holística y coherente con sí misma.

la storia

para darle un contexto a NGE hay que volver en el tiempo desde la desolación neoliberal de los 90s a la infancia del staff de Gainax, la generación de posguerra formada entre mediados de los 60s y mediados de los 70s. niños criados a base del género tokusatsu: obras como las interminables secuelas de Godzilla, Gamera y el resto de los kaiju, series como Ultraman y las copias de Ultraman (entre ellas power rangers) los animes de robots gigantes de Yoshiyuki Tomino y las adaptaciones shoujo de Osamu Dezaki, la animación de Hayao Miyazaki en el anime de Lupin III, capitán harlock, space battleship yamato, películas y libros de ciencia ficción americanas, inglesas, soviéticas y japonesas, el cine de guerra de kihachi okamoto, el cine experimental de la japanese new wave, etc.

Los 80s unieron la consolidación de esta cultura Otaku con un descomunal boom económico. En el mundo Otaku predominaba la apreciación a la cultura pop formada alrededor del manga y el anime con un énfasis en el conocimiento objetivo del medio: era cuasi obligatorio saberse los nombres de los creadores y las fechas de las obras, los personajes, lo que sucedía en las historias y las técnicas que usaban los dibujantes. Debido a la estructura de los estudios de anime los fans comienzan a identificar cada animador de los diversos cortes de un episodio, por ejemplo una escena animada por miyazaki en Lupin III era distinguible por la calidad y ciertas idiosincrasias personales que este tenía al animar.

este método de acercarse a las obras era propenso a grabar imágenes o momentos en la mente de los aficionados. los estudiantes universitarios que luego formarían Gainax eran famosamente conocidos por ser de los otakus que mas data tenían en la cabeza, como si fueran wikipedias biológicas de datos audiovisuales y narrativos sobre el anime. este paradigma cultural a pesar de toda su información era ciego a conceptos abstractos del arte: en la mente del otaku no había mucha diferencia entre consumir una película de tokusatsu donde un tipo vestido de ultraman se pelea contra otro tipo en un traje de monstruo o consumir Solaris de andreii tarkovsky. en ambos buscaban el mismo placer artístico.

un caso notable es el de Akio Jissoji uno de los directores más famosos de Ultraman. dirigió 7 episodios de los 39 de la primera temporada, es también director de varias películas de autor con temáticas eróticas y de violencia sexual que forman parte del nuevo cine japonés. tenía un ojo para la imagen que no diferenciaba entre dirigir un episodio en una serie de superhéroes para niños y el cine experimental.

si la cultura otaku es el soporte ideológico de evangelion el boom económico japonés de los 80s es el soporte material. La economía le abrió espacio a montón emprendimientos nuevos, en esta década surgen estudios independientes que cambiarían el rumbo de una industria hasta ahora manejada por grandes estudios corporatizados. los dos grandes ejemplos en relación a NGE son Ghibli y el grupo Headgear, un grupo de artistas que se organizaron para mantener la propiedad intelectual de sus obras. crearian Patlabor con un miembro llamado (me paro) MAMORU OSHII. También se producen algunas de las películas más caras en la historia del anime como The Wings of Honneamise y Akira, surge el mercado del OVA (original video animation) que escapan a la censura tradicional de la televisión o el cine y permiten obras con contenido más maduro, violento y tambien el hentai. en el terreno del diseño mecánico el típico super robot con características fantásticas como Ideon o Getter Robo se convierte en el “robot real” de Zeta Gundam y Patlabor. robots anclados a una explicación científica y uso práctico, en parte por el nerdismo militar de mucha de la gente entrando a la industria en ese momento. dejan los diseños simples de colores claros que facilitaban la animación y crean bloques mecánicos algo letárgicos y complejos con una estética hard-sci fi.

Daicon IV

youtube

La plata dando vueltas era tanta que grupos de aficionados sin experiencia profesional podían juntarse, hacer un corto de animación y venderlo sin perder plata. así nace el corto más famoso de Gainax. llamado Daicon IV debido a que lo presentaban en la cuarta edición de la daicon, una convención de cultura otaku, era efectivamente un rejunte de referencias a la cultura pop atada con alambre por una canción de electric light orchestra sobre el viaje en el tiempo, una temática recurrente en la filmografía de anno.

después de animar las explosiones en DAICON IV hay 3 películas de los 80s en las que Anno trabaja como animador: nausicaa of the valley of the wind, Macross: do you remember love y the wings of honneamise (esta última de gainax). sus escenas en estas 3 películas son de sus mejorcitos laburos de animador y un buen resumen de lo que sería su fama hasta el 95: explosiones y objetos mecánicos realizados con una destreza y una atención a lo inorgánico que pocos animadores tenían. Para Honneamise el equipo de trabajo visitó estados unidos y varios museos aeroespaciales como el national air and space museum y el johnson space center, el resultado en las escenas animadas por anno es un realismo rara vez visto en anime. en Nausicaa imprimió toda la extraña furia divina del icónico rayo de ultraman en el rayo del god-warrior. sus escenas en Do You Remember Love? son una brillante muestra de su capacidad para mostrar el terror y la elegancia en la escala pura. hasta la llegada del cgi el tokusatsu era un género que lo mejor que hacía era hacerte creer que estabas viendo cosas muy grandes y decirte por que esas cosas muy grandes merecen respeto y asombro. su animación en Macross es un gran tributo a ese pilar estético del género.

Anno a la izquierda

Lo curioso de esto fueron todas las conexiones que formó Anno que es tremebundo antisocial y a pesar de todo logró un rol protagónico en la industria. en entrevistas menciona con orgullo que sus dos maestros en la animación fueron ichiro itano y miyazaki que es algo así como que borges y garcía márquez te enseñen personalmente a escribir. Tenemos un tipo con la fortaleza mental de un taringuero que todavia no cumplia 30 años y era considerado el futuro de una industria en rápido crecimiento.

GUNBUSTER

youtube

Hiroyuki Yamaga (dir. de Honneamise) escribió un guion parodiando el giant robot de esa época. todo el melodrama procesado por medio de trozos gigantes de metal disparándose entre ellos fue saturado a niveles ridículos para burlarse de los tropos de la industria. Anno leyó ese guión y se emocionó tanto con el melodrama procesado por medio de trozos gigantes de metal disparándose entre ellos que lloro. Decidió que era una idea demasiado buena para que no sea llevada a la pantalla y después de una reescritura para adecuarse más a lo que él le interesaba nació en 1988 su primer trabajo de dirección profesional.

imaginate pacific rim, imaginate interstellar, ahora unir esos dos conceptos en 6 episodios de OVA, bueno eso es Gunbuster. es una gigantesca carta de amor a todas las influencias de la cultura pop sobre anno, un DAICON IV sin denuncias de copyright masivas donde todas las influencias del momento se amontonaban en un hermoso melodrama que cruza el shoujo con el Giant Robot en una historia de viajes en el tiempo, de cómo la pasión pura y la destreza militar salvan a la humanidad de enemigos alienígenas. Es un tributo genuinamente hermoso a esa década lleno de esperanza y optimismo.

al unísono que esto también se producía otra OVA de robots gigantes, Patlabor de Headgear que contaba con la dirección de oshii en varios capítulos. Además de la anécdota graciosa (?) de que headgear tuvo conflictos con la gente de gainax porque le afanaban animadores que se suponía que tenían que laburar en gunbuster para llevarlos ellos, nos quedó otra visión alternativa del giant robot. algo de bajo dramatismo apuntado al realismo duro. la serie no era lo que se dice depresiva pero definitivamente no tenía la confianza en el futuro de gunbuster, más tarde en la vorágine de los 90s oshii haría 2 películas de patlabor que ahi si se profundizará el malestar general de la serie y serian la base para mucho anime creado en la segunda mitad de los 90s. La desconfianza de Oshii a la economía otaku ya se presentía desde su Urusey Yatsura 2: beautiful dreamer en 1984, un zurdo cínico en una industria de nerds.

en los 90s la economía japonesa iría al baño de su torre le parc en puerto madero, agarraria su fiel Bersa y se volaria los sesos en remera y short.

Nadia: Secret of blue water

youtube

la segunda serie de anno vendría en 1990. Nadia surge de unas ideas viejas de miyazaki que la NHK tenia por ahi que decidieron darselas a lo que en ese momento era el discípulo de miyazaki para que las adapte. A pesar del alto vuelo creativo que Gainax había demostrado en Honneamise y Gunbuster el estudio era un desastre y estaba manejado por imbéciles (es la versión anime de boca campeón del mundo con macri presidente). el acuerdo que hicieron con NHK era pésimo, no solo dejaba a gainax afuera de la mayoría de los ingresos de merchandising también le daba demasiado control creativo a la NHK, el resultado fue un gainax en crisis que perdía plata haciendo el anime y un equipo creativo con poco poder de decisión. La serie terminaria en desastre y unos gordos de traje arruinarian el sueño del pibe anno (?) de ser el nuevo miyazaki.

los primeros episodios están bastante bien, una especie de aventura bien clásica a lo julio verne con una sensibilidad a lo ghibli. a medida que pasan los capítulos la presión creativa, económica y temporal retuercen la producción y Anno se retrae a lo que sabe hacer mejor que son juegos militares entre submarinos. algo que en si no esta mal (y es algo que anno hace muy bien) pero es un cambio drástico con el tema original de la serie. ya por el episodio 22 las dificultades de producción descarrilan todo al carajo y anno va a quedar out por el estrés. incapaz de trabajar será reemplazado por shinji higuchi como director, que hará un arco muy muy horrible hasta que anno vuelva en los ultimos 5 capitulos a finalizar la serie.

Anno, un director perfeccionista y obsesivo que es nombrado como la futura gran figura de la industria del anime, por presiones internas y externas sufre una crisis física-psicológica grave y no puede hacer lo único que sabe hacer en la vida y es reemplazado por otro director para mantener la serie en producción, esta experiencia años más tarde sentaría las bases de muchas partes de evangelion.

Anno se pasa del 91 al 94 en un episodio depresivo en medio de una depresión económica enorme con ocasionales laburos de animación para sailor moon (donde conoce a ikuhara, director de Revolutionary Girl Utena e inspiración de Kaworu) y para Giant Robo. Gainax nunca había sido un estudio institucionalmente sólido pero el desastre de nadia los terminó de fulminar y esos años los sobrevivieron haciendo juegos hentai, a veces con sus propias heroínas de protagonistas

Un dia King Records, una compañía discográfica, formaria un acuerdo con Anno y Gainax para un nuevo anime de robots gigantes, la única condición artística impuesta por King Records era que no murieran niños en la serie, técnicamente fue respetada.

Neon Genesis Evangelion

youtube

la realización de evangelion en si esta mas hundida en entrevistas contradictorias y anécdotas que no cuadran de lo que ya está hundida normalmente la historia de gainax. no fue una serie planeada de antemano, anno y los escritores la fueron diseñando bajo la marcha, hubo diversos problemas en la producción como anno no entregando storyboards a tiempo porque estaba deprimido o la animación que off-shorearon a corea siendo tan mala que la tuvieron que rehacer, etc. a pesar del mito popular nunca tuvieron problemas de presupuesto pero sí problemas de tiempo para terminar los capítulos y por eso el aspecto de los últimos episodios. La serie lo unico que logro fue hundir aún más en la depresión a su creador. end of evangelion fue una película conclusiva que además de tener que ser repartida en dos partes por problemas de producción terminó con un final dramático: la actuación del ahorcamiento final no era satisfactoria para anno, megumi ogata (actriz de shinji) ahorcó a yuko miyamura (actriz de asuka) para lograr un resultado aceptable. esta estuvo varios días sin poder hablar y al dia de hoy bardea a anno en toda entrevista que le preguntan sobre el director (igual hace un laburo excelente en las rebuild). la última frase de la película (kimochi warui/I feel sick) surgió cuando anno le pregunto a miyamura que sentiría si alguien se masturbara en frente de ella como hace shinji con asuka asi que tecnicamente yuko debería estar acreditada como guionista, no todos escriben una de las líneas más famosas de la historia del anime. Evangelion milagrosamente salvó a Gainax de la bancarrota.

un resumen de los próximos 25 años: después de NGE hicieron Kare Kano, uno de los mejores anime que existen y también de los menos conocidos, a pesar del milagro gainax siguió derrochando la guita en pelotudeces para los altos mandos en vez de pagarle decentemente a sus animadores. hicieron muchas buenas series (entre ellas FLCL, DieBuster, RE: Cutie Honey, Panty and Stocking, Gurren Lagann) Anno hizo muchas buenas películas que van desde el cine arte: Love and PoP y Ritual, al tokusatsu: Cutie Honey (2004) y Shin Godzilla. Gainax aun asi sigue haciendo pelotudeces cagando a la gente meta corrupción y la mitad de sus artistas talentosos se van con Imaishi y fundan Trigger, la otra mitad se van con Anno y fundan Khara. en el 2019 Trigger y Khara unieron fuerzas y hacen un aggressive take over de Gainax que estaba manejada por palurdos y vendiendo al mejor postor todos los derechos de la serie. El futuro es incierto (?)

Si les cabe evangelion recomiendo altamente SSSS Gridman, un brillante anime mecha del 2018 que hizo la gente de Trigger.

Evangelion como una sucesion de copias

El robot gigante es una obra descomunal construida de miles de pequeñas partes mecánicas que se engranan las unas a las otras, son engranadas por un colectivo de trabajadores encargados de planearlas, construirlas, unirlas y manejarlas al costo de miles de horas de trabajo, cantidades enormes de plata y una explotación laboral descomunal. Estos robots son construidos en el mundo diegético de la ficción para detener una amenaza. en el mundo humano son construidos para vender juguetes y que unos gordos de traje se llenen de plata. Es una abominación tecnológica que no debería moverse y aun así se mueve.

El anime es una obra descomunal construida de miles de pequeños planos que se engranan los unos a los otros. son engranados por un colectivo de trabajadores encargados de escribirlas, planearlas, animarlas, montarlas y distribuirlas al costo de miles de horas de trabajo, cantidades enormes de plata y una explotación laboral descomunal. estos anime son construidos por sus artistas por una obsesión creativa. Los que los financian son gordos de traje que se quieren llenar de plata. La animación es una abominación tecnológica que no debería moverse y aun así se mueve.

Rei Ayanami no es humana. es un objeto creado en un laboratorio por unos científicos muy turbios. Es un clon de una mujer de verdad, una reproduccion que perdió el aura de la original y ahora es solo una imitación sacrificable con copias de sobra de ella misma. Su desarrollo en la serie es el de un objeto que adquiere una identidad por fuera de sus creadores y un deseo de autonomía propio. ya no quiere ser el juguete de Gendo, un objeto fetiche que construyó para satisfacer sus deseos y maneja a voluntad. decide romper el vínculo de dominación que este tiene sobre ella y arruina su plan para decidir el rumbo del apocalipsis.

Otro objeto fetiche-abominación tecnológica que en el curso de la serie rompe progresivamente el dominio de Gendo sobre ella y forma su propia voluntad es el Evangelion 01, al igual que Rei es una representación de Yui Ikari que gendo usa para interpelar los deseos de pérdida que tiene hacia la original. Tanto Rei como el eva01 rompen su rol como juguetes (o muñecas, como la de asuka) autodestruyéndose a sí mismas. en la medida que se rompen, explotan, mueren, regeneran, y sucesivos tejidos y materiales reemplazan los anteriores los lazos hacia sus creadores se cortan. Para entender su ser tienen que romper su forma.

A pesar de ser uno de los mejores animadores mecánicos de su generación Hideaki Anno es mediocre animando seres humanos. En su corto-documental donde le enseña animación a unes niñes de su ciudad natal menciona que le gustaba imaginar los paisajes industriales de esa ciudad ahora en declive económico como si funcionaran vacíos de gente, un organismo mecánico sin humanos.

Neon Genesis Evangelion no es original, incluso para una industria tan artísticamente incestuosa como el Anime no es original. Con suficiente conocimiento del arte podes identificar casi cualquier aspecto de la serie con algo creado anteriormente. La serie es una gigantesca copia a lo frankenstein de todas las influencias artísticas de la gente que la construyó. Las piezas están atadas con alambre y apenas se mantienen juntas, ya para el final de la serie se desarman, incapaces de mantener ese conjunto mutante de elementos unido. En esta desesperación creativa la serie comienza un proceso de autodestrucción parecido al del eva01 y al de Rei. A su estructura de ciencia ficción- espionaje- superhéroes- psicoanálisis- implicaciones religiosas-drama familiar shouj, le cae como un martillo el cine experimental.

En los episodios finales la influencia experimental quiebra la realidad diegética del mundo en no solo una interrogacion psicológica de los personajes si no también en una interrogación de la forma del anime en si. Lo que hacían gente como Brakhage, Mekas, Maya Deren, Terayama, Imamura o Jissoji era hacer un comentario sobre la imagen misma, sacarla de su naturaleza representacional para examinar sus límites como objeto mismo.

Hay una método común en la manera que el tokusatsu trata sus props y el cine experimental trata la imagen, ambos son transformados en juguetes dispuestos a ser rotos, cambiados, prendidos fuego, para lograr la experiencia estética deseada. El staff de Gainax solo une el método del tokusatsu y el método del cine experimental en una sola obra.

el Anno de 1997 no era el de 1988, después de las coordinadas crisis depresivas y económicas se quiebra su confianza en un género al que había dedicado su vida. La única herramienta para examinar esta situación que tiene es el de la imagen de ficción porque es en lo único que se educó. “se les termino la plata y versearon algo pretencioso” es capaz útil para los últimos capítulos, no es útil para describir una película final que es aún más arriesgada y experimental que los capítulos 25-26, estos al menos mantenían un nivel de legibilidad en la abstracción simbólica. End of Evangelion se rompe formalmente como objeto en sí mismo, al igual que rei está desnuda y desprendiéndose a pedazos cuando finalmente desafía a Gendo, al igual que asuka y el evangelion 02 son descuartizados por los eva series o la misma humanidad se deshace en un ritual orgásmico para desaparecer en un océano de almas colectivas.

Todos estos procesos de catarsis autodestructiva tienen diferentes destinos. Rei está basada en Rheya, el personaje femenino de solaris, naturalmente se termina convirtiendo en el océano-cerebro-dios-planeta (???) en el que sucede la novela. La película de Solaris por su parte es culpable, junto con Ultraman, de gran parte de las referencias bíblicas de la serie. Tanto tarkovsky como tsuburaya eran cristianos que les gustaba meter cruces en sus obras.

Yui-Eva01 termina como una solitaria vagabunda espacial esperando el fin del universo. Shinji y Asuka deciden reformarse junto a lo que quede de la humanidad, así la imagen se reforma y vuelven al lúgubre mundo en el que viven esperando un mañana mejor (yo tengo la teoría que asuka no lo recago a palos a shinji en la escena final porque estaba sin fuerzas, esa no es una caricia es un intento de pegarle una cachetada).

Evangelion como objeto en sí fue un suceso tal que continuó el ciclo de reproducción que creó la serie. una obra preocupada con el fracaso económico de su generación y su incapacidad de ser una copia de mejores obras del pasado al punto que sadamoto deliberadamente diseño los evangelion para que sean difíciles de objetificar en un juguete, se convirtió en uno de los anime más exitosos de todos los tiempos y fue tan influyente en el futuro de la industria como Ultraman lo fue a la juventud de los 70s. Acá siempre se objeta la hipocresía de ser al mismo tiempo una “crítica” (no es crítica) al mundo otaku y tener fanservice de adolescentes de 14 años y venderle muñecas a los gordos para que se masturben. No es hipocresía porque la serie nunca tuvo esta intención. Sadamoto es el jodido creador del “boob jiggle” tan endémico a los personajes femeninos del anime. A la gente de Gainax no les interesa criticar la sexualizacion de menores dibujadas, que hayan creado algunos de los mejores personajes femeninos del anime es un tema aparte y habla más de la pasión que tiene Anno por el shoujo de los 70s. Estos mangas no se pueden llamar feministas narrativamente pero eran arte popular creado por mujeres con un perfil de personajes femeninos mucho mas protagonicos e interesantes que los que suelen estar en los robots gigantes o tokusatsu. La más conocida es Riyoko Ikeda que además de ser parte del partido comunista en su juventud y meter temas como la lucha de clases y pseudolesbianas en sus mangas (la representacion lgbt en estos mangas es ambigua y complicada) tuvo varias de sus obras adaptadas al anime por Osamu Dezaki, otro de los grandes directores que forman el ADN de evangelion. Los personajes femeninos de la carrera de Anno dan para todo un post extra, tienen una tensión entre los comunes arquetipos genéricos a los que recurre, la fantasía sexual que dispone en estos personajes y una reticencia a utilizar personajes masculinos que da resultados siempre interesantes y más progres (?) de lo que se creería.

Anno le dio unos buenos 5 años a los principios planteados en NGE. en estos 5 años creo toda clase de trabajos experimentales y creativos que apuntaban a una nueva manera de hacer cine pero a partir del 2000 se cansa y vuelve al cine de género que solía caracterizarlo y hace tan bien. Capaz al estar casado (en un matrimonio muy bueno y saludable si creemos en el manga autobiográfico de su esposa moyoco) y reventado en plata, la ansiedad existencial se calmo y ya no tiene necesidad de inventar cosas nuevas. La excepción es su película del 2012 Rebuild of Evangelion 3.33. ya veremos si la futura película final de Rebuild regresa a su periodo más artísticamente arriesgado.

2 notes · View notes

quimeraradiomx · 6 years

Text

Honorando a Isao Takahata, el otro genio detrás de Studio Ghibli

Cuando se habla de Studio Ghibli, por lo general se refiere a éste como un sinónimo de Hayao Miyazaki y si bien con este escrito no se pretende menospreciar su gran importancia dentro del estudio y el mundo de la animación, es una triste realidad que aquel nombre opaque los de otras mentes que merecen el mismo reconocimiento, una de ellas es la de Isao Takahata, quien tristemente falleció el pasado 5 de abril, debido al cáncer de pulmón.

Isao Takahata nació en 1935, a sus nueve años de edad, fue uno de los sobrevivientes del bombardeo en la ciudad Okoyama por parte de Estados Unidos, durante la segunda guerra mundial, un evento que lo marcaría bastante y más adelante en su vida lo llevaría a realizar una de las películas antibélicas de mayor renombre en la historia. Takahata se graduó de la Universidad de Tokyo tras estudiar Literatura Francesa, durante sus estudios en éste campo se vio atraído por la caricatura francesa Le Roi et L`Oiseau ( El Rey el el Ruiseñor).

Mientras buscaba trabajo en la Universidad se vio tentado a unirse al gran estudio de Toei Animation, ya que para ese entonces la animación era un arte que había capturado por completo su atención, ya que creía que el medio tenía grandes posibilidades para narrativas más complejas e interesantes, que simples historias infantiles. En Toei Animation primero fungió como asistente a director y luego, tras la recomendación de su instructor, pasó a ser director, su debut direccional fue Hols: Principe del Sol, la cual desafortunadamente fue un fracaso financiero y por aquella razón fue degradado de posición, sin ver posibilidad de crecimiento, Takahata abandonó Toei junto con otros empleados, entre ellos, Hayao Miyazaki, quien posteriormente lo invitó a trabajar en una adaptación de la novela sueca Pippi Mediaslargas para “A Production”, sin embargo el proyecto se vino abajo cuando la autora de la novela , Astrid Lindgren, les negó los derechos de la adaptación. Fue así que ambos se vieron trabajando juntos en la fallida serie de televisión Lupin III, ambos animadores le dieron nueva vida a la serie.

Más tarde en 1971 Zuiyo Enterprises invitó a Miyazaki, Takahata y Yoichi Kotabe ( quien también abandonó Toie Animation al mismo tiempo que aquellos dos) para trabajar en la serie animada de Heidi, La niña de los Alpes. Pasaron los años y ambos animadores se frecuentaron en diferentes proyectos, seguido consultándose el uno al otro, así mismo ambos tuvieron la experiencia de trabajar dentro del circuito de animación estadounidense.

En 1985, tras el rotundo éxito de la cinta Nausicaä, princesa del Valle del Viento, dirigida por Miyazaki, éste decidió formar su propio estudio: Studio Ghbili, Takahata fue inmediatamente reclutado por Miyazaki para poder llevar acabo aquella nueva aventura.

La primer película dirigida por Takahata en Ghibli fue “La Tumba de las Luciernagas” en 1988, esta cinta está basada en la historia corta homónima del autor Akiyuki Nosaka, quien escribió el relato basado en su propia experiencia tras el bombardeo de Kobe por parte de Estados Unidos en 1945 durante la Segunda Guerra Mundial, en donde su padre murió por el bombardeo mientras que su hermana murió por enfermedad y su hermana adoptada Keiko murió por malnutrición, la historia la disculpa personal del autor a Keiko.

Esta cinta es quizás la más reconocida de la filmografía de Takahata y existes bastantes listas en las que figura como una de las 100 mejores películas de toda la historia y aparece constantemente en el top 5 de mejores películas anti bélicas, sin embargo el director de la cinta dice que esa no fue su intención:

“La cinta no es un anime antiguerra y absolutamente no tiene ese mensaje”

El director señalaba que lo que el quería representar era la imagen de un hermano y hermana que viven una vida fallida debido a su aislamiento de la sociedad y que busca evocar simpatía hacía esos jóvenes que han sido marginados de la sociedad, ya que la película da muy poco contexto sobre el conflicto bélico que transcurre en la cinta, siente que un político podría fácilmente justificar una acción de guerra con tal de evitar una situación trágica similar. Sin embargo el director se ha declarado antiguerra en diversas ocasiones y ha criticado a la cultura de conformidad en Japón, expresando desesperación y ansiedad cuando a los jóvenes se les dice que deben de seguir ordenes.

Takahata también trabajó como director de música y productor dentro de Studio Ghibli, pero sus créditos como director, además de la ya mencionada Tumba de las Luciernagas, dentro del estudio son por las cintas:

Recuerdos del Ayer:

Un drama para adultos basado en el manga del mismo nombre de Hotauro Okamoto, estrenada en 1991 la cinta se convirtió en la cinta japonesa más exitosa comercialmente de aquel año y fue alabada por la crítica debido a su exploración de temas pocos vistos en la animación japonesa para ese entonces, un drama realista que se enfoca principalmente vida rutinaria de las mujeres.

Pom Poko: La Guerra de los Mapaches:

Una aventura cómica con tintes de drama que se basa en el folklore japonés de criaturas mágicas llamadas tanuki (perros mapache), quienes en las leyendas son animales inteligentes bastante sociables y traviesos, los cuales se pueden transformar en cualquier cosa.

Mis Vecinos los Yamadas:

Una serie de viñetas animadas que siguen el día a día de una familia, la cinta está estilizada como si fuese un cómic y se alejó mucho de la estética tradicional que ya venía manejando Ghibli.

La leyenda de la Princesa Kaguya:

La cinta está basada en un monogatari ( prosa narrativa de ficción tradicional) que data del siglo X. Se considera como la prosa Japonesa más antigua conocida hasta ahora. Esta fue la película final de Takahata como director y es hasta la fecha la película japonesa más cara que se haya producido, fue nominada como Mejor Película Animada por los premios número 87 de La Academia. Su estilo también se diferencia mucho a la animación característica de Ghibli, ya que fue animada a basa de acuarelas.

El legado de Takahata es grande no solo para Studio Ghibli sino para el mundo del cine, en una entrevista el prominente animador Yasuo Otsuka declaró que Miyazaki obtuvo su conciencia social de Takahata y que de no haberse conocido, seguramente a Miyazaki solo le hubieran interesado “cosas de cómics”

youtube

#isao takahata #studio ghibli #animación #Miyazaki

2 notes · View notes

jccamus · 5 years

Text

Filmografía: Todas las películas de Studio Ghibli

Filmografía: Todas las películas de Studio Ghibli https://ift.tt/2H0P4OR

(Kaze no tani no Naushika / 風の谷のナウシカ / Nausicaä of the Valley of the Wind)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 11 Marzo 1984

Estreno en España: 7 Mayo 2010 (cines) / 30 Junio 2010 (DVD) / 24 Noviembre 2010 (Blu-ray) / 14 Mayo 2014 (reedición Deluxe) / 23 Noviembre 2016 (reedición Deluxe)

Duración: 1 hora y 56 minutos

Basada en el 1er tomo del manga homónimo dibujado por el propio Miyazaki.

El castillo en el cielo (1986)

(Tenkû no shiro Rapyuta / 天空の城ラピュタ / Laputa: Castle in the Sky).

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 2 Agosto 1986

Estreno en España: 15 Octubre 2003 (DVD) / Reedición: 24 Febrero 2010 (DVD) / 2 Noviembre 2011 (Blu-ray) / 29 Octubre 2014 (ed. Deluxe)

Duración: 2 horas y 4 minutos

Su idea parte de las islas flotantes relatadas por Jonathan Swift en 'Gulliver'.

Mi vecino Totoro (1988)

(Tonari no Totoro / となりのトトロ / My neighbor Totoro)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 16 Abril 1988

Estreno en España: 30 Octubre 2009 (cines) / 9 Diciembre 2009 (DVD) / 30 Octubre 2012 (Blu-ray) / 30 Octubre 2013 (ed. Deluxe)

Duración: 1 hora y 26 minutos

Catalogada autobiográfica de la infancia de Miyazaki.

La tumba de las luciérnagas (1988)

(Hotaru no haka / 火垂るの墓 / Grave of the fireflies)

Dirigida y escrita por Isao Takahata.

Estreno original: 16 Abril 1988

Estreno en España: 24 Noviembre 2003 (DVD) / Reedición: 27 Agosto 2008 (DVD remasterizado) / 11 Diciembre 2012 (Blu-ray) / 2 julio 2014 (ed. coleccionista) / 11 Mayo 2016 (ed. Deluxe)

Duración: 1 hora y 28 minutos

Basada en la novela homónima de Akiyuki Nosaka.

Nicky, la aprendiz de bruja (1989)

(Majo no takkyûbin / 魔女の宅急便 / Kiki's Delivery Services / Kiki, entregas a domicilio)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 29 Julio 1989

Estreno en España: 14 Octubre 2003 (DVD) / Reedición: 24 Febrero 2010 (DVD) / 21 Mayo 2013 (Blu-ray) / 29 Octubre 2014 (ed. Deluxe)

Duración: 1 hora y 42 minutos

Disney cambió música y diálogos en su primera versión internacional.

Recuerdos del ayer (1991)

(Omohide poro poro / おもひでぽろぽろ / Only yesterday / Los recuerdos no se olvidan -no oficial-)

Dirigida y escrita por Isao Takahata.

Estreno original: 20 Julio 1991

Estreno en España: 5 Mayo 2010 (DVD)

Duración: 1 hora y 58 minutos

Basada en el manga de Hotaru Okamoto y Yûko Tone.

Porco Rosso (1992)

(Kurenai no buta / 紅の豚)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 18 Julio 1992

Estreno en España: 1 Septiembre 1994 (cines) / 25 Agosto 2010 (DVD) / 30 Octubre 2013 (Blu-ray) / 14 Mayo 2014 (ed. Deluxe) / 23 Noviembre 2016 (reedición Deluxe)

Duración: 1 hora y 34 minutos

Inicialmente iba a ser un corto para proyectar en los aviones comerciales.

Puedo escuchar el mar (1993)

(Umi ga kikoeru / 海がきこえる / Ocean waves / I can hear the sea)

Dirigida por Tomomi Mochizuki. Escrita por Kaori Nakamura.

Estreno original: 5 Mayo 1993 (TV)

Estreno en España: 29 Octubre 2008 (DVD)

Duración: 1 hora y 9 minutos

Único film para televisión de Ghibli y primero ajeno a Miyazaki y Takahata.

Pompoko (1994)

(Heisei Tanuki Gassen Pompoko / 平成狸合戦ぽんぽこ)

Dirigida y escrita por Isao Takahata.

Estreno original: 16 Julio 1994

Estreno en España: 9 Diciembre 2009 (DVD)

Duración: 1 hora y 59 minutos

Candidata de Japón a los premios Oscar de 1995.

Susurros del corazón (1995)

(Mimi wo sumaseba / 耳をすませば / Whisper of the heart / Si escuchas atentamente -no oficial-)

Dirigida por Yoshifumi Kondô. Escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 15 Julio 1995

Estreno en España: 28 Octubre 2009 (DVD) / 2 Mayo 2012 (Blu-ray) / 28 Octubre 2015 (ed. Deluxe)

Duración: 1 hora y 51 minutos

Su director Yoshifumi Kondô falleció en 1998 a causa de un aneurisma.

La princesa Mononoke (1997)

(Mononoke hime / もののけ姫 / Princess Mononoke)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 12 Julio 1997

Estreno en España: 30 Marzo 2000 (cines) / 14 Octubre 2003 (DVD) / Reedición: 24 Noviembre 2010 (DVD) / 14 Mayo 2014 (Blu-ray) / 11 Febrero 2015 (ed. Deluxe)

Duración: 2 horas y 14 minutos.

Batió todos los récords de coste y recaudación en Japón hasta su estreno.

Mis vecinos los Yamada (1999)

(Hôhokekyo Tonari no Yamada-kun / ホーホケキョとなりの山田くん / My neighbors the Yamadas)

Dirigida y escrita por Isao Takahata.

Estreno original: 17 Julio 1999

Estreno en España: 14 Mayo 2008 (DVD)

Duración: 1 hora y 44 minutos

Primera y única película íntegramente realizada por ordenador de Studio Ghibli.

El viaje de Chihiro (2001)

(Sen to Chihiro no kamikakushi / 千と千尋の神隠し / Spirited away)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 20 Julio 2001

Estreno en España: 11 Octubre 2002 (cines) / 2 Abril 2003 (DVD) / Reedición: 28 Marzo 2007 (DVD) / Otoño 2018 (Blu-ray)

Duración: 2 horas y 5 minutos

Ganadora del Oso de Oro de Berlín y el Oscar de Hollywood.

Haru en el Reino de los Gatos (2002)

(Neko no ongaeshi / 猫の恩返し / The cat returns)

Dirigida por Hiroyuki Morita. Escrita por Reiko Yoshida.

Estreno original: 19 Julio 2002

Estreno en España: 29 Noviembre 2005 (DVD)

Duración: 1 hora y 15 minutos

Secuela libre de la novela escrita por la protagonista de 'Susurros del corazón'.

El castillo ambulante (2004)

(Hauru no ugoku shiro / ハウルの動く城 / Howl's Moving Castle / El increíble castillo vagabundo / El castillo errante de Howl)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 20 Noviembre 2004

Estreno en España: 3 Marzo 2006 (cines) / 13 Junio 2006 (DVD) / 2 Mayo 2012 (Blu-ray) / 30 Octubre 2013 (ed. Deluxe)

Duración: 1 hora y 59 minutos

Basada en la novela de Diana Wynne Jones y nominada a los Oscar 2005, estuvo a punto de dirigirla Mamoru Hosoda. Noticias relacionadas

Cuentos de Terramar (2006)

(Gedo senki / ゲド戦記 / Tales from Earthsea)

Dirigida y escrita por Gôro Miyazaki.

Estreno original: 29 Julio 2006

Estreno en España: 21 Diciembre 2007 (cines) / 12 Marzo 2008 (DVD) / 2 Mayo 2012 (Blu-ray)

Duración: 1 hora y 50 minutos

Basada en los libros de Ursula K. LeGuin y dirigida por el hijo de Hayao Miyazaki.

Ponyo en el acantilado (2008)

(Gake no ue no Ponyo / 崖の上のポニョ / Ponyo on the cliff by the sea / Ponyo y el secreto de la sirenita)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki.

Estreno original: 19 Julio 2008

Estreno en España: 24 Abril 2009 (cines) / 28 Octubre 2009 (DVD) / 27 Enero 2010 (Blu-ray) / 11 Febrero 2015 (ed. Deluxe)

Duración: 1 hora y 40 minutos

Totalmente dibujada a mano sin efectos digitales.

Arrietty y el mundo de los diminutos (2010)

(Karigurashi no Arrietty / 借りぐらしのアリエッティ / The Borrower Arrietty / Arrietty, la que toma prestado -traducción literal-)

Dirigida por Hiromasa Yonebayashi. Escrita por Hayao Miyazaki y Keiko Niwa.

Estreno original: 17 Julio 2010

Estreno en España: 16 Septiembre 2011 (cines) / 18 Enero 2012 (DVD y Blu-ray)

Duración: 1 hora y 34 minutos

Basada en la novela de 1952 'Los Borrowers' de Mary Norton.

Noticias relacionadas Crítica

La colina de las amapolas (2011)

(Kokuriko-zaka Kara / コクリコ坂から / From Up on Poppy Hill / Desde la colina de las amapolas -traducción literal-)

Dirigida por Gôro Miyazaki y escrita por Hayao Miyazaki y Keiko Niwa.

Estreno original: 16 Julio 2011

Estreno en España: Sin fecha

Duración: 1 hora y 31 minutos

Basada en el shôjo manga del mismo nombre publicado en 1980.

El viento se levanta (2013)

(Kaze Tachinu / 風が上昇 / The Wind Rises / Se levanta el viento)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki

Estreno original: 20 Julio 2013

Estreno en España: 25 Abril 2014 / 26 Septiembre 2014 (DVD y Blu-ray)

Duración: 2 horas y 6 minutos

Basada en la autobiografía del diseñador de aviones caza de la II Guerra Mundial, Jiro Horikoshi; y la novela de Tatsuo Hori.

El cuento de la Princesa Kaguya (2013)

(Kaguya-hime no Monogatari / かぐや姫の物語 / The Tale of the Princess Kaguya)

Dirigida y escrita por Isao Takahata. Escrita también por Riko Sakaguchi

Estreno original: 23 Noviembre 2013

Estreno en España: 18 Marzo 2016 (cines) / 20 Julio 2016 (DVD/BD)

Duración: 2 horas y 17 minutos

Basada en la famosa leyenda tradicional japonesa de El cortador de bambú.

El recuerdo de Marnie (2014)

(Omoide no Marnie / 思い出のマーニー / When Marnie Was There / Cuando Marnie estuvo allí -del inglés-)

Dirigida y escrita por Hiromasa Yonebayashi. Escrita también por Keiko Niwa y Masashi Ando.

Estreno original: 19 Julio 2014

Estreno en España: 18 Marzo 2016 (cines) / 13 Julio 2016 (DVD/BD)

Duración: 1 hora y 43 minutos

Basada en la novela del mismo nombre de Joan G. Robinson.

Sanzoku no Musume Ronja Serie de TV (2014)

( 山賊の娘ローニャ / Ronja, the Robber's Daughter / Ronja, la hija del bandolero)

Dirigida por Goro Miyazaki. Escrita por Hiroyuki Kawasaki.

Estreno original: 10 Octubre 2014 en la cadena NHK

Estreno en España: Diciembre 2016 (TV / Movistar+)

Duración: 25 minutos por episodio / 26 episodios

Primera serie de televisión producida por Studio Ghibli, basada en la novela de Astrid Lindgren

___________________________________________________________________________

MÁS FILMOGRAFÍA...

https://ift.tt/2H2EAP7 via August 11, 2019 at 05:09PM

#IFTTT #Feedly

1 note · View note