Joseph Cornell 1903-1972

CINEMA EXPERIMENTAL

La vie de Cornell suit l’histoire du cinéma, il va dans les nickels-odéons et les pennies arcades2, il voit des films dans les foires et les fêtes foraines, puis dans des théâtres avec accompagnement musical, il découvre les films teintés et assistera aux passages au parlant et à la couleur.

Le film Rose Hobar(1936) a été entièrement composé par Cornell à partir d’images trouvées dans des entrepôts du New Jersey, la plupart provenant d’un film de série B intitulé A l’Est de Borneo. Pour les rares projections qui ont eu lieu de ce film, Cornell faisait entendre le disque de Nestor Amaral, Holiday in Brazil et diffusait le film à travers un filtre bleu foncé pour lui donner un aspect onirique. Le film a été présenté à la Julien Levy Gallery en décembre 1936 dans le cadre de la première Exposition Surréaliste au Museum of Modern Art de New York. Salvador Dalí, présent à New York pour le vernissage au MoMA, était présent et le film a déclenché sa fureur, Dali proclamant qu’il avait eu lui-même l’idée d’appliquer au cinéma les techniques du collage. Dali a fait remarquer à Cornell qu’il ferait mieux de s’en tenir à ses boites et celui-ci, de nature timide, a renoncé à montrer ses films en public.

Rose Hobart est un concentré « amoureux » de Cornell pour une actrice, une cristallisation poétique et cinématographique provoquée notamment par la disparition de l’histoire contenue initialement dans East of Borneo.Cornell ne s’intéresse qu’à l’actrice, à son visage anxieux et aux gracieux mouvements de son corps mis en valeur par de nombreuses ellipses, des arrêts et des sauts de montage érigeant le faux raccord en principe esthétique et ce soixante ans avant In the Mood for Love. En plus des gros plans, Cornell a notamment choisi de garder ceux où le corps de l’actrice est cadré par des rideaux, des fenêtres, des portes, des balcons, ce qui provoque un travail de sur-cadrage et de mise en scène supplémentaire. Il a enlevé les dialogues et la musique et il projette le film à la vitesse du cinéma muet pour le ralentir. Toutes ces manipulations visent à créer un style onirique et élégant qui sublime l’actrice. Cornell est à la fois un spectateur sophistiqué, un cinéphile amoureux et nostalgique du cinéma muet, le seul qui vaille pour lui – son film peut se voir comme une analyse restrictive de East of Borneo – et il se comporte en fan séduit par l’actrice car le montage est entièrement organisé autour d’elle. Mais peut-être est-ce la même chose… Une éclipse, un moment important du film, a été totalement créée par Cornell qui a rajouté des plans. C’est le cas en début de film où pendant quelques secondes, des images montrent un groupe de personnes les yeux levés vers le ciel regardant au travers de quelque chose. Cette éclipse donne un sens poétique à l’anxiété de Linda qui semble être dans l’attente de quelque chose, elle instaure un léger suspens. Rose Hobart était accompagné de deux extraits musicaux enregistrés sur un disque, une rumba brésilienne qui accentuait ironiquement le caractère inquiet du personnage joué par l’actrice. Initialement le film était projeté au travers d’une vitre bleue, mais à la fin de sa vie, Cornell donna l’instruction de teinter la copie et de joindre en boucle la musique. Rose Hobart, pendant plus de trente ans, restera une expérience singulière dans l’histoire du film de montage. Peut-être parce que seul un collectionneur de film pouvait faire un tel objet : l’amour du cinéma mais aussi l’expérience des accidents qui arrivent au projectionniste amateur car lorsque les films cassent, les collures engendrent des montages accidentels. Élément qui pourrait être l’un des « génératifs » de l’esthétique des films de Cornell. Rose Hobart fut montré pour la première fois à la Galerie Julien Levy en décembre 1936 dans un programme comprenant Anemic cinéma de Marcel Duchamp, l’Étoile de mer de Man Ray et une sélection de films de sa collection intitulée « Goofy Newsreel » (« Actualités stupides ») : des films Zecca, une série comique américaine « Unreel Newsreel »… Après avoir vu Rose Hobart Salvador Dalí se mettra en fureur contre Cornell l’accusant de lui avoir volé le concept. Cornell en sera profondément affecté.

Cinema of Trangression. p2

Mommy, Mommy, Where’s my Brain

Jon Moritsugu U.S / 1986 / 10 min

Entre un riff rageur de AC/DC et une pénible critique de la folie par Jacques Derrida. Voici un film expérimental en 16mm, réalisé en réponse aux aspects théoriques et critiques dans l'institution du Cinéma et de la critique cinématographique non-académique.

«Le progrès est vandaliste et barbare. C'est une vérité tellement banale que j'ai honte de l'affirmer. »- Asger Jorn

Est-il surprenant que la transgression se développe furieusement aujourd'hui, vous ne pouvez même pas dire s'il s'agit de mouvement ou simplement de folie quoique vous en pensiez, sous la crasse ce film est pur.

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Part AC/DC, part Jacques Derrida. An experimental film made as a response to the critical theory aspects of the filmmakers degree and academic film criticism.

«Progress is vandalistic and barbaric. This is such a banal truth that I'm ashamed to assert it.» – Asger Jorn

Is it surprising that transgression today is expanded furiously you can't even tell if it is movement or just mere madness. Whatever you think about it, under the filth this film is pure.

2022 Paris, cinema expérimental.

Après avoir donné mon avis sur le film the WITCH, je continue mon voyage à travers l’œuvre de Robert Eggers en vous parlant de son second film The LIGHTHOUSE sorti en 2019. C’est sans nul doute le film le plus expérimental de sa carrière. C’est une vraie descente aux enfers purement sensorielle. Tourné dans un superbe format 4/3 en noir et blanc, L’intrigue tourne autour du travail de deux veilleurs de phare qui vont progressivement basculer dans la folie. Le précédent film du cinéaste était une vision à la fois réaliste et folklorique de la sorcellerie. Ici nous sommes dans le symbole et le psyché des personnages qui ne feront plus la différence entre la réalité et leurs peurs primaires . Le son a une importance primordiale dans ce long métrage. Des bruits récurrents totalement obsessionnels qui transportent le spectateur dans un univers irréel cauchemardesque qui rend parfois hommage aux grands anciens de Lovecraft et à Bunuel . Les deux acteurs Robert Pattinson et William Dafoe sont totalement habités par leurs personnages névrosés. The LightHouse est un grand film sur la solitude, la difficulté de communiquer et la culpabilité. Œuvre déroutante mais c’est pour moi avant tout un grand film malade ! #thelighthousemovie #thelighthouse #roberteggers #robertpattinson #williamdafoe #cinema #filmcritic #filmcritique #filmreviews #geek #horreur #horrorart #horrormovies #horror #geekinworld (à Paris, France) https://www.instagram.com/p/CfMSu_TKuBL/?igshid=NGJjMDIxMWI=

 Hair on soup, 1964, (surrealist movie).    

Les *POLY STYRENES* ont invité ✩Louise Siffert✩ à programmer une soirée de projections au Café Pompier le 7 décembre 2021.

Finding Our New World - Another Alternative to a Sceptic System, Louise SIffert, 2019 Gut Feelings, Louise Siffert, 2020 + surprise

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#L'Ordre (2020) 9 septembre 2020 / 0h 44min / Documentaire, Expérimental Date de reprise 9 septembre 2020 De Jean-Daniel Pollet Avec Epaminondas Raimondakis, Philippe Sollers En 1904, le gouvernement grec décide de parquer les lépreux, considérés comme dangereux pour la société, sur la forteresse de Spinalonga, une presqu’île au nord de la Crète. Là, en attendant la mort, ils s’organisent une vie. Raimondakis, fils d’avocat, est leur porte-parole.

Combien de temps as-tu dormi pendant le film EnragéRising ()? La mLe Voyage du Pèlerinique, l’histoire et le message étaient phénoménaux chezEnragé (T'as Pecho ?). Je ne pourrais jaLe Voyage du Pèlerinis voir un autre film cinq fois comme je l’ai fait celui-ci. Retournez voir une seconde fois et faites attention. RegarderEnragé Movie WEB-DL Il s’agit d’un fichier extrait sans erreur d’un serveur telLe Voyage du Pèlerin, tel que Netflix, ALe Voyage du Pèlerinzon Video, Hulu, Crunchyroll, DiscoveryGO, BBC iPlayer, etc. Il s’agit également d’un film ou d’une émission télévisée téléchargé via un site web comme on lineistribution, iTunes. La qualité est assez bonne car ils ne sont pas ré-encodés. Les flux vidéo (H.264 ou H.265) et audio (AC3 / L'Ordre C) sont généralement extraits de iTunes ou d’ALe Voyage du Pèlerinzon Video, puis redistribués dans un conteneur MKV sans sacrifier la qualité. DownloadMovieEnragé L’un des impacts les plLe Voyage du Pèlerin importants de l’indLe Voyage du Pèlerintrie du streaming vidéo L’indLe Voyage du Pèlerintrie du DVD a connu un véritable succès grâce à la vulgarisation en Le Voyage du Pèlerinsse du contenu en ligne. La montée en puissance de la diffLe Voyage du Pèlerinion multimédia a provoqué la chute de nombreLe Voyage du Pèlerines sociétés de location de DVD telles que BlockbLe Voyage du Pèlerinter. En juilletEnragé, un article du New York Times a publié un article sur les SerLe Voyage du Pèlerins de DVD-Video de Netflix. Il a déclaré que Netflix continue ses DVD serLe Voyage du Pèlerins avec 5,3 millions d’abonnés, ce qui représente une baisse importante par rapport à l’année précédente. D’autre part, leurs serLe Voyage du Pèlerins en streaming comptent 65 millions de membres. Dans une étude de Le Voyage du Pèlerinrs 2020 évaluant «l’impact de la lecture de film en continu sur un DVD traditionnel MovieRental», il a été constaté que les répondants n’achetaient pas des films sur DVD aLe Voyage du Pèlerinsi gros que le mien, voire jaLe Voyage du Pèlerinis, comme la diffLe Voyage du Pèlerinion en continu a conquis le Le Voyage du Pèlerinrché. Regarder le filmEnragé (T'as Pecho ?), les téléspectateurs n’ont pas trouvé la qualité du film très différente entre le DVD et le streaming en ligne. Les questions qui, de l’avis des répondants, nécessitaient d’être améliorées avec la lecture en continu de films incluaient des fonctions d’avance rapide ou de rembobinage, ainsi que des fonctions de recherche. L’article souligne que la qualité de la diffLe Voyage du Pèlerinion de films en continu en tant que secteur ne fera qu’augmenter avec le temps, alors que les revenLe Voyage du Pèlerin publicitaires augmentent chaque année dans l’ensemble du secteur, ce qui incite à la production de contenLe Voyage du Pèlerin de qualité.

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Claudine Eizykman, a french experimental filmmaker

I had the opportunity to discover the work of Claudine Eizykman during a retrospective of her movies in Paris last November. This retrospective was a unique occasion for the public to see them in 16mm, their original format, and was accompanied by an international symposium, the publication of theoretical texts and a DVD release. Eizykman was a major figure of French experimental cinema and has worked to preserve and enhance this art, but was quite unknown for my generation until that retrospective, made in tribute to the filmmaker who died in June 2018.

Claudine Eizykman founded a cooperative, the Paris Films Coop, in 1974 with Guy Fihman, which became Cinedoc in 1979. Its main missions were to gather archives, develop cinema exhibitions, but mostly to search for, preserve and program unknown or forgotten experimental movies. The cooperative still exists and continues to try to promote their movie collection and archives. Between 1976 and 1979, Eizykman was also the publisher of Melba, a film journal specialized in experimental and avant-garde cinema. During that time, Eizykman published some studies about narrative cinema, for example La Jouissance Cinéma in 1976, but had actually been writing about experimental and avant-garde cinema since 1969, including studies on the art of Peter Kubelka, Jonas Mekas, Andy Warhol or the Vasulka brothers. She was defending a "pure" or "absolute" cinema, in the line of Germaine Dulac’s works, by deconstructing what she called the "Narrative – Representational – Industrial" cinema.

Beyond her career as an author and theoretician, Eizykman was an experimental filmmaker. She made a dozen short and long movies, which are all innovative, with scenes interspersed with overprints, unconventional camera movements, jerky rhythm or saturated light. Her most famous film, V.W Vitesses Women, made between 1972 and 1974, won the selection Jury Prize at the Knokke Experimental Film Festival in 1975. Eizykman made seven films between 1969 and 1981 using traditional 35mm film stock, all currently reunited in a DVD edition, released in November 2019.

Because showing films and making them was equally important, Claudine Eizykman was a programmer for Un cabinet d’amateurs at the French Cinematheque from 1993 to 1995, for Ciné-Immatériaux at the Pompidou Center, and Rendez-vous du cinéma expérimental at the Forum des Images. Finally, she was a professor at the Paris 8 Vincennes-Saint-Denis University from 1979, and founded a film club there during the nineties.

Julie Haudry-Hurault

MATKORMANO | LORRAINE OCCULTE — ENTRETIEN AVEC JULIEN LOUVET & FABIEN RENNET

C’est un fait divers quasiment oublié de tous. Qui se déroule au fin fond de la Lorraine vers la fin de la présidence Gaullienne. S’y croisent ésotérisme, charlatanisme et DS noires enlevant des enfants au milieu de la nuit. C’est une histoire qui fleure bon la France d’avant, le Nouveau Détective et l’occultisme. Une histoire du genre à faire écrire les exégètes. Du genre a produire de nouvelles légendes urbaines. Ou des films expérimentaux.

Matkormano est un court-métrage stupéfiant, à la croisée des genres les plus irréconciliables. Entre found footage, reportage télévisuel & cinéma expérimental, la matière documentaire dont il s’inspire est inouïe, et la manière dont ses deux réalisateurs la distordent est aussi déroutante que tétanisante.

Mais c’est aussi la manière dont le film est diffusé qui en fait une œuvre à part. Après avoir fait le tour de nombreux festivals en Europe (Festival International du Film de Rotterdam, MUFF, Côté Court | Paris, Festival Nova | Bruxelles), c’est aujourd’hui aux acheteurs de la bande originale du film — éditée en vinyle par Specific recordings — que les réalisateurs ont décidé d’offrir leur film en téléchargement.

Rencontre avec Julien Louvet & Fabien Rennet.

Par quel biais avez-vous pris connaissance de l'affaire Maurice Gérard / Matkormano ? Est-ce un fait-divers connu dans votre région ?

Julien Louvet | Cette histoire m'a été révélée à la lecture d'un ouvrage de Gérard de Sède. Il évoque la disparition d'enfants dans l'un de ses nombreux ouvrages sur le mystère de Rennes-le-Château, qui ont fait son succès dans les années 60/70. Je me suis aperçu qu'en marge de sa littérature pseudo-ésotérique, il avait documenté ce fait-divers dès 1970, avant même la fin du procès dans ‘Magie à Marsal’, qui à ma connaissance est le seul ouvrage dédié à l'affaire si l'on exclut les ouvrages de Matkormano lui-même. Marsal étant à quelques kilomètres de chez nous, ce fut un prétexte à flânerie. 

A quel moment cette histoire a fait naître en vous un désir de film ?

Julien Louvet | Curieux d'histoire locale et attentifs au passé ésotérique de la région, nous nous sommes rendus à Marsal, petit village fortifié par Vauban, où vivent moins de deux cents âmes. C'est très beau, figé dans le temps et dans la brume. La maison du mage était là, identique aux photographies de 1968/1969. Stupéfaits, nous avons poussé la porte. Et immédiatement, nous avons compris que cette affaire n'avait rien de commun. Les fresques, les affaires... tout était là, dans une maison ouverte où aucune trace de dégradation n'était visible. La maison était probablement visitée, mais jamais profanée. 

Comment l’expliquez-vous ? Comment expliquer qu’un tel fait-divers soit quasiment tombé dans l’oubli, alors que le temps n’en a aucunement effacé les traces ?

Fabien Rennet | Le village a été très médiatisé entre 1969 et 1971 (quasiment un article par jour dans la presse locale, des journaux nationaux et internationaux qui ont traité l'affaire, etc.). Les Marsalais et la famille ont été harcelés par les journalistes, principalement pour comprendre pourquoi ils n'avaient rien vu. Peut-être par un sentiment de culpabilité, il est impossible de discuter de cette histoire avec les principaux intéressés encore en vie (le frère du mage, par exemple, qui habite toujours près de l'ashram). D'un autre côté, beaucoup en ont entendu parler par leurs parents ou grands-parents et les rumeurs vont bon train. La maison est régulièrement visitée : nous avons constaté lors de nos différentes visites que des objets étaient déplacés et des pièces fouillées, mais il n'y a aucune dégradation. C'est sûrement ces deuxième et troisième générations qui poussent la porte pour se faire peur. 

Quand êtes-vous rentrés la première fois dans cette maison ? Combien de fois avez-vous dû vous y rendre pour les besoins du film ? 

Fabien Rennet | Nous sommes entrés la première fois à l'été 2012. Nous sommes ensuite revenus régulièrement, tous les six mois environ pendant trois ans, pour vérifier que la mairie ne l'avait pas condamnée (c'était notre plus grande crainte).

La Lorraine est présentée dans le film comme une terre fortement imprégnée d'ésotérisme. C'est quelque chose que j'ignorais complètement. Qu'est-ce qui vous fait dire ça ? 

Julien Louvet | Il y a en Lorraine une véritable histoire ésotérique, depuis l'Antiquité. On sait par exemple que la colline de Sion (’La Colline inspirée’ de Maurice Barrès) était un lieu de rassemblements druidiques très important. C'est un carrefour migratoire et de ce fait, tout un ensemble de mythes se sont agrégés, confondus. On y trouve par exemple des temples à Mithra. Il y a eu une résistance populaire au catholicisme assez importante au Moyen-Age. De ce fait, le christianisme a réinvesti des traditions païennes, comme le culte à la vierge noire d'Avioth par exemple. Ce n'est pas rare. 

Fabien Rennet | Au cœur même du Pays du Saulnois, il est des mystères noyés dans le brouillard... Marsal est une citée saline. On y cultivait le sel il y a déjà six-mille ans. Nul ne sait pourquoi, mais c'était une production quasi industrielle. Les marais ont été asséchés sur des kilomètres. A quelques pas de là, vivait à la fin du XIXe siècle un personnage singulier et fort connu en son temps, poète baudelairien et auteur d'une extraordinaire anthologie du mal (Les ‘Essais de Sciences Maudites’) : Stanislas de Guaita (ami de lycée de Barrès et fondateur de l'Ordre Kabbalistique de la Rose-Croix). Il est évident qu'il fut l'un des inspirateurs de Matkormano au même titre que son environnement même.

Matkormano est un voyage à travers un fait-divers, mais aussi un voyage dans le temps : dans cette France gaulliste, avec ses petits villages de province, sa manière de traiter l’information et la façon dont les gens s’expriment, une période encore proche de nous dans le temps mais dont on a perdu le souvenir.

Fabien Rennet | En consultant les archives de la fin 68, on se rend compte à quel point les Français sont en manque de repères après "la chienlit". De Gaulle a annoncé une dévaluation du franc, l'ambiance générale est plutôt morose. Ce qui excite le plus les journalistes sont les faits-divers et, à l'opposé, les grandes "avancées du siècle" que sont la course à la Lune, la découverte du laser et les philosophies New Age. Le plus frappant est de lire la manière dont les journalistes traitent tous ces sujets : sans aucun rationalisme. Pour eux, la conquête spatiale va permettre de trouver des extra-terrestres et/ou Dieu et/ou le sens de la vie… et Matkormano fait parler des statues.

Vous avez travaillé avec comme matière première des images d’archives, pour la plupart issues des télévisions française et luxembourgeoise, auxquelles vous avez rajouté des images que vous avez vous-mêmes tournées. Or, il est très difficile de les distinguer les unes des autres. 

Fabien Rennet | Il nous paraissait important de ne pas faire d'aller-retours entre passé et présent mais de placer plutôt le film dans une temporalité indéterminée, de brouiller les pistes quant à l'origine et la date des images. Comme point de repère, nous avons eu très tôt ‘Les Documents interdits’ de Jean-Teddy Philippe et ‘La Malédiction des plumes’ de Marc Thomas et nous voulions en faire une synthèse : non pas une fausse histoire mise en scène dans un faux-documentaire mais une histoire vraie tellement incroyable que sa véracité puisse poser question.  

Ce qui est vrai pour l’image est également vrai pour les voix. On entend la voix originale du mage au début du film, puis la voix de Damien Schultz vient prendre le relai sans qu’on s’en rende vraiment compte. Comment avez-vous travaillé avec Damien  Schultz ? C’est presque un travail d’imitation qu’il a produit sur votre film. 

Fabien Rennet | La voix originale du mage n'est pas dans le film :)

Comment avez-vous écrit la voix-off de Maurice Gérard / Matkormano ? Avez-vous travaillé d’après des documents ? Imaginé un ‘point de vue’ d’après ce que vous connaissiez de cette histoire ?

Fabien Rennet | Nos sources ont été ‘Magie à Marsal’ de Gérard de Sède, ‘Faites Jaillir votre puissance magique’ de Maurice Gérard, le jugement du TGI de Metz, les archives presse (Républicain Lorrain et Est Républicain) et audiovisuelles (ORTF et RTL). Avec ce matériel, nous avons reconstitué la chronologie de l'affaire jour par jour. C'est cette chronologie que nous avons travaillée avec Damien jusqu'à ce qu'il ‘soit’ le Maurice Gérard que nous avons interviewé.

Tout le film est concentré autour de la figure de Maurice Gérard / Matkormano. Cependant, Maurice Gérard / Matkormano parle constamment de son épouse, la « grande prêtresse Alfeola » (Josiane Nain de son vrai nom). Or, elle apparaît peu dans les images d’archives, on entend à aucun moment le son de sa voix, et il est assez peu question d’elle, autant dans le traitement médiatique de l’affaire que dans votre film. Alfeola est l’angle mort de toute cette affaire. Qu’est-ce qu’on sait d’elle, avant, pendant, et après l’affaire ?

Julien Louvet | C'est notre plus grand regret. Alféola est sûrement la clé de toute l'histoire mais (mentalité de l'époque ?) il n'y a aucun article sur elle, aucune interview, à peine quelques images. Nous aurions aimé lui donner une place plus importante mais nous n'avions aucun matériel pour lui "donner corps".

Fabien Rennet | Tout ce que l'on sait d'elle c'est qu'elle était préparatrice en pharmacie quand ils se sont rencontrés, qu'elle a eu entre sept et neuf enfants, qu'elle a été internée pendant quelques années avant et après le procès et qu'elle est morte à Saint-Ouen en 2004. 

Les autres grands absents du fait-divers et du film, ce sont les enfants. Ce sont les grandes victimes de cette histoire, or, il n’est presque jamais question d’eux, comme s’ils n’étaient jamais regardés comme des personnes à part entière. 

Julien Louvet | Comme pour Alféola, la presse de l'époque de l'époque ne s'est jamais préoccupée des enfants. Elle a toujours considéré Matkormano comme la figure centrale de cette affaire. C'est pourtant là le drame de Maurice Gérard : avoir été accusé de mauvais traitements sur ses enfants et d'en avoir perdu la garde. Il avait beau être un mégalomane paranoïaque en quête de publicité, il lui a toujours été intolérable d'être accusé d'être un mauvais père. S'il y a une chose dont on peut être sûr, c'est qu'il aimait ses enfants.

Dans son dernier livre 'Cinema Hermetica', Pacôme Thiellement parle du New Age comme de la religion de la 'contre-orientation', une pseudo-spiritualité accompagnant la phase de dissolution de l'ère du Kali Yuga (l'âge de fer), une version parodique et dégradée de la Tradition Primordiale, sinistrement centrée sur le Moi (tout tourne autour du 'développement personnel') plutôt qu'une spiritualité du collectif et du cosmique. On retrouve bien une partie de l'image de Maurice Gérard que vous avez tenté de reconstituer : l'imposture (son pseudo-statut de mage), les mensonges (aux autres ― mais aussi à lui-même, Maurice Gérard ne s'est-il pas d'abord mystifié lui-même ?), le côté parodique de sa 'religion' (les statues qui parlent, etc.). 

Julien Louvet | Si l'on s'en tient à cette définition du « new age », effectivement. Mais je ne définirais pas la spiritualité de Maurice Gérard comme « new age ». La terminologie ne me plaît pas. Elle se définit en regard et en opposition aux traditions religieuses dominantes. Il n'y a pas d'opposition chez Maurice Gérard, mais plutôt une volonté de syncrétisme, comme chez Blavatsky ou Gurdjieff, doublée d'un sentiment de compréhension holistique.

Il EST mage car il pratique la magie : il agit sur le monde via des forces qui n’obéissent pas à la logique rationnelle. Je ne pense pas qu'il y ait eu une dimension parodique dans son travail, quant bien même il fut présenté de cette façon. Ça peut le sembler car on le regarde à travers le prisme de nos Traditions justement. Mais le fait de faire parler des statues par exemple est un animisme qui peut être perçu comme l'écho de son environnement. La transsubstantiation n'est pas un concept moins insensé.

Là où à mon sens il se perd, c'est effectivement dans son centrage sur le Moi. Et il faudrait peut-être y voir les prémices de ce qu'est l'Homme occidental de nos jours finalement…

SPECIFIC RECORDS | 2:13 PM  | LA FACE CACHÉE

La Semaine du Bizarre  2019 Du dimanche 1er au samedi 13 décembre 2019

La semaine du Bizarre réaffirme sa particularité suscitant la curiosité d’un public toujours plus large : Des formes artistiques singulières des créations inédites, une programmation élaborée à la manière d’un collage, au gré des rencontres et des propositions de structures amies (theatre, danse, musique , cinema, etc).  Elle renvoie à certaines esthétiques marquantes du 20ème siècle, tout en donnant carte blanche à des artistes contemporains, confirmés ou émergents.

Production Théâtre Municipal Berthelot  - Jean Guerrrin /  Ville de Montreuil.En partenariat avec Les Instants Chavirés, Le Nouveau Théâtre de Montreuil (CDN), Ateliers de Paris CDCN, Danse Dense, Luna Park Films, le Phonomuséum de Paris, Label69.

Le Théâtre Municipal Berthelot - Jean Guerrin - Montreuil   6 Rue Marcellin Berthelot - métro Croix de Chavaux (à 300 mètres) Une salle de 210 places / un espace convivial  / buvette / stands éditeurs indépendants / disquaires /  Dj sets Le théâtre Berthelot a toujours  été lieu d’accueil pour des projets surprenants ou prospectifs, à commence par Georges Méliès avec une pièce en 1923, Le TEM avec Jean Guerrin  et d’innombrables résidences de  créations sonores  et chorégraphiques.

https://www.facebook.com/events/1856860954559974/ Réservations : [email protected]  01 71 89 26 70 Contact  Patrice Caillet :  [email protected]  06 17 18 65 78

Artistes accueillis depuis 2012 : PERE UBU Moon Unit (+  Chris Cutler), Joanne Leighton, Elsa Biston et Benjamin Sanz , Dominique Petitgand, Bertrand Lamarche, Violaine Lochu,  Jérôme Poret, Laura Lot, Victor Thimonier, Sandra Abouav, HEIMAT, Black SIFICHI, Bruno Billaudeau, Xavier Mussat,  Bordigaga, Denis Lavant , Anne Ropers, Pascal Comelade, Olivier Brisson, Sophie Agnel et Jérôme Noetinger, Ravi Shardja, Andrea Sitter, Joujou,  Philippe Burin des Roziers, DDAA / déficit des années antérieures, Ensemble Electron, Olivier Benoit, Marius Loris, Les Hôpitaux , Chocolat Billy, Pierre Bastien, Steve Argüelles,  Ghédalia Tazartes, Olivia Grandville, Ivan Argote, Pauline Bastard, Vincent Epplay, Jac Berrocal, Hermine Karagheuz (lecture René Daumal), Jacques Kébadian, Hubertus Biermann, Emmanuelle Parrenin, Harold Schellinx, Dorian Pimpernel,  Le Renard,, Charles Pennequin, Un Drame Musical Instantané, Thierry Weyd, Lubriphikatttor, TG Gondard , Vania Vaneau, La cellule d’intervention Metamkine, Pierre Escot,  Thierry Madiot , Arnaud Rivière, Le TOC theatre, Luis Rego (lecture Roland Topor) , Laurent Di Biase, Le colonel, Jean François Pauvros, Tomoko Sauvage, Michel Giroud, Francesco Cavaliere, Magnetix, Anton Mobin, Gwen Jamois, Quentin Rollet, GOL, Jean Jacques Palix, Marie Pierre Bonniol, Musta Fior, Les Editions PPT / Stembogen, Cactus, Luna Parks Films :  films de  Marcel Marien, Jan Svankmajer, Jean Denis Bonan, Ferdinand Khittl,

Programmation 2019

Dimanche 1er décembre à 20 h - 8 €  

Ghedalia Tazartes / Rhys Chatham   Ce concert marque la deuxième rencontre de deux figures légendaires.  Beaucoup revendiquent un cinéma pour l'oreille, dans cette catégorie, Ghédalia Tazartès est de loin le plus grand de tous. Sa musique assemble des éléments sonores de toutes natures et de toutes provenances ... entre Orient et Occident ou on ne sait où. " (Dominique Grimaud). Rhys Chatham, multi-instrumentiste et compositeur, n'a pas besoin d'être présenté (Theatre of Eternal Music de La Monte Young, Dream Syndicate de Tony Conrad en passant par le poste de direc- teur musical de The Kitchen et la scène de musique expérimentale post-Minimal New Yorkaise  

Musiques Imaginaires  un programme de 8 films réalisé par Marie-Pierre Bonniol autour de l'idée de musiques imaginaires, incarnées, transfor- mées, avec des musiques et morceaux de Pierre Bastien, Asmus Tietchens, Jean-Jacques Palix et Eve Couturier. https://julietippex.com/roster/imaginary

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Mardi 3 décembre - 20 h 30 - 5 €   " À l'ombre de la canaille bleue "   un film de Pierre Clémenti  France / 1985 / 82' Avec Pierre Clémenti, Jean-Pierre Kalfon, Achmi Gachem, Simon Reggiani… Afin de réprimer une révolution, les autorités de Nécrocity confient les   pouvoirs de police à une bande d'infâmes malfrats. Un polar politique en vers libre, tourné entre 1978 et 1979. "il y a ici quelque chose de William S. Burroughs. Le plus punk et le plus urbain, le plus volontaire- ment en désordre des portraits du Paris de la fin des années 1970 (Philippe Azoury)  Une proposition de Luna Park Films. En présence de Jean-Pierre Kalfon (sous réserve).

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Mercredi 4 décembre - Entrée libre sur réservation   Pneuma-récital  - Sébastien Lespinasse Une expérimentation de la langue poussée à ses limites. Les mots deviennent des signaux, des coups de poing, des déplacements physiques d'ondes. Celui qui parle est parlé par tous les bouts de la machine à dire. Celui qui parle dissout son nom dans les identités intenses de la langue.   

No  mistakes only bad  follow-ups :  Une conférence dansée sur Rachel Rosenthal Créée et interprétée par Nathalie Broizat  Rachel Rosenthal (1926-2015), est une figure clé dans le développement de la performance aux États-Unis. La pièce se concentrera dans un premier temps sur la période des années 50 où elle faisait partie du cercle Cage/Cunningham laissant apparaitre la question de l'identité, du genre et de l'authenticité. Une philoso- phie de la distanciation et de l'ironie est également mise en exergue par le postulat suivant : se prendre au sérieux n'est pas sérieux. Commande du CCN de Caen. Avec le soutien de la Fondation des Etats-Unis, de la Ménagerie de Verre/ Studiolab, du CND/prêts studio. Love Labo est accompagnée par Danse Dense.

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Vendredi 6 décembre à 20h - Tarif 8€   Nina Garcia et Maria Bertel,  France  Sauvage,  Somaticae 

Un nouveau partenariat avec les Instants Chavirés. Forcément de traverse et aventureuse, cette soirée en trois parties propose une plongée aux confins de l'électronique et des musiques libres actuelles. Des aspects free, massifs et électriques des musiciennes Nina Garcia et Maria Bertel en passant par les attaques technoïdes et acides du grenoblois Somaticae et l'étrange musique électro concrète rythmique de France Sauvage. http://www.instantschavires.com

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Samedi 7 décembre à 19h30  - Entrée libre sur réservation  

Porque  -  Structure Couple  Danse 27 min  Lotus Eddé Khouri et Christophe Macé collaborent sous le nom de Structure-Couple, explorant la radicalité du geste visuel, musical et chorégraphique à travers une Scénographie : Christophe Macé, Lumières : Structure-Couple, Régie Lumière : Baptiste Joxe 

Production CHORDA, Co-production : Le Générateur, Avec l'aide de la Drac Ile-de-France - Programmation hors les murs de l'Atelier de Paris / CDCN en partenariat avec Paris Réseau Danse.

Soundtracks :  Mathieu Bauer  / Sylvain Cartigny   Un projet qui s'appuie sur deux faces d'un vinyle de sons divers et variées. L'ensemble de ces fragments sonores très court, dictent les ruptures et les couleurs musicales aux deux musiciens qui se délectent de cette bandes sons, aux univers improbables.  

Les Revues phonographiques : Jérôme Poret, Myriam Pruvot, Quentin Rollet,  Jalal Aro et Marc Parazon   Initiés par Jérôme Poret et le comité des autoctones du Bizarre, les Revues phonographiques pour son deuxième rendez-vous diffuseront une série de complicités d'artistes musicien.es et de machines parlantes au travers de la collection du Phonomuseum toutes en live et en cornet acoustique ! Une coproduction Labelle69 et Phonomuseum.

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Expositions :Comité des autochtones du Bizarre et Samuel Arthur : Around the world. Série de 108 cartes postales touristiques dont les images ont été recouvertes à la peinture noire. Seuls persistent le nom du pays, de la ville ou du lieu représenté ainsi que les éléments de design graphique. …………………………………. Théâtre Municipal Berthelot - Jean Guerrin 6 rue Marcellin Berthelot 93100 Montreuil Métro: Croix de Chavaux Réservations: 01 71 89 26 70 [email protected]

파리 익스페리멘탈 Paris Expérimental @TheBookSociety

Publié à l'occasion de la rétrospective présentée au Musée national d'art moderne, Centre Georges Pompidou du 14 novembre au 15 décembre 1985

일시: 2019년 7월 16일 화요일 오후 7시 참여자: 크리스티앙 르브라 (파리 익스페리멘탈 창립자) * 참여방법: 아래 링크를 통해 신청(선착순 30명) https://forms.gle/XUd8pAZfvCaw3bgh7 * 본 행사는 별도 통역없이 영어로 진행됩니다. * 본 행사는 서울국제실험영화페스티벌의 일환으로 진행됩니다. 파리 익스페리멘탈 에디션은  실험영화와 아방-가르드 시네마 관련 서적을 출판하기위해 1983년 11월 15일 파리에서 지오반나 푸지오니, 크리스티앙 르브라 그리고 프로스페르 일레레 이렇게 3명에 의해 시작되었다. 파리 익스페리멘탈은 다른 르-부아, 라이트콘 과 같은 다른 출판과 배급 단체와 함께 VHS, DVD 박스세트를 공동으로 출판하거나, 여러 이벤트를 조직하기도 했으며 현재 크리스티앙 르브라가 대표를 하고 있다. 크리스티앙 르브라와 지오반나 푸지오니는 영화감독이며, 프로페르 일레레는 영화 역사가인데 이들은 1974년 실험영화작가조합으로 설립된 파리 필름 조합에 소속되어 있었다. 당시 프랑스에서 실험영화는 잘 알려지지 않았으며, 좀 처럼 소개될 기회조차 갖기 힘들었으며 제도적으로는 완전히 잊혀진 것이나 다름없었다. 크리스티앙 르브라가 파리 익스페리멘탈 에디션을 시작하고자 했던 이유는 70년대와 80년대사이 실험영화 출판의 간극을 채우고, 예술가들과 이러한 영화의 형식에 대한 열정을 공유하고자 했다. 파리 익스페리멘탈은 1985년 12월 퐁피두 센터에서 열린 회고전과 함께 출간한 <1923-1983 아방가르드 시네마로 본 파리>의 카탈로그를 출간했다. 당시 전시는 국제적 아방가르드 시네마와 파리의 관계를 다룬 전시로, 60여년간의 영화를 통해 파리를 단일한 주제로서 일관되게 보여주었다. 카탈로그는 프랑스와 유럽에서 큰 성공을 거두었으며, 이를 기반으로 출판의 지속적인 운영이 가능했다. 두 번째 출판은 오스트리아 실험영화감독인 피터 쿠벨카에 관한 책으로, 크리스티앙 르브라가 구상한 이 시리즈는 중요한 예술가의 모노그라프와 글을 다루는  “아방가르드 클래식"의 시작이기도 했다. 1997년 부터는 동시대 작가 혹은 영화감독의 글을 모아 출간하는 “시네콰논” 컬렉션을 시작했으며, 1998년 부터 2005년까지 파리 익스페리멘탈은 필레 두 칼바이예 갤러에서 시네콰논의 날을 개최하여, 예술가와 비평가 연구자가 참여해 다양한 주제에 관해 미팅을 진행했다. 이어 아이들의 학교 공책에서 영감을 받은 형식의 새로운 컬렉션인 “카이예 뒤 파리 익스페리멘탈"을 시작했으며, 2006년 부터는 “예술가의 삶" 컬렉션을 시작했다. 2015년 파리 익스페리멘탈은 퐁피두 센터에서 30주년을 기념해 다양한 행사를 개최했다. Paris Expérimental editions were created the 15th of November 1983 in Paris by Giovanna Puggioni, Christian Lebrat and Prosper Hillairet who were aiming to publish reference works of experimental and avant-garde cinema. Paris Expérimental has also organized several events and co-edit boxes sets of VHS and DVD with the video editions Re:Voir Vidéo and Light Cone distributor. Paris Expérimental chairman is Christian Lebrat. Giovanna Puggioni and Christian Lebrat, film makers and Prosper Hillairet, cinema historian, were affiliated to the Paris Films Coop in the 70’s, an experimental film makers cooperative founded in 1974. The experimental cinema was still a marginal, only represented in rare events and largely ignored by the institutional world in France. Christian Lebrat willing for Paris Expérimental editions was, firstly to fill the gap of experimental film publications in France between the 70’s and 80’s and secondly to share is enthusiasm for this cinema form and some of its artists. Paris Expérimental was founded to set the retrospective “Paris vu par le cinéma d'avant-garde (1923-1983)” up, received by the Centre Pompidou in 19854. At that time Paris Expérimental publish autonomously the catalogue for that retrospective. The success of the catalogue in France and in Europe allowed the refund of the investment and permitted to remain the association. The second work published in 1990 by Paris Expérimental was about Peter Kubelka, austrian film director. Conceived and made by Christian Lebrat, it initiates the collection “Classiques de l'avant-garde” dedicated to founding texts and major artists monographs. From 1997, the “Siné Qua Non” collection begins, conceived as collections of texts from contemporary authors (writers or film makers). From 1998 until 2005, Paris Expérimental organize the Ciné Qua Non days at the Les Filles du Calvaire gallery, meetings on diverse subjects where researchers, critics and artists take part. A new collection the “Cahiers de Paris Expérimental” appears, in which the format is inspired by school child notebooks, then in 2006 the “Livres d'Artistes” collection starts. Paris Expérimental celebrate its 30 years in 2015 at Centre Pompidou, organizing projections, meetings and interventions.

POST-SCRIPTUM 928

JEAN COHEN-SOLAL, Flûtes libres (1972)

Dans une Bretagne de fiction onirique battue par les vents, pirates hippies et filles du feu plus ou moins inspirées par Gérard de Nerval s'affrontent dans un théâtre à la magie digne d'un Cocteau, où l'improvisation musicale occupe une place de choix : c'est Noroît, film maudit non sorti en salles à l'époque (1976), réalisé par l'immense Jacques Rivette, où l'on peut voir et écouter jouer Jean-Cohen-Solal, son frère Robert et Daniel Ponsard, dans une scène rivalisant d'inventivité avec celle de l'Art Ensemble Of Chicago dans Les Stances à Sophie !

C'est cette magie et cette inventivité que l'on retrouve sur le premier album de Jean Cohen-Solal : Flûtes libres. Magie singulièrement opérante sur "Quelqu'un", long mantra contemplatif occupant toute la face B tout en anticipant sur la collaboration à l'univers mystérieux de Jacques Rivette.

La flûte, Jean Cohen-Solal l'a étudiée dans les grandes largeurs, ce qui en fait l'un des grands virtuoses français, avec Michel Edlin qui sévit alors au sein de Triode. À l'époque (1972), les flûtistes ont la cote auprès du public, la plupart se montrant influencés par Roland Kirk, tel Ian Anderson de Jethro Tull. Sauf que Jean Cohen-Solal raconte une autre histoire, plus riche et centrée sur l'instrument lui-même, par la magie (encore elle) des overdubs.

L'on pourrait citer Paul Horn plutôt qu'un Roland Kirk, mais alors dégrossi d'une éducation classique trop audible et du côté easy listening. En matière de comparaison toutefois, l'"open music" de Bob Downes conviendrait mieux aux expérimentations électroacoustiques de Jean Cohen-Solal, qui a d'ailleurs fréquenté le GRM et Bernard Parmegiani à qui il lui est arrivé de fournir de la matière sonore. Ces qualités expliquent probablement que Flûtes libres figure (à juste titre) sur la fameuse liste de Nurse With Wound.

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In a dreamlike fictive and windswept Brittany, hippy pirates and wild women more or less inspired by Gérard de Nerval fight it out in a theatre, the magic of which brings to mind Cocteau, and where musical improvisation has an important role: this is Noroît, a cursed film which was never released in cinemas at the time (1976), directed by the great Jacques Rivette, where Jean-Cohen-Solal, his brother Robert and Daniel Ponsard can be seen and heard playing. The scene is every bit as inventive as that featuring the Art Ensemble Of Chicago in Les Stances à Sophie!

The same magic and invention can be found on this first album by Jean Cohen-Solal: Flûtes libres. A magic which can be keenly felt on "Quelqu'un", a long contemplative mantra which takes up the whole of the B side and which anticipates the future collaboration in the mysterious universe of Jacques Rivette.

Jean Cohen-Solal studied flute from all angles, and became one of the great French virtuosi, along with Michel Edelin who at the time was with Triode. This was a period (1972) when flutists were very popular with the public, most of whom had been influenced by Roland Kirk, including Ian Anderson in Jethro Tull. Whereas Jean Cohen-Solal tells a different story, richer and centred on the instrument itself, using the magic (yes, that again) of overdubs.

Perhaps Paul Horn rather than Roland Kirk could be an influence, but stripped of a classical background which was too audible and a tendency for easy listening. In fact, in terms of comparison, "open music" by Bob Downes would be the closest to the electroacoustic experiments of Jean Cohen-Solal, who, by the way, was also close to the GRM and Bernard Parmegiani for whom he occasionally provided sound sources. These are the qualities which probably explain why Flûtes libres figures (and justifiably) on the famous Nurse With Wound list.

"THE END". Short Film. from Fabrice Mathieu on Vimeo.

In 2020, the world stood still... in the movies too. En 2020, le monde s'arrêta... dans les films aussi.

"The End" is an experimental narrative short film, in black & white and color, made only with movies gifs with a perfect loop, more than 500. "The End" is also a tribute to the cinema, from silent films to now.

"The End" est un court-métrage expérimental narratif, en noir et blanc et en couleurs, conçu uniquement avec des gifs de films, plus de 500, dont la boucle est parfaite. "The End" est également un hommage au cinéma, du muet à aujourd'hui.

Music by Ennio Morricone - "My Fault" from "My Name is Nobody".

Edited & Directed by Fabrice Mathieu

Thanks to TechNoir, Cinegraphiks, Cinemagraphs, and all the creators of the gifs used!

In 2020, the world stood still... in the movies too. En 2020, le monde s'arrêta... dans les films aussi. "The End" is an experimental narrative short film, in black & white and color, made only with movies gifs with a perfect loop, more than 500. "The End" is also a tribute to the cinema, from silent films to now. "The End" est un court-métrage expérimental narratif, en noir et blanc et en couleurs, conçu uniquement avec des gifs de films, plus de 500, dont la boucle est parfaite. "The End" est également un hommage au cinéma, du muet à aujourd'hui. Music by Ennio Morricone - "My Fault" from "My Name is Nobody". Edited & Directed by Fabrice Mathieu Thanks to TechNoir, Cinegraphiks, Cinemagraphs, and all the creators of the gifs used!

Depuis une semaine, la vidéaste Jeannie Brie est revenue à Notre-Dame des Oliviers pour finir sa résidence, commencée en mars et interrompue par le confinement.

Toutes les classes mènent un travail de création autour de la vidéo avec elle. Les 6 e, après un cours théorique sur la grammaire et le vocabulaire de l'image cinéma, ont pu expérimenter à leur tour la mise en scène. A l'aide de simples cadres en papier, ils se sont entraînés à prendre la pose et à se "photographier" deux par deux, dans un jeu à la fois instructif et divertissant, qui leur a permis d'expérimenter dans leur corps et leur posture, ce que c'était que le cadre, le plan, le travelling, la plongéeæ le tout, en respectant bien sûr les gestes barrière.

La prochaine étape sera un passage à la réalisation

article tiré de La Montagne, 28 septembre 2020

COLLECTIF JEUNE CINÉMA

FILM SCREENING UND LECTURE

Mit Filmen von Yves-Marie Mahé, Anielle Weinberger, Davorin Marc, Amber Bemak & Nadia Granados, Steve Evans, Doris Chase, Pierre Merejkowsky, Stéphane Marti, Derek Woolfenden

Lecture von Théo Deliyannis (Collectif Jeune Cinéma) Moderiert von Bárbara Palomino Ruiz (The Golden Pixel Cooperative)

Screening Programm I Dienstag, 07.05.19, 19:00 Uhr Medienwerkstatt Wien Neubaugasse 40a, 1070 Wien

Lecture und Screening Programm II Mittwoch, 08.05.19, 18:30 Uhr Medienwerkstatt Wien Neubaugasse 40a, 1070 Wien

Screening Programm I

Dienstag, 07.05.2019 19:00 Uhr

Une Certaine Histoire du Cinéma Expérimental Français (Eine Geschichte des Französischen Experimentalfilms) Regie: Yves-Marie Mahé Frankreich, 2019, Digital File, 80 min (englische Untertitel)

Gegründet in der zweiten Hälfte der 1990er, ist „L’Etna“ eine Experimentalfilm-Vereinigung, die den Wechsel von Zelluloid zu Digital miterlebt hat. Ihr Sitz im Zentrum von Paris konnte der Gentrifizierung nichtstandhalten. Interviews mit Sébastien Ronceray, Hugo Verlinde, Othello Vilgard, Carole Arcega, David Matarasso, Mathilde De Romefort, Derek Woolfenden, Boris Du Boullay, Sébastien Cros & Nicole Brenez. Zu sehensind Philippe Cote, Lionel Soukaz, Stéphane Du Mesnildot, Maurice Lemaître, Marc Plas, Xavier Baert, René Vautier, Julien Pappé, Peter Tscherkassky & Noir Désir.

Lecture und Screening Programm II

Mittwoch, 08.05.19 18:30 Uhr

Micro-History of Collectif Jeune Cinéma (Mikro-Geschichte des Collectif Jeune Cinéma) Lecture von Théo Deliyannis Moderiert von Bárbara Palomino Ruiz Dauer: ca. 70 min + Diskussion

In dieser Lecture wird die Geschichte des Collectif Jeune Cinéma freigelegt. 1971 in Paris gegründet, erlebte die Filmemacher-Kooperative viele Änderungen, im Katalog und in der Organisation. Verortet wird diese Geschichte in der französischen Experimentalfilmszene der 70er Jahre, die noch immer recht unbekannt ist. Historische Fakten, Dokumente und Mikro-Geschichte anhand von Details werden uns im Gespräch helfen zu verstehen, wie das CJC mit dem „Kollektiv“ umging. Wie Arbeit in der Kooperative organisiert war; welches die Wege waren dem Collectif beizutreten; in welchen Räumen CJC zusammenfindet; wie die gegenwärtigen Mitglieder mit den alten umgehen etc.

20:15 Uhr Inside the Collectif (Im Inneren des Collectif) Screening Programm Dauer: 70 min + Präsentation

Diese Programmierung folgt keiner homogenen Kuratierung, bei der aneinandergereihte Filme eine gemeinsame Idee oder ein Muster enthüllen. Die Filme werden weniger aufgrund ihrer ästhetischen Qualitäten oder ihres Inhalts ausgewählt, sondern vielmehr wegen der metafilmischen Geschichte, die jeder einzelne Film im Rahmen des Collectif Jeune Cinéma-Katalogs einnimmt. Auf diese Weise, nachdem das Kollektiv durch das Kommen und Gehen seiner Mitglieder und durchdie Inaktivität oder Hyperaktivität eines jeden*einer jeden geformt wird, dienen die Filme auch als Beispiele für unterschiedliche Wege das Kollektiv zu betreten (oder zu verlassen). Indem außerdem ältere Filme gezeigt werden betont die Programmierung die Tatsache, dass sich das „Kollektiv“ des CJC nicht nur auf die Gegenwart bezieht: Im Gegenteil besteht die Idee darin, eine Spur der Mitarbeit aller zu erhalten, ob es nun schon viele Jahre so geht oder nur einen Abend lang gedauert hat.

Jemina, Fille des Montagnes (Jemina, Das Mädchen aus den Bergen) Regie: Anielle Weinberger Frankreich, 1971, Digital File, Original 16 mm, 10 min (englische Untertitel) Jemina, Fille des Montagnes spielt mit unterschiedlichen Elementen: literarische Stereotypen der Kurzgeschichte F. Scott Fitzgeralds, die flammende Romantik eines Wiener Walzers, durch lange Einstellungen idealisierte weibliche Schönheit, manche weiß, manche schwarz, eine Farbexplosion, das Eindringen von Rosa und Grün. Der Film verhöhnt das klassische Kino Hollywoods und führt die grundsätzliche Diskontinuität jedes Films, jedes filmischen Textes aus. Die Freude an Text, die Freude am Kino.

Dobrodošlica. (Willkommen.) Regie: Davorin Marc Slowenien, 2017, Digital File, 3 min land) (scape (Animation von Standbildern)

Borderhole (Grenzloch) Regie: Amber Bemak & Nadia Granados USA / Kolumbien, 2017, Digital File, 14 min „Borderhole” spielt sich an einer mythischen Grenze zwischen Kolumbien und den USA ab. Die Regisseurinnen untersuchen das Verhältnis zwischen Nord- und Südamerika durch die Linse des amerikanischen Traums und der Beleuchtung vielfacher Spannungen in und an der Grenze. Das Werk erforscht Imperialismus, Globalisierung durch Popmusik, die Varianten von Geschlecht in einem internationalen Kontext und die Choreographie weiblicher Körper in Bezug zu soziopolischen Systemen und Ökosystemen.

Karl Marx Regie: Steve Evans USA, 1975, Digital File, Original 16 mm, 3 min „Ein Bild von Karl Marx, sein Name rückwärts gesprochen, drei Kritzeleien in roter, blauer und schwarzer Farbe: Fünf kombinierte Elemente ergeben einen dreiminütigen Film. Für den Fall, dass die Geschichte diesen Mann vergisst.“ Jean-Pierre Ceton

Dance Frames (Tanzbilder) Regie: Doris Chase USA, 1978,Digital File, Original 16 mm, 6 min Die menschliche Form wird in einem Arrangement mit der geometrischen Form durch die Nebeneinanderstellung von Farbe und Linie für eine Erforschung in Richtung einer dritten Dimension eingesetzt. Musik von Joan Labarbara. Choreographie/Tanz: Sara Rudner.

Le Casting (Das Casting) Regie: Pierre Merejkowsky Frankreich, 2004, Digital File, 11 min Pierre Merejkowsky empfängt Schauspieler*innen in seiner Wohnung. Er trägt eine Kamera-Brille und erklärt ihnen sein nächstes Filmprojekt.

Sur mon cou (Auf meinem Hals) Regie: Stéphane Marti Frankreich, 2009, Digital File, Original Super 8, 4 min Ausschnitte aus Jean Genets Un Chant d’Amour (1950), absolutes Fetisch-Film-Poem, werden als sich bewegende Tattoos auf einem liegenden Körper gezeigt, der sich Bissen von Sinnlichkeit ergibt.

Angle Mort (Toter Winkel) Regie: Derek Woolfenden Frankreich, 2018, Digital File, 18 min Dieser Film folgt einem sich entfaltenden News-Spektakel rund um die Geschichte eines Mannes, der zwei andere Personen auf einen öffentlichen Platz ersticht. Das Bild, das dieses unfreiwillig grausame Schauspiel einfängt, wird durch Videofragmente eines Cinephilen ersetzt, der eines dieser Leben gerettet hat. Dies erlaubt dem Film einen subjektiven Blickwinkel einzunehmen. Die durch diese Perspektive eingesetzte instinktive und filmische Vorstellung fordert die Dauer seiner Qualen heraus und hilft ihm beim Überleben…

Film Surprise (Überraschungsfilm) Frankreich, 1999, Digital File, Original 16 mm, 2 min

Théo Deliyannis ist Filmemacher, Kurator und Manager des Collectif Jeune Cinéma.

Das Collectif Jeune Cinéma, gegründet 1971, fördert visuell-experimentelle Praktiken einschließlich des Vertriebs von Experimentalfilmen, monatliche Screenings und des alljährlichen Paris Festival for Different and Experimental Cinema.

Abb.© Anielle Weinberger, Jemina, Fille des Montagnes. Still, 1971.