Movie #20 of 2024: War for the Planet of the Apes

[Bad Ape is looking through the binoculars backwards]

Bad Ape: "Oh no! Why so small?"

[Maurice turns the binoculars around the right way]

Bad Ape: "Oh."

The Little Mermaid (2023)

Director: Rob Marshall

Cinematographer: Dion Beebe

Tech Specs:

— Aspect Ratio: 

1.90 : 1 (IMAX version: some scenes)

2.39 : 1 (theatrical ratio)

— Cameras:

Arri Alexa 65, Hawk65 and Leitz Thalia Lenses

Arri Alexa Mini LF, Hawk65 and Leitz Thalia Lenses

— Negative Format: 

Codex

— Cinematographic Process:

ARRIRAW (4.5K, 6.5K, source format)

Hawk Scope (anamorphic, source format)

Leading Edge Video Production Technologies Used in Mumbai

Mumbai, the bustling heart of India's film and entertainment industry, is renowned for its dynamic and innovative approach to video production. With an ever-evolving landscape, the city's filmmakers and production houses continually adopt cutting-edge technologies to stay at the forefront of the global media scene. This article explores the advanced video production technologies that are currently shaping the industry in Mumbai, highlighting how these innovations enhance the creative and operational aspects of video production services in Mumbai.

High-Resolution Cameras and Equipment

The foundation of any video production is the camera technology used to capture the footage. In Mumbai, production companies are increasingly utilizing ultra-high-resolution cameras such as the ARRI Alexa 65, RED Weapon 8K, and Sony Venice. These cameras offer unparalleled image quality, providing filmmakers with the flexibility to shoot in various formats and resolutions. The use of such advanced cameras not only improves the visual appeal of the productions but also ensures that the content is future-proof, suitable for distribution in various mediums including high-definition television and digital cinema.

Drone and Aerial Cinematography

Drone technology has revolutionized aerial shots, giving video producers in Mumbai the ability to capture stunning, high-quality aerial footage at a fraction of the traditional costs. Drones equipped with gyrostabilized camera mounts can shoot from varied angles and altitudes, providing a unique perspective of the bustling cityscapes and scenic landscapes. This technology is particularly useful for creating sweeping establishing shots and dynamic sequences in films, commercials, and television productions.

Virtual Reality (VR) and Augmented Reality (AR)

As immersive media continues to gain traction, video production services in Mumbai are integrating VR and AR technologies to create engaging experiences. These tools are being used not only for entertainment purposes but also for virtual tours, real estate showcases, and interactive marketing campaigns. VR allows viewers to step into a fully immersive environment, offering a 360-degree view of a digitally created world, while AR enhances real-world content with digital elements, providing a composite view.

Motion Capture Technology

Motion capture is another sophisticated technology making waves in Mumbai’s video production. This technology captures the movement of objects or people. It is widely used in the creation of animated films, video games, and virtual reality simulations. Studios in Mumbai leverage motion capture to bring lifelike animations and effects to the screen, significantly reducing the time and cost associated with traditional animation techniques.

Advanced Post-Production Software

Post-production in Mumbai is bolstered by advanced software and editing tools that enable intricate editing, color grading, and visual effects. Software like Adobe Premiere Pro, Final Cut Pro X, and DaVinci Resolve are staples in the editing suites of Mumbai’s production houses. Moreover, visual effects (VFX) tools like Autodesk Maya and Adobe After Effects allow creators to add stunning effects that are often integral to storytelling in film and television.

Artificial Intelligence (AI) in Editing

AI is beginning to play a significant role in video editing, with tools designed to automate and streamline various post-production tasks. AI can analyze hours of footage to select the best takes, suggest edits, or even enhance image quality. This technology not only speeds up the editing process but also helps maintain consistency across scenes, which is particularly useful in long-format productions like series and documentaries.

High-Efficiency Video Encoding (HEVC)

With the increasing demand for streaming content, video production services in Mumbai are adopting HEVC or H.265 encoding standards, which allow for efficient compression of video files without compromising quality. This technology is crucial for streaming high-resolution content over limited bandwidth, ensuring viewers receive the best possible quality.

In conclusion, Mumbai's video production industry is at the cutting edge of technology, constantly evolving to incorporate new and innovative tools. These technologies not only enhance the quality and efficiency of video production but also open up new creative possibilities, ensuring that the Video Production Services Mumbai remains a key player on the global stage. As technology continues to advance, it will be fascinating to see how Mumbai’s filmmakers and producers adapt and innovate in the ever-changing landscape of video production.

O maior sucesso de bilheteria de 2024, Duna: Parte Dois, foi filmado usando as melhores e mais recentes câmeras e lentes, além de algumas lentes vintage da era soviética. Duna: Parte Dois, a tão esperada sequência de Duna de 2021, arrecadou US$ 182,5 milhões em seu fim de semana de estreia. Helios 44, a lente soviética usada em Duna: Parte Dois Entre as lentes vintage mais interessantes usadas para filmar Duna: Parte Dois está a Helios 44, um clone russo do famoso Zeiss Biotar. Com sua abertura distinta de 13 lâminas, a Helios 44, uma lente fixa 58mm f/2, oferece um bokeh único e incrível. Arri Rental explica que Fraser optou por filmar Duna: Parte Dois inteiramente com lentes esféricas, não anamórficas. Trabalhando diretamente com a Arri Rental, a Fraser selecionou algumas lentes excelentes do famoso fabricante de câmeras e lentes. O premiado especialista cita a resolução e a fidelidade dos sensores de imagem Alexa maiores da Arri às vezes como um problema, e não como um benefício universal, dizendo “tivemos que sujar um pouco a imagem”. Helios 44 - foto: Iulia KELT As lentes vieram da Ucrânia Segundo Kosmo Foto, as lentes soviéticas utilizadas pela Fraser vieram da empresa ucraniana IronGlass Adapters. Esta equipe converte lentes soviéticas legadas, como Helios 44, Mir-20, Mir-1 e Jupiter-9 85mm, para uso em sistemas de câmeras modernos. O sistema de câmera Alex 65 de Arri pode ter sido muito nítido para o gosto de Fraser em alguns casos, mas o sistema de câmera de cinema de grande formato também abre muitas possibilidades criativas para lentes na faixa de 65 mm. “O que adoro na 65mm é que ela elimina minhas restrições, abrindo muitas opções de lentes. Você pode trabalhar com lentes originalmente projetadas para formatos menores, onde você vê partes do vidro que nunca deveriam ser vistas. Para mim, ver e sentir essas partes ocultas é revelador, literal e figurativamente. Isso me ajuda a borrar a imagem e dar-lhe textura de uma forma que você não conseguiria com um formato menor”, ​​explica Fraser.

ASC MAGAZINE #2

Thirteen Lives tells the story of the 2018 Tham Luang incident in Thailand, which involved a dozen boys and their football coach trapped 2.5 miles deep inside a remote cavern system when their outward route was suddenly flooded by a massive rainstorm.

Ron Howard signed on to direct Thirteen Lives, a Thai film that explores cooperation among volunteers. Howard believes the film has the potential to transport audiences to the Thai environment and culture he contacted Thai director of photography Sayombhu Mukdeeprom. Howard asked him about Thai culture and reactions to an incident in Thailand. They discussed documentaries to gather information about the event. The film was shot in Queensland, Australia, which offered a good facsimile of Thailand's natural environment, particularly rainforests. The director and cinematographer developed a plan of attack over their computers due to Covid-19 restrictions. Shooting began in Queensland in March 2021, with a "beauty unit" capturing establishing shots in the mountains via drones. The film was not a superhero-movie, but a more realistic portrayal of the Thai people's reactions.

The filmmakers used the Arri Alexa Mini LF at a 2.39:1 aspect ratio for their underwater filming, aiming for a wider image size to include scenes' backgrounds. Originally planning to shoot on the Alexa 65, they realized the underwater part presented the biggest challenge.

The filmmakers chose the Alexa 65 underwater housing for their film, "Cave in the Woods," after comparing it with Arri in New York. The interior cave scenes were shot on large suburban warehouses with five water tanks and winding tunnels. Sigma Cine FF High Speed Primes were used for land material, with focal lengths around 35, 40, 50, and 85. A 23' telescopic Scorpio crane was used to move the camera above the water surface, as seen in a scene where divers approach stranded children.

Mukdeeprom had to shoot with up to three cameras at a time due to the large cast. He used intuition and connection to the characters and story to find interesting shots. The lighter Mini LF was beneficial for handheld or Steadicam shots. Howard monitored the cameras from his video tent, while gaffer Matt Slattery was in Mukdeeprom's tent. Mukdeeprom's job was to keep the camera on his shoulder, ensuring a shaky, faux-documentary style.

The cave lighting for the film was a challenge due to the need to maintain the darkness of the cave while showing the actors' faces. To achieve this, overhead lights were rigged with soft boxes and Fiilex Q5 and Q8 Colour LED Fresnels. The SEAL team used practical work lights for much of the cave illumination, with bulbs strung across rock walls and standing lights of various shapes and sizes. The art department added balloon lights and standing lights, and the lights were retrofitted with LED bulbs for more colour control. For scenes with divers deep in the cave, ambient light was dimmed down and illumination was provided by headlamps and a flashlight held by a SEAL.

I enjoyed this film because It created a claustrophobic experience that immersed me in the world of the story.Filming in water is challenging and it is fascinating to here how studios with higher budgets approach such projects.

Guide to lutcalc

#Guide to lutcalc how to#

I'm not an expert, I've just used it once or twice in the past, so just play around with it. There are some how-to-guides and info on the main page as well that might be interesting Totally recoded the handling of LUTs as data sources in LUTCalc. LUTCalc can then use these to use the new gamma and / or gamut as you can with any of the built in options. I would use the largest range, and leave it unclipped. Introduced 'LUTAnalyst' - a tool to convert 1D and 3D LUTs (currently cubes) to 1D S-Log3 to new transfer gamma LUTs plus 3D S-Gamut3.cine to new colour space gamut LUTs. You'd probably want a 3D lut, 65圆5圆5, in. Then on the right you can set up the LUT file's options. You also probably want to leave the camera as generic and stop correction at 0. If you want a straight mathematical conversion, you can uncheck customization. You would enter this information on the left where it has Rec (in) and Out dropdowns. There are several Arri options, I'm not sure which one you want. It is also available as paid offline Mac OS X and Google Chrome apps from the Mac App Store and Google Web Store. It gently compress REC 2020/cineon gamma to smaller color space with normal gamma (Amira709, Alexa-X-2 or LC709 are the best). Introduction To LUTCalc Part 1 - Basic Options 6 years ago Ben Turley Plus LUTCalc is an open source Javascript online web app I have developed to generate, analyse and visualise 1D and 3D LUTs for use with modern video cameras. I want something with a little more punch. I like LC709A, but over time I’ve come to feel that it’s a little too desaturated and flat in the mid-tones. This results in deeper blacks, whiter whites and increased contrast in mid-tones. You specify an "in" and an "out" and it'll generate a LUT that would transform from one to the other.Īll you need is to know what gamma and gamut you are coming from (in your case, F-Log gamma and F-Log Gamut) and what you want to put it into. Than i add to timeline a custom build LUT made with LUTCalc online app. Full range means that the LUT uses the full video signal range of 0-109, instead of LC709A’s 4-100 range. LutCalc generates LUTs based on the difference between the color spaces you select in the drop downs.

#Guide to lutcalc how to#

I'm new to LutCalc so don't know how to set it up.

SET PHOTO SET PHOTO SET PHOTO!!!!!!!!!!!!!!

Breaking Bad was particularly cinematic television, with its wide-angle shots of the stark New Mexico landscape, expressive lighting and deliberate pacing. At one point during the series, Gilligan and his cinematographer, Michael Slovis, made an unsuccessful pitch to Sony and AMC to shoot Breaking Bad in the CinemaScope format that Sergio Leone had used to shoot Clint Eastwood's Dollars Trilogy. On El Camino, Gilligan got his wish — Better Caul Saul DP Marshall Adams shot the movie on the ARRI Alexa 65 camera used for The Revenant and in a 2.39 wide-screen format that seems designed to showcase a gunslinger's squint across the desert.

Gilligan is perfectionistic in a way that television schedules rarely have time to indulge. El Camino proceeded at an even more leisurely pace than his shows. Instead of shooting six to eight pages a day as Gilligan had on Breaking Bad, he shot one and a half to three. Most of the 50-day shoot happened in the same Albuquerque locations where Breaking Bad is set, but the larger budget meant he was able to take advantage of some picturesque out-of-state locations, too. "This is my first movie as a director, and I have to say, it made me want some more of that," says Gilligan, who has directed five episodes each of Breaking Bad and Better Call Saul and two of The X-Files. "You truly have time to get things right. It feels very decadent."

'Breaking Bad' Returns: Aaron Paul and Vince Gilligan Take a TV Classic for a Spin in 'El Camino' by Rebecca Keegan

Breaking Bad was particularly cinematic television, with its wide-angle shots of the stark New Mexico landscape, expressive lighting and deliberate pacing. At one point during the series, Gilligan and his cinematographer, Michael Slovis, made an unsuccessful pitch to Sony and AMC to shoot Breaking Bad in the CinemaScope format that Sergio Leone had used to shoot Clint Eastwood's Dollars Trilogy. On El Camino, Gilligan got his wish — Better Caul Saul DP Marshall Adams shot the movie on the ARRI Alexa 65 camera used for The Revenant and in a 2.39 wide-screen format that seems designed to showcase a gunslinger's squint across the desert.

'Breaking Bad' Returns: Aaron Paul and Vince Gilligan Take a TV Classic for a Spin in 'El Camino'

"tones of dirt and bone" by @anukrohde dop @pataldingerdp song anne brun - all my tears shot on arri alexa 65 full movie in bio https://www.instagram.com/p/BwZVcG9gwt1/?utm_source=ig_tumblr_share&igshid=18s1u8bnyb8rk

Movie #8 of 2024: Life

I mean, why would you ever put your hand in there?

“ROMA” Y LOS MAMADORES: -Modernismo -Posmodernismo -Ultramodernismo

Ahora con la vorágine del aceleramiento de la vida cotidiana, los seres humanos estamos inmersos en un gran asedio y fomento de la ignorancia disfrazada de información, en donde a diferencia de otras etapas de la vida del ser humano, ahora los medios de difusión y almacenamiento de información parecen ser infinitos, lo efímero e intrascendente son las cosas que han ganado mayor valor en esta sociedad eurocentrista y occidental, esta modernidad ha sacrificado las creencias y las directrices que las sociedades se habían impuesto, los dioses, los usos, las costumbres, la moral, la ética, las filosofías y las formas de vida fueron alineadas a la modernidad.

El aceleramiento de la acumulación hace que cada vez queramos de todo en mayor cantidad y de la forma más rápida, sin darnos una pausa para admirar la belleza que hace de nuestra propia existencia, la modernidad eliminó los personajes que hacían sombra a la fe, alimentando el deseo de tener para ser, implementando una utopía sin fin por medio de la inmediatez.

Se ha incrementado este sistema de vida con el empleo y fomento de la crisis existenciales de las preguntas infinitas que hemos padecido desde nuestro origen; ¿Qué somos? y ¿A dónde vamos?; estas acentuadas con los mas diversos vacíos que se han presentado ante la falta de oportunidades para amplios segmentos de la población, por un sistema segregador e inquisidor que prejuzga, somete y alinea las formas de vida.

En la modernidad occidental las tradiciones tienen precio, y entre más rápido se vendan menos se devalúan, es por ello, que en esta rapidez de consumo deseamos la popularidad, la fama y el reconocimiento, aunque esto sea un antídoto parcial al vacío que no tiene motivo ni origen, simplemente se ve bien que la melancolía sea la mejor aliada de supuestos depresivos que juzgan a la humanidad desde su altar de egolatría y extravío, que en lo absurdo de este paradigma son seudo artistas sin ningún mérito tangible para tener esa categoría, la racionalización de creer que una generación es mas depresiva que otra por el hecho de tener cierta edad, es otro de los mitos del modernismo para crear mercados de consumo para tal o cual generación.

…"¿Y aquellas alas de mariposa azul de qué nos sirven? Preguntarán los que nacieron sin alas", reza uno de los poemas de la obra 'Azul...' de Rubén Darío, publicación a la que se asocia el inicio del modernismo literario, en 1888…

Es por ello que la propia evolución de estas tendencias efímeras aterrizaron en la posmodernidad como una inversión, un molde negativo, una supuesta disidencia, y aunque tiene un siglo de existencia, su penetración consciente en las masas es relativamente reciente, ahora bajo esta doctrina la realidad no es lo que es, sino mas bien lo que se interpreta de esta, con palabras que ya no van con las cosas, sino contra ellas, la sociedad no es un ente de estudio, sino una invención manipulada, la verdad se ve como una cosa relativa, en la cual no todos conocen esa verdad, surge cuando la humanidad se da cuenta de que no hay sentido en seguir intentando cambiar para mejorar, tal como lo enseñaba el modernismo, pues los años han demostrado que no hay mejora.

Por esto los posmodernistas se caracterizan por ser pesimistas, sin esperanza de un mejor futuro, se concentran más en disfrutar el presente, con la inmediatez pertinente sin complejos intelectuales, mientras mas efímero y vacío sea la sociedad es mucho mas progresista, haciendo heroes a petardos ignorantes que se hacen virales a través de las nuevas tecnologías.

Lo primordial es vivir despreocupados, pues sin importar que se haga no habrá cambios en la sociedad, este movimiento es dejarse guiar por los sentimientos e ignorar la razón, el neoliberalismo encajo perfectamente con esta doctrina en donde el consumo masificó el pensamiento y ahora todo lo banal se explica a través de una supuesta alegoría artística.

Frederic Jameson puntualiza: “Todas las posiciones del posmodernismo en lo referente a la cultura —trátese de apología o estigmatización— son también, al mismo tiempo y necesariamente, declaraciones políticas implícitas o explícitas sobre la naturaleza del capitalismo multinacional de nuestros días” Sea como fuere, resulta “esencial entender el posmodernismo no como un estilo, sino como una dominante cultural, concepto que incluye la presencia y la coexistencia de una gran cantidad de rasgos muy diversos, pero subordinados”

La ultramodernidad es el significado del vació ante una hiperindividualidad, dejando de lado el poder regulador de los grupos, sea familia, religión, cultura de clase, el individuo parece cada vez más descompartimentado y móvil, fluido y socialmente independiente, una volatilidad y una autonomía extrema que puede significar más una desestabilización del yo que una afirmación triunfante del sujeto dueño de sí mismo.

Cuanto más se impone la comercialización de la vida, más celebramos lo superfluo y estéril, al mismo tiempo, la solidaridad, el amor y la amistad son valores caducos que solo existen sí son exhibidos y presumidos, la instantaneidad de la vida actual hace que valores sublimes sean representados por un simple “like”.

Esto da como resultado que el ser humano es convidado a hacer un viaje sensorial, basado en sensaciones inmediatas, vacías, gracias a la interiorización de la sensación de querer sentir más a través de agentes externos, el ser actual gusta de ser reconocido como un tipo de influencia, no importa que esta influencia sea tan estupida e inutil para el desarrollo del ser, simplemente es parecer ser algo sin que sea o tenga un respaldo solido de lo que se quiere aparentar.

El marasmo actual es el resultado de una enferma cultura mercantil, en donde lo más valorado es la explotación, el rendimiento, el individualismo y el narcisismo, mostrando la ignorancia como máximo valuarte de esta época, con la arrogante exigencia de que nos vean y exhibir todo, donde se crea el principal vicio del capital, queremos ser aceptados y que esta sociedad nos de su refrendo, creyendonos especiales, cuando los seres humanos somos ordinarios en su mayoría sin mayores pretensiones que la sobrevivencia, lo cual nos impide contemplar la vida propia y concentrarnos en la desasosegada comparación, en búsqueda de refrendo o infidelidad, ser vistos es lo que nos impide ver, debido a que lo que deseamos ver solo se observa a través de los que mostramos y es aprobado.

…El “narciso” cool, individualista y consumista que tan bien retrata Lipovetsky en La era del vacío y El imperio de lo efímero es un ser optimista en su gozo, un individuo que vive el presente, olvidado del pasado y sin preocupación por el futuro…

La época moderna que hemos experimentado nos quiere mostrar que no existe nada más que un dentro de este sistema, la máxima búsqueda de esta acelerada búsqueda es el éxito, el cual no es el fin de la vida, sino más bien tiene un teorema mental, en donde se busca suscitar la admiración y envidia de las masas; los lujos, la riqueza, el placer y el hedonismo se tiene que mostrar para satisfacer el ego vacuo, pero ahora no basta con la superficialidad, ahora también se requiere parecer profundo y culto, aunque se carezca del más elemental raciocinio y educación, estas relaciones se convierten en relaciones de dominio y de conflictos basados en la seducción fría y en la intimidación.

Deseamos pertenecer y que nos consideren intelectuales, opinamos de cualquier tema con una ligereza que se ufana de profunda, no importa que no hayamos nunca estudiado ni investigado el tema que se trata, todos somos expertos y tenemos la fe que nuestras palabras son profundas e importantes.

Es en este contexto, como excelente ejemplo de lo vertido anteriormente es que surgen los llamados “mamadores”, los cuales son personas que están totalmente influenciados por la ignorancia del status quo neoliberal, en donde su vida se basa en aparentar y mostrar, opinan de todo y por todo sin argumentos sensatos ni sustentos científicos ni sociales, se suben a cualquier moda mercantil que este impuesta por el sistema, se creen profundos, sensibles y en algunos casos con tintes artísticos, pero repiten conductas que son moldes hechos para el consumo, no son originales y casi siempre se la pasan copiando estilos, formas y cualidades, presentan un profundo analfabetismo social, creen que toda la vida se basa en el pensamiento eurocentrista, no conciben otras formas de organización social.

En todas la facetas de la vida contemporánea existen “mamadores”, pero siguiendo con los ejemplos, la industria cinematográfica comercial hollywoodense en su apuesta por seguir siendo la fábrica de sueños global es el símbolo “mamador” por antonomasia, haciendo eco de la estética y sensibilidad propia del capitalismo tardío, es decir, de la posmodernidad, y deja abierta la cuestión ideológica, generalmente en manos del espectador, quien, con mayor o menor bagaje crítico, tiene que descubrir las oscilaciones y ambigüedades de los filmes “mamadores”.

El cine es, además, el arte del pastiche por excelencia, y la edición, ese cortar, desordenar, ordenar y volver a pegar imágenes, es un recurso clave de la práctica fílmica, muchas veces considerado el único recurso puramente cinematográfico, la edición cinematográfica permite la ilusión de unicidad espacio-temporal aun basándose en la mixtura y la disruptividad del espacio-tiempo.

Ahora que todo mundo habla de la película de Alfonso Cuaron, “Roma”, no hay nada más “mamador”, que opinar sobre ella, es por ello que siendo “mamador”, vamos a referirnos a este filme para hacer una exposición de los efectos “mamadores” que ha traído su exhibición, es importante mencionar sus características técnicas antes de entrar a las interpretaciones artísticas, la película fue filmada con cámaras de gran formato de 65 milímetros Arri Rental Alexa y se usaron lentes Prime 65 con el fin de poder exhibir la cinta en salas de cine como en streaming para pantallas de resolución 4K, el formato de proyección es cine digital, el rodaje duró 6 meses y se hizo de manera cronológica al guion, muchas de las personas de la cinta no fueron expresamente actores extras sino personas sin preparación actoral, la grabación consideró la inclusión de sonidos incidentales del paisaje sonoro de la Ciudad de México de los años setenta, la mezcla de sonido de esta cinta reunió 72 terabytes de sonidos, las escenas más difíciles tuvieron la intervención de efectos visuales en las localizaciones en las calles de la Ciudad de México, usando pantalla azul para retirar todo vestigio moderno incorporando los de los años setenta de acuerdo a la investigación, las fotografías disponibles y los recuerdos del director.

Es en este punto donde la película tiene su mayor mérito, remitiéndose a un juego de la memoria que cuestiona la participación y la atención del espectador, continuamente retando a identificar los textos citados y a sentirse parte de esa recolección del pasado, llegando así a sentirse más identificado con el autor y las referencias culturales que comparte con éste que con la propia historia relatada, pasando a segundo o tercer plano la historia, porque desde cualquier punto de construcción literaria los diálogos y la historia son muy simples, apenas dan un bosquejo de la vida cotidiana, pero recordemos que a los “críticos” les excita la pasividad de las trivialidades, recordemos la muy sobrevalorada “Boyhood”.

Su formato en blanco y negro es el pretexto perfecto para crear melancolía teniendo todos los fetiches para ser considerada un filme de arte, los lugares comunes son la regla de la película, el arte escénico se muestra espectacular en todo el filme, las actuaciones son creíbles, lo anterior con el melodrama de la línea del cine mexicano clásico, con una nostalgia romántica de la pobreza, en donde ser india es encasillar al personaje en la ignorancia, en la ingenuidad y en una simple cosa que tiene dueños, se aleja de la crudeza en la que están las mayorías trabajadoras domésticas del país, en cambio nos da una impresión buena ondita de los burgueses ante sus explotadas, el afecto que esta familia de clase media-alta le profesa a la protagonista es falso, formando y construyendo parte de la trampa que la esclaviza y la somete.

La película gira en torno a la actriz indígena mixteca Yalitza Aparicio, pero su papel y personaje se presenta como el conformismo de marginación de clase, es personal del servicio doméstico subsumido en los sentimentalismos pequeño burgueses de la esposa del jefe de la casa que apenas aparece, pero sin enfoques críticos ni de conciencia, pasa enfrente de sus ojos una ola de protestas que incluso la hacen perder a su hija, pero ella no se inmuta sobre su condición, sigue su vida con una resignación que se convierte en base de la explotación de clase.

Cuando una industria se convalida así mismo se crean fenómenos “mamadores” de seudo expertos que se envuelven en el patrioterismo de ocasión, porque recordemos que los premios de una industria son para validar a la misma industria, no al arte, este no se puede distinguir o medir como si fuera una competencia cuantitativa, el arte no tiene nacionalidad, los que hoy pierden objetividad ante la película “Roma”, y según defienden la obra solo por ser mexicana, esos que en su mayoría prefieren ver a los negros, a los indios, a los pobres y a los sirvientes solo en pantalla porque de lejos se ven bonitos y folclóricos, los que a diario discriminan y son los más clasistas, que enarbolan una ideología segregadora y prepotente, ahora son los principales defensores de una obra porque esta de moda y es “cool”, referirse a ella y defenderla, es importante dimensionar el papel que la industria capitalista está dando a la actriz Yalitza, la cual forma parte de lo que se denomina “museificación de la diversidad“, esto es, dar un fingido valor y protección a la diversidad a la vez que se aplasta la esencia y la naturaleza de origen, lo que si es un hecho es que se ha visualizado a las comunidades indígenas con la participación de Yalitza, enseñando que existen otros mundos fuera de los estereotipos dictados por las agencias mercantiles y publicitarias, eso es de suma importancia en esta película y su boom con su exposición mundial.

El efecto de “mamadores” es tan viral, que la simpleza con la que actúa Yalitza en su papel de Cleo, demuestra la esencia del “mamador”, debido a la indiferencia total de Cleo ante las preocupaciones políticas, su dedicación al servicio, es la forma misma de su identidad ideológica, es como ella vive su supuesta ideología, que no entiende ni quiere saber más allá de su propio encierro mental, con sus limitaciones y sus arrestos filosóficos.

La supuesta incorrección política y los temas progresistas no suelen pasar de ser una mera coartada o argumento de venta en el cine, en la actualidad las propuestas artísticas no han dejado una estéticamente subversiva ni políticamente provocadora, aunque sí les concede el haber tocado temas sociales profundos de una manera ligera, como es el caso en “Roma” de la segregación y explotación racial.

El ejercicio artístico de “Roma”, consiste en eso, debatir y poner en la palestra social una propuesta que a lo mejor es ligera y nostálgica de un tiempo oscuro de la historia del país, pero la función del pensamiento es eso, contrastar ideas para abrir nuevos paradigmas que nos lleven a estudiar las consecuencias de nuestra existencia y sus posibles caminos en esta vida automática.

Es así, que el ultramodernismo con hiperindividualismo y el fenómeno “mamador”, estan a la vista y explican la incapacidad de reacción social ante los desmanes de todo tipo que están en el origen y etiología de la crisis que embarga al mundo occidental, se esta perdiendo el ser, ante el consumismo salvaje que nos invade, el sentido de la solidaridad y la capacidad de emprender aventuras en común, con la dictadura de las nuevas tecnologías, una vez superada su consideración instrumental y convertidas en auténticos fines, ha supuesto la permanente adoración de la gran pantalla, de donde vienen las consignas que los nuevos borregos siguen sin crítica alguna.

FLUVIO UGO GUERRA

AVENGERS: ENDGAME Trailer Has Arrived! The wait is over! #Avengers4 a.k.a #AvengersEndgame trailer has arrived. Took 'em long enough The Russos’ AVENGERS: INFINITY WAR and the untitled "Avengers Endgame" reportedly use IMAX and ARRI’s new large format 2D digital camera, the Alexa 65 and this marks the first big Hollywood studio project that will be completely filmed using IMAX cameras.

O maior sucesso de bilheteria de 2024, Duna: Parte Dois, foi filmado usando as melhores e mais recentes câmeras e lentes, além de algumas lentes vintage da era soviética. Duna: Parte Dois, a tão esperada sequência de Duna de 2021, arrecadou US$ 182,5 milhões em seu fim de semana de estreia. Helios 44, a lente soviética usada em Duna: Parte Dois Entre as lentes vintage mais interessantes usadas para filmar Duna: Parte Dois está a Helios 44, um clone russo do famoso Zeiss Biotar. Com sua abertura distinta de 13 lâminas, a Helios 44, uma lente fixa 58mm f/2, oferece um bokeh único e incrível. Arri Rental explica que Fraser optou por filmar Duna: Parte Dois inteiramente com lentes esféricas, não anamórficas. Trabalhando diretamente com a Arri Rental, a Fraser selecionou algumas lentes excelentes do famoso fabricante de câmeras e lentes. O premiado especialista cita a resolução e a fidelidade dos sensores de imagem Alexa maiores da Arri às vezes como um problema, e não como um benefício universal, dizendo “tivemos que sujar um pouco a imagem”. Helios 44 - foto: Iulia KELT As lentes vieram da Ucrânia Segundo Kosmo Foto, as lentes soviéticas utilizadas pela Fraser vieram da empresa ucraniana IronGlass Adapters. Esta equipe converte lentes soviéticas legadas, como Helios 44, Mir-20, Mir-1 e Jupiter-9 85mm, para uso em sistemas de câmeras modernos. O sistema de câmera Alex 65 de Arri pode ter sido muito nítido para o gosto de Fraser em alguns casos, mas o sistema de câmera de cinema de grande formato também abre muitas possibilidades criativas para lentes na faixa de 65 mm. “O que adoro na 65mm é que ela elimina minhas restrições, abrindo muitas opções de lentes. Você pode trabalhar com lentes originalmente projetadas para formatos menores, onde você vê partes do vidro que nunca deveriam ser vistas. Para mim, ver e sentir essas partes ocultas é revelador, literal e figurativamente. Isso me ajuda a borrar a imagem e dar-lhe textura de uma forma que você não conseguiria com um formato menor”, ​​explica Fraser.

Shooting Underwater With the ARRI ALEXA 65 - Y.M.Cinema - News & Insights on Digital Cinema

Asus “Another Level” from Camille Marotte on Vimeo.

camillemarotte.com

:: Director: Camille Marotte :: Camera/Lenses : Arri Alexa 65/Arri DNA 65 :: DOP: Pat Aldinger :: Editing : Guido Fonio :: Color Grading : Marina Starke :: VFX : Point Flottant :: Production : Zoom Films :: Version : Director's cut