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ivanrosadx · 5 months

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Índices de la revista Unión y Amistad, publicada entre 2012 / 2015

Unión y Amistad #1

Un artefacto de comunicación desde el Club Editorial Río Paraná Año 1, número 1, otoño 2012 Refinería, Rosario, Argentina Imagen de tapa: Maxi Masuelli

Colección brillo de poesía joven. Poemas de Alejandra Benz, Julia Enríquez, Agustín González y Virginia Negri

Ana María Ibáñez “La Cenicienta de la película” (poesía)

Julián Bejarano y Manuel Podestá “Somos jugadores de fútbol fracasados que intentan tirar fantasías editoriales” (poesía)

Nicolás Domínguez Bedini “Poesía inédita. Yo nunca estuve en África”

Osvaldo Aguirre “En 1969 Mario Levrero pasó tres meses en Rosario”

Guo Cheng “Comunicado de Guo Cheng”

Damián Ríos “Desbunde y felicidad es una declaración de amor y de fidelidad absoluta” (comentario sobre el libro Desbunde y felicidad de Cecilia Palmeiro)

R. R. Montes i Bradley (editor de la revista Paraná) “Río que une i no divide”

Éditions du cochon “Cómo será la laguna que el chancho la cruza al trote!”

Delfo Locatelli. Conservación con Claudia del Río “Del Litoral no queda nada, Domínguez lo hizo todo”

Octavio Garabello “Intensidad, agitación y calma. Una temporada en Amaicha del Valle” (crónica)

Maxi Masuelli “El hermano luminoso. Ricky Espinosa, año 1999”

Enzo Nuñez “Retratos”

Amadeo Gonzáles “Grabaciones artesanales y los fanzines que se resisten a desaparecer” (entrevista)

Biblioteca Popular D.G.Ponti Lagarde “Una biblioteca con un 80% de autores vivos y en plena producción”

Unión y Amistad #2

Un artefacto de comunicación desde el Club Editorial Río Paraná Año 1, número 2, primavera 2012 Imagen de tapa: Jeremías Amaya

Francisco Garamona “El grado cero de las cosas. Entrevista a Raúl Escari”

Irina Garbatzky “¡Me gustaba tanto escribirte!” (reseña de Arrivederci amor mío de Agustín González)

Mariano Blatt, Alfredo Jaramillo y Pablo Katchadjian “Tres hombres en un bote”

Lila Siegrist y Georgina Ricci “Corazón valiente! Conozcamos a la editorial Yo soy Gilda”

Daiana Henderson “Como el recorrido de un hilo de oro” (poesía)

María Guerrieri “Desperté hecha un águila” (poesía y dibujo)

L.I.M.A.L Laboratorio de Investigación Mario Levrero

Biblioteca Popular D.G.Ponti Lagarde “Tesoro de la biblioteca: Norah Borges en Martín Fierro. Un cuadro sinóptico de la pintura” (póster)

Fernando Callero y Santiago Pontoni “Necesito amor en estado líquido” (poesía)

Tomás Boasso “¡Festejamos por lo inédito y por lo publicado!” (poesía)

Gustavo López “Liga de poesía bahiense” (poemas de Fabián Alberdi, Germán Arens, Mariela Gouiric, Nicolás Guglielmetti y Carolina Rack)

Pauline Fondevila “Los peces cantarán, las flores fumarán. Enciclopedia del náufrago”

Sociales del Club Editorial Río Paraná

Unión y Amistad #3

Un artefacto de comunicación desde el Club Editorial Río Paraná Año 2, número 3, otoño 2013 Imagen de tapa: Juan Hernández

Ernesto B. Rodríguez “Anécdotas y peripecias de Juan Grela”

Agustín González “Esperando por los cuentos de Corazón”

Francisco Garamona entrevista a Jacoby “¿Existe la obra de Jacoby?”

Julia Enríquez “Poemas de un conductor de ambulancias” (traducción de poemas de Edward Cummings)

Cristhian Monti “Que no toque el piso” (plaqueta desmontable de poesía)

Damián Ríos “Otra vez que vino a mi cabeza el dibujo”

Ana Wandzik “Las populares tapas de Longo y amigos”

Unión y Amistad #4

La revista del Club Editorial Río Paraná Año 2, número 4, primavera 2013 Imagen de tapa: Ariel Costa

Pauline Fondevila “Escribo para no suicidarme” (texto sobre Édouard Levé)

Kiwi “Salir a cazar poemas” (poesía)

Raúl Martínez “Notas sobre Leo Gambartes”

Alejandra Benz “Un rato de diversión” (plaqueta desmontable de poesía)

Jorge Mario Varlotta Levrero “El llanero solitario” (historieta inédita)

Fernanda Laguna, Francisco Garamona y Mumi “Bocetos para el Manifiesto del Arte del Futuro”

Unión y Amistad #5

La revista del Club Editorial Río Paraná Año 3, número 5, otoño 2014 Imagen de tapa: Claudia del Río

Daiana Henderson “Sobre Al rayo del sol de Fernando Callero”

Cristhian Monti “Sobre El entusiasmo de Tomás Boasso”

Francisco Gandolfo “¡Por siempre Gandolfo!” (relatos)

Diego Vdovichenko “Yendo de una ventana a otra” (poesía)

Pablo Montini “Espiga, letras y artes”

Coti Alberione “Payasitas” (dos pinturas)

Lila Siegrist “No se ve, o lo que se calla”

Virginia Negri “Un cuento del medio del monte” (cuento ilustrado por Maxi Masuelli)

Unión y Amistad #6

La revista del Club Editorial Río Paraná Año 3, número 6, primavera 2014 Imagen de tapa: Alejandro Rosetti

Santiago Beretta “La búsqueda silenciosa. Entrevista a Rodolfo Elizalde”

Alejandra Benz (miembro de L.I.M.A.L.) “¡Salud, compañero Mario!”

Jonatan Santos “Poemas infinitos”

Juan Laxagueborde “La obra pública de Lucas Martí”

Maxi Masuelli “T.R.I.P.A. Trabajo de Registro e Investigación sobre Paisaje Argentino” (plaqueta desmontable)

Nicolás Moguilevsky “En las mañanas de Argentina” (poesía)

Delfo Locatelli “La pintura. La forma. El dibujo” (ensayo)

Cristhian Monti “Hablemos de Folk” (reseña de Folk de Bernardo Orge)

Unión y Amistad #7

La revista del Club Editorial Río Paraná Año 4, número 7, otoño 2015 Imagen de tapa: Maxi Masuelli (con dibujo original en birome)

José Villa “Una ilusión objetiva” (reseña de La misma llama de Darío Cantón)

Francisco Bitar “Por la gracia de lo vivido y lo visto. Poemas de Charles Reznikoff” (traducción)

Carla Colombo, dibujos

Augusto Munaro “Vida de Santiago Dabove” (plaqueta desmontable)

Juan Laxagueborde y Santiago Villanueva “Conversación por zona Parque Rivadavia. Breve diálogo de interpretación”

María Salgado “Yo no soy más que mi deseo” (poesía)

Minireseñas “Una casa y un tambor de Pauline Fondevila por Damián Ríos” y “El libro de cuentos de Corazón de Agustín González por Rosario Bléfari”

Silvia Lenardón “Banda” (historieta)

Contratapa de Silvia Lenardón

#unionyamistad #revista #arte #literatura

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doris1530 · 9 months

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EVANGELINA SOBREDO GALANES (CECILIA)

Cecilia, nació en Madrid el 11 de octubre de 1948, bajo el nombre de Evangelina Sobredo Galanes. Era hija de diplomáticos españoles, y por ese motivo gran parte de su vida la vivió en el extranjero, por lo tanto se manejaba en inglés.

Ya, en la adolescencia, comienza a actuar en las fiestas del colegio de fin de curso, afición que ya no abandonó nunca. A su regreso a España, en 1970 forma el grupo Expresión, grabando un single en inglés (Have you ever had a blue day? y Try Catch the Sun).

Sus primeras composiciones son en inglés, pero a pedido de su disquera empieza a grabar en español, cosechando así sus grandes éxitos. En 1970

En 1971, es contratada por la multinacional americana CBS, hoy en día Sony-Music. Graba un primer single "Mañana" y en la cara B "Reuníos", dedicada esta última a los Beatles. Este primer disco pasa bastante desapercibido, pero es ya en 1972 al grabar su primer álbum "Cecilia", cuando empieza a cosechar sus primeros éxitos con canciones como "Dama Dama"," Fui", "Señor y Dueño" "Mi gata Luna", "Llora", "Fauna", "Al son del clarín", "Canción de desamor" o "Nada de nada".

En 1973 se publica su segundo trabajo, "Cecilia 2", con un aire más intimista y más maduro. Cabe destacar de este disco temas como "Andar", "Un Millón de Sueños", "Mi Ciudad", "Con los ojos en paz", "Me iré de aquí" y "Canción de Amor".

Es en 1975, después de editar varios singles cuando publica el álbum "Un Ramito de Violetas", cuya canción la consagró para siempre. En este mismo disco se encuentra la canción "Mi Querida España", con la que meses antes había tenido también un gran éxito. Este disco está además ilustrado con dibujos hechos por la propia artista, uno por cada canción, este disco también contiene "Nuestro cuarto", "Decir adiós", "Mi pobre piano", "Don Roque", "Sevilla", "Tu retrato".

Meses más tarde Cecilia representaría a Televisión Española en el festival de la OTI con la canción "Amor de Medianoche". La letra era de ella y la música de Juan Carlos Calderón. Quedó clasificada en segunda posición. A finales de año, publica su cuarto trabajo, que consiste en nuevas versiones de éxitos de años atrás incluyendo además la canción del festival.

En 1976, mientras trabajaba en su siguiente disco dedicado al poeta Valle Inclán, publica el single "Tú y Yo", con gran éxito durante ese verano.

En la madrugada del 2 de agosto, fallecía en un accidente de tráfico a la vuelta de un concierto en Vigo, cuando el auto donde viajaba, a la altura de Colinas de Trasmonte, choca con un carro que llevaba bueyes, justo en el lugar donde ella se había quedado dormida, el impacto fue brutal. Tenía 27 años cuando la muerte truncó su carrera.

Cecilia era por entonces la cantante y autora de España más cotizada de la época.

Tras su fallecimiento se publicó un nuevo single a modo de homenaje, compuesto por las canciones "El viaje" y "Lluvia".

Siete años después en 1983, se edita un álbum con canciones inéditas, cabe destacar de él "Doña Estefaldina" (con música inspirada en un vals y letra de Valle Inclán, que hubiera formado parte de su nuevo álbum en 1976), "Día tras día", "Soldadito de plomo", Mi Muñeca", "El Testamento" entre otras.

En 1991, se publica el CD 20 Grandes Canciones. Son como dice su título, 20 éxitos de Cecilia, remasterizados digitalmente.

Cinco años más tarde en 1996, se publica un doble álbum, con 6 dúos (Miguel Bosé, Merche Corisco, Julio Iglesias, Ana Belén, Manolo Tena y Sole de Presuntos Implicados) y un tema inédito, Desde Que Tú Te Has Ido, canción que hizo popular el grupo Mocedades años atrás.

Cabe recalcar que Cecilia colaboró con otros artistas como: Julio Iglesia y Massiel.

47 años después, su música sigue sonando.

#@doris1530

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ferrolano-blog · 1 year

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Un preso de Guantánamo relata en detalle las torturas infligidas por EE.UU.

#crueldad #imperialismonorteamericano

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kpwx · 1 year

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Cajal: un grito por la ciencia, de José Ramón Alonso y Juan Andrés de Carlos

Buen pintor, entusiasta fotógrafo, excelso dibujante (un crítico de arte lo pone a la altura de Leonardo y Miguel Ángel, aunque quizá eso sea demasiado) y, por supuesto, insigne científico: Santiago Ramón y Cajal fue el médico español más destacado de su tiempo y uno de los más importantes de la historia, y ya solo por eso se debería saber quién fue y qué hizo aun si no se tiene un interés particular por esta materia. Ya había recomendado hacerlo cuando escribí un comentario sobre un libro suyo hace un tiempo; ahora, luego de leer Cajal: un grito por la ciencia, lo hago con mayor insistencia. Y es que esta entretenida biografía llena de fotografías y dibujos (varios de ellos inéditos) demuestra que, independiente de su importancia científica, la vida del “padre de la neurociencia” es digna de ser conocida por lo interesante que es en sí misma. Ramón y Cajal sirve también de ejemplo —y esto me da algunas esperanzas— de que se puede llegar a ser una eminencia (o hasta ganar un Nobel) habiendo sido un adolescente perdido y un estudiante mediocre. Para terminar, dos cosas curiosas que no conocía y un capítulo que me gustó especialmente: sobre lo primero, el interés que tuvo por los fenómenos paranormales (fue muchísimo menos crédulo que Conan Doyle, obviamente) y la adicción que llegó a provocarle el ajedrez; sobre lo segundo, el que se le dedica a Pedro Ramón y Cajal, el hermano eclipsado que merece reconocimiento por mérito propio.

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elmartillosinmetre · 1 year

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"No creo que haya una forma correcta de tocar a Vivaldi"

[El violinista ucraniano residente en Madrid Vadym Makarenko / PABLO ROCES ALBALÁ]

Al frente de su conjunto Infermi d’Amore, el violinista ucraniano Vadym Makarenko publica en Eudora un álbum centrado en la figura de Vivaldi

Vadym Makarenko nació en Korsun-Shevchenkivskyi, una pequeña ciudad de menos de veinte mil habitantes del centro de Ucrania. Estudió violín en Kiev, pero acabó en las clases de Amandine Beyer en la Schola Cantorum de Basilea.

–Sigue tocando con Beyer en su grupo. ¿Se considera su discípulo?

–Claro. He estado seis años, de los 20 a los 26 estudiando con ella y fueron muy importantes para mí, porque he dejado atrás el concepto de violín moderno, aunque he seguido tocando música de todos los períodos, pero me he encontrado a los 20 con un problema de estar perdido en el mundo de la música. Fue Amandine la que me transmitió valores nuevos. Aparte de enseñarme la técnica del violín barroco, que es completamente distinta, a nivel musical supuso para mí el descubrimiento de la intuición, el liberarme de prejuicios de la escuela moderna de violín y disfrutar más de la música. En este sentido es una persona importantísima para mí. Como sigo trabajando con ella pues sigo aprendiendo. Soy su discípulo pero también estoy haciendo mi propio camino. Estoy muy orgulloso de haber estudiado con ella y mantener el contacto después de terminar mis estudios.

–¿En qué momento sintió la necesidad de formar su propio grupo?

–Amandine es una música excepcional que necesita un grupo propio para expresarse. Su grupo es básicamente ella, es la que encuentra ahí su propio espacio de hacer lo que desea. He conocido a muchos grandes músicos que me enseñaron, pero cada uno trabajaba para tener su propio refugio musical en el que poder experimentar y sentirse completamente libre, y eso me empujó, porque hay muchos proyectos que me gustaría afrontar. Muchas veces tocas en bolos, por dinero, y lo haces sin ningún enriquecimiento personal. No quiero sentir esto en mi vida. Quiero disfrutar de la música y crear a través de la música lo que siento.

–¿Cuándo fue su primer concierto con Infermi d'Amore?

–En 2019. Luego llegó el Covid. Mal momento para crear el grupo.

–Muchos músicos dicen que el tiempo del reposo del Covid les ayudó a reciclar ideas y montar proyectos…

–Sí, sí, es verdad… A veces incluso echo de menos la cuarentena, porque tuve tiempo para dedicarle a muchas cosas.

–2019 es también el año que se instala en Madrid. ¿Por qué Madrid?

–Sí. Aquel primer concierto lo hicimos a principios de febrero de 2019. En verano me mudo a Madrid, un año de muchos cambios. Barajaba varias posibilidades, porque hay muchas ciudades que me gustan. Pensaba en Italia. Dedicaba mucho tiempo también a las Bellas Artes, al dibujo, y en Italia hay ciudades maravillosas donde se puede estudiar. Pero era también importante que fueran ciudades bien conectadas, y el idioma es crucial; para sentirte a gusto en un sitio, tienes que poder comunicarte bien. Ya conocía Madrid, me sentía en la ciudad como en casa. Es un sitio donde me siento genial. Viajo mucho, pero siempre que vuelvo lo hago con muchas ganas. Fue una suerte en realidad haberme decidido al final por Madrid. Estoy muy contento.

–Como primer disco, esta es una apuesta fuerte, porque se trata de un Vivaldi casi inédito.

–El disco incluye cinco primeras grabaciones de Vivaldi. El segundo movimiento del Concierto para cello ya estaba grabado. Olivier Fourés reconstruyó este concierto, pero lo primero que hizo fue el segundo movimiento, lo grabó una chica [Ophélie Gaillard] y luego los movimientos extremos quedaron sin grabar hasta que lo hicimos nosotros. El Concierto de violín en do mayor es primera grabación. Es la primera obra del disco y la primera que grabamos. Fue interesante. Para un violinista grabar un concierto de Vivaldi que no se ha grabado nunca es una responsabilidad. Es preferible no grabar a hacerlo de cualquier forma. Empezar la grabación con una obra que tiene mucho significado era importante, y fue genial porque creo que tiene toda la energía del principio de la grabación y encajó muy bien en el inicio del disco. Es un disco muy variado. Tiene conciertos para violín, para cello, un concierto doble, una sinfonía, una obertura, que es prácticamente un concerto de camera, y casi un concerto grosso, porque la obra de Marcello tiene un cello concertante, y como la parte de violín estaba perdida existen grabaciones muy antiguas, con un sonido un poco malo, pero la parte de violín es nueva, por lo que se puede considerar también una primera grabación.

–El contacto con Olivier Fourés fue crucial.

–Sí, él vive en Madrid y yo lo conocía ya, porque es muy amigo de Amandine. Justamente en el último disco del grupo de Amandine, vi trabajar a Olivier por primera vez en una grabación, porque lo conocía pero no lo había visto trabajar. Fue duro, porque grabamos de las 9 de la mañana a las 11 de la noche, y era muy exigente. Vi que tenía muy claro lo que busca, y vi lo que sabe de esta música. Para una primera grabación, tenía dudas de si no me iba a influir demasiado el modo en el que él ve la música. Pero bueno, eso casi es imposible, porque si llevas 25 años tocando el violín es difícil que te cambie mucho, más bien puede aportarte cosas, pero tú vas a seguir siendo tú. Ha sido un contacto maravilloso, he aprendido mucho de él. Le estoy muy agradecido. Al principio no me daba inéditos, y lo entiendo, acostumbrado a trabajar con gente como Carmignola o Amandine y de repente llega un chaval joven, y es normal, pero nos vimos un par de veces, estuvimos leyendo música juntos y acabé ganándome su confianza.

[El conjunto Infermi d'Amore / DANIELA HERNÁNDEZ ALER]

–Vivaldi es de los compositores más grabados de la historia. La forma de interpretar su música ha ido variando mucho con el tiempo. ¿Dónde se mueve usted y qué le aporta a su música?

–Esa es una pregunta muy compleja. No creo que haya una forma correcta de tocar a Vivaldi. Cualquier interpretación es ya una aportación. Cualquier interpretación hace que esta música siga viva y pueda seguir siendo tocada. Hay grabaciones antiguas que me gustan. No hay que descartarlas por ser antiguas, porque han hecho parte de la historia. Algunas son muy potentes. Hay por ejemplo grabaciones de Vivaldi de Pinchas Zuckerman que me encantan. Veo en ellas algo muy honesto. Lo escuchas a él y a Vivaldi al mismo tiempo, y eso es lo máximo que se puede pedir a un intérprete. Carmignola es un violinista moderno, pero hace algo tan especial con Vivaldi que para mí es como ningún otro. No se trata ni del tiempo ni de la forma, sino que es algo más profundo y eso es el misterio de la interpretación. ¿Dónde me colocaría yo? Cada contacto y cada vivencia me han aportado algo. Llevo dentro el bagaje de la enseñanza de Amandine, pero también mi propia sensibilidad, la que estaba construyendo cuando estudiaba en Kiev o cuando conocí a Christophe Coin o Kristian Bezuidenhout, que me aportaron mucho, y sigo buscando. Luego, ser ucraniano o español o italiano ya te está alimentando por una cultura específica, que además está en continua transformación, no es algo fijo. ¿Dónde me colocaría? No lo sé, donde estoy ahora mismo, con todas las vivencias que me han traído hasta aquí.

–¿Vivaldi es el camino o piensa seguir moviéndose por repertorios diferentes?

–Hay tanta música que me gusta y que me gustaría tocar más. Vivaldi es nuestro primer disco, pero es sólo una parte de mi vida musical. Para mí, como violinista era una forma de darme a conocer. Vivaldi nos gusta y es una música de mucho poder, pero además es popular y eso te permite dar un impulso para hacer más cosas. Tenemos programas de música francesa, de stylus phantasticus, de música clásica, en formato de cuarteto y de trío. De hecho vamos a tocar en París un programa titulado Pinturas negras y que es repertorio del XVIII tardío y principios del XIX. Hay unas pautas en el mercado, la gente necesita algo claro, si eres un grupo que toca principios del siglo XVIII no te relacionan con otros periodos, pero yo quiero tocar tantas cosas… Había que empezar por algo, pero tenemos muchos proyectos diferentes.

–Ha empezado por grabar en un sello español bastante reciente (lo creó Gonzalo Noqué en 2014), muy independiente y con estándares de calidad muy altos, Eudora, ¿cómo llegó hasta él?

–Ha sido todo muy intuitivo. Para mí la fama de una casa discográfica no es suficiente. Sacar un disco con Harmonia Mundi o Naïve, qué te aporta. Puedes pensar que distribución y visibilidad, pero realmente nadie te asegura eso. Hablé mucho con Olivier de esto, y es un misterio. Realmente no es posible saber qué disco ni cuándo ni cómo ni por qué de repente tiene éxito. He decidido no fijarme en criterios de fama. No tenía ningún compromiso con Gonzalo, nos conocimos un poco de casualidad, porque unos amigos que han grabado con él me hablaron muy bien, escuché sus discos, me gustaron y ya está, no sabía cómo grababa ni en qué formato ni nada, simplemente escuché y me gustó. Hablé con él, me cayó muy bien y fuimos adelante. Él puso mucho amor en la grabación y me gustaría ser fiel a esta sensación de crear algo juntos con lo que disfrutamos. Estoy muy contento con este viaje musical a Venecia, sentir el amor del grupo en torno a un proyecto común, que esto sirva de punto de referencia, que quede ahí como lo que hacíamos en un momento concreto y que la gente pueda escucharlo y nos ayude también a dar más conciertos, porque esta música tiene que vivir sobre la escena. Para eso sirven las grabaciones.

youtube

–¿Tiene ya en mente el segundo disco?

–Grabar un disco supone un año y medio o dos, así que sí, empezamos ya a pensar, y tenemos varias opciones: el repertorio clásico o prerromántico del que le hablé, en el que hay unas obras maravillosas, como un Cuarteto de Viotti que nunca se ha registrado, o concentrarnos más en el stylus phantasticus… Vivaldi fue casi un experimento, porque ensayamos mucho, pero antes de grabarlo no lo habíamos tocado en un escenario. Ahora me gustaría hacer programas que ya hemos hecho en concierto. Para mí es lo mejor, tocar, tocar y grabar algo que ya has vivido, aunque no todos los programas de concierto se prestan tal cual al disco y algunos habría que modificarlos. Hay programas que funcionan bien para el concierto, pero no tanto para el disco. Creo que deberíamos cambiar un poco la estética de grabaciones de música antigua. Sabemos que antiguamente no se tocaban las obras completas, sino que dependiendo del contexto y la situación se tocaban unos movimientos u otros. Tenemos un programa que hemos titulado El juego de los abalorios en el que tratamos de contar historias conectando distintas obras entre sí y con la literatura. Tengo que pensar cómo enfocarlo en el disco. Pero me interesa grabar cosas que de verdad me gusten, cosas que cuenten una historia, aunque sean partes de piezas. Quiero experimentar con eso. No sé cómo quedará. No me gustan los proyectos de integrales.

–¿Prefiere discos conceptuales?

–No, tampoco. No me gusta mucho ese término. En la época de Bach o Vivaldi quién tocaba una integral. Incluso los cuartetos, ibas una tarde a tocar un concierto a casa de un aristócrata y leías tal movimiento que te gustaba. Yo quiero que los discos tengan este tipo de continuidad. Si encaja el opus entero perfecto. Tú pones un disco de música pop, las canciones son cortas, pero cuentan algo, y busco eso: pones el disco y lo escuchas entero. Me parece un aprendizaje importante poder experimentar para hacer algo distinto a lo habitual.

–¿Su familia sigue en Ucrania?

–Pude traerme a Madrid a mi madre, mi hermana y mi sobrina, pero mi padre sigue allí. Ellas fueron a visitarlo por Navidades, y están bien. Mi padre no puede salir. Y yo no puedo entrar, porque si entro, no salgo. Para mí es muy triste, además por una situación absurda, esta guerra sin ningún sentido, me parece como de otro universo. He pasado por muchas fases en este año: hubo momentos de depresión absoluta en que no podía ni tocar el violín, ni mandar un correo, era imposible concentrarme en nada, pero con el tiempo te acostumbras, vas saliendo, y ahora estoy algo mejor. Lo que puedo hacer es ayudar con lo que sé hacer. Cada cual tiene que empezar a hacer cosas por su vida, por lo que sabe. Mandé dinero, hice algunos conciertos benéficos, y esta es la forma en la que puedo ayudar. Pero es todo muy triste.

[Diario de Sevilla. 15-01-2023]

LOST IN VENICE EN SPOTIFY

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fanzinerosfresasfariceos · 1 year

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Paisajes Internos: los horizontes de la ciudad en la mirada del pintor Iván Pescador

Por Fabián Ríos

Hay aspectos de la ciudad que sólo se ven con la memoria del individuo que la recorre, lo que significa también una infinidad de configuraciones de un punto geográfico que pareciera inamovible en su materialidad, pero aprehensible para el artista que transfigura, a través de las sensaciones y recuerdos, los lugares comunes en donde la vida transcurre.

Para el pintor Iván Marín Pescador estas locaciones se manifiestan como “un barrido de imágenes” edificado por luces, formas y colores que adquieren un sentido inédito cuando se combinan con las experiencias que nos forman como individuos, lo que da un sentido narrativo a las 19 pinturas, seis dibujos y tres grabados que conformaron la exposición Paisajes Internos,que fue exhibida por vez primera en la Galería José Clemente Orozco de la antigua Escuela Nacional Preparatoria, ubicada en medio del bullicio de la calle San Ildefonso número 30, en la colonia Centro.

Las pinturas fueron parte de un proceso mayeutico dentro del taller de pintura y dibujo en el estudio de Nizaac Vallejo, con quien Iván aprendió a reconocer puntos cardinales para expresar con un lenguaje propio la idea de una ciudad plástica que ha sido recorrida con la luz interna de su mirada.

“En este proyecto hay una significación en cuanto a los colores y las formas”, dice Iván Pescador, al referirse al impacto ineludible que conlleva una experiencia estética, tan primigenia y absorbente para el citadino, como lo es el sólo hecho de salir de las fauces del Metro de cara a lo monumental que puede ser un paradero desolado, las solitarias vías del tren o un tianguis inhóspito que palpita en medio del hábitat de concreto.

Los cuadros de Iván nos hablan su vocación como observador de las lejanías, en donde la omisión del transeúnte hace del paisaje un espacio abierto a los estragos del tiempo. “No sé en dónde escuché que mientras más grande la ciudad más grande la soledad”, dice Iván Pescador cuando insisto en que me explique porque ha removido de sus cuadros al ser humano.

Y es que antes del paisaje interno, Iván quería retratar el fenómeno de la migración para recrear los espacios que este movimiento humano construye en su andar, tarea que conlleva el doble filo de lo presente y lo ausente en el panorama estético que se despliega cuando la vida combate por un mejor porvenir.

“¿En dónde está mi individualidad? ¿En dónde está mi relevancia?” “¿En dónde está mi función en el engranaje del sistema?”, son algunas de las cuestiones modernistas que asaltan al pintor cuando habla de los estragos del movimiento, postrado en una ciudad que nunca ha sabido estar en calma y en medio del caos de las formas condenadas a la evanescencia.

Algunas de las coordenadas culturales de Iván Pescador refieren a aquellas obras en donde la megalópolis prevalece ante un estado de permanente apocalipsis: Efraín Huerta y sus poemas Declaración de amor y Declaración de odio; Jorge Ibargüengoitiay su novela Estas ruinas que ves; José Agustín y lasCiudades desiertas;Dark City:la película sobrela ciudad que se alimenta de los sueños; la serie Mr. Robot y el sabotaje a la civilización; o la escena de Los Caifanes entrando por 20 de Noviembre en el centro de la Ciudad de México.

Al conversar con Iván uno da cuenta que lo primero para el paisajista de la ciudad es transitar. Dicha tarea requiere de la atención en los horizontes, que resultan siempre cambiantes en una urbe con infinitas configuraciones como lo es el Valle de México, en donde llegar del punto A al punto B puede ser un trayecto accidentado hacia la iluminación.

Sin embargo, las sombras siempre pueden aparecer de frente para incorporarse al proceso creativo. “Sí he visto muerte”, dice Iván Pescador, que de inmediato enfoca sus recuerdos a las atmosferas de aquellas escenas atroces que algún día presenció y que de alguna manera lo han perseguido a lo largo de su vida (como si llevara en la piel El besó de la muerte, deSaturnino Herrán).

Tal vez Iván Pescador se convirtió en un paisajista en el momento en que una curandera del mercado de Sonora lo alivió de espanto luego de que, con apenas cinco años, fue testigo de como una camión le reventó el cráneo a un niño de la zona, provocando en él la necesidad de un alejamiento táctico hacia el todo.

Tal vez Iván Pescador se convirtió en un paisajista en el momento en el que presenció el horrible fallecimiento de una niña que perdió el control de su bicicleta sobre una pendiente y se estampó con un muro, dejando en él la teoría macabra del movimiento percibida solamente por los antiguos futuristas y sus elogios a las maquinarias de guerra.

También es posible que Iván Pescador se convirtiera en paisajista en las ocasiones en que vio, entre la afluencia del tráfico, a un viejito que presenciaba la muerte de su esposa, atropellada brutalmente; o cuando él mismo se salvó de ser aplastado tras una caída desde la micro en la que cobraba el pasaje.

Las anécdotas sobre la aparición de la violencia en la mirada podrían seguir, pero para el final del recorrido por su exposición, Iván Pescador regresa a la luz y narra (tal vez sin querer) el génesis del paisaje, al recordar como, desde las alturas de los cerros y los árboles del Ecatepec de su infancia, dedicaba la mirada al ocaso en la espera puntual de la llegada de su madre a casa, tras un largo día de trabajo. Y finaliza la anécdota con las palabras que se aferran al recuerdo: “de alguna forma, siempre espero que nazca algo del horizonte”.

#PaisajesInternos #IvanPescador #pintura #Pintores

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