Frische Schriften für "grüne" Designs Freiburg, 14. September 2022. Greenfont veröffentlicht 2022 weitere Alphabete für ein typisches "grünes" Design. Das Green Design braucht typische Schriftarten und die Designer verbringen Stunden mit der Recherche. "Das muss nicht so bleiben", sagt Andreas Sauer und gründet bereits 1998 den ersten Schriften-Shop mit mittlerweile über 200 Schrifttypen. 2022 wurden 20 weitere Alphabete hinzugefügt. Dynamisch, nicht immer geradlinig, einzigartig. Handgezeichnet und digitalisiert für digitale Medien und typisch für einen grünen Lifestyle. Kontakt/Pressekontakt GreenFont Andreas Sauer, Grüne Helden Sonnenbergstraße 15 79117 Freiburg i.Br. [email protected] Tel.: 0172-9760880 GreenFont und RoSchriften sind lizenzsierte, digitale Schriftenprodukte von Andreas Sauer, Grüne Helden für die Nutzung auf dem Computern und für die Darstellung von Texten auf Internetseiten. Die „Berlin Edition“ sind von Andreas Sauer neu entwickelte, zeitgemäße Schriften Typen für das typische Green Design. Dynamisch, hangezeichnet, einmalig. Einige Schriften bassieren auf Entwürfen von Walther Roggenkamp aus den 60er Jahren. Die neo-grünen Schriftdesigns sind nach den U- und S-Bahn-Stationen der Trendmetropole Berlin benannt. Andreas Sauer – Green Designer, Schrift Designer und Illustrator studiert nach einer Berufsausbildung Freie Malerei und Grafik Design in Stuttgart und Freiburg. Er lernt u. a. bei Walther Roggenkamp das zeichnen von Schriften im "goetheanistischen" Stil. Beim Ro.Schriftenprojekt "bildhafte Schriften" (1988-1996) ist er hauptverantwortlich für die Entwicklung, Reinzeichnung und Digitalisierung. Andreas Sauer ist Inhaber der Agentur Grüne Helden. https://www.ecopressblog.de/frische-schriften-fuer-gruene-design/?feed_id=325&_unique_id=6321cc25d8dbf

Das malerische Schaffen des chinesisch-kanadischen Künstlers Matthew Wong (1984–2019) ist dynamisch, farbenfroh und ausdrucksstark. Sein Werk wurde von vielem Künstlern inspiriert, besonders aber von Vincent van Gogh. Die Ausstellung «Painting as a Last Resort» beleuchtet die künstlerische und persönliche Verbindung zwischen den beiden Künstlern. Wong sah sein eigenes Leben in dem von Van Gogh widergespiegelt und sagte einmal: «I see myself in him. The impossibility of belonging in this world.» Im Alter von 27 Jahren, begann Wong als Autodidakt zu zeichnen und zu malen. Während 8 Jahren malte er fantasievolle Landschaften mit intensiven Farben und fand schnell seinen persönlichen Stil. Van Goghs Einfluss ist unverkennbar: Wong malte persönliche Themen und verwendete dazu intensive Farben. Diese hat er mit dicken Pinselstrichen aufgetragen. Malerei als letzter Ausweg Van Gogh und Wong waren beide lange auf der Suche nach ihrer Berufung – beide fanden diese in der Malerei. Wong betrachtete sie sogar als seinen «letzten Ausweg». Beide Maler kämpften mit ihrer psychischen Gesundheit, was zu einem tragischen, frühen Tod führte. Individuelle Werke Obwohl es viele Gemeinsamkeiten gibt, haben beide ein sehr individuelles Werk geschaffen, das sehr persönlich und emotional aufgeladen ist. Sowohl Wong als auch Van Gogh benutzten Farbe als Mittel, um ein bestimmtes Gefühl zu vermitteln. Während Vincent van Gogh seine Bilder aus der Beobachtung schuf, malte Wong seine imaginären Landschaften und Traumwelten aus der Vorstellung. Im Gegensatz zu Van Gogh wurde Wongs Talent während seiner kurzen und stürmischen Karriere schnell erkannt. Bereits fünf Jahre nach seinem ersten Werk erwarb ein renommiertes Museum ein Gemälde von Wong. Viele namhafte Sammler folgten ihm und die New York Times lobte Wong als «einen der talentiertesten Maler seiner Generation». Vincent van Gogh Matthew Wong Weiterführende Links Kunsthaus Zürich Van Gogh Museum Amsterdam Matthew Wong, Wikipedia

Leitfaden zum Verstehen von Zeitgenössischer Kunst

Zeitgenössische Kunst ist ein faszinierendes und vielschichtiges Feld, das eine Vielzahl von Möglichkeiten und herausfordernden Aspekten bietet. Die Definition von zeitgenössischer Kunst ist komplex und wandelbar, da sie von lebenden Künstlern geschaffen wird und eine breite Palette von Medien und Einflüssen umfasst. Diese Art von Kunst fordert den Betrachter heraus und vermittelt oft eine nicht sofort erkennbare Botschaft. Wenn Sie mehr über zeitgenössische Kunst erfahren möchten, sind Sie hier genau richtig! Wichtige Erkenntnisse - Zeitgenössische Kunst ist ein breites und vielfältiges Gebiet mit vielen Möglichkeiten. - Die Definition von zeitgenössischer Kunst ist komplex und wandelbar, da sie von lebenden Künstlern geschaffen wird. - Die moderne Kunst unterscheidet sich von der zeitgenössischen Kunst, obwohl beide Begriffe häufig synonym verwendet werden. - Zeitgenössische Kunst umfasst eine Vielzahl von Medien und Einflüssen, darunter Fotografie, Malerei, Musik und digitale Kunst. - Es gibt viele bekannte zeitgenössische Künstler wie Banksy, Jean-Michel Basquiat, Damien Hirst und Ai Weiwei. Was ist zeitgenössische Kunst? Zeitgenössische Kunst ist ein faszinierendes und vielschichtiges Gebiet, das von lebenden Künstlern geschaffen wird. Sie umfasst eine breite Palette von Medien, Stilen und Einflüssen, die sich ständig weiterentwickeln. Im Gegensatz zur modernen Kunst, die ihren Ursprung im 19. Jahrhundert hat und bis in die 1970er Jahre reicht, ist zeitgenössische Kunst zeitlich ungebunden und kann nicht klar definiert werden. Zeitgenössische Kunstwerke können oft schwer zu beschreiben oder zu verstehen sein, da sie häufig abstrakte Konzepte und nicht sofort erkennbare Botschaften vermitteln. Die Künstler nutzen verschiedene Techniken, Materialien und Ausdrucksformen, um ihre Ideen zu kommunizieren. Der Unterschied zwischen moderner Kunst und zeitgenössischer Kunst liegt also nicht nur im Zeitraum ihrer Entstehung, sondern auch in den künstlerischen Ausdrucksformen. Der Unterschied zwischen moderner Kunst und zeitgenössischer Kunst Obwohl die Begriffe moderne Kunst und zeitgenössische Kunst oft synonym verwendet werden, gibt es einige Unterschiede zwischen den beiden. Die moderne Kunst begann im 19. Jahrhundert mit dem Impressionismus und erstreckte sich bis in die 1970er Jahre. Sie war geprägt von neuen künstlerischen Ansätzen wie der Abstraktion und dem Experimentieren mit Farben, Formen und Bewegung. Die zeitgenössische Kunst hingegen entwickelte sich in den 1970er Jahren und setzt die Tradition der modernen Kunst fort, erforscht jedoch neue Techniken, Konzepte und künstlerische Ausdrucksformen. - Die moderne Kunst ist zeitlich begrenzt, während zeitgenössische Kunst zeitlich ungebunden ist. - Die moderne Kunst war geprägt von neuen künstlerischen Ansätzen, während die zeitgenössische Kunst diese Ansätze weiterentwickelt. - Zeitgenössische Kunst bezieht sich oft auf aktuelle gesellschaftliche und politische Themen, während moderne Kunst sich auf die künstlerische Innovation konzentriert. Insgesamt ist zeitgenössische Kunst ein dynamisches und vielfältiges Feld, das es zu erkunden und zu schätzen gilt. Es fordert den Betrachter heraus, neue Perspektiven einzunehmen und bietet eine Plattform für die kreative Selbstdarstellung der Künstler. Die Geschichte der zeitgenössischen Kunst Die moderne Kunst hatte ihren Ursprung im Impressionismus des 19. Jahrhunderts und erstreckte sich bis in die 1970er Jahre. Während dieser Zeit experimentierten Künstler mit Bewegung, Farbe und verschiedenen Einflüssen, um die Kunst neu zu definieren und traditionelle Konventionen zu brechen. Der Impressionismus brachte eine neue Sichtweise auf die Welt und legte den Grundstein für den Wandel der Kunst. Mit der Zeit entwickelte sich die moderne Kunst weiter und integrierte verschiedene Stile und Strömungen wie den Kubismus, Expressionismus und Surrealismus. Diese Künstlerinnen und Künstler veränderten die Kunstwelt nachhaltig und schufen Meisterwerke, die bis heute bewundert werden. Doch in den 1970er Jahren begann eine neue Ära mit dem Aufkommen der zeitgenössischen Kunst. Künstler wie Andy Warhol und Roy Lichtenstein machten mit ihren Pop-Art-Werken den Übergang von der modernen Kunst zur zeitgenössischen Kunst deutlich. Sie brachten neue Techniken, Medien und Ideen in die Kunstwelt ein und eröffneten einen völlig neuen Raum für kreative Ausdrucksformen. Die zeitgenössische Kunstgeschichte ist geprägt von einer Vielzahl von Künstlern, die ihr eigenes einzigartiges Erbe hinterlassen haben. Von Installationen und Performancekunst bis hin zu Konzeptkunst und digitale Kunst, die zeitgenössische Kunst hat keine Grenzen. Sie bietet Raum für Experimente, Erkundungen und die kontinuierliche Weiterentwicklung der künstlerischen Ausdrucksmöglichkeiten. #gesundheit #fitness #lifestyle #beziehungen #achtsamkeit Original Content von: https://www.gutundgesund.org/ Lesen Sie den ganzen Artikel

Ins Blaue Ein uneindeutiger Kosmos in Blautönen ohne Verwendung von Schwarz. Dieses Bild war eine Reise zu meinen männlichen Persönlichkeitsanteilen. Größe: 70 x 100 cm Stil: Abstrakt Material: Keilrahmen Leinwand Farbe: Acryl

Liane Lonken und André Kirschbaum sind beide schon mit ihren Arbeiten in der Galerie Clowns & Pferde präsentiert worden (2014 „white noise - broken lines“; 2016 „Mindlight". Die Absolventen der fadbk Essen haben sich der informellen Malerei verschrieben. Ihre Bilder erzeugen ein anregendes Spannungsfeld zwischen parallelen und gegensätzlichen Methoden der Bildkomposition und Farbwahl. Liane Lonken kommt ursprünglich aus der Landschaftsmalerei, die sie weiterentwickelt hat zu abstrakten Räumen, welche den Betrachter mit ihrer Dynamik und Rätselhaftigkeit fesseln. André Kirschbaum reduziert gleichermaßen seinen Bildinhalt auf reine Komposition durch Schichtung. Während André Kirschbaum sein Farbspektrum bewusst immer weiter reduziert bis hin zu völlig monochromen Materialbildern, lässt Liane Lonken mit ihren Farben dynamische Dimensionen einen wilden Tanz vollführen. In der Malerei beider Künstler steckt viel Bewegung, der Malprozess ist bei beiden bestimmt durch das Schichten von Farbe in vielen Arbeitsschritten, in deren Folge oft auch Serien entstehen.

Passend zum Palazzo Borghese an der Piazza Borghese ging es am nächsten Tag zur Galleria Borghese in der Villa Borghese. Wirklich eine sehr ehrwürdige Familie, die sowohl zum päpstlichen Adel als auch zum europäischen Hochadel gehört. Auf dem großen Anwesen wurden in verschiedenen Bereichen Gärten angelegt, deren Portale teilweise von tollen Drachen oder Ähnlichen bewacht werden.

Während wir noch auf eine weitere Person warten, schwärmen schon die ersten Menschen hinein in das Museum. Besichtigungen sind im 2 Stunden-Takt möglich. Es ist zwar sinnvoll, die Menge an gleichzeitig anwesenden Besuchern zu kontrollieren, wenn dann aber alle gleichzeitig im selben Raum sind, hat man dadurch nichts gewonnen. Was mit der Treppenanlage wie der Haupteingang aussieht, wird eigentlich nur als Ausgang benutzt, man tritt rechts davon auf etwas niedrigerer Ebene ein. Die Fassade mit Eckrustizierung ist teilweise recht schlicht gehalten, aber über und neben macnhen Fenstern auch mit Ornamenten versehen und mit Nischen, in denen sich Statuen befinden.

Einmal hineingelangt weiß man gar nicht so genau, was man sich eigentlich als erstes anschauen möchte. Alle möglichen Seiten des Raumes sind mit hochwertigen Materialien verkleidet. Alleine dir Architektur mit ihren Verzierungen könnte man sich schon stundenlang anschauen. Bei jeder Möglichkeit wurden einzelne Abschnitte noch mit Symbolen oder Schrift versehen oder mit weiteren Ornamenten aufgefüllt, quasi alles ist mit sehr viel Bedeutung aufgeladen. Zusätzlich dazu werden noch besondere Säulen, Statuen und Büsten oder auch Möbel ausgestellt.

In den Deckengewölben werden oft die architektonischen Strukturen malerisch aufgegriffen, sodass der Eindruck entsteht, sie würden dort weiterlaufen. In den Bereichen, die sich dazwischen bilden, gibt es Gemälde, die verschiedene himmlische Szenen zeigen. Oft werden auch Statuen an die Ränder gestellt, die doch erstaunlich plastisch wirken. Goldene Farbe zieht sich durch die einzelnen Räume, mal mehr und mal weniger dezent, und verleiht dem Ganzen einen sehr edlen Ausdruck.

In diesem Raum ist das Deckengemälde ganz besonders lebhaft gestaltet und zieht viel Aufmerksamkeit auf sich. Diese illusionistische Malerei scheint einen an unterschiedlichen, mit Menschen und Engeln angereicherten Ebenen vorbei direkt in den Himmel blicken zu lassen. Es wirkt auf mich sowohl sehr dynamisch als auch auf gewisse Weise harmonisch und man kann sich in den Details verlieren, wenn man es sich nur lange genug anschaut.

So gut wie jede Tür ist angelegt wie ein richtiges Portal, auch wenn die genaue Form in jedem Raum ein bisschen anders ausfällt. Ob es wohl jemanden gibt, der die ganzen Gemälde, Statuen und Büsten tatsächlich den Personen zuweisen kann, die sie darstellen? Welche Geschichte verbirgt sich hinter ihnen? Es ist jedenfalls toll, sie heute bestaunen zu können.

Hier hat es scheinbar jemand sehr eilig und galoppiert mit seinem Pferd fast direkt aus der Wand hinaus, während die beiden Damen unter ihm scheinbar recht unbeeindruckt und entspannt neben einer antiken Vase verweilen. In der Galerie wird auf jeden Fall viel mit der räumlichen Wahrnehmung gespielt. Bei dieser Fülle an Ornamentik verliert man teilweise aus den Augen, was eigentlich wirklich dreidimensional und was nur aufgemalt ist.

Das bezieht sich nicht nur auf die Wände, sondern auch auf die Deckengemälde. Nur zu gerne möchte man sich vorstellen, dass man tatsächlich durch solche Bögen hindurch auf die Unterseite von einer Art Rundtempel schaut.

Auf der Basis unter der Skulptur Apollo e Dafne von Bernini sind die beiden Wappentiere der Familie anzutreffen, nämlich der Adler und der Drache. Beides sehr mächtige Wesen. Der Text, der hier so schön durch den Adler eingerahmt wird, ist auf die Metamorphosen Ovids zurückzuführen. Dieser Abschnitt wird wohl folgendermaßen übersetzt: "[...} die weiche Brust wird von zartem Bast umschlungen, die Haare werden zu Laub, die Arme zu Zweigen, der eben noch so flinke Fuß bleibt in zähen Wurzeln stecken [...]"

Auch diese Inschrift hat wohl etwas mit den Metamorphosen zu tun. Bei Gelegenheit muss ich mich nochmal etwas genauer damit beschäftigen. Auf jeden Fall bis hierhin schon ein sehr beeindruckendes Museum. Es ist wohl zurecht das Lieblingsmuseum einiger Römer. Auch dieser Eintrag wird noch einen zweiten Teil bekommen.

01|05|2021

"The Keller" - Ausstellung von J. Sophia Sanner und Zagalaksy 31.08. + 01.09.2019, je 11-19h Weiteres Highlight: 31.08.2019, 19-21h - "The Session": Vibraphon-Konzert von Masha Kashyna mit Live-Painting-Performance von J. Sophia Sanner und Zagalaksy Weitere Öffnungszeiten der Ausstellung: 5. und 6.09., je 17-20h Finissage: 7.09.2019, 19-22h Ort: Keller Drei, Weidendamm 28, 30167 Hannover Zum diesjährigen ZINNOBER-Hannover lädt der Keller Drei unter dem Titel "The Keller" zur Gemeinschaftsausstellung von J. Sophia Sanner und Zagalaksy ein: das Künstlerpaar, das bereits seit 2012 viele gemeinsame Projekte und Ausstellungen umgesetzt hat, wird auch diesmal mit- und nebeneinander arbeiten. Nachdem beide bereits mehrfach an Gruppenausstellungen im Keller Drei teilgenommen haben, werden sie diesmal exklusiv zu zweit den 260 Qudratmeter großen Ausstellungsraum bespielen. Zu erwarten sind experimentelle Arbeiten im Bereich der abstrakten Malerei, der Kalligrafie und Klecksografie sowie installative Arbeiten und Objekte. Neben wechselnden eigenen Schwerpunkten befassen sich beide, jeweils auf ihre eigene stilistische Art, mit Themen wie der Suche nach dem richtigen Maß, der Sehnsucht nach Freiheit und Wahrhaftigkeit, der Akzeptanz des Zufalls und des Augenblicks sowie der Hinterfragung gesellschaftlicher Normen und Standards. Während der Ausstellung werden nicht nur bestehende Werke gezeigt, sondern auch neue Arbeiten vor Ort entstehen: am Samstag um 19h wird Masha Kashyna ein Konzert am Vibraphon geben, zu dem J. Sophia Sanner und Zagalaksy live malen werden. Gäste sind herzlich dazu eingeladen, diese audio-visuelle Session zu verfolgen und das Geschehen fotografisch, zeichnerisch oder per Video zu dokumentieren. Der Eintritt ist frei, Spenden sind willkommen. Über die AkteurInnen: J. Sophia Sanner Über die Jahre immer abstrakter geworden, liegt der Schwerpunkt bei J. Sophia Sanner mittlerweile auf den sogenannten Klecksografien, besser bekannt als Falt- oder Rorschachbilder. In ihren Werken kreiert sie u.a. mit Acryl Schicht für Schicht symmetrische Kompositionen, welche verschiedene Geschichten zur gleichen Zeit erzählen, zahllose Interpretationen zulassen und je nach Entfernung des Betrachtens neue Bilder entstehen lassen. Der bewusst erzeugte Deutungsspielraum öffnet den Zugang zur inneren Bildwelt der Betrachter und hält ihnen auf diese Weise unaufdringlich einen wohlwollenden Spiegel vor, der verdeutlicht, dass wir sehen, was wir sind, was wir kennen, lieben oder fürchten. https://www.facebook.com/jsophiasanner/ Masha Kashyna: Die aus der Ukraine stammende Musikerin Masha Kashyna vereint feine metallische Schwingungen und organische Holzklänge mit elektronischen Beats und untermalenden Visuals zu raumgreifenden Gesamtkunstwerken, die das Publikum aus ihrem Alltag reißen und in eine eigene Welt eintauchen lassen. Dabei sind Einflüsse aus Jazz, Latin, Minimal, Experimental und Ambient zu erkennen, die dafür sorgen, dass bei aller Einzigartigkeit immer auch etwas Vertrautes mitschwingt. Ihre Kompositionen und Improvisationen erinnern an Soundtracks von Filmen, die wir gerne einmal sehen würden, an beruhigende Tagträume und aufregende Reisen, melancholische Erinnerungen an längst vergangene Zeiten... https://soundcloud.com/mashakashyna Zagalaksy: Er ist Meister des schnellen Bildes, arbeitet intuitiv, impressionistisch und ungezwungen. Seine Werke sind großzügig wie er selbst, wild, frei und ehrlich. Ein besonderes Erkennungsmerkmal bilden seine kalligraphischen Elemente, welche häufig nur formal an Schrift erinnern, und sich wie ein erzählender Film über dynamische Formen und fließende Strukturen legen. In seinen Performances und Livemal-Sessions kreiert er Wandbilder und großformatige Szenerien in kürzester Zeit und verbreitet dabei eine beeindruckende Leichtigkeit und Lebendigkeit. https://www.facebook.com/ZVGVLVKSY/ ------------------------------------- Der Keller III wird zu 30% gefördert aus Mitteln der Atelier- und Projektraumförderung der Stadt Hannover, der Stiftung Sparda-Bank Hannover und der Dr. Christiane Hackerodt Kunst- und Kulturstiftung, ist darüber hinaus aber auf weitere Spenden angewiesen, um den Betrieb zu gewährleisten. Paypal-Support: https://www.paypal.com/pools/c/8cfb7EpzBa

61 Fenster für das Solothurner Kunstschaffen Nr. 17 – Maja Rieder

Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner Künstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.

Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.

Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform für den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.

Maja Rieder Operator (Juxtapose)

Zurückhaltend ist sie nicht, die Arbeit von Maja Rieder. Im Gegenteil; grossformatig nimmt sie die Wand im letzten Raum des Erdgeschosses in Beschlag und fordert die Besucher:innen mit ihrer Kombination aus Farben und Symbolen zur Betrachtung auf.

Abb. 2 Maja Rieder: Operator (Juxtapose), 2021 Tusche und Gouache auf Papier, 200 x 330 cm Courtesy the artist und Tony Wuethrich Galerie Foto Kaspar Ruoff © Künstlerin

Zwei nebeneinanderliegende Felder mit farbkräftiger orange-violetter Grundierung sind grossflächig mit schwarzer Tusche überpinselt. Begonnen bei einem feinen Kreuzmuster im Hintergrund über überkreuzende Formen der mittleren Schicht bis hin zu den beiden zentralen neongelben Kreuzen im Vordergrund des Bildes, das «Kreuz» oder auch «X» bildet das tragende Element der Arbeit.

Bleibt die Symbolik zunächst offen, so vermittelt sie doch unterschiedliche Stimmungen. Bedrohlich wirkt das ‹Fadenkreuz›, warnend das ‹Andreaskreuz›. Harmloser ist hingegen das «X»: im römischen Ziffernsystem verkörpert es die Nr. 10, als Buchstabe wird es auch als Abkürzung für ‹Kuss› genutzt.

Der Titel «Operator (Juxtapose)» legt eine Spur zur Mathematik. Die sich «gegenüberstehenden Operatoren», hier für Addition und Multiplikation, stehen im Zeichen der Vermehrung, das X hingegen für das Unbekannte, für das, was wir (noch) nicht kennen. Dazu passt der umfassende Kreis, ein vieldeutiges Symbol für Unendlichkeit, Einheit oder Vollkommenheit…

Rieders Arbeiten wirken gleichermassen einfach wie komplex. Ihre bevorzugten Medien sind die Zeichnung und die Malerei auf Papier, im raumgreifenden Format. Körpereinsatz, Bewegung und Arbeitsinstrumente manifestieren sich darin unmittelbar. Der Zufall gestaltet trotz eines konzeptuellen Vorgehens die Genese der Bilder mit und betont deren sinnliche Qualität. Die Beziehung von Maja Rieders Kunst zum Raum ist eng. Ihre Werke bilden selbst Räume aus. So ist das redundante X in unserer Arbeit nicht nur Zeichen und Form, sondern wird von der Künstlerin auch als räumliche Dimension und dynamisches Element verstanden.

Abb. 3 Maja Rieder: Operator (Juxtapose), 2021 (Detail) Tusche und Gouache auf Papier, 200 x 330 cm Courtesy the artist und Tony Wuethrich Galerie Foto Kaspar Ruoff © Künstlerin

Ein mathematisch inspiriertes Gedankenspiel zum Schluss: Fassen wir das Bild als Gleichung auf, so interessiert sich Maja Rieder weniger für das Ergebnis der Gleichung, sondern für den Rechenprozess. Denn, so die Künstlerin, «der Prozess ist am Ende das, was die Arbeit ausmacht.»

Biographisches

Maja Rieder, 1979 geboren im solothurnischen Kestenholz, vollendete zunächst eine Lehre als Goldschmiedin bevor sie sich der Bildenden Kunst zuwandte. Hierfür studierte sie im Bachelor am Institut Kunst an der Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel und schloss 2011 ihr Masterstudium an der Fachhochschule Nordwestschweiz ebenfalls in Basel ab, wo sie heute lebt und arbeitet.

Seit über 10 Jahren stellt sie (inter)national erfolgreich aus. Aktuell ist ihre Kunst an der verschiedene künstlerische Disziplinen verbindenden Ausstellung «Fritz Hauser, Sweet Spot» im Kunsthaus Baselland und in einer Gruppenschau in der Galerie Wuethrich in Basel zu entdecken.

Mit ihrem Heimatkanton ist Maja Rieder nach wie vor verbunden. Über die Jahre war sie in den Museen von Grenchen, Olten und Solothurn wiederholt zu Gast und hat ihre Arbeit auch an zahlreichen kleineren Kunstorten wie dem Künstlerhaus S11 in Solothurn oder der Galerie Rössli in Balsthal gezeigt. Ihr Schaffen wurde vom kantonalen Kuratorium, aber auch von den Kunstvereinen Solothurn und Olten gefördert. 2009 stellte sie beim Kunstverein Olten aus, 2015 präsentierte sie im Kunstmuseum Olten gemeinsam mit Matthias Huber Werke, die in der ehemals in Olten beheimateten Druckwerkstatt (Lenzburg) entstanden waren. An den Jahresausstellungen bilden ihre Beiträge eine Konstante.

Abb. 4 Maja Rieder: Prêt-à-porter, 2015 Holzschnitt auf Papier, mehrteilig, je 83 x 70 cm Ausstellungsansicht Kunstmuseum Olten, 2015 Popup-Ausstellung «Maja Rieder & Matthias Huber. Hochparterre» Foto Kunstmuseum Olten © Künstlerin

Mehr erfahren

Website Maja Rieder

Website Tony Wuethrich Galerie Basel

Maja Rieder auf artlog.net

Maja Rieder auf artinside.ch

Fritz Hauser, Sweet Spot, Kunsthaus Baselland, 2021

Installation Bagdad in der Klosterkirche Dornach, 2019

Einzelausstellung Kunsthaus Baselland, 2017

Abbildungen

Abb. 1 Maja Rieder (*1979) Operator (Juxtapose), 2021 Tusche und Gouache auf Papier 200 x 330 cm Courtesy the artist und Tony Wuethrich Galerie Ausstellungsansicht Kunstmuseum Olten, 2021 37. Jahresausstellung der Solothurner Künstler:innen Foto Kaspar Ruoff © Künstlerin

Abb. 2–4 Siehe Legenden unter den Abbildungen.

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Ein Beitrag von Rani Magnani, Kunsthistorikerin Praktikantin Kunstmuseum Olten

Redaktion: Katja Herlach Kuratorin Kunstmuseum Olten

Veröffentlicht am 27.01.2022

Freitag, 19.11.2021

SCHLUMMERT EIN, IHR MATTEN AUGEN, Teil 1

ArtCologne, 2021. “Malerei hat mit Erfahrung zu tun”, schreibt mir jmd. als Direct Message bei Instagram, nachdem ich ein paar Minuten zuvor eine Malerei von Mathias Schaufler gepostet hatte, “Schlange” aus 2021, ein schlankes Hochformat, auf dem die Schlange wie eine Einzelform in schmutzigem Orange hingespachtelt und zurechtgeschmiert saß, der dynamisch-flache Kopf ganz unten, wie auf uns zukommend, ultrawach und lauernd, und alles außerhalb dieser geballten Fläche, typisch für Schaufler, bleibt weiße Leinwand. Dieser weiße Negativraum ist elementar für die Betonung dieser Ganzform Schlange, also für die farbige Materie als Form (Schlange) auf einer Form (rechteckiges Hochformat). Viele Entscheidungen sind gefallen, gefallen worden, noch bevor das Auge mit dem Schauen anfängt. Erfahrung. Das stimmte. Und das ist es auch, was mir bei vielen der anderen Malereien unserer sog. JUNGEN KUNST fehlte: erkennbare Erfahrung, von der das Bild, wie auch immer konkret oder abstrakt oder trashy oder akkurat oder 2021ish, auf seine Weise handelt. Truman Capote meinte mal, auf Jack Kerouac’s Writing angesprochen: “That’s not writing, that’s typing”. Und so kommt mir auch vieles vor, nach stundenlangem Umhergehen und Nochmalschauen, leider: Image-Making, Materialplatzierung, that’s not painting, that’s typing. Ich bin streng, weil ich streng zu mir bin, und ich lass mich gern reinziehen. Aber ich bin auch zu jedem NEIN bereit.

Was anderes: ich stand, ich weiß nicht mehr an welchem Stand, vor zwei Fotografien von Jimmie Durham, “with a black eye”, sowas, und ich schaute das ungewöhnlich lange an, und am nächsten Morgen, da las ich vom Tode Jimmie Durhams. Sein Schluss war nun gekommen.

Produktidee: ein Adventskalender, auf jedem Türchen das Gesicht von Lothar Wieler haha

50 frische Schriften für "nachhaltiger Botschaften" Freiburg, 16. November 2022. Frische, unverwechselbare Schriften für typisches “grünes” Design. Die Schriftenmanufaktur "GreenFont" hat 2022 über 50 frische Alphabete speziell für nachhaltige Botschaften und grüne Corporate Designs entwickelt - organisch, nicht immer geradlinig, unverwechselbar. Alle Zeichen der "Berlin-Edition" sind handgezeichnet und digitalisiert für digitale Medienproduktion und typisch für einen grünen Lifestyle. Im GreenFont Online-Shop www.greenfont.de angeboten werden, neben den über 200 typischen "grünen" Fonts, exklusiv die im goetheanistischen Stil entworfenen "RO.Schriften" des Grafikes und Malers Walther Roggenkamp. Kontakt/Pressekontakt GreenFont Andreas Sauer, Grüne Helden Sonnenbergstraße 15 79117 Freiburg i.Br. [email protected] Tel.: 0172-9760880 GreenFont und RoSchriften sind lizenzsierte, digitale Schriftenprodukte von Andreas Sauer, Grüne Helden für die Nutzung auf dem Computern und für die Darstellung von Texten auf Internetseiten. Die „Berlin Edition“ sind von Andreas Sauer neu entwickelte, zeitgemäße Schriften Typen für das typische Green Design. Dynamisch, hangezeichnet, einmalig. Einige Schriften bassieren auf Entwürfen von Walther Roggenkamp aus den 60er Jahren. Die neo-grünen Schriftdesigns sind nach den U- und S-Bahn-Stationen der Trendmetropole Berlin benannt. Andreas Sauer – Green Designer, Schrift Designer und Illustrator studiert nach einer Berufsausbildung Freie Malerei und Grafik Design in Stuttgart und Freiburg. Er lernt u. a. bei Walther Roggenkamp das zeichnen von Schriften im “goetheanistischen” Stil. Beim Ro.Schriftenprojekt “bildhafte Schriften” (1988-1996) ist er hauptverantwortlich für die Entwicklung, Reinzeichnung und Digitalisierung. Andreas Sauer ist Inhaber der Agentur Grüne Helden (gegründet 1987. https://www.ecopressblog.de/50-frische-schriften-fuer-nachhaltiger-botschaften/?feed_id=332&_unique_id=6374c3b1f28f2

"Wenn Gefühle auf Worte treffen" Siri Hustvedt

»Wenn Gefühle auf Worte treffen« Siri Hustvedt (Rezension)

Ein Gespräch mit Elisabeth Bronfen Die amerikanische Schriftstellerin Siri Hustvedt bietet im Gespräch mit Elisabeth Bronfen in »Wenn Gefühle auf Worte treffen« einen Zugang zu ihrem Werk und ihren Gedanken. Elisabeth Bronfen zeigt sich sehr vertraut mit Siri Hustvedts Büchern. Es ist eine Freude zuzuhören. Elisabeth Bronfen ist Professorin für Anglistik und Lehrstuhlinhaberin am Englischen Seminar der Universität Zürich. Sie promovierte über den literarischen Raum und habilitierte über Darstellungen von Weiblichkeit und Tod. Seit 2007 ist die Kultur- und Literaturwissenschaftlerin und Buchautorin, Global Distinguished Professor an der New York University. Der Aufbau „Wenn Gefühle auf Worte treffen“ Das Gespräch wurde in sieben Teile mit unterschiedlichen Schwerpunkten gegliedert. Die Gliederung ist gut gewählt: AnfängeDas Abenteuer New YorkEngagement für FeminismusDer Zauber der MalereiDas magische Reich der FiktionDas verwundete SelbstFür eine Kultur der Sorgsamkeit im politischen Handeln Der Leser erkennt die Vielseitigkeit und Tiefe, die in den Werken Siri Hustvedts vorhanden sind. Ich bin versucht, es einen ganzheitlichen literarischen Anspruch zu nennen.

Anfänge "Wenn Gefühle auf Worte treffen" Siri Hustvedt wuchs in Minnesota auf. Der Großvater stammte aus Norwegen. Die Autorin erzählt über ihre Familie und ihr Leben als Selfmade Wissenschaftlerin und Autorin. Ich bin immer wieder erstaunt, auf welch großen Wissensfundus oder Literaturfundus die Autorin zurückgreifen kann. Von „Jane Eyre“ über „Tristam Shandy“, „Middlemarch“ zu »Les Fleurs du mal«. Von Simone de Beauvoir über Georg Wilhelm Friedrich Hegel, bei Edmund Husserl und den Phänomenologen verweilend zu Georg Lacan und seinen Theorien, kann Siri Hustvedt mitreden. Die Autorin liest viel und ist für alles offen, reflektiert ihren Erkenntnisfortschritt und recherchiert weiter. Es ist Wissens erweiternd, ihre Spur aufzunehmen und mit zu wandeln.  Das Abenteuer New York "Wenn Gefühle auf Worte treffen" Siri Hustvedt beleuchtet in diesem Punkt ihre Faszination zu New York. Die Stadt New York hat nicht nur für Siri Hustvedt eine große Bedeutung, sondern auch für ihren Ehemann Paul Auster. Das lässt sich aus ihren Büchern lesen. Bei Paul Auster sind es u. a. die »New York Trilogie« und bei Siri Hustvedt, denke ich umgehend, an „Damals“. Die junge S. H. als literarische Anfängerin, die nach ihrem Herkunftsort Minnesota genannt wird, ist nicht mehr der gleiche Mensch, nachdem sie Jahre in New York ge- und erlebt hat.

Engagement für Feminismus "Wenn Gefühle auf Worte treffen" Die Autorin hat schon als junge Frau Simone de Beauvoir gelesen. In der Einführung zu »Eine Frau schaut auf Männer, die auf Frauen schauen« stellt sich die Autorin mit folgenden Worten vor:  »Ich liebe Kunst, Geistes und Naturwissenschaften. Ich bin Schriftstellerin und Feministin.« Sie interessierte sich schon als junges Mädchen für die Rechte der Frau. Feminismus bedeutet für sie immer auch Freiheit. Und zwar die »Freiheit zu« genauso, wie die »Freiheit von«. Einige berühmten Künstlerinnen, die darunter litten, Frauen zu sein, widmet sich die Autorin immer wieder in ihren Büchern, so z. B in "Damals" Baroness Elsa von Freytag-Loringhoven. Sie war eine deutsche Künstlerin des Dadaismus und das als Muse, Aktmodell, Malerin, Bildhauerin, Dichterin und Rezitatorin. Das berühmte Kunstwerk „The Fountain“ wird bis heute Marcel Duchamp zugeordnet, obwohl es Beweise gibt, dass die Baroness die Schöpferin des Werkes war.  Der Zauber der Malerei "Wenn Gefühle auf Worte treffen" An dieser Stelle möchte ich auf einen ganz besonderen Raum eingehen, dessen Bezeichnung Siri Hustvedt von ihrem Vater übernommen hat: »Yonder«, der Raum zwischen Erinnerung und Phantasie, eröffnet ein tiefgehenderes Verständnis für Literatur im Zusammenhang mit dem eigenen Selbst. Vielleicht findet genau hier auch die Begegnung zwischen Kunst und Betrachter statt. Als ich »Damals« und »Eine Frau schaut auf Männer, die auf Frauen schauen« rezensierte, habe ich mich mit Siri Hustvedts Gedanken zu Kunst und Betrachter auseinandergesetzt. Kunst entsteht in diesem Raum durch den Betrachter und das Werk. Mittels eigener Vergangenheit und den erlittenen positiven wie negativen Schicksalsschlägen und der jeweiligen Befindlichkeit zum Zeitpunkt der Betrachtung. Das ist der strukturierte Raum, in dem dieses Kunsterlebnis entsteht und sich manifestiert. Gute Kunst ermuntert den Betrachter, die Struktur aufzubrechen und neu zusammenzusetzen. Vgl. Rezension "Eine Frau schaut auf Männer, die auf Frauen schauen Näheres dazu findest du im Essay »Meine Louise Bourgeois«. Hier entwirft die Autorin, wie Kunst und Betrachter interagieren. Sie schrieb auch Essays über Vermeer, Goya, Chardin oder Morandi. Der Zauber besteht für Siri Hustvedt, die Werke dieser Künstler immer wieder ergründen zu wollen und dann doch nicht ganz zu begreifen und dabei oftmals mit neuen Eindrücken überrascht zu werden. Vermeer, Goya und Louise des Bourgeois sind Künstler bei deren Werken die Autorin immer wieder etwas Neues entdeckt, und die Analyse unter anderen Gesichtspunkten erneut einordnet. Besonders beeindruckt hat mich Siri Hustvedts Essay über Pedro Almodovar und Robert Mapplethorpe, aus »Eine Frau schaut auf Männer, die auf Frauen schauen“. Mir war Robert Mapplethorpe nicht bekannt. Über die Recherche zu Mapplethorpe, entdeckte ich Patti Smith wieder. Aber nicht als Godmother of Punk, sondern als einfühlsame Poetin in »Just Kids«. Mit den Essays über Kunst gelingt es Siri Hustvedt, ihre in »Yonder« entstandene Kunst empfindsam und lebendig an den Leser weiterzureichen. Beim »Lauschen« des vorliegenden Gesprächs konnte ich viele Gedankengänge schrittweise nachvollziehen und verstehen.

Das magische Reich der Fiktion "Wenn Gefühle auf Worte treffen" Zum magischen Reich der Fiktion passt besonders gut das Essay »Warum diese Geschichte und nicht eine andere?«. Woher nimmt der Autor seine Ideen? Aus der eigenen Biografie? Oder sind wir wieder an dem Punkt Erinnerung? An dem Punkt zwischen Erinnerung und Fiktion? Besonders das Z W I S C H E N ist ein Bereich, den die Autorin immer wieder beleuchtet. Im Gegensatz zu der mittelalterlichen Vorstellung, unsere Erinnerungen werden in einem Apothekerschrank verwahrt und wir müssen sie nur einfach aus der Schublade holen, ist das Erinnern ein komplexer Vorgang, dessen Ergebnis variabel ist. Unsere Erinnerung wird mittels unserer Erfahrungen neu zusammengesetzt und damit auch bewertet. Dadurch ist Erinnerung nicht statisch, sondern dynamisch. Wenn unsere Erinnerungen dynamisch sind, was ist dann wahr? Wie wahr sind unsere Erinnerungen. Die Erinnerung von gestern ist nicht identisch mit der Erinnerung von heute. Jeder der schreibt, kennt das Gefühl, dass die Protagonisten ein eigenes Leben und einen eigenen Willen zeigen und dass die Geschichte sich ungeplant weiter entwickelt. Siri Hustvedt unterscheidet zwischen Sujet, bewusste Entscheidungen (Beispiele hiefür sind: In welches Genre die Geschichte eingeordnet wird, die Erzählperspektive, sprachliche Gestaltung und das spätere Layout) und Fabula, dem was sich in einer Geschichte ereignet. Fabula steckt im Autor, er weiß vielleicht noch nichts Genaues, aber er ahnt ihr Vorhandensein und muss sie nur greifen. Das erinnert mich an Platons Ideenlehre. Wir haben die Ideen in uns (a Apriori vor jeder Erfahrung), müssen sie erkennen und darauf zugreifen. Deswegen wissen wir intuitiv, dass die Geschichte so nicht stimmt und ändern sie, im Glauben, dass sich die Handlung verselbständigt hat, oder die Protagonisten machen, was sie wollen. Und das wissen wir, obwohl wir im Schreibprozess zeitweilig die Welt einer anderen Person betreten. Nur dann wirkt es authentisch. Das verwundete Selbst "Wenn Gefühle auf Worte treffen" In »Die zitternde Frau« verarbeitet Siri Hustvedt eigene Erfahrungen. Ausgelöst durch den Tod des Vaters, überfiel die Autorin zeitweise ein unerklärliches Zittern. Woher kommt das? Was sagen die Neurologen? Indem sich die Autorin selbst als Fallbeispiel nahm, beleuchtete sie das Symptom aus Richtung der Psychoanalyse, der Psychiatrie und den Neurowissenschaften.

»Can that Man be President?« Für eine Kultur der Sorgsamkeit im politischen Handeln "Wenn Gefühle auf Worte treffen" Siri Hustvedt bemängelt, dass niemand ihre Zeichnungen zum Beispiel in »Damals« kommentiert. Also ich finde gerade diese Zeichnung des »Mächtigsten Manns der Welt« treffend. Als Siri Hustvedt im Frankfurter Schauspiel las, bekam sie Standing Ovations, wegen ihrer politischen Haltung. Ich kann mich hier nur anschließen. Die Autorin wuchs in Zeiten, in denen die Bürgerrechtsbewegung Thema der Abendnachrichten war, auf. Sie erinnert sich an Jimmy Carter und seinen unermüdlichen Einsatz für die Bürgerrechte und ihr Entsetzen über die Wahl Ronald Reagans zum Präsidenten.  Ich will jetzt gar nicht weiter spoilern, weil es sich alleine für diesen Punkt lohnt, einen Blick ins Buch zu werfen. Als Abschluss des Buches findet der Leser eine kleine Vita zu Siri Hustvedts Leben und Werk.

Fazit zu »Wenn Gefühle auf Worte treffen«

»Wenn Gefühle auf Worte treffen« zeichnet ein lebendiges Bild von Siri Hustvedt. Ein Bild, das genau das verkörpert, womit ich Siri Hustvedt verbinde. Wissen, Inspiration und Motivation. Die Autorin erkennt die Bedeutung von Wissen, dass Wissen Macht ist, nicht in dem Sinne jemanden zu beherrschen, aber in dem Sinne, dass man mit Wissen, Probleme lösen oder vermindern kann. Wissen ist das Fenster zur Weisheit. Wie schon erwähnt, war war ich April 2019 bei Siri Hustvedts Lesung im Schauspiel Frankfurt. Sie zeigte sich genau so, wie ich mir »meine Siri Hustvedt« vorstellte. Ich habe inzwischen ein paar Bücher von Siri Hustvedt und Paul Auster gelesen und rezensiert und ich kann mich der Faszination beider Autorin nicht entziehen. Ich werde bei meinen Ausführungen zu Siri Hustvedt und ihren Büchern und Essays immer wieder zu Paul Auster, Siri Hustvedts Ehemann blicken, weil ich finde, dass die Werke der beiden Autoren sich gegenseitig ergänzen. Beide profitieren voneinander, man könnte an einen Synergieeffekt denken. Ich freute mich sehr auf das Buch »Wenn Gefühle auf Worte treffen«. Ich habe mich über drei Monate mit dem Buch beschäftigt, weil es Siri Hustvedt immer wieder gelingt, mich mit einem mir neuen bzw. unbekannten Thema zu begeistern, und mich neugierig macht, dass ich mehr darüber wissen möchte. Nun, bei »Wenn Gefühle auf Worte treffen«, habe ich mich nicht nur intensiver mit der Autorin und ihren Werken auseinandergesetzt, sondern auch mit den »Lacan-Theorien«. Siri Hustvedt ist für mich Inspiration und Motivation

Kampa Salon „Wenn Gefühle auf Worte treffen“ Das Buch erschien im Züricher Kampa Verlag in der Reihe „Kampa Salon“, eine Reihe, die ich leider erst durch dieses Buch entdeckt habe. Bei der Reihe handelt es sich um interessante Gespräche, zwischen Künstlern, Schriftstellern, Menschen denen man gerne lauscht. Aus dieser Reihe habe ich mir gerade Margaret Atwood bestellt, weil ich "Der Report der Magd" lese und recherchiere und Daniel Kehlmann auf meine Leseliste gesetzt. https://kampaverlag.ch Mein herzlicher Dank geht an den Verlag für die Bereitstellung des Rezensionsexemplars. https://kampaverlag.ch Weiterführende Links und Rezensionen Siri Hustvedt die Website der Autorin Rezension „Die Illusion der Gewissheit“ von Siri Hustvedt Rezension „Damals“ von Siri Hustvedt Rezension "Eine Frau schaut auf Männer, die auf Frauen schauen" Standing Ovations für Siri Hustvedt Projektseite Siri Hustvedt und Paul Auster Charlotte Lamping auf Literaturkritik.de Binge Reader & More Kampa Verlag Lesen Sie den ganzen Artikel

Flow_er Der Querschnitt einer Blume, in dessen Zentrum sich eine schwarze vom Licht umhüllte Figur befindet. Vielleicht sind es auch Abdrücke von Kinn, Mund und Nase. Größe: 40 x 60 cm Stil: Surreal Motiv: Blume Material: Keilrahmen Leinwand Farbe: Acryl

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Arten der digitalen Kunst

Abseits der üblichen bekannten Kunstkanäle ist im Laufe der Zeit durch die Entstehung und Verbreitung von digitaler Kunst eine neue Subkultur entstanden. Die große künstlerische Vielfalt und unterschiedliche Qualität der Werke, die mit dieser Kunstbewegung einhergeht, weist eine sehr große Bandbreite auf. Synonym für den Begriff Digitale Kunst können auch die Begriffe computergenerierte Kunst, Computerkunst, Computergrafik, Cyberkunst, Digital Art oder Ähnliches verwendet werden (vgl. Kuhlmann 2002, S.1). Die Künstlerinnen und Künstler benennen ihre Werke zudem auch häufig nach den Programmen oder Softwares, mit denen sie den Großteil ihrer Zeit arbeiten. Die am meisten verbreiteten und unterschiedlichen Arten der Computerkunst sollen im Folgenden kurz vorgestellten werden sowie anschließend durch Beispiele greifbar gemacht werden. Unter Photopaintings versteht man Bilder, die mit Foto-Bearbeitungsprogammen (wie z.B. Adobe Photoshop oder Corel Photopaint) entstanden sind. Als Basis für diese Art der digitalen Kunst dienen meist Fotos oder eingescannte Skizzen. Durch verschiedene Prozesse wie beispielsweise digitale Manipulation, Filterungsprozesse oder Malerei werden die Bilder so bearbeitet, dass komplett neue, andere, veränderte Werke entstehen (vgl. ebd., S. 1). Bei 3D-Bildern werden ein oder mehrere verschiedene 3D-Programme verwendet um das Bild so zu verändern, dass am Ende fotorealistische Szenen erstellt werden können. Gängige 3D-Programme sind beispielsweise Bryce, Dream 3D, Poser oder Raydream. Am Ende jeder dreidimensionalen Arbeit steht der Renderprozess, bei dem der dreidimensionale Raum in ein zweidimensionales Bild umgewandelt wird (vgl. ebd., S. 1). Eine der wohl bekanntesten Formen der digitalen Kunst stellen die Vektorgrafiken dar. Durch sie wird das Zeichnen mit den sogenannten Bezier-Kurven ermöglicht. Im Gegenteil zu den eben beschriebenen Photopaintings, die eher malerischer Natur sind, werden bei Vektorgrafiken komplett pixelfreie Striche und Flächen kreiert. Deshalb werden Vektorgrafiken auch zum Großteil für grafische und gestalterische Arbeiten wie beispielsweise Schriftgestaltungen, Illustrationen, Animationen oder Comics verwendet (vgl. ebd., S. 1). Die reinste Form der digitalen Künste nennt sich abstrakte mathematische Kunst oder auch algorithmische Kunst. Diese Art der digitalen Kunst wäre ohne Computer nicht vorstellbar und gar nicht erst möglich. Mit Hilfe von komplexen mathematischen Formeln werden dynamische Formen wie beispielsweise Fraktale erzeugt, anschließend eingefärbt und digital (nach-)bearbeitet. Kombiniert man mehrere verschiedene eben beschriebene Formen der digitalen Kunst fasst man dies unter dem Sammelbegriff Mixed Media zusammen (vgl. ebd., S. 1).

Quelle: Kuhlmann, Karin (2002): Was ist überhaupt Digitale Kunst? URL: http://www.karinkuhlmann.de/was-ist-digitale-kunst/was-ist-digitale-kunst.htmla<Y [16.01.2020].

Katharina Belaga – Öl Malerei Klang- und Schwingwelten

25.01.2018 - 04.02.2018

Samstag 27.01.2018 18:00 Uhr Jakob Roters - Cello

- Freiräume nutzen, um mit künstlerischer Freude und Offenheit kulturelles Leben zu schaffen. -

In ihren zahlreichen Projekten, schafft Katharina Belaga Raum für Farbe, Form und Skulpturen; inspiriert durch Musik und Bewegung im Tanz, wird eine Plattform geschaffen, die den kreativen künstlerischen Prozess im Fluss hält.

"Die meisten meiner Bilder haben mit Musik zu tun. Sei es, dass sie von außen kommt, oder – wie in den abstrakten Bildern – ganz von innen. Obwohl ich manches Bild wochenlang austrage, verzichte ich bewusst auf jegliche Bildkonstruktion. Die fertigen Bilder brauchen wiederum Zeit bis ich sie von außen sehen und beurteilen kann."

Ihre Werke in Acryl, Gouache und Öl stellen sich dynamisch und kraftvoll dar. Ihre Hingabe an den Prozess teilt sie mit leuchtenden Farbkompositionen und einer intuitiven Formgebung.

Carmine Cozza: Die Suche nach dem Schönen

November 2017 bis Mai 2018 im 5.OG der just.art.gerichtsgalerie

Das Statement des Künstlers:

Meine Landschafts-, Mythologie-, und füllige Frauendarstellungen haben mich zur dreidimensionalen Malerei geführt. Die drei Perioden sind thematisch verschieden, aber die Technik der bunten, voluminösen Farbenauftragung ist unverändert geblieben. Die von mir durchgeführte, visuelle Recherche hängt mit der Ästhetik und deren, auf die Beobachter ausgeübte Wirkung zusammen. Die Suche nach dem Schönen und neulich auch nach dem Ironischen hat mich zu den vielseitigen Verwirklichungen von korpulenten Frauen verkörperten Lebenssituationen geleitet, in die sich nur die Mutige trauen. Meine Handlungen sind emotional, unwillkürlich, impulsiv gelenkte Akten, die außer meines Innern auch das Gegenpol des heutigen allgemeinen Geisteszustand der Gesellschaft widerspiegeln.

Die beleibten Frauen sind als ästhetische Gegenfiguren zur modernen, tragischen Krankheit der Magersucht geboren. Durch die Benutzung der vitalen Farben, des weiblichen Körpers als wären sie süße, junge Mädchen, auf einer eigenartig bearbeiteten Oberfläche des Holzes ergeben sich Damenfiguren, die auf den ersten Blick statisch erscheinen und doch sehr dynamisch imponieren. In der Musik vereinte üppige, glückliche Formen transformieren die Stille in einen harmonievollen Klang von Zusammen und die fünfseitige Ausführung bietet eine tiefere Eindringlichkeit in jede Figur. Die Observation des Ensembles erlaubt die interaktive Tätigkeit in dem Orchester, in dem jede, unter den Musikerinnen befindende Person ihr eigenes Klangstück mit Hilfe der Phantasie zusammensetzt.

Diese Maidfiguren zeigen in ihrer Totalität, wie man durch Lebensgenuss und nicht durch das Äußerliche zum Glück gelangt. Zufriedenheit und Glückseligkeit kommen trotz solcher Missbehagen an, wie zu viel Kilogramme und bedeuten sehr oft keine Synonyme der Schlankheit oder des grazilen Exterieurs.

weiter Informationen unter :http://kunstauftrag.de/benutzer/user-2639.html

https://www.google.de/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=14&ved=0ahUKEwi3jsWosu7XAhXEzqQKHYVhCLIQtwIIbTAN&url=https%3A%2F%2Fwww.youtube.com%2Fwatch%3Fv%3D8WYQSbdpH7o&usg=AOvVaw0OhP4yRTMoQYDWunZR62TG