#arte clásico italiano
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El Renacimiento: Bramante y Palladio
El Renacimiento fue un movimiento cultural, artístico y científico que tuvo lugar en Europa. Se caracteriza por una renovación de intereses por el mundo de las artes, ciencia y filosofía. El renacimiento en la arquitectura se caracterizó por un retorno a los valores clásicos de la antigüedad, especialmente de la arquitectura griega y romana. Los arquitectos de la época buscaban hacer edificios que aparte de funcionales fueran bellos, elegantes. De esto se llegan a conocer figuras importantes para esta época del renacimiento como por ejemplo Bramante y Palladio.
Para empezar, Bramante fue un arquitecto y pintor italiano de la época del renacimiento. Bramante es considerado uno de los arquitectos mas importantes de su tiempo y un pionero del Renacimiento en Italia. Andrea Palladio mas conocido como Palladio, fue un arquitecto italiano del siglo XVI, es considerado mas influyentes de la historia y uno de los exponentes del Renacimiento en Italia. Palladio se destaco por crear edificios de gran armonía, proporción y uso de innovación de elementos clásicos en su arquitectura.
El trabajo de Bramante, unas de las obras más destacadas de este arquitecto fue la reconstrucción de la basílica de San Pedro en el vaticano. Esta obra fue considerada una de la mejor obra de la época. En otras obras de este arquitecto se encuentra el Tempito di San Pietro in Montorio, una iglesia ubicada en Roma que es considerada una obra maestra del renacimiento arquitectónico temprano. El Palacio de Caprini fue también diseñado por Bramante, ubicado en Roma es una residencia papal que también fue considerada una obra maestra del renacimiento. Además Bramante era un excelente pintor y se le atribuyeron obras que aunque solo se conservan algunas de ellas.
El trabajo de Andrea Palladio, entre muchas obras descotadas de Palladio se encuentra las siguientes:
-La villa Rotonda en Vicenza, una villa en un campo diseñado para un noble veneciano. La villa se caracteriza por su planta central y su diseño simétrico.
-Otra obra famosa de este es, la basílica de San Giorgio Maggiore en Venecia, una iglesia que se encuentra en una pequeña isla de San Giorgio. La iglesia es conocida por su fachada clásica y por su gran cúpula.
Palladio también hizo varios Palacios, pero entre los más conocidos son:
- El Palacio Chiericati ubicado en Vinenza en el norte de Italia.
- El Palacio Barbaran da Porto ubicado en Vinenza, Italia.
Además de sus obras Arquitectónicas Palladio escribió varios tratados sobre arquitectura que tuvieron gran influencia en la arquitectura europea.
Así también como Bramante como Palladio dejaron un legado en la arquitectura del Renacimiento Italiano. Sus diseños cambiaron por completo las técnicas de diseño, y lograron crear un cambio en la arquitectura clásica con sus innovaciones. Son unos maestros dignos de admirar con su talento y su ingenio.
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Brunelleschi - (Algunas de sus obras)
Filippo di Ser Brunellesco Lapi, conocido simplemente como Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446), fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano que gracias a sus múltiples conocimientos hizo contribuciones significativas para el campo arquitectónico.
Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo. Y también por ser uno de los padres que fundó la arquitectura renacentista , caracterizado por ser un momento de ruptura con respecto al estilo precedente: la Arquitectura gótica, buscando su inspiración en una interpretación del Arte clásico, que se consideraba el modelo más perfecto de las Bellas Artes. Brunelleschi logró la introducción de la perspectiva cónica, lineal y la innovación de los materiales y técnicas.
Algunas de sus obras son:
Cúpula Catedral Santa María de las Flores
Hospital de los Inocentes
Iglesia de San Lorenzo
Iglesia de Santo Spirito
Sacristia "Vieja"
Capilla Pazzi
Rotonda S.M. Degli Angeli
https://images.app.goo.gl/Ctcr6w516p4jYY7A9
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Reflexiones en el Barroco, versión Europa parte II
Últimas reflexiones de la temporada
Catedral de San Pablo por Christopher Wren, (1676-1710)
Llegamos a Inglaterra, en cuanto al barroco inglés…
Fue una respuesta al estilo barroco que se estaba desarrollando en la Europa continental. En ese momento, las ideas de Andrea Palladio aún estaban presentes en Inglaterra, pero con el Gran Incendio de Londres ocurrido en 1666, el panorama cambió completamente. Pues, a raíz de ese incidente, numerosos arquitectos se encontraron frente a un lienzo en blanco y aprovecharon la oportunidad de desarrollar un nuevo estilo, convirtiendo al barroco inglés en algo único y exclusivo de Inglaterra. Sin embargo, su influencia no tuvo tanto alcance como pasó con España o Francia, sino que se limitó a ciertos grupos. Al final, fue Wren quien inició el estilo barroco inglés, que se llegó a diferenciar por la claridad del diseño y por su gusto al clasicismo. Por ello, esta arquitectura es menos extravagante, y tiende más a lo clasicista. Podría decirse que es más tradicional y estricta, menos dinámica, como sucede con la fachada de la Catedral de San Pablo, en donde la simetría sigue siendo una constante…
Catedral de San Pablo, fachada occidental
Pero cuando nos vamos al interior de cualquier edificio del barroco la cosa cambia, nos transportamos a un mundo diferente, un mundo donde predomina el ornamento. Las habitaciones son decoradas excesivamente para mostrar el poder y exhibir las riquezas, donde ya era común utilizar muebles, pinturas y esculturas para cumplir ese propósito.
Ahora nos transportamos a Alemania…
Primeramente, después de la larga Guerra de los 30 años, lo que más predominó fueron las ganas de vivir. Con el fin de distraerse de las continuas tensiones, vemos como Alemania se ve influenciada por la cultura italiana: de los espectáculos, la música, el teatro, la ópera… Eso, combinado con la afición del arte italiano por parte del emperador, Alemania terminó por adoptar el modelo absolutista francés.
Palacio de Blenheim por Vanbrugh, (1705-22)
Basílica de Vierzehnheiligen por Neumann, (1743-56)
Entonces vemos, como la arquitectura barroca se convirtió en la arquitectura de una concepción absolutista del Estado en el Sacro Imperio Germánico y, al mismo tiempo, la misma se usó para enfatizar el poder imperial del gobernante. Vemos que esto se refleja en varios aspectos como, por ejemplo, que toda la composición espacial está orientada para resaltar el poder. Los edificios muestran gran exuberancia y estaban muy ornamentados, ya que su propósito era impresionar y mostrar el poder de la iglesia o del rey. Así mismo, el uso de materiales nobles como el mármol, latón, etc., etc., pasó a jugar un papel importante dentro la arquitectura, sobre todo, para resaltar el espacio interior. De cierta forma, eso me recordó a Bernini y la materialidad en sus obras. En cuanto a lo clásico, se utilizaron varios elementos constructivos como frontones, arcos y columnas, pero estos fueron adaptados a través de ornamentos para crear elementos más decorativos que constructivo o funcional. Vemos una reinterpretación de la tradición clásica.
Basílica de Vierzehnheiligen, interior
Comparada con el barroco francés o inglés, siento que el estilo barroco que adoptó Alemania, se acerca mucho más a la imagen predeterminada que imaginaba en mi cabeza. Y se asemeja al de España, en términos de adaptación a su contexto, ya que no se limita a replicar, sino que le da su propio toque local.
Por otra parte, siento que el interior es el espacio que más grita Barroco, pues no reparan en gastos a la hora de decorar el interior con ornamentos y adornos, logrando combinar la arquitectura con la pintura y escultura hasta crear hermosos salones. Así mismo, el juego de la iluminación y las sombras hacen que los espacios se perciban más dramáticos y teatrales, tal como es el Barroco.
Catedral de San Pablo, el coro, mirando al este
En general…
Una característica que comparten varias de las edificaciones vistas, es la monumentalidad en lo grande, en lo conmovedor, de alguna manera buscan causar algún efecto en el espectador. Así mismo, ese contraste interior-exterior tan marcado que nos da un mayor efecto teatral, se ha convertido en una constante.
El diseño paisajístico de los palacios también se hizo más elaborado, con grandes jardines rodeando el palacio. En particular, los jardines son todo un espectáculo, porque son multifacéticos sin un tipo de uso específico preestablecido. Me gusta bastante la nueva importancia que se le dan a las áreas verdes como piezas que forman parte del contexto del edificio.
Palacio de Blenheim, jardines
Palacio de Blenheim, vista aérea
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¿Cuál es el calendario de partidos del campeonato Primavera Italia esta temporada?
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¿Cuál es el calendario de partidos del campeonato Primavera Italia esta temporada?
Calendario de partidos Primavera Italia 2024
El calendario de partidos de Primavera en Italia es una destacada competición de fútbol juvenil que reúne a los mejores equipos de jóvenes promesas del país. En el año 2024, se espera que este torneo brinde emocionantes encuentros y muestre el talento emergente en las canchas italianas.
Con un calendario lleno de partidos entre equipos de renombre y futuras estrellas del fútbol, los aficionados pueden esperar una competencia feroz y partidos llenos de emoción y habilidad. Los equipos participantes buscan no solo la victoria en el campo, sino también demostrar el potencial de sus jóvenes talentos y prepararlos para futuros desafíos en el mundo del fútbol profesional.
Los partidos de Primavera en Italia no solo son una oportunidad para disfrutar del fútbol en su estado más puro, sino también para seguir de cerca el desarrollo de jugadores que podrían convertirse en los próximos ídolos de las multitudes. Con un calendario repleto de enfrentamientos apasionantes, los aficionados pueden vibrar con cada gol, regate y atajada que marcarán el rumbo de esta competición juvenil.
El calendario de partidos de Primavera en Italia 2024 promete ser una emocionante ventana al futuro del fútbol italiano, donde el talento, la pasión y la competitividad se unen en cada encuentro para deleite de los aficionados de todas las edades. ¡Prepárate para disfrutar de la emoción del fútbol juvenil en Italia y sé testigo del surgimiento de las estrellas del mañana!
Fechas de encuentros Primavera Italia
La primavera es una época del año maravillosa en Italia, llena de color, alegría y celebración. Durante esta temporada, se llevan a cabo diversos encuentros y festivales que atraen a locales y turistas de todo el mundo.
Uno de los eventos más destacados de la primavera en Italia son las famosas ferias de arte y artesanía que se celebran en diferentes ciudades. Estos encuentros reúnen a talentosos artistas y artesanos que exhiben sus creaciones únicas, desde pinturas y esculturas hasta joyería y textiles. Es una oportunidad perfecta para apreciar la creatividad italiana y llevar a casa una pieza especial como recuerdo de la visita.
Además, la primavera en Italia es el momento ideal para disfrutar de festivales gastronómicos en los que se pueden degustar los deliciosos sabores de la cocina italiana. Desde festivales de pasta fresca y pizza hasta ferias de vino y queso, hay opciones para satisfacer todos los gustos culinarios. Los visitantes pueden disfrutar de auténticos platos italianos preparados con ingredientes frescos y de alta calidad.
En resumen, las fechas de encuentros en primavera en Italia son una oportunidad única para sumergirse en la cultura, el arte y la gastronomía de este hermoso país mediterráneo. Ya sea admirando obras de arte, probando sabores tradicionales o simplemente paseando por las pintorescas calles italianas, la primavera ofrece una experiencia inolvidable para todos los visitantes. ¡No te pierdas la oportunidad de vivir la magia de la primavera en Italia!
Horarios de partidos Primavera Italia
Los horarios de los partidos de la Serie A de Italia en primavera son de gran interés para los aficionados al fútbol en todo el mundo. Durante esta emocionante temporada, los equipos italianos más importantes se enfrentan en una intensa competencia que determinará al campeón de la liga.
Los partidos se programan cuidadosamente para garantizar que los fanáticos puedan disfrutar de cada emocionante encuentro. Desde los clásicos duelos entre equipos históricos hasta los enfrentamientos entre los aspirantes al título, los horarios de los partidos de la Serie A en primavera son clave para que los aficionados organicen sus agendas y no se pierdan ni un solo minuto de acción en el campo de juego.
Ya sea que prefieras ver a los poderosos Juventus, Inter de Milán o AC Milan en acción, o si apoyas a equipos más modestos que luchan por la permanencia en la máxima categoría del fútbol italiano, los horarios de los partidos en primavera te mantendrán al tanto de todo lo que sucede en la Serie A.
No importa si sigues a tu equipo favorito desde el estadio, la televisión o las redes sociales, estar al tanto de los horarios de los partidos de la Serie A en primavera es fundamental para vivir la pasión y la emoción del fútbol italiano en su máxima expresión. ¡Prepárate para disfrutar de cada minuto de juego y celebra el fútbol en su estado más puro!
Programación de juegos Primavera Italia
La Primavera en Italia es una época de renovación y belleza en la que la naturaleza florece y el buen tiempo invita a disfrutar al aire libre. En este contexto, la Programación de Juegos Primavera Italia se convierte en una oportunidad única para explorar el mundo de los videojuegos y la creatividad en un entorno lleno de inspiración.
Este evento, que se celebra anualmente en diversas ciudades italianas, reúne a entusiastas de los videojuegos, desarrolladores, artistas y profesionales del sector para compartir conocimientos, experiencias y colaborar en la creación de nuevos proyectos. La Programación de Juegos Primavera Italia es un espacio de encuentro donde la innovación y la diversión se fusionan para dar vida a ideas innovadoras y experiencias únicas.
Durante el evento, se organizan conferencias, talleres, exhibiciones y concursos que promueven el intercambio de ideas y el aprendizaje continuo en el mundo de la programación de videojuegos. Los participantes tienen la oportunidad de mostrar sus creaciones, recibir feedback de expertos y establecer conexiones con otros profesionales del sector.
La Programación de Juegos Primavera Italia es una experiencia enriquecedora que permite a los asistentes sumergirse en un universo creativo donde la imaginación no tiene límites. Ya sea como espectador, expositor o conferenciante, este evento ofrece una plataforma única para explorar el apasionante mundo de los videojuegos y enriquecerse profesionalmente en un entorno vibrante y lleno de energía primaveral.
Fixture completo Primavera Italia
La Primavera en Italia es una de las competiciones juveniles más emocionantes del fútbol italiano. Este torneo, conocido como "Campionato Primavera", reúne a los equipos juveniles de los clubes de la Serie A y Serie B, brindando la oportunidad a los jóvenes talentos de mostrar su habilidad y potencial.
El fixture completo de la Primavera en Italia es una pieza clave para los aficionados y seguidores de estos equipos, ya que les permite planificar y seguir de cerca el desempeño de sus clubes favoritos a lo largo de la temporada. En este calendario se detallan los partidos programados, las fechas y los horarios en los que se llevarán a cabo los encuentros.
La emoción y la intensidad de la Primavera se hacen sentir en cada jornada, donde los jugadores juveniles demuestran su talento y determinación en cada partido. Los aficionados pueden disfrutar de partidos llenos de habilidad, competitividad y pasión, lo que convierte a esta competición en un semillero de futuras estrellas del fútbol italiano.
El fixture completo de la Primavera en Italia es esperado con entusiasmo por los seguidores, quienes no quieren perderse ni un solo encuentro de sus equipos preferidos. Gracias a este calendario, los aficionados pueden organizar su agenda y disfrutar de cada momento en esta apasionante competición juvenil que promete emociones fuertes y grandes talentos en cada partido.
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¿Cuál fue el resultado del último partido entre Colo Colo y Audax Italiano?
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Resultado final
El resultado final es el desenlace o conclusión de algo, generalmente producto de un proceso o una serie de acciones. En diversos contextos, el resultado final puede referirse a diferentes situaciones, como el desenlace de un evento deportivo, el producto final de un proyecto de trabajo o el desenlace de una situación emocional.
En el ámbito deportivo, el resultado final es el marcador final que determina el ganador de un partido, competencia o torneo. Este resultado final es el fruto del esfuerzo y desempeño de los equipos o atletas involucrados, y representa la culminación de un arduo trabajo.
En el mundo laboral, el resultado final se refiere al producto final de un proyecto o tarea realizada por un equipo de trabajo. Es el resultado tangible de la colaboración y dedicación de los profesionales involucrados, y puede ser evaluado en función de su calidad y cumplimiento de objetivos.
En el terreno emocional, el resultado final puede ser el desenlace de una relación, una situación personal o un proceso de crecimiento personal. Este resultado final puede ser satisfactorio o decepcionante, pero en cualquier caso representa el cierre de una etapa y el inicio de una nueva oportunidad.
En resumen, el resultado final es el epílogo de un proceso, evento o situación que refleja el éxito, fracaso o aprendizaje obtenido a lo largo del camino. Es importante valorar y reflexionar sobre el resultado final para seguir creciendo y mejorando en futuras experiencias.
Marcador
Un marcador es una herramienta útil y versátil que se utiliza comúnmente en diferentes situaciones. Ya sea en la escuela, en la oficina o en casa, los marcadores son imprescindibles para resaltar información importante o realizar anotaciones rápidas.
Existen diferentes tipos de marcadores, desde los clásicos de tinta líquida hasta los más modernos marcadores digitales. Los marcadores de tinta líquida son ideales para subrayar textos y resaltar palabras clave en libros, apuntes o documentos importantes. Por otro lado, los marcadores digitales permiten escribir y dibujar en pantallas táctiles, facilitando la creación de contenido interactivo y dinámico.
Además de su uso práctico en el ámbito académico y laboral, los marcadores también son muy populares en el mundo del arte y el diseño. Muchos artistas utilizan marcadores de colores para crear ilustraciones vibrantes y detalladas, mientras que los diseñadores gráficos los emplean para dar vida a sus proyectos creativos.
En resumen, los marcadores son herramientas indispensables que nos ayudan a expresar ideas, resaltar información importante y dar rienda suelta a nuestra creatividad. Ya sea en papel o en pantalla, los marcadores son aliados perfectos para plasmar nuestras ideas y destacar lo que realmente importa.
Ganador del partido
¿Qué significa "ganador del partido" en el mundo del deporte? Cuando se habla del ganador del partido, se hace referencia al equipo, jugador o competidor que ha logrado la victoria en un encuentro deportivo. Este término es fundamental en cualquier disciplina deportiva, ya sea fútbol, baloncesto, tenis u otros deportes individuales o colectivos.
En cualquier competición, el objetivo principal es lograr ser el ganador del partido, ya que esto significa obtener la victoria y superar a los oponentes. Para lograr este título, se requiere habilidad, estrategia, trabajo en equipo y, en muchos casos, un buen estado físico y mental.
El ganador del partido no solo se lleva el reconocimiento y la satisfacción personal de la victoria, sino que también puede obtener premios, trofeos, medallas o incluso ascensos en la clasificación. Además, la victoria no solo beneficia al ganador, sino que también puede significar mucho para sus seguidores, patrocinadores y comunidad deportiva en general.
En resumen, ser el ganador del partido es el resultado de un arduo trabajo, dedicación y pasión por el deporte. Es un título que se obtiene con esfuerzo y sacrificio, pero que trae consigo grandes recompensas y satisfacciones tanto para el deportista como para aquellos que lo apoyan.
Goleador
Un goleador es un jugador de fútbol que destaca por su habilidad para marcar goles de manera consistente y efectiva. Estos jugadores suelen ser vitales para sus equipos, ya que su capacidad para anotar goles puede marcar la diferencia en un partido.
Los goleadores suelen ser delanteros, aunque también puede haber mediocampistas o incluso defensores que se destacan por su capacidad goleadora. Estos jugadores suelen tener una gran precisión en el remate, tanto de cabeza como con los pies, y su instinto les permite estar en el lugar adecuado en el momento preciso para definir una jugada.
En la historia del fútbol mundial, ha habido goleadores legendarios que han dejado una huella imborrable en el deporte. Nombres como Pelé, Diego Maradona, Lionel Messi y Cristiano Ronaldo son algunos de los goleadores más destacados de todos los tiempos, con récords impresionantes de goles anotados a lo largo de sus carreras.
Los goleadores son admirados por su capacidad para convertir las oportunidades en goles, por su determinación dentro del campo de juego y por su capacidad de liderazgo. Son jugadores que enfrentan la presión con valentía y que son capaces de marcar la diferencia en los momentos más críticos de un partido.
En resumen, un goleador es mucho más que un simple anotador de goles, es un jugador clave en un equipo de fútbol, un líder en el campo de juego y un verdadero héroe para los aficionados. Su capacidad para marcar goles hace que sean fundamentales para el éxito de su equipo y que sean recordados como leyendas del deporte rey.
Estadísticas del encuentro
En el mundo del deporte, las estadísticas del encuentro son una herramienta fundamental para analizar el desempeño de los equipos y jugadores. Estos datos ofrecen una visión detallada de lo que sucede en el terreno de juego y permiten a entrenadores, jugadores y aficionados comprender mejor el desarrollo de un partido.
Las estadísticas del encuentro incluyen información como la posesión del balón, los tiros a gol, las faltas cometidas, los pases completados, entre otros datos relevantes. Estos números son recopilados y analizados por expertos para identificar fortalezas y debilidades de cada equipo, así como para evaluar el rendimiento individual de los jugadores.
Gracias a las estadísticas del encuentro, es posible determinar qué estrategias han funcionado mejor, qué aspectos deben mejorar los equipos y cuáles son los jugadores más destacados en cada partido. Además, estas cifras también son útiles para pronosticar resultados futuros y para enriquecer la experiencia de los aficionados, que pueden disfrutar de un mayor conocimiento sobre el deporte que tanto aman.
En resumen, las estadísticas del encuentro son una herramienta indispensable en el mundo deportivo, que brinda información valiosa y contribuye al análisis y la comprensión de cada juego. Gracias a ellas, podemos profundizar en el fascinante universo del deporte y apreciar en toda su magnitud la pasión y la emoción que despierta en millones de personas en todo el mundo.
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¿Cuál es el historial de enfrentamientos entre España e Italia en la Eurocopa antes del partido de alineaciones de hoy?
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¿Cuál es el historial de enfrentamientos entre España e Italia en la Eurocopa antes del partido de alineaciones de hoy?
Historial de enfrentamientos en la Eurocopa
La Eurocopa es uno de los torneos de fútbol más importantes a nivel europeo, en el que selecciones de todo el continente se enfrentan para buscar la gloria. A lo largo de la historia de este torneo, se han vivido enfrentamientos memorables que han quedado grabados en la memoria de los aficionados.
Uno de los enfrentamientos más legendarios en la Eurocopa fue la final de 1976 entre Checoslovaquia y Alemania. El partido se decidió en una emocionante tanda de penales, en la que Antonín Panenka marcó el gol que le dio la victoria a su selección, innovando con un lanzamiento de penal conocido desde entonces como "a lo Panenka".
Otro enfrentamiento que ha quedado en la historia de la Eurocopa es el partido entre España e Italia en los cuartos de final de la edición de 2008. Tras un empate 0-0 en tiempo reglamentario, la definición se llevó a cabo en la tanda de penales, donde España se impuso y avanzó a semifinales, en un duelo que mantuvo en vilo a millones de espectadores en todo el mundo.
Estos son solo algunos ejemplos de los apasionantes enfrentamientos que se han vivido a lo largo de la historia de la Eurocopa, un torneo que cada cuatro años reúne a las mejores selecciones de Europa en una competencia llena de emoción y rivalidad.
España vs Italia en la Eurocopa
En el emocionante panorama del fútbol europeo, uno de los enfrentamientos más icónicos es el que se da entre las selecciones de España e Italia en la Eurocopa. Estos dos equipos han protagonizado encuentros memorables a lo largo de los años, creando una rivalidad que trasciende las fronteras.
España, con su estilo de juego basado en la posesión y el toque de balón, ha sido una potencia futbolística durante décadas. Con jugadores talentosos y una rica historia en la competición, la selección española siempre es considerada como una fuerte contendiente en cualquier torneo en el que participe.
Italia, por su parte, es conocida por su sólida defensa y su capacidad para jugar tácticamente. Los italianos son maestros en el arte de la estrategia futbolística y han demostrado una y otra vez su determinación en la cancha.
Los enfrentamientos entre España e Italia suelen ser intensos y llenos de emoción, ya que ambos equipos buscan imponer su estilo de juego y demostrar su superioridad. La Eurocopa es el escenario perfecto para que estas dos potencias del fútbol europeo se encuentren y nos regalen partidos inolvidables.
Sin duda, el duelo entre España e Italia en la Eurocopa es un clásico moderno que siempre garantiza emoción, calidad futbolística y rivalidad deportiva en su máxima expresión. Los aficionados de ambos países esperan con ansias cada enfrentamiento, sabiendo que presenciarán un espectáculo digno de recordar.
Resultados anteriores España Italia Eurocopa
En la historia de la Eurocopa, España e Italia han tenido encuentros memorables que han dejado una huella imborrable en la memoria de los fanáticos del fútbol. En ediciones anteriores del torneo, ambas selecciones se han enfrentado en duelos llenos de emoción y tensión, que han mantenido en vilo a los aficionados hasta el último minuto.
Uno de los enfrentamientos más destacados entre España e Italia en la Eurocopa tuvo lugar en la edición de 2012, cuando se enfrentaron en las semifinales del torneo. En aquella ocasión, España se impuso a Italia en una contundente victoria por 4-0, que le permitió avanzar a la final y finalmente consagrarse campeona de Europa.
Además, ambas selecciones se han enfrentado en otras ediciones de la Eurocopa, mostrando un nivel de juego excepcional y una rivalidad histórica que ha enriquecido la competencia. Tanto España como Italia han dejado su huella en la historia del torneo, con actuaciones destacadas y triunfos que han emocionado a los aficionados de todo el mundo.
En resumen, los encuentros entre España e Italia en la Eurocopa han sido fuente de emoción y pasión para los amantes del fútbol, dejando un legado de partidos inolvidables y rivalidades históricas que perduran en el tiempo.
Estadísticas duelos España Italia Eurocopa
En la historia de la Eurocopa, España e Italia han tenido enfrentamientos memorables en el terreno de juego. Estas dos potencias futbolísticas europeas han protagonizado duelos intensos que han mantenido a los aficionados al borde de sus asientos.
En total, España e Italia se han enfrentado en la Eurocopa en seis ocasiones, con un historial equilibrado. Ambos equipos han logrado imponerse en dos ocasiones, mientras que los otros dos encuentros han finalizado en empate.
Uno de los enfrentamientos más recordados entre España e Italia tuvo lugar en la Eurocopa 2012, en las semifinales del torneo. El partido se decidió en una emocionante tanda de penales, en la que la selección española logró imponerse y avanzar a la final, donde se coronaría campeona.
Otro duelo memorable entre ambas selecciones tuvo lugar en la Eurocopa 2008, en los cuartos de final. España logró imponerse por 4-2 en un partido lleno de emociones y goles, en el que se destacó la actuación de figuras como Fernando Torres y David Villa.
Con jugadores de la talla de Sergio Ramos, Gerard Piqué, Giorgio Chiellini y Leonardo Bonucci, los enfrentamientos entre España e Italia siempre prometen espectáculo y emoción para los amantes del fútbol. Los duelos entre estas dos potencias europeas seguirán dejando huella en la historia de la Eurocopa.
Historia partidos selecciones España e Italia Eurocopa
La rivalidad entre las selecciones de fútbol de España e Italia en la Eurocopa ha sido legendaria a lo largo de la historia del torneo. Estos dos equipos han protagonizado emocionantes encuentros que han mantenido a los fanáticos al borde de sus asientos.
El primer enfrentamiento entre España e Italia en la Eurocopa se produjo en la edición de 1988, en la que Italia se llevó la victoria en la tanda de penaltis en las semifinales. Desde entonces, los dos equipos se han enfrentado en varias ocasiones en el torneo, creando una intensa rivalidad.
Uno de los enfrentamientos más memorables tuvo lugar en la final de la Eurocopa 2012, en la que España derrotó a Italia 4-0 y se coronó campeona del torneo. Este partido quedó grabado en la memoria de los aficionados por el dominio aplastante de la selección española sobre su rival italiano.
Ambos equipos han contado con grandes figuras en sus filas a lo largo de los años, como Paolo Maldini, Francesco Totti, Andrés Iniesta y Xavi Hernández, que han dejado huella en la historia del fútbol europeo.
La rivalidad entre España e Italia en la Eurocopa seguirá siendo uno de los aspectos más emocionantes del torneo, con enfrentamientos que mantendrán a los fanáticos pegados a la pantalla y que sin duda añadirán más capítulos a esta apasionante historia futbolística.
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Anónimo italiano
Virgen con el Niño
1508
óleo sobre tabla
78 x 57 cm
Nº inv. P01166
Colección BBVA España
Círculo de Andrea del Sarto (1486 – 1530)
Esta Madonna es un magnífico ejemplo de lo que se pintaba en Florencia a comienzos del siglo XVI en la órbita de Andrea del Sarto (1486-1530). Mientras que la composición de la figura del Niño nos recuerda a lo que pintará su discípulo Jacopo Pontormo (1494-1557), la de la Virgen, con su mirada melancólica y su perfil clásico, está en deuda con Rafael (1483-1520), tan presente en el arte de Andrea.
El colorido de la escena y la soltura de las formas confirman que esta composición ha superado la rigidez que caracterizó el arte italiano del siglo XV.
Cabe destacar la profundidad que se percibe en el volumen del cuerpo de la Virgen, acentuado por los pliegues de su túnica, en cuyo borde se aprecia una inscripción en letras de oro medio borradas, en la que, gracias a la restauración, se puede leer la fecha de realización de la obra: “1508”. La figura del Niño logra su movimiento mediante la disposición del rostro, que gira hacia el espectador, mientras que el cuerpo se orienta hacia su madre; el velo blanco, que se repite en ambos personajes, crea un movimiento de formas que contrasta con el carácter plano del fondo.
Información e imágenes de la web de la Colección BBVA.
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Memoria emotiva: al rescate de la heladera Siam
Un libro y una película de pronta aparición recuperan la historia de la heladera Siam a bolita, reina de los hogares de mediados del siglo XX
Ciudadana ilustre de millones de hogares argentinos, la heladera Siam a bolita ya es un clásico inoxidable, impregnado en el imaginario social. La empresa hoy es sinónimo de industria nacional. Y de homenaje. Un libro y una película aguardan la señal de largada para celebrar al ícono que marcó a varias generaciones y se posicionó como uno de los hitos de la producción nacional. A 77 años de su lanzamiento (se empezó a fabricar en 1946), un padre y una hija se sumergieron en el rescate emotivo de la heladera y de la marca Siam, que hoy forma parte del grupo Newsan (que incluye también a Noblex, Atma, Philco y Sanyo). Se tratan del presidente de la firma, Rubén Cherñajovsky, uno de los empresarios más influyentes del país, y Florencia Cherñajovsky, investigadora y curadora de arte.
SIAM
SIAM
Impulsada por el deseo de recuperar la historia de la empresa Siam, Florencia se puso al hombro una búsqueda que de tan minuciosa podría llamarse arqueológica. Y a Rubén le gustó tanto la idea que soñaron en grande. Este año publicarán el libro Fabricar Futuro, que repasará los orígenes de las firmas tecnológicas de Newsan. Además, se estrenará el filme experimental El Evangelio según las máquinas.
El entusiasmo y la búsqueda de documentos llevaron a Florencia a Mercado Libre, donde compró publicidades originales, revistas y sobre todo descubrió los códigos propios de la tribu de fanáticos. “Son coleccionistas seriales, tienen pilas de revistas de piso a techo. Ahí caí en la cuenta del peso social y cultural de la marca. Siam generó un sentimiento de pertenencia muy fuerte”, dice
Entre publicidades de época, piezas únicas y repuestos por los que una legión de restauradores vintage lo daría todo, Rubén y Florencia conversaron con La Nación sobre las razones por las cuales una heladera robusta, con refrigerador y compartimentos –toda una novedad para la época– mantiene un peso simbólico sostenido en el tiempo.
“Investigar el pasado desde un abordaje multidisciplinario fue el punto de partida para rescatar la historia, reactivar aquellos puntos representativos de la cronología. Por eso convocamos para el libro a la Fundación IDA (Investigación en Diseño) y al cineasta Mariano Llinás (director de La Flor, entre otras películas) para que desarrolle una pieza audiovisual. No es un mero corto institucional”, señala Florencia.
¿Cómo fue que una simple decisión de diseño revolucionó el mercado de las heladeras hogareñas? La manija con bolita trascendió al producto. Esa esfera que hoy es objeto de culto definía el gesto de la Siam 75, y fue uno de los repuestos más pedidos. El “símbolo de calidad” tenía un número, el 9510/8895. La pieza gráfica que alentaba a los usuarios a renovarla era contundente: “Si Usted tiene que comprar una heladera y piensa vivir en Argentina, compre una gran marca nacional. Compre Siam”, rezaba uno de los anuncios elaborados por Julio Llinás, el padre de Mariano, que trabajó en la agencia Agens. De acuerdo al relevamiento realizado por los Cherñajovsky y el investigador Wustavo Quiroga, también existió una versión de esta heladera diseñada por Aldo Brovarone, profesional italiano que trabajó luego en la fábrica Pininfarina, reconocida empresa de automóviles con sede en Turín. Brovarone sustituyó la bochita por una palanca de cambios. Y no fueron pocos los chicos que jugaban a manejar un auto cada vez que abrían la heladera. “Brovarone trabajó en 1949 para Siam antes de iniciar su reconocida trayectoria en el diseño automovilístico”, destaca Quiroga.
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GENE BACK
BANDA SONORA ORIGINAL DE LA PELÍCULA CABRINI
Sony Music Masterworks publica hoy CABRINI (ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK) del compositor GENE BACK. El álbum contiene música original escrita por Back para la película, que narra la vida de la santa y misionera católica Francesca Cabrini. En esta magnífica colección de 24 temas se incluyen varias canciones interpretadas por tenores italianos: Rolando Villazón, Liam Campola y Virginia Boccelli. Cabrini, de Alejandro Monteverde, se estrena hoy en los cines.
Consíguelo AQUÍ
Sobre la banda sonora, el compositor GENE BACK dice: "Ha sido una oportunidad excepcional escribir una partitura temática tan clásica e inspirada en la ópera italiana, que no es algo habitual hoy en día. Además de poder trabajar con algunos de los mayores talentos musicales del mundo clásico, desde la familia Bocelli, Rolando Villazón, hasta la orquesta de Ennio Morricone (Roma Sinfonietta), componer en este género musical se volvió algo personal, ya que está relacionado con la profesión de mi padre como profesor de canto de ópera. Esta actitud resultó ser una fuente de inspiración extraordinaria, extendiéndose a cada uno de los jefes de departamento que aportaron su talento a la película".
SOBRE CABRINI
De Alejandro Monteverde, galardonado director de 𝘚𝘰𝘶𝘯𝘥 𝘰𝘧 𝘍𝘳𝘦𝘦𝘥𝘰𝘮, llega la poderosa epopeya de Francesca Cabrini, una inmigrante italiana que llega a Nueva York en 1889 y se encuentra enfermedad, crimen y niños empobrecidos. Cabrini emprende una arriesgada misión para convencer al hostil alcalde de que garantice viviendas y asistencia sanitaria a los más vulnerables de la sociedad. Con un inglés chapurreado y una salud precaria, Cabrini construye un imperio de esperanza distinto a todo lo que el mundo había visto jamás.
SOBRE GENE BACK
Gene Back, nacido en Nueva York y afincado en Los Ángeles, es un compositor cinematográfico y multiinstrumentista coreano-estadounidense cuyo trabajo reciente abarca películas aclamadas por la crítica, como el debut como director de Randall Park, SHORTCOMINGS, y el próximo estreno mundial en salas del biopic épico CABRINI, dirigido por Alejandro Monteverde. Además de su trabajo para cine, Gene ha producido y coescrito recientemente la canción "Dare To Be" con Andrea Bocelli y Virginia Bocelli, su primer dúo original juntos. También ha colaborado con otros artistas y grupos de renombre internacional como Gotye, Talib Kweli o The Books.
Formado como violinista clásico y con una vida dedicada a la grabación independiente, su arte multiinstrumental está en constante evolución. Su estilo distintivo de interpretación se refleja en todas las partituras y composiciones para cine, ya sea con una orquesta sinfónica completa, un conjunto acústico electrónico de cámara o una canción folk. Su habilidad para incorporar su voz única en todos los géneros también se ha extendido a numerosas campañas publicitarias importantes, experiencias de realidad extendida (XR) y producciones teatrales.
Como primer compositor estadounidense seleccionado para un BAFTA Breakthrough, Gene es un apasionado defensor de la diversidad y la inclusión en la industria del entretenimiento. Sus colaboraciones en proyectos documentales se centran principalmente en cuestiones de identidad y progreso social.
Aparte de su vida musical, Gene es un ávido excursionista con un profundo aprecio por la naturaleza y el arte culinario casero.
Contenido Del Set:
Senza voce
The Letter
Permission
A Day in the Slums
Welcome to America
Gli Orfani
When I'm Away
The Divine Feminine
Crostati
Built Upon the Dead
Inspection
Legacy
Twenty Cents
Lacreme Napulitane – Liam Campola*
Unsolicited
Vesti la giubba – Rolando Villazon*
Legacies
Va, pensiero – Virginia Boccelli *
Obedience
Armor and Strength
At The Hour Of Our Death
La Fenice
Empire
Voci e visioni
*Denotes vocal tracks
CONECTA CON CABRINI
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Informe Parcial II
Miguelangel
Lectura: Portoghesi
Investigaciones individuales:
1. Autor del texto > bio y lista de obras: Victoria
Paolo Portoghesi fue un destacado arquitecto, teórico y académico italiano nacido en 1931 en Roma. Se le conoce principalmente por su enfoque postmoderno de la arquitectura, que desafió las normas establecidas y buscó una fusión entre la modernidad y la tradición. Tras graduarse en arquitectura en la Universidad de Roma en 1957, Portoghesi comenzó su carrera trabajando con arquitectos de renombre como Adalberto Libera y Franco Albini.
A lo largo de su carrera, Portoghesi dejó una marca distintiva en la arquitectura mundial con sus diseños innovadores y su filosofía única. En 1960, cofundó el grupo de arquitectura y diseño "Movimiento de Arte y Arquitectura Progresista" (MAAP), que abogaba por una reevaluación de la arquitectura moderna y un retorno a las raíces históricas y culturales.
Uno de los hitos más significativos en la carrera de Portoghesi fue su diseño para el Ayuntamiento de la ciudad de Fiumicino en 1968, que se convirtió en un símbolo de su enfoque postmoderno. Su estilo se caracterizaba por la combinación de elementos clásicos y modernos, así como por el uso creativo de la luz y la geometría.
Portoghesi también desempeñó un papel importante en la enseñanza y la investigación arquitectónica. Fue profesor en la Universidad de Roma y en varias instituciones educativas internacionales, donde promovió su enfoque innovador de la arquitectura. También fue autor de numerosos libros y publicaciones sobre teoría arquitectónica, que le valieron reconocimiento como uno de los teóricos más influyentes de su generación.
Además de su labor académica, Portoghesi participó en numerosos proyectos de diseño y planificación urbana en todo el mundo. Su obra incluye edificios emblemáticos, como la Iglesia del Dio Padre Misericordioso en Roma y el Museo Nacional de Artigianato en Florencia.
A lo largo de su carrera, Portoghesi recibió numerosos premios y reconocimientos por su contribución a la arquitectura y el diseño. Su legado perdura en la influencia que ha tenido en varias generaciones de arquitectos y en la evolución del pensamiento arquitectónico contemporáneo.
Paolo Portoghesi falleció en 2019, dejando un legado duradero en la arquitectura y la cultura italiana, así como en el ámbito global. Su enfoque postmoderno, que desafió las convenciones establecidas y buscó una armonía entre lo moderno y lo tradicional, sigue inspirando a arquitectos y diseñadores en todo el mundo.
Obras:
Paolo Portoghesi es conocido por varias obras significativas que reflejan su enfoque innovador y su fusión única de estilos arquitectónicos. Estas son algunas de las obras más destacadas del arquitecto italiano:
1. La Iglesia del Dio Padre Misericordioso (Church of Dio Padre Misericordioso) en Roma: Esta iglesia, completada en 2003, es un ejemplo destacado del estilo distintivo de Portoghesi, que incorpora elementos contemporáneos con referencias a la arquitectura tradicional. La iglesia se caracteriza por sus formas geométricas y la utilización creativa de la luz natural y artificial para crear un espacio sagrado e inspirador.
2. El Teatro Atlántico (Teatro Atlantico) en Roma: Este teatro, diseñado por Portoghesi y completado en 1971, es un ejemplo icónico de la exploración del arquitecto de la forma y la geometría. La estructura circular y la interacción entre la luz y la sombra dan como resultado un espacio teatral dinámico y visualmente impactante.
3. El Palacio de Congresos de EUR (Palazzo dei Congressi) en Roma: Diseñado por Portoghesi en colaboración con otros arquitectos, este complejo de congresos terminado en 1954 es un hito arquitectónico en la región de EUR en Roma. La combinación de líneas modernas con elementos clásicos proporciona un ejemplo temprano del estilo distintivo de Portoghesi.
4. El Museo Nacional de Artigianato en Florencia: Este museo, completado en 1997, es un ejemplo de la habilidad de Portoghesi para incorporar la historia y la artesanía en sus diseños contemporáneos. El edificio es una fusión armoniosa de elementos clásicos y modernos que ofrece un entorno impresionante para la exhibición de las artesanías italianas.
Estas obras representan solo una parte del legado arquitectónico de Paolo Portoghesi, quien dejó una huella significativa en la comunidad arquitectónica global a través de su enfoque innovador y su capacidad para fusionar la tradición con la modernidad en sus diseños.
2.Biografía y lista de obras del arquitecto sobre el cual se trata en el texto: Angie
Soy Miguel Ángel Buonarroti, nacido en 1475 en Caprese, Toscana. Desde niño me apasionó el arte, especialmente la escultura. Me formé en Florencia con los mejores maestros, como Ghirlandaio y Bertoldo di Giovanni, y entré en contacto con la familia Médici, que me acogió y me patrocinó.
Mi talento me hizo famoso en toda Italia y más allá. Trabajé para papas, reyes y nobles, que me encargaron obras de gran magnitud y dificultad. Acepté los retos con orgullo y ambición, pero también con sufrimiento y angustia. A menudo tuve que enfrentarme a la incomprensión, la envidia y la hostilidad de mis contemporáneos, que no apreciaban mi genio ni mi libertad.
Mi obra es el reflejo de mi alma, de mi búsqueda constante de la perfección y de la expresión de los sentimientos humanos. He creado obras que han marcado la historia del arte y que han inspirado a generaciones de artistas. Entre ellas, puedo mencionar:
- La Piedad, una escultura de mármol que representa a la Virgen María sosteniendo el cuerpo de Cristo, que realicé para la Basílica de San Pedro en Roma.
- El David, una escultura de mármol de más de cinco metros de altura, que representa al héroe bíblico que venció a Goliat. Se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.
- La Capilla Sixtina, un conjunto de frescos que cubren la bóveda y el altar mayor de la capilla papal en el Vaticano. Entre las escenas más famosas se encuentran la Creación de Adán, la Expulsión del paraíso y el Juicio Final.
- La tumba de Julio II, un proyecto monumental que me encargó el papa Julio II para su sepultura en la basílica de San Pedro, pero que nunca se terminó según el diseño original. Contiene esculturas como el Moisés y los Esclavos, que expresan el poder y la rebeldía del espíritu humano. Se encuentra en la iglesia de San Pietro in Vincoli en Roma.
- La Sagrada Familia, una escultura de mármol que representa a la Virgen María, el Niño Jesús y San Juan Bautista, que realicé para la familia Medici en Florencia. Se encuentra en la basílica de San Lorenzo en Florencia.
- La Biblioteca Laurenziana, en Florencia, para albergar los libros de los Médicis.
- La Plaza del Capitolio, en Roma, por encargo del papa Pablo III.
- La Basílica de San Pedro, en Roma, que continué el proyecto de Bramante y Sangallo.
- La Porta Pía, en Roma, que fue mi última obra.
- La iglesia de Santa Maria degli Angeli e dei Martiri, en Roma, que adapté de las termas de Diocleciano.
He sido escultor, pintor, arquitecto y poeta, y he tratado de plasmar en cada una de mis obras la grandeza y la miseria del ser humano, la gloria y el sufrimiento de Dios, la belleza y el horror de la naturaleza. He sido un hombre de fe, de pasión, de genio y de contradicción. He sido, ante todo, un artista.
```.
3. Glosario de términos: Kairusan
El **dogmatismo** es una posición filosófica que opera con conceptos y fórmulas a los que se acepta como dogmas, invariablemente ciertos. Un dogma es una supuesta verdad aceptada sin crítica o examen y, por lo tanto, un dogmático es el que acepta el dogma e incita a los demás a proceder según lo establecido ²⁴. El dogmatismo puede definirse como la propensión a los dogmas, o sea, a exigir que una verdad sea aceptada sin posibilidad de cuestionamiento ¹. En el ámbito religioso, un dogma es una verdad directamente revelada por Dios, reconocida por la Iglesia o la institución correspondiente ¹.
(1) Dogmatismo - Qué es, concepto, representantes, tipos de dogma. https://bing.com/search?q=dogmatismo+definici%c3%b3n.
(2) dogmatismo | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE - ASALE. https://dle.rae.es/dogmatismo.
(3) Dogmatismo - Qué es, concepto, representantes, tipos de dogma. https://concepto.de/dogmatismo/.
(4) Qué es el Dogmatismo (Concepto y Definición) - Significados. https://www.significados.com/dogmatismo/.
La **Biblioteca Laurenciana** o Biblioteca Medicea Laurenciana es una de las bibliotecas más importantes de Florencia y de toda Italia. Fue fundada en 1571 y es famosa por conservar aproximadamente **11,000 manuscritos** ¹. La biblioteca se encuentra en la Piazza San Lorenzo en Florencia, Italia ¹. Fue patrocinada por el papa Clemente VII y construida en el claustro de la medicea basílica de San Lorenzo ¹. La biblioteca es conocida por su colección de manuscritos, que incluye obras de Platón, Aristóteles, Cicerón, Virgilio y otros autores clásicos ¹. La biblioteca también alberga una colección de manuscritos de Leonardo da Vinci ³. La Biblioteca Laurenciana es una de las joyas ocultas de Florencia y es un lugar imprescindible para los amantes de la historia y la literatura ².
(1) Biblioteca Laurenciana - Wikipedia, la enciclopedia libre. https://es.wikipedia.org/wiki/Biblioteca_Laurenciana.
(2) Biblioteca Medicea Laurenziana: la biblioteca de Miguel Ángel. https://www.enflorencia.com/biblioteca-medicea-laurenziana/.
(3) Basílica de San Lorenzo y biblioteca Laurenciana Florencia. https://www.mibauldeblogs.com/basilica-de-san-lorenzo-y-biblioteca-laurenciana-florencia/.
(4) Getty Images. https://www.gettyimages.com/detail/photo/laurentian-library-royalty-free-image/462923353.
El **estatismo** es un término que se refiere a la **preeminencia del Estado** en la actividad social, económica o cultural ¹. El estatismo se caracteriza por la tendencia a exaltar la plenitud del poder del Estado en todos los órdenes de la vida política y económica ⁴. El estatismo puede ser considerado como una forma de gobierno en la que el Estado tiene un papel predominante en todas, en la mayoría o en algunas de sus esferas ³.
En resumen, el estatismo es una corriente política que defiende la intervención del Estado en la economía y en la sociedad, con el objetivo de garantizar el bienestar de la población ².
(1) estatismo | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE - ASALE. https://bing.com/search?q=estatismo+significado.
(2) Estatismo - significado de estatismo diccionario - TheFreeDictionary.com. https://es.thefreedictionary.com/estatismo.
(3) Estatismo | Qué es, Definición y Concepto. - Enciclopedia Online. https://enciclopediaonline.com/es/estatismo/.
(4) estatismo | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE - ASALE. https://dle.rae.es/estatismo.
(5) undefined. https://www.rae.es/.
**Non finito** es una expresión italiana que se utiliza en contextos artísticos para referirse a obras a las que se atribuye un valor estético precisamente por su imperfección o falta de acabado ¹. El término se traduce literalmente como "no acabado" y se aplica a obras que pueden ser inacabadas por elección del autor o por circunstancias ajenas a su voluntad ¹. El **non finito** sugiere más que representa, utiliza trazos simples, "abocetados", para alcanzar lo esencial, sin perderse en detalles ¹. Desde el Romanticismo y el Realismo, quedó manifiesta la oposición entre el arte académico, prolongador de la estética "acabada" y fría del Neoclasicismo, y la búsqueda cada vez más ambiciosa de la transgresión por las sucesivas vanguardias, para lo que la utilización del **non finito** es un recurso habitual ¹. El principal ejemplo de la estética de lo inacabado es la obra escultórica de Miguel Ángel, al que se atribuye una incapacidad psicológica de dar por terminadas sus obras ¹²..
(1) Non finito - Wikipedia, la enciclopedia libre. https://es.wikipedia.org/wiki/Non_finito.
(2) El non-finito de Miguel Ángel: el cuerpo más allá de la imagen. https://trauma.jornadaselp.com/el-non-finito-de-miguel-angel-el-cuerpo-mas-alla-de-la-imagen/.
(3) FINITO - Definición y sinónimos de finito en el diccionario español. https://educalingo.com/es/dic-es/finito.
(4) es.wikipedia.org. https://es.wikipedia.org/wiki/Non_finito.
4. Fichas de las obras u otros autores mencionados en el texto: Christian
Conclusiones del trabajo en grupo:
El enfoque de Portoghesi es convencedor y personal para transmitir un ideal filosófico humanista y provocar reacciones opuestas, complejas e innovadoras. Portoghesi aprueba y apoya el carácter expresivo de Miguel Ángel desde la apreciación y la descomposición de la Biblioteca Laurenziana en sus elementos. Su análisis contempla proporciones, luz, órdenes, portales, edículos y ritmo. Presenta estos elementos como parte del diseño, pero también como parte de la experiencia arquitectónica en ese espacio. De igual manera Portoghesi identifica a Miguel Ángel bajo la figura de genio rebelde adelantado a su época bastante merecedor de estudio.
Angie
Portoghesi también usa como inspiración a Miguel angel saliendo de lo común y estereotipico de la época en la que vivían, realizando obras que no parecieran de la época confundiendo al espectador, portoghesi fue un investigardor a fondo se la vida y obra de Miguel angel pues además de sentirse identificado, lo veía como un modelo a seguir en sus obras utilizando elementos de los órdenes clásicos romanos como también el claro y oscuro en sus obras, logrando entender la mente y pensamientos tan interesantes y diferentes de Miguel angel, volviéndose así un artista incomprendido por los demás pero admirado por muchos.
Kairusan
El autor, a través de su análisis de Miguel Ángel, busca comunicar la complejidad y la riqueza de esta obra arquitectónica. Su intención es llevar al lector a comprender que la Biblioteca Laurenziana va más allá de ser simplemente un espacio funcional; es una expresión viva y dinámica de la genialidad de Miguel Ángel. Portoghesi destaca la continua presencia del artista en cada detalle, desde la concepción orgánica del conjunto hasta los mínimos acentos plásticos. Además, explora la intención del "non finito" y cómo Miguel Ángel desafía las convenciones renacentistas, ofreciendo al observador una experiencia activa y participativa.
La conclusión del autor subraya que la Biblioteca Laurenziana no es solo un ejercicio arquitectónico, sino un testimonio fascinante de la capacidad de Miguel Ángel para trascender las normas establecidas y desafiar la rigidez dogmática de su tiempo.
Christian
Crítica sobre la experiencia en grupo:
La planificación de la actividad y la puesta de instrucciones claras con la suficiente anticipación, fue una mejoría con relación al parcial pasado. Con esto se volvió un poco más dinámica la actividad, resultando en un tipo agradable de conversatorio y comunicación entre profesora-grupo-salón.
Angie
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Palladio - Giulio Argán
Investigación individual
Fichas: Otras Obras y Autores
Francesco Milizia
Fue un italiano conocido como teórico de la arquitectura y tratadista durante alrededor de los años 1730 y 1790. Es considerada uno de los principales autores que teorizó el neoclasicismo en su primera fase a través de sus escritos. Es conocido principalmente por sus tratados estético-críticos, entre los que destacan: Sobre el arte de ver en las bellas artes (1781) y Diccionario de las bellas artes del dibujo (1797). Abogó por imitar las obras maestras del arte griego antiguo, sobre la base de que los artistas de esa época habían podido inspirarse en una naturaleza y una sociedad aún no corruptas.
Vidas de arquitectos
Consta de cuatro libros: el primero es un resumen de la arquitectura y el segundo, el tercero y el cuarto fueron la parte histórico-biográfica de la obra, esta última subdividida a su vez en arquitectos antiguos (desde la decadencia de la arquitectura hasta su restablecimiento, es decir, siglo IV al siglo XV) y arquitectos del «restablecimiento» (arquitectura de alrededor del siglo XV, hasta el XVIII)
Winckelmann
Fue un alemán que destacó por ser Arqueólogo e historiador de arte. Es considerado el pionero de la arqueología moderna y del gusto neoclásico. En el año 1755 publicó su primera obra, un ensayo titulado Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst (Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura). Se considera que fue el que inicio la arqueología como la conocemos hoy en día
Mengs
Fue un pintor y tratadista checo, el más destacado del primer neoclasicismo. Su etapa de formación no sólo se orientó a las técnicas sino a la teoría del arte, que estaba en sus inicios como ciencia, abanderada por Johann Joachim Winckelmann, de quien fue alumno. En 1761 pintó, en el techo de la Villa Albani, en Roma, el fresco de El Parnaso, que se convirtió en una especie de manifiesto del neoclasicismo por su evidente empleo de soluciones tomadas de los maestros del Renacimiento, en particular de Rafael.
Wölflin
Fue un historiador de arte Suizo. fue catedrático en las universidades de Basilea, Berlín, Munich y Zurich, y uno de los estudiosos más influyentes en la moderna historia del arte. Además, conocido como uno de los máximos representantes del formalismo. Algunas de sus obras más destacada fueron Conceptos fundamentales para la historia del arte (1915), Renacimiento y Barroco (1888) y El arte clásico (1899).
León Battista Alberti
Arquitecto, teórico del arte y escritor italiano, fue además un peta, filósofo y organista. Estudio las leyes de la perspectiva que había desarrollado Brunelleschi. En su tratado Della Pittura (1436), explica estas leyes que serían fundamentales para la pintura de su época. Fue, con Leonardo da Vinci, una de las figuras más representativas del ideal del hombre del Renacimiento
Paolo Veronese
Fue un Pintor italiano. Uno de los tres grandes maestros de la pintura veneciana en la segunda mitad del siglo XVI, junto con Tiziano y Tintoretto. Se concidera que fue la figura principal del Manierismo veneciano y casi podríamos considerarlo un artista prebarroco. Era gran amigo de Palladio y otros grandes arquitectos de la época, por lo que se fijaba en el entorno donde reposarían su pinturas. Esto lo hace precursor de la pintura decorativa barroca.
Referencias Bibliográficas
Anton Raphael Mengs - 87 obras de arte - pintura. (s. f.). www.wikiart.org. https://www.wikiart.org/es/anton-raphael-mengs
Biografia de Anton Raphael Mengs. (s. f.). https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mengs.htm
Biografia de Heinrich Wölfflin. (s. f.). https://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/wolfflin.htm
Biografia de Johann Joachim Winckelmann. (s. f.). https://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/winckelmann.htm
Biografia de Leon Battista Alberti. (s. f.). https://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/alberti_leon.htm
De Enciclopedias, R. (s. f.). Las vidas de los más célebres arquitectos de todas las naciones y de todo tiempo, Francesco Milizia | Crítica de libros. https://www.criticadelibros.com/sin-clasificar/las-vidas-de-los-mas-celebres-arquitectos-de-todas-las-naciones-y-de-todo-tiempo-francesco-milizia/
De La Oliva Estrella Moreno Y Otros, V. M. M. E. R. C. (s. f.). Biografía de Johann Joachim Winckelmann (Su vida, historia, bio resumida). https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/5788/Johann%20Joachim%20Winckelmann
De La Oliva Estrella Moreno Y Otros, V. M. M. E. R. C. (s. f.). Biografía de Leon Battista Alberti (Su vida, historia, bio resumida). https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/6528/Leon%20Battista%20Alberti
Francesco Milizia - frwiki.wiki. (s. f.). https://es.frwiki.wiki/wiki/Francesco_Milizia
MCNBiografias.com. (s. f.). Milizia, Francesco (1725-1798). » MCNBiografias.com. https://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=milizia-francesco
Mengs, Anton Rafael - Colección. (s. f.). Museo del Prado. https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/mengs-anton-rafael/bcd5ee4e-bcc3-472b-a832-a4800279e0e0
Montejo, L. (2023, 17 mayo). Los conceptos fundamentales del arte según Heinrich Wölfflin. Hojas de acanto. https://www.hojasdeacanto.com/post/conceptos-fundamentales-de-la-historia-del-arte
Paolo Veronese. (1528). HA! https://historia-arte.com/artistas/paolo-veronese
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"KAMManufaktur 912C, MST Escort MK1 y Alfaholics GTA-R" - Por cierto, ¿has visto estos tres restomods? Impresionante gama: 912C de Kammanufaktur, Mk1 de MST Cars y GTA-R 290 de Alfaholics. Estos coches clásicos están repletos de modernas prestaciones y tecnología de última generación. Empecemos por el porche 912C de Kammanufaktur, una mezcla de lo moderno y lo clásico. Algo muy notable es su chasis inspirado en el 911 originales, pero con la adición de algunos cambios serios. Mecánicamente, este coche es donde la innovación realmente brilla. Tomando como base el motor bóxer de seis cilindros, ¡alcanza los 386 CV! La potencia se combina con un peso ligero: alrededor de 1.050 kg. Esas cifras, amigos, son impresionantes. Pero eso no es todo. El 912C cuenta con una caja manual de seis velocidades con una relación corta para ofrecer una aceleración inmediatamente emocionante. Añádele un interior completamente personalizable, y se puede decir que este auto es una auténtica obra de arte moderna. Pasando al Escorts Mk1 de MST Cars, es un regreso a la vieja escuela. ¿Recuerdas los buenos tiempos de los rallys de grava? Este coche te llevará de vuelta a esos días. Proporciona 200 CV, a la vez que seguras y excepcionales dinámicas de rendimiento. Los MST Cars han dejado su huella en la marca. No solo se incluyen los elementos emblemáticos, sino también otros que de seguro te dejarán boquiabierto, como los componentes de la suspensión ajustables en la altura. ¡Fantástico, pero es mejor no conducir esto por las calles de tu ciudad, a menos que quieras llamar la atención de todos! Finalmente, el GTA-R 290 de Alfaholics, que es básicamente un Alfa Romeo Giulia renovado. Se mantiene fiel a su linaje y destaca por su aspecto clásico, aunque esconde un secreto bajo su capó: un motor de doble árbol de 240 CV. ¿Es esto un viejo Alfa Romeo? ¿O un nuevo superdeportivo? ¿Por qué no los dos? ¡Su impresionante motor te dirá todo lo que necesitas saber! Así que ahí lo tienen. La mezcla perfecta de lo viejo y lo nuevo, presentada de tres formas tan diferentes pero igualmente espectaculares. ¿Cuál eligirías tú? ¿El Porsche clásico con todas las campanas y silbidos contemporáneas? ¿O querrías vivir una fantasía de rally con el Escort? ¿O tal vez preferirías el encanto italiano del GTA-R? No importa cuál elijas, una cosa es segura: estos restomods son pura diversión al volante, tal y como a los auténticos amantes del automovilismo les gusta. Y eso, mis amigos, es lo que realmente hace que estos clásicos sean tan especiales. ¡Adelante, disfruta del viaje! #ClassicCarsRestomod
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EL ARTE RENACENTISTA: LA ARQUITECTURA BIZANTINA Y LA OBRA DE RAFAEL SANZIO
El Renacimiento llegó a marcar un cambio de manera radical la forma en que se pensaba y percibía el arte y la arquitectura; por lo tanto, estaré argumentando en el presente escrito las innovaciones que rompieron con lo tradicional y la búsqueda de la excelencia por parte del movimiento del Renacimiento.
La arquitectura bizantina, experimentó una transformación bajo la influencia del movimiento Renacentista. Se fundamentó en importantes principios que hizo que rompiera con el estilo tradicional.
Rafael Sanzio, fue un gran maestro del Renacimiento italiano, ya que contribuyó al cambio del paradigma artístico. Esto fue gracias a que mezcló la estética clásica ya que entendía profundamente los principios clásicos y estableció nuevos estándares estéticos. Se puede ver demostrado en la representación de la figura humana en su obra “El Incendio del Borgo”.
La arquitectura bizantina, se caracterizaba por el detallismo en la ornamentación y el simbolismo espiritual. Luego fue transformada por el renacentismo, unos de sus principios era la simplicidad, la proporcionalidad y la simetría. La proporción y la simetría, fueron tomadas de la arquitectura romana y griega; esta transformación demostró ser un gran cambio que desafió las normas establecidas tradicionales para traer una estética diferente de los ideales clásicos.
Rafael Sanzio, uno de los grandes maestros del Renacimiento italiano, contribuyó al cambio de paradigma artístico. Su obra "El Incendio del Borgo" es un claro ejemplo de buscar la excelencia artística por medio de la expresión emocional y el excelente dominio de la técnica. En esta pintura, Rafael captura el drama del evento representado y utiliza la luz y la sombra de forma innovadora. Esta innovación en las técnicas artísticas que aplica en su obra crea una atmósfera que se aleja de lo convencional. La atención a los detalles como por ejemplo en el cuerpo musculoso del hombre que cuelga del muro, se puede apreciar el nivel de detalle, en este punto puedo entender que ya tenían un interés en estudiar la anatomía del cuerpo humano para perfeccionar.
En conclusión, la arquitectura bizantina y la renovación artística de Rafael Sanzio representan el Renacimiento. Ambos campos buscan la innovación y la excelencia, dejando atrás las convenciones para aplicar nuevas formas de expresión creativa. La arquitectura y el arte renacentistas, aunque distintos en su manifestación, comparten el mismo espíritu de exploración y superación de límites.
Referencias:
Equipo editorial, Etecé. (2023, January 24). Arte Renacentista: disciplinas, características y representantes. Enciclopedia Humanidades. https://humanidades.com/arte-renacentista/
Incendio del Borgo | artehistoria.com. (n.d.). https://www.artehistoria.com/obras/incendio-del-borgo
r sanzio — 3121-4211. (n.d.). 3121-4211. https://www.isado.net/raphael
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Iglesia Sant´Andrea - clase 03
La iglesia de San Andrés de Mantua es un magnífico ejemplo de arquitectura renacentista. Diseñada por el arquitecto León Battista Alberti en el siglo XV, esta iglesia destaca por su belleza y elegancia.
La arquitectura de la iglesia de San Andrés se caracteriza por su diseño simétrico y equilibrado. La fachada presenta columnas corintias que le confieren un aspecto clásico y refinado. El frontón triangular en la parte superior añade un toque distintivo a la estructura.
En el interior de la iglesia, se encuentra una nave central amplia y luminosa, con capillas laterales que albergan obras de arte renacentistas. Estas capillas están decoradas con pinturas y esculturas que realzan la belleza y el significado espiritual del lugar.
La atención al detalle y la precisión en la ejecución son evidentes en cada elemento arquitectónico de la iglesia de San Andrés. Desde los relieves y esculturas en la fachada hasta los detalles ornamentales en el interior, todo refleja la maestría y el talento de los artistas y artesanos de la época. La fachada es un testimonio del genio creativo de León Battista Alberti y su contribución al Renacimiento italiano.
colaboradores de Wikipedia. (2023b, agosto 3). Basílica de San Andrés (Mantua). Wikipedia, la enciclopedia libre. https://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_Andr%C3%A9s_(Mantua)
Historia II - Rebeca Tineo
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La contemporaneidad de Julius Evola
Por Maxim Medovarov
Traducción de Juan Gabriel Caro Rivera
El nuevo libro publicado por Alexander Dugin sobre Julius Evola demuestra que este pensador italiano del siglo XX sigue siendo uno de los más estudiados y traducidos en el ámbito ruso, ya que su popularidad sigue creciendo con los años. Si en la década de 1990 se publicaron en Rusia apenas tres o cuatro libros, desde el 2005 hasta ahora tal cifra se ha disparado a un total de 27 libros e incontables artículos [1] cuya cantidad no disminuye. A ello debemos agregar que las traducciones actuales son más o menos decentes y que únicamente Ernst Jünger puede competir en popularidad con este escritor italiano [2]. Las investigaciones académicas escritas sobre Evola son menos frecuentes, pero podemos mencionar los intentos muy poco exitosos de A. Zadornov, K.A. Yudin, M.A. Bandurin, G.A. Butuzov, Y.A. Butakov, la interesante monografía de D.S. Moiseev o las obras de investigadores extranjeros traducidas al ruso como Thomas Hansen y Daniel Colon [3], así como varios artículos de Alain de Benoit. En italiano también se han publicado varias monografías sobre Evola en el 2021, por lo que, gracias a esto, se ha convertido en uno de los pensadores actuales más estudiados (Evola rechazaba tajantemente el título de “filósofo”), pero, lamentablemente, los estudios sobre su vida e ideas se han convertido en “minucias” irrelevantes dispersas en miles de obras. El nuevo libro publicado por Alexander Dugin, El tradicionalismo político de Julius Evola, busca corregir este problema y replantear las ideas expresadas por el barón italiano desde el punto de vista de sus categorías filosóficas.
Algunos de los capítulos de este libro ya habían sido publicados anteriormente y han sido reeditados por Dugin, tal es el caso de “Imperialismo pagano” (1990), “Julius Evola y el tradicionalismo ruso” (1995), “La intensidad del camino mágico” (1996), “La experiencia de la ruptura” (1999), “La tradición frente al mundo posmoderno” (2011), “El observador y la abstracción como arte iniciático” (2012), “El último caballero del Logos romano” (2016). Otros capítulos han sido reescritos en su totalidad, pero el libro en su conjunto forma una totalidad orgánica. Sin embargo, el título de “tradicionalismo político” no refleja para nada el contenido de la obra, pues solo los últimos capítulos del libro escrito por Dugin tratan sobre temas sociopolíticos, aproximadamente una cuarta parte del libro. Las otras tres cuartas partes se dedican a estudiar los temas más importantes abordador por el barón italiano y que constituyen su herencia más importante: sus reflexiones sobre metafísica, antropología, el Absoluto y el hombre de las cuales se desprenden sus conclusiones sociopolíticas sobre los principios de su filosofía que, igualmente, siguen siendo secundarios. Es sintomático que una gran parte de los investigadores “académicos” tengan miedo de estudiar la mayor parte de los conceptos del Barón Evola, empobreciendo con ello su imagen y condenando la mayor parte de su pensamiento a ser marginalizado como sucedió en el siglo XX. Alexander Dugin espera que “quizás algún día llegará la hora en que Hitler y Mussolini sean vistos como figuras políticas dudosas que vivieron en la misma época que Evola y Heidegger” (p. 323). Por supuesto, un dialogo franco con Evola como un clásico y un contemporáneo nuestro siempre presente, como un interlocutor genial defensor de la Tradición, no excluye que haya tenido muchos sesgos personales subjetivos o que haya cometido errores y tuviera opiniones dudosas. Es necesario llevar a cabo un estudio cuidadoso que separa el grano de la paja del pensamiento de Evola y precisamente el libro de Alexander Dugin comienza abordando este punto.
Existen varios temas “transversales” que recorren este libro. En primer lugar, la antropología de Evola que aparece tanto en sus primeros escritos “idealistas” impregnados de un espíritu hegeliano radical como en su etapa más tradicionalista donde aborda la idea del hombre aislado y “diferenciado”, un Observador distante y al mismo tiempo comprometido con el mundo. Se trata de una especie de “dandi del Norte” – esa extraña figura alrededor de la cual gira el “idealismo mágico” de Evola” – que es interpretada por Dugin a la luz de los cambiantes paradigma de la Tradición, la Modernidad y la Postmodernidad como medios para revelar la inmutable figura del Sujeto Radical. Una vez formulada esta tesis quedan claras muchas de las ideas más controvertidas de la filosofía de Evola, como su participación juvenil en el dadaísmo y el arte abstracto, sus posteriores escritos sobre el individualismo mágico y sus artículos publicados por el grupo UR, o las obras de apogeo y decadencia, siendo Cabalgar el Tigre la más incomprendida de todas ellas. Entre el primer y último punto de este recorrido existe más de medio siglo de vida y búsqueda de Evola que terminó con la adquisición de una corona muy especial. El libro de Alexander Dugin también advierte en contra de aquellos que estudian únicamente los “últimos” escritos de Julius Evola o se concentran solo en sus ideas políticas y tesis militantes, el montañismo, la alquimia, el tantrismo, el budismo o el taoísmo. La clave para interpretar correctamente al Barón italiano subyace en su antropología, fenomenología e interpretación correcta que ocupa el hombre en el cosmos, solo a partir de aquí podemos comprender sus ideas sobre el “individuo absoluto”, “el mago y el héroe”, el “hombre diferenciado”, el “hombre entre las ruinas” o “cabalgar el tigre”, conceptos a los que llega después de darse cuenta de la “brecha inalcanzable” como experiencia dualista de la realidad a la que podemos acercarnos mediante conclusiones concretas socialmente significativas que Evola extrajo de sus experiencias fenomenológicas provocadas por el dolor y la alienación (conclusiones que no siempre resultan correctas o el único punto de vista valido). En cualquier caso, se recomienda a los investigadores que reflexionen en profundidad sobre el tema y lean encarecidamente capítulos del libro de Dugin como “El observador”, “Un poema filosófico sobre el Sujeto Radical”, “La experiencia de la ruptura” y “Cabalgar el Tigre” (este último es especialmente importante debido a los frecuentes errores cometidos a la hora de entender la estrategia de Evola de la apoliteia).
Otro discusión importante tiene que ver con las ideas de Evola acerca de la historia de la humanidad y el desenvolvimiento de las civilizaciones individuales, especialmente su comprensión o errores que cometió a la hora de entender las etapas de la degradación actual (Alexander Dugin, siguiendo las tesis de Alain Soral, hace hincapié en el origen bastardo y marginal de la burguesía liberal que antagoniza desde un principio con la Tercera Casta compuesta por el campesinado y el artesanado urbano). Los escritos polémicos del Barón Evola sobre la Metafísica del Sexo o sus obras sobre el tantra, el debate entre sus partidarios de izquierda y derecha, las controversias sobre el matriarcado y la dependencia de sus ideas de las problemáticas teorías de Johannes Bakhofen y Hermann Wirth, etc., también son abordadas en este libro. Alexander Dugin presta mucha atención al lugar especial que ocupa el tradicionalismo de Julius Evola como una variación de la Cuarta Teoría Política y el tradicionalismo metafísico en general, junto a Guénon, las diversas versiones cristianas del tradicionalismo, etc., trabajo que el eurasianista estadounidense Matthew Heimbach [4] ha venido realizando recientemente. Este tema se aborda en los capítulos finales del libro de Dugin, mucho más “políticos”, que explican la paradoja de combinar las ideas de Evola con ideologías de extrema izquierda, incluso anarquistas, con el tradicionalismo “de derecha”, la monarquía sacral, la teocracia, el sistema de castas y la vida comunal. Las páginas que el libro dedica al monarca oculto o “durmiente”, la perdida y encuentro del Grial, la lanza de Longinos y la hetimasia ortodoxa – “el trono preparado” – se encuentra sin duda entre los análisis más importantes del libro. Pero incluso esta doctrina del Rey de la Paz es interpretada filosóficamente a la luz de la antropología y la cosmología tradicional aristotélico-cristiana y el intelecto activo. El mito del Grial y el Retorno del Monarca, que son símbolos claves para entender la literatura tradicionalista – especialmente el tema del Grial que se ha ido desvaneciendo y “perdiendo fuerza con el tiempo” – son analizados para darles su lugar justo y sus proporciones exactas.
Uno de los capítulos más interesantes del libro de Alexander Dugin es “La alquimia como más que una ciencia exacta”, donde analiza La Tradición Hermética de Evola comparándola con la física de Aristóteles, definiendo el lugar paradójico y poco evidente que la alquimia posee en el conjunto de las ciencias tradicionales sobre la naturaleza, especialmente los métodos “orgánicos��� a los que recurre a la hora de trabajar con elementos como los metales y minerales “inorgánicos”. Si a primera vista la alquimia parece ser una especie de “física del infierno” creado por los enanos, en realidad se trata de un medio para descubrir el Espíritu divino en los minerales muertos, buscando que vuelvan a la vida y regresen a la Fuente Única de la que procede todo: “El alquimista, sumergiéndose conscientemente en el Inframundo, práctica el nigredo (el trabajo negro) con tal de liberar el alma aprisionada en la materia, en la nada, con tal de rescatarla, ennoblecerla, nutrirla, alimentarla y guiarla en el camino de ascensión al reino celestial por medio de las sucesivas etapas del albedo (el trabajo blanco) y el rubedo (el trabajo rojo)… La Luz de lo Uno termina por derramarse del Cáliz hasta descender a la Mente y el Intelecto, de ahí que el mundo corpóreo de los elementos finalmente deja de lado la zona infernal, el Gehenna. Desde este punto comienza el viaje de retorno y ascenso llevado a cabo por la alquimia” (p. 165). El pathos expresado por este capítulo va dirigido en contra de la física galileo-newtoniana triunfante en la Modernidad y remite a otro libro que Dugin publicó este año, Ontologías internas, que trata sobre este tema.
Claro, esta obra de Alexander Dugin plantea cuestiones muy interesantes sobre Julius Evola y el significado amplio o profundo de sus ideas planteadas en textos anteriores, pero no siempre ofrece respuestas definitivas e invita a los lectores a reflexionar y llegar a sus propias conclusiones. Esto es patente en el análisis de Dugin de la obstinación de Evola a no aceptar el cristianismo que lo lleva en muchas ocasiones a “distorsionarlo o convertirlo en una caricatura” (p. 318), incluso durante el momento en que mostró mayor lealtad hacia el catolicismo a finales de la década de 1930, siendo un tema que requiere un estudio más detallado sobre las cuestiones “últimas” de este problema que puede abrir nuevos horizontes en la fenomenología religiosa. Este tema ya había sido abordado por Colon en 1978, donde realiza algunas observaciones fundamentales de la actitud de Evola hacia el cristianismo y su alianza en contra de la amenaza neopagana que en múltiples ocasiones ha sido propuesta por nosotros [5]. Tal tema está muy lejos de haberse agotado o llegado a una conclusión definitiva, aunque Dugin concluye – haciendo referencia Vladimir Karpets, uno de los primeros traductores rusos del Barón – con estas palabras: “El anticristianismo de Evola, que se explica en gran parte como resultado de su entorno y contexto cultural, debe ser descartado, mientras que su llamada a una rebelión contra el mundo moderno debe ser abrazada y convertida en nuestro destino” (p. 331). Lo mismo opinamos con respecto al rígido dualismo apolíneo que Evola sostiene y que requiere de una reevaluación crítica, especialmente porque el Barón italiano exacerba el “régimen diurno” de la consciencia hasta rechazar muchas tradiciones auténticas que hacen parte de los pueblos del mundo, considerando toda manifestación de lo femenino como peligrosa. En cualquier caso, el “dionisismo” ortodoxo, con su culto a la Sofía (Sabiduría) y la centralidad de la Madre Dios nos llevan a sostener que el tradicionalismo evoliano militante que exacerba la masculinidad no puede ser considerado como el único camino, sino como parte de un problema metafisico más amplio. En cualquier caso, una crítica de Evola desde sus propias categorías de pensamiento y desde el tradicionalismo promete ser un viaje intelectual fascinante que permitirá un renacimiento personal para quienes se atrevan a seguir tal camino.
Lo más importante de este libro de Alexander Dugin es que nos proporciona un método que puede aplicarse a una amplia variedad de futuros estudios sobre Evola. Dugin ha hecho un trabajo muy importante al comparar la filosofía de Evola con las ideas de Aristoteles, Plotino, Proclo, el sufismo, el ismaelismo, el zoroastrismo, los Viejos Creyentes, el romanticismo alemán de Novalis y la fenomenología de Brentano y Husserl. Sin duda estos caminos deben seguir siendo explorados. Mientras leíamos este libro nos dimos cuenta de que pasajes enteros de la metafísica de Evola pueden compararse directa y literalmente con algunos de los planteamientos de los metafísicos ingleses (la doctrina del velo, la mitología artúrica, etc.) o la filosofía clásica rusa expresada por el padre Pavel Florenski, Alexei Losev y Lev Karsavin con respecto a su comprensión de la Eternidad, el tiempo vertical, la metafísica de la discontinuidad, la sacralidad del reino, el descenso a las tinieblas del infierno y el retorno (epistrophe) desde ese lugar. Tradicionalistas italianos de la década de 1980 y 1990 como Cattabiani y Zolla leyeron algunos de los escritos de Florenski en clave evoliana, pero tal lectura es apenas una aproximación al tema. Interpretar el “Poema sobre la muerte” de Karsavin en clave evoliana puede ser una tarea digna. Si queremos crear una filosofía rusa viva, activa y al mismo tiempo profundamente tradicional en el contexto del siglo XXI tendremos que seguir este camino. Los “filósofos” actuales han marginalizado conscientemente a la figura de Evola, por la cual sienten un gran desprecio, y por eso permanecerán ajenos al “gran retorno de la inmarcesible luz de la Eternidad y la Verdad, nuestra epístrofe" (p. 175) defendida por Dugin. O, en palabras de un poeta contemporáneo recientemente fallecido: “Barón Evola, tu carruaje está listo. / Esperamos el tiempo de tu regreso”.
Notas:
[1] Эвола Ю. Оседлать тигра. СПб., 2005; Эвола Ю. Люди и руины; Критика фашизма: взгляд справа; Ориентации. М., 2007; Эвола Ю. «Рабочий» в творчестве Эрнста Юнгера. СПб., 2005; Эвола Ю. Метафизика войны. Тамбов, 2008; Эвола Ю. Лук и булава. СПб., 2009; Эвола Ю. Традиция и Европа. Тамбов, 2009; Эвола Ю. Империя Солнца. Тамбов, 2010; Эвола Ю., Шуон Ф., Генон Р. Касты и расы. Тамбов, 2010; Кумарасвами А., Шуон Ф., Эвола Ю., Генон Р. Свет и тени. Тамбов, 2012; Эвола Ю. Абстрактное искусство. М., 2012; Эвола Ю. Герметическая Традиция. Воронеж, 2015; Эвола Ю. Размышления о вершинах. Тамбов, 2016; Эвола Ю. Восстание против современного мира. М., 2016; Эвола Ю. Учение о пробуждении. Очерк буддийской аскезы. СПб., 2016; Эвола Ю. Путь киновари. Тамбов, 2018; Эвола Ю. Мистерия Грааля. Воронеж, 2018; Понсен Л., Малински Э., Эвола Ю. Оккультная война. М., 2018; Эвола Ю., группа «Ур». Введение в магию. Т. 1. Тамбов, 2019; Эвола Ю. Даосизм. М., 2020; Эвола Ю. Личина и лик современного спиритуализма. М., 2020; Эвола Ю. Политические статьи. М., 2021; Эвола Ю. Поиски. Люди и проблемы. М., 2022; Эвола Ю. Запад и Восток. Тамбов, 2022; Эвола Ю., группа «Ур». Введение в магию. Т. 2. Тамбов, 2022; Эвола Ю. Очерки о магическом индивидуализме. СПб., 2022; Эвола Ю. Феноменология абсолютного индивидуума. СПб., 2023 (в печати); Эвола Ю. Миф крови. М., 2023.
[2] Письмо Юлиуса Эволы Эрнсту Юнгеру / пер. с нем. и предисл. М.В. Медоварова. 27.12.2022. katehon.com
[3] Бутаков Я.А. Природа и предназначение иерархии и аристократизма в социальной философии И.А. Ильина и Ю. Эволы // Консерватизм в России и Западной Европе: сборник научных работ / отв. ред. А.Ю. Минаков. Воронеж, 2005. С. 203–211; Колонь Д. Юлиус Эвола, Рене Генон и христианство. М., 2010; Хансен Т. Политические устремления Юлиуса Эволы. М. — Воронеж, 2010; Моисеев Д.С. Политическая доктрина Юлиуса Эволы в контексте «консервативной революции» в Германии. М. — Екатеринбург, 2021.
[4] Хаймбах М. Америка нуждается в революции: диалог между Честертоном и Эволой. 18.03.2017. rossia3.ru
[5] Медоваров М.В. Неоязычество и религиозные устремления Юлиуса Эволы в сравнительно-историческом аспекте // Интертрадиционал. Международный альманах Традиции и Революции. Вып. 2. К., 2011. С. 234–255; Медоваров М.В. Юлиус Эвола между христианством и неоспиритуализмом // Соловьёвские исследования. 2021. № 1(69). С. 164–180.
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Andrea Palladio: Forjando la Arquitectura Renacentista
Andrea Palladio, conocido por ser un destacado artista, pintor y arquitecto italiano nacido en Padua, dejó una huella imborrable en la historia de la arquitectura. Su legado se caracteriza por ser el precursor e inventor de modelos arquitectónicos que aún hoy inspiran la construcción de casas e iglesias. Palladio destacaba por su maestría en la integración de paisajes en sus diseños arquitectónicos, transformando la naturaleza circundante en parte fundamental de la experiencia espacial en sus edificaciones. Más allá de su enfoque práctico, Palladio demostró una verdadera pasión por la enseñanza a través de libros y tratados de arquitectura, entre los cuales destaca "I quattro libri dell’architettura" (Los Cuatro Libros de Arquitectura) publicado en 1570.
Uno de los momentos cruciales en la vida de Palladio fue la oportunidad de viajar a Roma en cuatro ocasiones, donde se inspiró en los trabajos de Bramante y Rafael, asimilando las técnicas y formas de la arquitectura romana clásica y renacentista. A partir de 1540, Palladio diseñó sus primeras obras, incluyendo villas y palacios. Sin embargo, su gran comisión fue la reconstrucción de la alcaldía de Vicenza, que marcó el inicio de su creciente influencia en la arquitectura. En la reconstrucción de la alcaldía de Vicenza, Palladio aplicó elementos arquitectónicos clásicos con maestría, creando una fachada elegante y simétrica que resaltaba la influencia del Renacimiento en su obra. Además, la utilización de columnas corintias y la atención meticulosa al detalle dotaron a esta edificación de un aura de grandiosidad que consolidó su reputación como un arquitecto visionario.
La obra más icónica de Palladio, la Villa Rotonda, es un testimonio de su genialidad. Esta residencia campestre se destaca por su diseño completamente simétrico, con pórticos majestuosos en cada uno de los cuatro lados que recuerdan las imponentes fachadas de templos antiguos. Palladio también priorizó la integración de paisajes y vistas panorámicas en su diseño. La Villa Rotonda se encuentra estratégicamente en una colina, lo que permite vistas panorámicas impresionantes de los alrededores. La armonía entre la arquitectura y el paisaje es un testimonio del genio de Palladio y su capacidad para elevar la experiencia de la vida cotidiana a través de la arquitectura.
Palladio creó un puente entre lo tradicional y lo moderno, adaptando elementos de templos clásicos a sus villas y diseñando prototipos de iglesias con un modelo de nave central y pasillos laterales, que aún se utilizan ampliamente. Además, incorporó influencias del arte manierista, centrándose en ornamentos y decoraciones sofisticadas. Su estudio del pasado, la incorporación de lenguajes clásicos en construcciones modernas y su habilidad para crear espacios armoniosos y elegantes en villas residenciales y templos lo convierten en uno de los arquitectos más influyentes del clasicismo. La Villa Rotonda, una de sus obras más icónicas, ejemplifica su genialidad con su planta simétrica y la integración de paisajes en sus diseños. Su legado perdura en más de 47 edificaciones protegidas por la Unesco en Veneto y sigue influyendo en la arquitectura a través del "paladismo".
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