Carlo Brown: Hip-Hop Simplemente

México, CDMX. Carlo Brown nació en la caótica Ciudad de Neza, sede por excelencia del movimiento underground mexicano. "Crecí escuchando rock, pero no fue algo que me impactara, mi mamá escuchaba música Disco y por mi papá hederé el gusto por la salsa".

Intrigado por los ritmos, Carlo Brown conoció el rap a través de Control Machete, pero su iniciación en el hip hop sería en la escuela del graffiti mientras descubría a Jay-Z, Redman y Sólo los Solo.

Mientras Carlo Brown hacía sus pintas en la calle también aprendió el fino arte del hustlin', a cómo moverse por la ciudad y a escribir rimas. Sus primeros raps los hizo en el patio de la escuela con un amigo, así eran los días de Carlo Brown entre rolar por el barrio y escuchar música.

Sin embargo, la secundaria se terminó y durante la preparatoria y la universidad, Carlo Brown dejó los versos a un lado pero no abandonó el hip hop. Entre 2009 y 2012 empezó a escribir reseñas y artículos para Doble H, Cabezas Underground, Ritmos Gordos y Border Mag en donde actualmente colabora. "A pesar de que dejé de rapear, quería estar involucrado de una u otra forma, decidí compartir lo que sabía, lo que yo escuchaba".

Cuando se a une a Brez (SonidoLíquido/Summer Maddness) y DJ Q Masta Q (SonidoLíquido/Summer Maddness) como backup en vivo, la chispa de la creatividad volvió a él junto con una emoción renovada para rapear. En 2022 es invitado por Aukan (Phatdiggaz) beatmaker argentino radicado en España, a participar junto con otros mc's en una serie de sencillos publicados mensualmente llamada Veinte Veintidós MIXTAPE.

Hoy Carlo Brown se encuentra promocionando su maxi 'Simple-Mente' producido, editado y masterizado por Brez, y remezclado por el saltillense OHD∆GEE con cortes de DJ Zack Vader. También está trabajando en su primer álbum el cuál no tiene fecha de salida todavía.

Giros Negros: ¿Por qué Hip hop y no otro género?

CB: Primero me identifiqué en los ritmos, pero cuando empecé a conocer el hip hop, me encontré en las cosas que decían, en lo representaban, en sentir orgullo de uno mismo.

GN: ¿Por qué raps y no beats?

CB: Intenté hacer beats, bajé Fruty Loops, pero no soportaba estar tanto tiempo sentado, me gusta más escuchar música que hacerla, en cambio escribir no me pide estar todo el día encerrado y ningún otro tipo de herramientas, sólo necesitaba una pluma y unas hojas, o ya ni siquiera eso, con el celular mismo.

GN: ¿Tienes algún método para escribir?

CB: Tengo varios procesos, pero no necesariamente concentrándome en una canción, a veces voy por la calle, estoy leyendo o veo algo y se me ocurre una frase, entonces hago una pequeña nota, una rima sencilla con las palabras que estoy pensando. Después voy bajando las ideas y les doy algún sentido entonces las acomodo en algún proyecto como hice con Aukan.

Pero cuando se trata de algo en concreto me enfoco en ello, a veces saco ideas de lo que anoto.

GN: Tu voz suena natural, no hay forcejeo y tirones en el flow ¿Cómo trabajas las cadencias?

CB: Me gusta escribir sobre el beat, me permite conocer la pista, moldear los flows antes de grabarlos. Cuando no tengo beat lo imagino, hago una acapella con las frases que tengo agregando lo que se me ocurra al flow.

Si después tengo el beat empiezo a cambiar cosas porque hay partes del ritmo que se necesitan acomodar. Así es como le hago.

GN: ¿Cuál es tu próximo proyecto?

CB: Me encuentro trabajando en un álbum que llevará por nombre "Soundtrack de un Siddhi" el cuál aún no tiene una fecha, pero he avanzado la mayoría de los tracks. Estaré soltando un par de sencillos en formato de maxi, el primero sale el próximo viernes 14 de julio en todas las plataformas y se llama "Simple-Mente (Co-beat 19)" producido por Brez, la neta es una joya de beat, tienen que escucharlo.

⠀ “ Tagging up Turf. ”

Estaremos llevando a cabo nuestra actividad #2, en honor a la misión que lleva el mismo nombre en el videojuego, en esta actividad estaremos ocupandonos de reclamar los territorios disponibles en la ciudad de Los Santos.

Hay muchas formas de mantener presencia para las pandillas dentro de la ciudad, sobreponerse sobre las otras pandillas, un método muy común es esparcir graffitis con el nombre y el color de su pandilla. Dentro de Los Santos existen 100 graffitis disponibles.

🟢 ¿Cómo pueden ganarlos?

Cómo algunos podrán recordar, a través de algunos juegos se les recompensó con latas de pintura, dichas latas de pintura son su principal herramienta para poder reclamar sus graffitis.

— 1 lata de pintura = 1 graffiti.

Observando bien el mapa podrán notar los graffitis esparcidos, unos se encuentran muy cerca de otros. La pandilla que tenga una mayor parte de graffitis en la misma zona es mucho más probable a posicionarse en dicho territorio que las otras pandillas.

En resumen: si tienen los graffitis pertenecientes al mismo territorio significa que dicho territorio será para su pandilla.

🟢 Dinámica.

Hemos preparado una tabla con números del 1 al 180. 100 casillas pertenecen a los graffitis enumerados y las 80 casillas restantes tienen recompensas y castigos.

Cada pandilla hará un orden con los jugadores que participarán en la actividad:

🟢 Jugador A › Jugador B › Jugador C

🟣 Jugador A › Jugador B › Jugador C

🟡 Jugador A › Jugador B › Jugador C

🔵 Jugador A › Jugador B › Jugador C

Estos jugadores participarán de manera simultánea, es decir, al mismo tiempo, los jugadores A participarán en una ronda, los jugadores B en la siguiente y así sucesivamente.

Su único deber es elegir una casilla para poder adquirir tantos graffitis como les sea posible.

¿Cuántas veces puedes elegir una casilla? El número de intentos equivalen al número de latas que hayan reunido, es decir, si tienen 3 latas tienen 3 intentos, si tienen 10 latas tienen 10 intentos.

Como se darán cuenta, mientras más latas tengan, más oportunidades tienen de ganar, pero eso no asegura su victoria.

🟢 Tipos de casillas.

Graffitis.

Están etiquetados desde G1 hasta G100.

Dinero.

Pueden encontrar desde $3 hasta $10.

Latas de pintura.

Es decir, un turno extra para seguir eligiendo casillas.

Multas.

Oh no, parece que has hecho enojar los policías y pueden multarte desde $3 hasta $10.

Verdades y retos.

Estos serán elegidos por los propios pandilleros.

Dibujos

Oh no, parece que el pandillero de ha distraído, en lugar de pintar un graffiti ha decidido usar su lata de pintura para colorear un dibujo.

🟢 Actividad.

Está actividad se llevará a cabo el día Sábado 6 de abril, todos los pandilleros participarán.

Sus recompensas por participar son:

— Los Graffitis que consigan junto a los respectivos territorios que completen.

— $1000 + 150 puntos.

Marcelo Hidalgo Sola y un paseo en moto para visitar el Patio del Liceo

Un reducto under se encuentra saliendo de la estación Agüero del subte D. En caso de que no puedas ir en moto, nos encontramos en la puerta de este Patio selecto, en donde bulle la originalidad y las propuestas de vanguardia de la ciudad de Buenos Aires. Imperdible.

Solo los amantes de los lugares raros conocen de su existencia. Próximo a una de las arterias más convulsas y agitadas de la Ciudad de Buenos Aires este pequeño sitio se deleita en su poca prensa .Lugar extraño si los hay, mezcla de oasis verde con arena, de estilo vintage, único en su especie, el Patio del Liceo encierra una de esas historias de la misteriosa Buenos Aires que tanto nos deleitan.

Este paseo que se abre al interior de una manzana típica de ciudad, fue la primera escuela shopping de la Capital y antes-, durante las invasiones inglesas-, un cementerio. En un rápido salto al siglo XXI, hoy, esta galería es como un nuevo Instituto Di Tella, un refugio del arte de vanguardia que se consagra desde lo marginal . Su mentor es un vecino del lugar , con visión de futuro ,Antonio Varela, patrono del Patio con club de fans en las redes sociales y al que se puede encontrar siempre en su interior.

El Patio del Liceo luce como una selva urbana con un despliegue de plantas que le dan un aspecto a paraíso escondido. Cuesta pensarlo a este Patio tan singular, en el corazón de Barrio Norte , exactamente en la avenida Santa Fe 2729, entre Anchorena y Laprida pero, aquí se encuentra y celebra su originalidad. Su nombre lo recibió de cuando fue, entre otras cosas, un liceo de señoritas y ya entrados los años 90 se transformó – explica Marcelo Hidalgo Sola- en una colorida feria de ropa de segunda mano vintage y en un edén de vegetación , vanguardia, arte y moda, con locales de diseños extravagantes y un puñado de artistas emergentes; pintores que abrían las puertas de sus ateliers al público y realizaban graffitis en todas las paredes.

Varela, su mentor le dice “la cueva del arte”. Él, con sus propias manos, arregló paredes, techos y cambió los pisos. Siempre dando vueltas por el Patio, si uno lo encuentra,seguro se entusiasmará contando por enésima vez la reconstrucción del lugar. Marta Minujín, amiga de Varela, le dijo en una oportunidad que no sabía cómo había hecho él para convertir en un lugar apto para el arte a tan tremendo desparpajo semiderruido . Pero hoy, con empeño y gracias al amor volcado en la iniciativa, este Patio logró convertirse en una propuesta cultural under con calidad de usina mítica al estilo de lo que fuera el Instituto Di Tella en los años 60’.

Una galería de arte en medio de una jungla artificial

En estas galerías vegetales con curiosos toques de jardín sevillano, hay una colección de locales con nombres poéticos que ameritan una segunda lectura para comprender bien qué clase de cosas podríamos comprar. Studio 488, Pasto y Fiebre son tres locales que ofrecen gran cantidad de artículos para el hogar con sello de autor y marca registrada de vanguardia latinoamericana. También hay una librería que no tiene nada que envidiarle por su encanto , a las más bohemias de Londres y París. Luego, al hacer algunos pasos más se encuentra (Purr) , un negocio de ropa en donde las texturas enamoran y llevan a los visitantes a “ronronear” de felicidad.

También, hay un local de un diseñador de joyas eclécticas que luce sus creaciones junto con algunos otros objetos religiosos y “mágicos” a la venta; un popurrí místico que le da al Patio un perfil alternativo, artístico y de vanguardia ecléctica dentro de la ciudad.

De todos modos, no hay que levantar mucho la voz, porque estos circuitos disfrutan de ser un tanto anónimos y de prosperar en la tranquilidad que le proporciona el público del under.

Paseo para la vista que incluye la propuesta de ricos platos

El Patio es un paseo tranquilo para venir a llenar la vista y la imaginación de ideas nuevas mientras se disfruta de un lugar sereno en donde la abundante vegetación refresca y acompaña la propuesta descontracturante . Salir del lugar , es volver a la jungla de cemento en un abrir y cerrar de ojos, pero el momento que dura el paseo es suficiente para recuperar el aliento y beber de una fuente de aguas que renuevan el espíritu. Uno sale con aires renovados,con ganas de incorporar más el arte a la vida cotidiana y ser más creativo, más innovador y de llenar los ambientes de la casa de plantas colgantes de todo tipo. Un dato para tener en cuenta: el Patio es ideal para comer algo vegetariano en el local de comidas del lugar, en dónde el mozo que lo atenderá es el mismo Varela, porque él está como le gusta decir “en todo” y acto seguido se escuchará el chasquido de sus dedos .

Originally published at on https://viajeenmoto.com.ar  May 8, 2023.

Quisiera arrancarme este dolor del cuerpo pero es que ya no está en mi cuerpo. Está en todos lados, se adueñó de todo como una plaga, como un bosque envenenado. Tu recuerdo trepa por las paredes de la habitación que jamás quise que vieras.

Está en todas las calles y rutas que camino y me pregunto cómo pueden dos personas en plena pandemia haber recorrido tanto la ciudad.

La urbanización me aplasta porque no hay nada más tú que la puta ciudad llena de grises, coladeras, vagabundos, mugre y ratas. No me gusta ver graffitis ya porque me da miedo un día ver una pinta tuya y que apliques otro nombre que no es el mío, una pinta tuya y no traer bote pa pisarte

Y pisarte quisiera en la vida. Hacerme grandota, volverme gigante y verte del tamaño que me siento ahora. Poder aplastarte sin arrepentimiento ni duda como hiciste tú el día que me dijiste que ya no me querías ni querías que viviéramos juntos.

Trato de sentir donde está el dolor, lo sentía dentro en mi pecho y mi abdomen. Intenté ahogarlo en hambre y alcohol. Decidí que necesitaba drogas más duras porque no estaba ahí, estaba en mi mente. En la ansiedad de llamarte y buscarte siempre porque tú no lo harás. No me dejes no me dejes no me dejes. Pero me dejaste hace mucho. Pero no estuviste nunca. No me dejaste porque no fuiste, no estuviste. No. La negación. Me quiero volar la cabeza con pastillas y papeles. Que el maltrip psicotropico sea mas fuerte que el mal trip de amarte. Pero el dolor tampoco está ahí. Está afuera en el futuro, en lo intangible. El dolor se volvió Dios y todo lo mira y es omnipresente. Y tiene forma de las personas preguntando cómo estoy, siento que nadie cree ni imagina lo mal que estoy. Me sorprende que piensen que fui yo la que te cortó, me hace pensar si debía haber sido así.

Las personas hablan mal de ti. Me dicen cosas que yo ya sabía, cosas que siempre negaste pero yo ya sabía y ahora confirmo. Dicen cosas horribles de ti y me dan ganas de pedirles que se callen porque me he esforzado tanto tiempo en minimizar tus maldades que no soporto que ahora vengan sobre mí como huracanes las verdades.

El dolor está en todos lados. La estúpida esperanza de que vuelvas y hagamos todo bien esta vez. No puedes hacer nada bien. No quieres hacer nada bien. Me merezco algo mejor. Me merezco algo mejor.

Quizá también me gusta la mugre y las coladeras quizá eres tú lo mejor. El otro día mientras ponías tu cabeza entre mi hombro y mi seno izquierdos y yo sabía que en la mañana te irías pensaba que eras el amor de mi vida y que nunca te lo había dicho también pensaba que el amor de mi vida no podría ser alguien tan imbecil así que no te dije nada, te quité y me di la vuelta para dormir.

No me gustan las coladeras, ni la mugre y el gris del pavimento me aplasta. Me gustan las plantitas que crecen en en cemento, las propas de las morras, los puestos de quesadillas y las niñas que juegan.

Me gustaba cuando caminábamos y jugábamos. Y te dije que éramos astronautas en un planeta ajeno descubriendo todo. Leí que las mujeres inteligentes se enamoran como idiotas. Y yo nunca había sido más idiota. Siento que viví sola un sueño. Mis recuerdos contigo tienen la luz dorada de los recuerdos lindos en las películas. Pero tú no eres luz dorada. Eres un charco sucio que no refleja ni siquiera nada.

Todo y nada. Yo soy todo y tú eres nada. Nuestro hijo para mí es todo y para ti fue nada. Yo todavía lloro por él y espero pronto dejar de llorar por ti. Escucho tu voz en mi cabeza diciendo "un día vamos a hacerlo bien, sólo acabemos la escuela y lo intentamos de nuevo" y me dan ganas de golpearte. De matarte con 12 pastillas en tomas de 4 cada tres horas. Que no entiendas que pasa, que sólo te vuelvas sangre y te tiren por el excusado, al fin que te gustan las coladeras.

No lo tuvimos porque querías hacer otras cosas, dijiste que yo quería hacer otras cosas y te creí. Pero no hay otras cosas no hay nada. Y por nada perdí todo. Tú también pero eres muy tonto para darte cuenta. A veces me gustaría ser igual de tonta.

Te sigo queriendo aunque digas que hablo mal de ti. ¿Acaso lo hago? No me detendré a pensarlo. Creo que una mujer herida tiene todo el derecho a sacarse la pus. Cuanto más si quien le clavó la daga va por ahí disfrazado de perrito triste. Esta es tu infección, aunque los síntomas los presente yo, es tuya, como el vph. Es tu infección y aunque todos los días que salía de tu casa al trabajo me imaginaba que te dejaba mi corazón putrefacto en la entrada de la unidad para que lo vieras, para que tú te encargaras de ese desecho cuando me fuera y no volviera. No pude. Te dejé el corazón pero estaba muerto, la putrefacción se había extendido y ahora ni siquiera está en mi cuerpo y no puedo sacarla. Está en todos lados. Como en las películas de hayao muyazaki cuando el bosque se envenena. Ojalá este veneno me salve de creerte otra vez algún día a ti o a cualquier otro que se presente con las mismas mentiras e intenciones hipócritas.

Ojalá un día pienses en mí, ojala no le hagas pasar nunca a otra mujer todo esto.

Y ojalá mi dios de dolor te alcance y también te aplaste.

Fin.

Lo que la pandemia dejó

Por Melina Pereyra* (Gral. Lamadrid, Buenos Aires, Argentina)

La ruta 86 costea las afueras de General Lamadrid. Sin cartel de bienvenida, la ciudad es atravesada por un arroyo de agua dulce que da vida al Balneario Municipal, donde les lamadritenses pasan su verano. Árboles altos y frondosos acompañan el viaje de ida hacia la entrada que espera con su nombre en letras blancas de cemento sobre el césped y detrás, la estatua de Juan Domingo Perón a caballo. El centro es el típico: una plaza que ocupa toda una manzana y está rodeada por la Iglesia Católica, el Municipio, un restaurante, negocios, una escuela primaria y el Banco Nación. En paralelo, una peatonal de dos cuadras con más locales, el Banco Provincia y el Banco Industrial.

  En la calle San Martín, a dos cuadras de la plaza, se encuentra Amelie. Guirnaldas pegadas a la vidriera y maniquíes de baja, media y alta estatura exhiben pantalones, remeras y camperas de abrigo. Sobre el costado izquierdo, en la puerta de entrada, nace un arcoiris. Con una alfombra que dice “hola”, Natalia Gianotti recibe a sus clientes. Mini clientes, mejor dicho. Su tienda de ropa es para niños y niñas desde recién nacides hasta los seis años. Colitas de pelo, hebillas, juguetes de tela y tejidos al crochet, baberos, platos, cubiertos, libritos y bolsas de madera personalizadas inundan el espacio. 

  En febrero de este año, cuando la pandemia no era una preocupación en la Argentina, ella viajó a una exposición en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (CABA) y compró toda la colección de otoño-invierno de las marcas con las que trabaja. El 19 de marzo le llegaron cajas de ropa, pero no tuvo tiempo de venderla porque al día siguiente hicieron cerrar los comercios durante un mes y sin delivery habilitado. Cuando reabrió, le dio un giro al estilo de prendas que vendía debido a la situación de las fábricas.

  —Se paró la producción. Entonces tuve que dejar de comprar camisas, por ejemplo, y comprar babuchas — cuenta Nati con una taza de té patagónico en las manos y apoyada sobre la mesa de madera que hay en medio de Amelie —. Este es el año de los pijamas y las pantuflas.  

   Desde ese momento ha trabajado un montón. Les clientes le piden mucha ropa de bebé, así que puso las fichas ahí y le va bien. Nati es ese tipo de persona que siempre tiene una sonrisa, habla bajito y despacio, como tímida, pero es justamente por eso que el local funciona y puede sostenerse. Su calidez reina en toda la tienda y la gente lo nota.

   La puerta de entrada del edificio que está arriba, es lo único que separa a Amelie de su local vecino: Las Chabelas. Ambos nacieron en el living de la casa de sus dueñas y se mudaron ahí en septiembre del año pasado. 

   —Lo que más me preocupó al principio fue el tema económico. Porque mis viejos me dijeron que podían ayudarme y que no me exponga, pero cuando llegan los gastos fijos hay que pagarlos—dice Paula Hernández, la dueña del local, y agradece no tener deudas ni empleades a cargo.

   Rodeada de cajas de calzado, esta joven de veintitrés años está parada con una zapatilla Vans color negra en una mano y los cordones en la otra, mientras cuenta que ya tiene varios pares encargados. Una pila de sweaters en una mesa y muchos más colgados en perchas ordenadas por gama de colores, evidencian que llegó el frío a General Lamadrid. 

  Los primeros días del mes siempre son una locura: “parece que se viene el fin del mundo y la gente no quiere estar mal vestida”, dice Pau entre risas. Claro que respeta todas las medidas de higiene como el uso del tapaboca dentro del local, el ingreso de una persona por vez, alcohol en gel al alcance y desinfección del vestidor cada vez que unx clientx se prueba alguna prenda.

   Después se sienta en un banco, agarra unas tijeras, apoya los codos sobre una mesa y fija la vista en lo que recorta. Stickers para bolsas. Ella es doblemente emprendedora, porque además de este local de indumentaria femenina, es diseñadora gráfica y lleva a cabo el diseño creativo de logos, etiquetas, agendas, anotadores, tarjetas de cumpleaños y más en ah la perinola! Durante este contexto, logró potenciarlo desde su cuenta de Facebook e Instagram y comenzó a recibir muchos pedidos.    

                                                         ***

  Hace más de cien días que la Argentina está en cuarentena obligatoria. Todo comenzó aquella noche del 19 de marzo, cuando el presidente Alberto Fernández confirmó lo que se venía rumoreando y declaró el confinamiento social y obligatorio a partir del viernes 20 por dos semanas, pero se extendió siete veces más. Las medidas tomadas por el gobernante y todo el equipo de infectólogos que lo aconsejan buscan priorizar “la salud sobre la economía”, como él mismo dijo, por lo que hay un Estado presente y preocupado por su pueblo. Aun así, hay rubros muy afectados y uno de ellos es el comercial, que ya venía golpeado por cuatro años de medidas neoliberales y, cuando por fin veían un horizonte de esperanza, llegó el covid-19.

   En lo que va de cuarentena, según la Cámara Argentina de Comercios (CAC) han cerrado 40 mil comercios a nivel país, sumado a una baja del consumo de un 30%. Su director, Mario Grinman, dijo que “el 11,5% de los locales comerciales que cesaron sus actividades por la pandemia de coronavirus no volverán a abrir una vez terminada la cuarentena”. Una ayuda que recibió este sector fue el fondo de Asistencia de Emergencia al Trabajo y la Producción (ATP) implementado por el gobierno nacional. Una bocanada de aire entre tanto encierro.

   Otro rubro fuertemente afectado es el recreativo, que preveía crecer un 19,4% pero solo crecerá un 2,8%. Los gimnasios están contra las cuerdas: de 8 mil que hay en todo el país, entre abril y mayo cerraron 400 definitivamente y se espera que, en junio, si siguen sin actividad, cierren 1600 más lo que da como resultado que un cuarto del total desaparecerá. Además, hay alrededor de 80 mil personas en relación de dependencia dentro del sector por lo que sería un golpe duro para todes elles quedarse sin laburo. Por eso, la Cámara Argentina de Gimnasios (CAG), piensa junto con el Ministerio de Salud en un protocolo con medidas sanitarias que les habilite abrir sus puertas.                                                   

                                                            ***

  Ariel Junger arrancó remándola. Primero, como estudiante de educación física daba clases en un gimnasio de Olavarría, ciudad a 120 km de General Lamadrid, donde vivía. Después, volvió a su pueblo y consiguió tres laburos: en un gimnasio particular, en el club de fútbol Racing como profesor de los más chiquitos y en clases personalizadas a domicilio. Cuando consiguió un trabajo en la pileta climatizada del Polideportivo Municipal, dejó todo.

 Hace tres años y gracias a los beneficios que conlleva ser empleado municipal, sacó un crédito y se animó a abrir su propio gimnasio. El pasado noviembre sumó un socio y agregaron un espacio de musculación, además del box de crossfit que ya funcionaba. En marzo llegó el coronavirus y tuvieron que cerrar. Ahora los vivos de Instagram son el espacio donde da clases totalmente libres y gratuitas, aunque sus clientes le pagan la cuota.

— Hola amigo —saluda a un hombre que acaba de entrar. 

—¿Viene a entrenar? 

— No, no —se ríe—. Es un chico que viene a mirar el baño.

  Desde el box hasta llegar al baño hay que pasar por un caminito de césped artificial rodeado de máquinas de musculación. Ya no se ingresa directamente, sino que ahora hay una pared de durlock blanca que del lado de afuera tiene un grafitti en tonos rojizos, anaranjados y amarillos con la frase “No pain, No gain” en letras blancas con bordes negros. Las frases motivadoras son marca registrada del gimnasio AmRob: a esta nueva se le suman “velocidad”, “potencia” y “fuerza” en letras coloridas formato graffiti y otras como “resistencia”, “agilidad”, “precisión” y “coordinación” en aerosol negro. Antes era un galpón de carpintería.

  Lo cierto es que Ariel no puede abrir todavía. Hace poco lo llamaron a una reunión con el Intendente, el Secretario de Deportes y todes les dueñes de gimnasios para ver cómo siguen. La idea es que abran con cuatro turnos por día, dos de mañana y dos de tarde, con no más de cinco personas cada turno. Pero a él las clases vía Instagram le funcionan bien, aunque no recauda lo que fue en el verano cuando el gym estaba explotado de gente, algo es algo. 

  —Con la dueña arreglé el 50% del alquiler, así que pago $6 mil nomás, la luz siempre viene fijo $3 mil más o menos y quedan los impuestos. También alquilamos las pesas, las camas elásticas y las barras para tener otro ingreso —cuenta cruzado de piernas y sentado sobre una goma de camión—. Por ahora con eso puedo pagar los gastos fijos, pero si esto sigue vamos a tener que pensar en otra cosa.   

Imagen: Melina Pereyra

*Estudiante de la Licenciatura en Comunicación Social con Orientación en Periodismo (UNLP).

IG:@pereyrameli     

Advertencia: contiene spoilers de Star Wars: The Clone Wars - Temporada 7, Episodio 5.

El nivel 1313 de Coruscant ha sido durante mucho tiempo un mito en el universo de Star Wars. Una vez destinado a ser el escenario de un videojuego de Boba Fett que nunca vio la luz del día, se supone que el lugar es el más sórdido y peligroso de los muchos niveles de la ciudad-planeta Coruscant. En "Gone With a Trace", el primer episodio completamente nuevo de la temporada 7 de The Clone Wars, es un lugar vibrante plagado de graffiti y pobreza. Ahsoka Tano regresa en este episodio, que la encuentra ayudando a un mecánico y a su hermana mientras oculta su identidad como ex Jedi.

En la línea de tiempo del programa, Ahsoka acaba de alejarse de la Orden Jedi y de todos los que ha amado, incluido un amiga cercana que la incriminó. Su angustia se trata principalmente con una mirada anhelante hacia los niveles superiores. Ese momento tiene mucho peso emocional, especialmente porque los fanáticos de Star Wars están condicionados a basar vidas de amor en la mirada anhelante de Luke Skywalker en una puesta de sol. Pero también seguimos esperando más introspección de Ahsoka, o más indicios de que estaba en estado de shock, o ... cualquier cosa que nos diera una pista sobre su estado mental.

Como una reintroducción del personaje, el episodio no es malo: la bicicleta de deslizamiento de Ahsoka se pone en marcha y cae miles de pisos en un instante. Ella habla consigo misma con una mezcla de competencia Jedi tranquila y miedo adolescente frustrado, y la escena pinta una imagen sólida de su personalidad. Su nuevo modelo y atuendo son geniales también. Siempre nos ha gustado el diseño de la especie Togruta de Ahsoka, y es divertido ver cómo el nuevo disfraz complementa su aspecto. Cuando conoce a la mecánica Trace Martez, Ahsoka es amable y se enfoca en su misión. Realmente apreciamos la amistad rápida y sin esfuerzo entre ellas.

Los estándares para los personajes femeninos en los programas animados se han vuelto mucho, mucho más altos desde que comenzamos a ver The Clone Wars, pero aún aprecio que Trace tenga claramente sus propios intereses, habilidades y personalidad (principalmente). La trama requiere que Ahsoka no hable de las otras personas en su vida. Ahora está distanciada de Anakin, Obi-Wan y Barriss Offee y no va a derramar ese dolor a una persona que acaba de conocer, por muchas razones. No ayuda que Trace diga que no confía en los Jedi.

En una adición interesante al sentimiento anti-Jedi mostrado por algunos miembros del público al final de la sexta temporada, Trace expone sus preocupaciones. Los Jedi "comienzan guerras" y no se molestan en ayudar a las personas que sufren bajo sus pies en Coruscant. Esto se ha exhibido durante todo el espectáculo, ya que Jedi a menudo no puede ver el bosque por los árboles cuando se trata de la guerra. Están haciendo lo que la República les dice que hagan, pero ¿es eso realmente lo que el "lado luminoso de la Fuerza" llama a la gente a hacer? La venganza de los Sith confirma que no lo es.

Eso nos lleva de vuelta a los dilemas morales de Ahsoka. Ella no es el tipo de persona que colapsará inmediatamente en sus ansiedades, pero quería un poco más de reconocimiento de lo que está pasando. Es genial que su falta de voluntad para usar la Fuerza sea tácita. En un episodio bastante poco sutil cuando se trata de diálogo y configuración de escena, este punto de la trama está muy bien restringido. Ahsoka nunca expresa abiertamente que usar la Fuerza aquí crearía tantos problemas como resuelva, pero está claro por el contexto. Ella dice que no entiende a las personas, pero a qué se refiere exactamente no está claro. ¿Se trata de la Orden Jedi en su conjunto? ¿Sobre Barriss o Anakin? ¿O sobre sus sentimientos de aislamiento en general?

Quizás la actuación de voz de Leyla Rangel tiene algo que ver con eso, algo en su voz suena un poco demasiado pulido, su tono cambia entre astuto y preocupado sin mucha sombra en el medio. Tanto Trace como su hermana mayor, Rafa, también se interpretan con caricatura alegre que a veces parecía pertenecer a un espectáculo para un público mucho más joven.

Trace y Rafa están en problemas financieros. Trace se ve sacudida por la deuda de su hermana, solo para descubrir que Rafa sigue tomando trabajos que la llevan por encima de su cabeza. (O, al menos, creemos que esa es la situación de Rafa. Al principio no estaba claro si era propietaria de la lavandería o si le estaba robando o ambas cosas. De alguna manera, ha adquirido una reputación de poder reparar droides, pero no generalmente lo hace; pedirle ayuda a su hermana mecánica parece ser la primera vez.) Su argumento es útil pero poco emocionante, con el diálogo directo típico de The Clone Wars. Rafa y Trace se sienten casi más como madre e hija que como hermanas. Rafa toca la cara de Trace de una manera condescendiente y llamativa que puede o no haber tenido la intención de parecer puramente cariñosa.

Luego viene la escena de acción obligatoria, una persecución que es lo suficientemente ingeniosa pero se siente extrañamente colocada. El droide de demolición destruye las cosas de derecha a izquierda, dando a la persecución mucho humor y sentido de la aventura. La música divertida y animada de dibujos animados que se escuchaba junto con ritmos de acción me funcionó. Pero la escena no se engancha muy bien en la trama principal hasta el final predecible, donde Ahsoka tiene que elegir si usar o no la Fuerza.

La música, las multitudes, la animación y la iluminación realmente se unen para que el nivel 1313 se sienta como un lugar real. Los fans saben que hay lagos y otras vías fluviales en Coruscant, pero ver uno rodeado por el puerto deportivo de la ciudad fue satisfactorio.

Este episodio comienza el viaje de la temporada al arco de Asedio de Mandalore, por lo que habrá muchas más Ahsoka en las próximas semanas. Estoy deseando que llegue, y al mismo tiempo tener en cuenta algunas verdades inevitables: habrá un diálogo forzado y algunas relaciones vagas de carácter. Con suerte, también habrá algunos más mirando fijamente al cielo y escuchando música que solo un héroe de Star Wars puede escuchar.

«Cómo no te voy a querer (o la micropolítica de las “barras”)», Pedro Lemebel.

Deshojadas del control ciudadano, las barras de fútbol desbordan los estadios haciendo cimbrar las rejas o echando por tierra las barreras de contención que pone la ley para delimitar la fiebre juvenil, la prole adolescente que se complicita bajo la heráldica de los equipos deportivos. Es así, que cada confrontación deja como resultado una estela de palos, piedras y vidrios rotos al paso atronador de La Garra Blanca y Los de Abajo; dos sentimientos de la hinchada pelotera que aterrorizan el relax de los hogares de buena crianza, con los ecos mongoles de la periferia.

Ambos fanatismos se descuelgan al centro desde la misma poblada, con el mismo vandalismo romántico que interviene el aparato regulador que sistematiza y acalla la euforia pendeja.

Los supuestos rencores entre las dos barras son vecinos que amortiguan las faltas económicas con el baboseo de la caja de vino compartida o en el vapor ácido de los pitos que corren en la brasa centella que dinamita la batalla. Pero más allá de la rivalidad por los goles o el penal a último minuto, ellos saben que vienen de donde mismo, se recuerdan yuntas tras la barricada antidictadura y están seguros de que la bota policial no hará diferencia al estrellarse en sus nalgas. Saben que en realidad se juntan para simular una odiosa oposición que convoca al verdadero rival; el policía, garante del orden democrático, que ahora arremete a lumazos en las ancas del poder.

Podría hablarse de estallidos juveniles que carnavalean su agosto bastardo gritando "te amo albo, te llevo en el corazón", en la piel, en la bulla de los chicos que no se cansan de entonar el "cómo no te voy a querer". A pesar del calor que cosquillea en la gota resbalando por la entrepierna ardiente, a pesar del pegoteo de torsos desnudos mojados por la excitación, los chicos se abrazan y estrujan estremecidos por el bombazo de un delantero que mete pelota rajando el himen del ano-arco. Entonces el gol es una excusa para sobajearse encaramados unos sobre otros, en la ola afiebrada que trepa las rejas que protegen la cancha.

Estas demostraciones juveniles ensordecen la pastoral democrática; son escaladas de péndex que exhiben en la marea delirante la erección del jean cortado a media pierna, a medio culo el tajo de la moda asoma una nalga morena, un trozo de muslo velludo que riega los estadios. Un desenfado donde nadie está seguro, porque la botella gira en el aire y puede reventar en la frente de cualquier hincha descuidado. Nadie está protegido, menos la loca de cintillo indio que haciéndose el macho, logró confundirse en el ondear de las banderas venteadas por los desalmados. Esa misma loca que odia el fútbol, que de chiquitita jamás pudo patear una pelota encumbrada en el imaginario frágil de sus tacos altos. Pero le ganaron las ganas de estar allí, en medio de tanto refregón, a la deriva de los cuerpos ensopados que descargan su potencia futbolera en el arrebato de un "te quiero adicto".

Mucho le costó llegar al centro de la barra, estar mecida por el maldito corazón en medio de las consignas. Pasó colada arqueando las piernas, dando unos cuantos empujones y ensuciándose la lengua con los "sí, pos loco", "chi la gueá" y otras tantas cosas del lunfardo pelotero. Pero al fin llegó y mientras finge mirar el partido siguiendo la pelota que rueda en el pasto, que rebota como todas las pelotas que saltan a su lado, jugosas en el nido peludo que acuna el baile. Mientras simula un traspié, un leve estrellón que la desequilibra para sujetarse de lo que está más a mano, del racimo humeante del péndex que hace rato la tenía cachuda. Y sólo esperaba el agarrón de la loca para gritar: "Aquí hay un maraco." Pareciera entonces que a la voz de maraco enmudece el estadio completo, la pelota se detiene en el aire justo antes de cruzar el travesaño y el alarido de gol queda colgando en la o sin alcanzar el triunfo de la ele. Los jugadores perplejos apuntan a la galería, al centro de la barra brava donde la loca aterrada se ha quedado sin habla. Como un sagrado corazón en espera del martirio. Con un calambre en la garganta que la hace vomitar el gol y la palabra esperada retiembla el coliseo, volviendo la salsa revoltosa a animar la galería.

Así, girada en la confusión, la loca sale de vuelo resbalada en la humedad de los abrazos. Se desliza casi espuma hasta los pasillos de acceso, donde los baños hierven de hombres en el amoníaco de los urinarios.

Allí ese olor familiar reaviva la sed carmesí de su boca chupona. Al amparo de las escrituras profanas, se relaja en el espejeo de los graffitis que oran mohosos: "Aquí se lo puse al albo", "La Garra lo chupa rico". En cada frase temblorosa se permean las ganas de encular al rival, de sentarlo machamente en la picota. Como si placer y castigo fueran un rito compartido, una metáfora inyectora que castiga premiando con semen las insignias del contrario.

Así, el ojo coliza recorre el muro, en cada dibujo apurado recorta apuntes y croquis fálicos como rosas de un papel mural sepiado por las huellas del orín. Flores de yodo rebanan el iris de la loca, alfabetizan su deseo en los signos desvaídos por la soledad del baño público. Una crónica voyeur que recoge su silabario aguaitando a través del agujero el baño contiguo. Mirando el chorro dorado de un hincha que expulsa la cerveza. Un péndex que también ha visto el lente de la loca congelado en su miembro. Ese ojo rubí que horada el muro con desespero. Entonces a una señal la loca se cambia de equipo, se mete en la caseta vecina donde el chico la espera agitando tarjeta roja entre las manos. Después la puerta cerrada es sorda a la bullanguera farra que persigue la pelota. Afuera el estadio estalla cuando un centro-foward zigzaguea la bola por la entrepierna, apenas la roza, la puntea, la baila en la pelvis, al pecho, la goza cabeceando y zoom mete cuerpo y balón en el hoyo del arco.

El "cómo no te voy a querer" es coreado a todo pulmón al terminar el partido y las dos barras se desgranan por la ciudad pateando las señales del orden, meándose en cada esquina donde la autoridad instaló cámaras para vigilar con ojo punitivo.

Marejadas en shorts y zapatillas rotas desafían la represión que silba en bombas lacrimógenas y carros lanza-aguas abollados por los peñascazos. Después la batahola se dispersa por las calles, entre los bocinazos, bombos y pitos que animan la salsa rockera de los locos. La cumbia picunche que menea el trasher al son del ya tan amado "cómo no te voy a querer", escrito en todas partes, voceado en las murallas por la lírica malandra de su ortografía. Una escritura itinerante del spray en mano, que marca su recorrido con la flechada gótica de los trazos. La gramática prófuga del graffiti que ejercita su letra porra rayando los muros de la ciudad feliz, la cara neoliberal del continente, manchada por el rouge negro que derraman los chicos de la calle.

A ver si los encuentran, a ver si los dirigentes del equipo se hacen cargo de sus desastres, después de que el alcalde los declaró peligro público, un mal ejemplo para la juventud que no se emborracha ni cae en las drogas. Nuestros muchachos de espíritu sano, de polera blanca y jeans recién planchados, empeñados en el servicio social, en pasear ancianos y sacar el barro de las inundaciones. Tan diferentes a la tropa delictual que descarriló un tren de puro gusto, por no querer seguir en la misma vía ordenada por los semáforos. Sólo bastó que a un loco se le ocurriera desenganchar el carro donde regresaban, después de un partido, para que todos se embalaran, de puro volados, sin ton ni son, vieron la locomotora alejarse sola por la línea ferroviaria, cagados de la risa, pensando en que el conductor estaba seguro de llevarlos por la aburrida senda del buen camino. Ellos que alguna vez soñaron con el trencito eléctrico de la infancia rica, por esa vez tuvieron un tren de verdad, para irse a Woodstock alejándose de los tierrales secos de la pobla, de la ley pisando los talones y siempre arrancando, toda la vida en apuros de colegio, cárcel y hospital.

Por eso se la creen amotinados, rebasando la nota armoniosa de la urbe civilizada. Se la creen borrachos moqueando la derrota y también borrachos celebrando el triunfo del equipo. Como una pequeña victoria de ángeles marchitos que siguen entonando la fiesta más allá de los límites permitidos, rompiendo el tímpano oficial con el canto tiznado que regresa a su borde, que se va apagando tragado por las sirenas policiales que encauzan el tránsito juvenil en las púas blindadas del ordenamiento. Autor: Pedro Lemebel

Durante las últimas dos semanas, los Estados Unidos ha visto algunos de las protestas y los disturbios más grandes y militantes en décadas. Ya a escala nacional, el movimiento inició en Minneapolis después del asesinato policial de George Floyd. El enfado que siguió resultó en manifestaciones masivas, confrontaciones con la policía, incendio provocado,saqueo, duelo, y rebelión que propagó por todo el país dentro de algunas horas. El Tercer Recinto Policial de Minneapolis, donde los asesinos trabajaron, fue quemado hasta los cimientos, y coches policiales fueron incendiados desde Nueva York a Los Ángeles en el daño más extendido a los edificios punitivos del estado visto en el siglo, alimentado por décadas de enfado a vigilancia racista y el flujo incesante de asesinatos policiales de personas Negras. Ahora, incluso la izquierda electoral orientada a reforma está seriamente discutiendo una versión ablandada de abolición policial al nivel nacional, reinventado como “desembolsación”, y el Consejo Municipal de Minneapolis ha comprometido a “disolver” su departamento de policía. No hace mucho tiempo, la demanda de abolición habría sido considerado utópica.

Mientras que el movimiento contra la brutalidad policial y la institución de la propia policía se desarrolla rápidamente en los EEUU ya hemos visto en ella las huellas de otros disturbios y luchas masivas que surgieron a través del globo, de Chile a Francia, Líbano, Irak, Ecuador y Catalonia, por nombrar algunas. Aquí, cualquier análisis amplio de rebelión en los EEUU sería prematuro, mientras los fuegos están literalmente quemando en las ciudades por todo el país. En su lugar nos gustaría ofrecer algunas observaciones breves sobre las luchas en Hong Kong, que hemos hecho lo mejor posible seguir de cerca, enfocando en una innovación táctica en particular que nos sentimos podría ser una contribución útil a las protestas que siguen en los EEUU y más allá. Ya hemos visto gente en las calles adoptando lecciones dispersados desde Hong Kong y otros puntos calientes en el ciclo global de rebeliones del año pasado: una barricada de carros de compras de Target en el estilo Hong Kong afuera del asediado Tercer Recinto Policial de Minneapolis, técnicas para extinguir gases lacrimógenos en Portland, informes de láseres deslumbrando cámaras policiales y viseras en varias ciudades, paraguas levantados contra spray de pimienta en protestas en Columbus y Seattle, y agradecimientos de graffiti a camaradas de Hong Kong en tiendas tapiadas o saqueadas en ciudades múltiples. Las semejanzas eran tan chocante que el director paranoico del tabloide estatal The Global Times en China, Hu Xijin concluyó que “manifestantes de Hong Kong han infiltrado a los EEUU” y “planificaron y dirigieron” los ataques.

Podemos hacer poco para guiar como el movimiento se desarrolla (ni querríamos guiarlo si fuera posible), pero esperamos que algunas de las herramientas y las tácticas utilizadas por nuestros amigos y camaradas en Hong Kong podría ser útil para los que están en las calles de otras ciudades[1]. En particular, les ofrecemos para su consideración la evolución del rol de la “primera línea” (“frontline” en inglés, desde aquí usaremos el inglés) en el movimiento en Hong Kong, con la esperanza que sea útil en formar cercania entre militantes y participantes pacíficas en las calles en otras partes.

Como en movimientos anteriores, ya ha habido desacuerdos considerables sobre cómo enfrentar las fuerzas del estado en los EEUU. Parecido a otros movimientos desde Ferguson y antes, algunas (pero no todas) organizaciones activistas formales han empezado engranar con la ala “suave” del aparato represivo local, saltando a la acción para apisonar la militancia de la insurrección inicial: “Líderes comunitarias” colaboran con la policía, llevando a las multitudes a emboscadas y rodeas policiales (“kettling” en inglés) y literalmente señalando manifestantes “violentos” en la multitud. Mientras tanto, gobiernos locales por todo el país declaran que los que están iniciando la destrucción de la propiedad o luchando contra la policía son “agitadores externos,” con la alcaldesa de Seattle tuiteando que “la mayoría de la violencia y destrucción, tanto aquí como en todo el país, ha sido instigado y perpetuado por hombres blancos.” Pero es abundantemente claro que la ira reprimida contra la policía es sumamente extendida, y en las calles ha surgido un consenso amplio que ellas deben ser opuestas.

Hong Kong podría ofrecer un camino que escapa la inevitabilidad parecida de conflictos sobre acciones violentos y no violentos y como abordar con las fuerzas del estado. Para los que buscan una nueva forma de formar cercanía entre formas de participación militante y pacífica, pensamos que una de las contribuciones más importantes de la ciudad a esta nueva época de luchas ha sido el desarrollo de roles y formaciones particulares para ser desplegado en las calles, y además sus enlaces con las estructuras apoyantes que han unido a los que están dispuestos a pelear contra la policía con todos los demás en el movimiento. En particular, queremos subrayar el concepto de las “frontliners” de Hong Kong, quienes no solo desarrollaron muchas técnicas exitosos para confrontar a la policía, pero también establecieron una nueva relación entre los elementos militantes y no violentos de acciones callejeras tras de muchos meses de experimentación.  

¿Qué significa “estar en el ‘frontline’”? El término se ha vuelto increíblemente popular durante los últimos meses a través de idiomas y dominios sociales, especialmente en referencia a trabajadores médicos y otros que están particularmente vulnerable a la pandemia en curso. Esto oscurece la oleada original en la popularidad del término en cultura dominante el año pasado, cuando se refirió a manifestantes en varios partes del mundo. Las adulaciones oficiales por trabajadores saliendo del turno en Wuhan y Nueva York nos parece como extraño ecos, orquestado por el estado, del canto “¡vivan lxs de la primera línea!” que había saludado a manifestantes regresando de batallas contra la policía en Chile durante el otoño pasado. Lo que permitió los usos del término versátil y aparentemente opuesto fue precisamente su habilidad de integrar efectivamente actividades que de otra manera hubiera sido separado. Este uso propuso una unidad definido no por homogeneidad sino por apoyo de la lucha en general, simbolizado por aquellos en el “frontline.” Ahora, con el regreso de disturbios en los EEUU, nos parece posible que el uso del término puede volver a nombrar a los que enfrentan a la policía: En Connecticut, una linea de manifestantes vestida de negro enfrentaron a la policía usando máscaras que debe haber sido destinado para prevenir la propagación del virus. En una captura de pantalla borrosa, una mujer tenía un cartel que leyó, “los únicos aliados son los que están en los ‘frontlines’.”

La idea básica que permite que el concepto del “frontline” integra con el movimiento más allá que las divisiones viejas entre violencia y no violencia, o “la diversidad de tácticas”, es que los de los “frontlines” toman riesgos personales para proteger a los que los rodean, idealmente con (pero a menudo sin) equipo de protección distintivo, y que estos riesgos ayudan a empujar hacia adelante el movimiento entero. Esta es también la razón por la expansión tan fácil del concepto a la respuesta pandémica. La lógica básica del riesgo personal en apoyo de la lucha es más o menos identical. Pero en los casos médicos, el estado tenía un interés claro en movilizar el término para cooptar respuestas populares o disfrazar su propia incompetencia, todo con el meta final de suprimir la pandemia. Ahora, sin embargo, el estado no tiene tal interés, porque no comparte el mismo objetivo que los manifestantes que invocan el concepto del “frontline.” En cambio, posará “líderes comunitarios,” tal vez incluso retratarlos como hubieran sido “en los frontlines” del movimiento en alguna manera, pero no hay necesidad a fingir a apoyar quienes están realmente en conflicto con la policía. Esto significa que el término tiene la habilidad para volver al significado que ganó en Hong Kong, definido por riesgos tomado en defensa de todos o el acto de arriesgar la vida para proteger a los demás, simultáneamente empujando la lucha hacia adelante.

En el transcurso de la intensificación de enfrentamientos callejeros durante 2019, manifestantes de Hong Kong produjeron innovaciones rápidas, incluyendo la invención de equipo nuevo y formaciones distintas con posiciones específicas tácticas que sería llenado dentro del cuerpo de la protesta. La “frontliner” surgió en este contexto como un rol reconocible para los que, con armadura y estrategias de mitigar gases lacrimógenos, se posicionaron directamente contra la policía, respaldado por camaradas en las segundas y tercera líneas.

Esta innovación técnica propagó rápidamente, primero a Chile y después a otros contextos latinoamericanos. El primer salto de Hong Kong a Chile fue probablemente traducido por “pornografia del alboroto” subido a YouTube o simplemente transmitido por el aire embriagador del ciclo de rebelión de 2019. Un participante en un “clan de frontline” en Chile deja en claro que las tácticas que usa su grupo fueron adoptadas de Hong Kong. Pronto, otros alborotadores locales estaban preparándose con tácticas notablemente similar, incluyendo escudos, consignas, construcción creativa de barricadas, y la adopción extendida de punteros láser de alta voltaje como herramientas para interrumpir las cámaras policiales y su visión (tanto como, en un caso memorable de la destrucción de un dron policial). Más allá de estas adaptaciones específicas, la estructura del movimiento chileno fue también organizado a lo largo de maneras reconocibles: Siguiendo un periodo de demostraciones contra un aumento en los precios de transportación pública, incluyendo la evasión generalizada de tarifas y las marchas grandes, una ofensiva policial luego provocó a demostraciones masivas y alborotos que, en Chile, se conocen popularmente como “la explosión social.” En un video de una protesta en Plaza Italia, Santiago de Chile, un hombre en un edificio con vista a la plaza comenta con entusiasmo que la demostración “es solo posible porque hay un grupo de jóvenes” que ha organizado a “parar los esfuerzos represivos.”

      https://youtu.be/BqJQbpDUgeA

Durante el período siguiente, cuando se declaró el estado de emergencia en las ciudades del país, un espacio por manifestaciones pacíficas fue defendido por manifestantes dispuestos a luchar contra la policía. Al igual que en Hong Kong, estas “frontliners” se organizaron principalmente por rol: portadores de escudos, lanzadores de rocas, médicos, “mineros” (productores de proyectiles), manifestantes en la última línea con láser para interrumpir la visión de la policía o las cámaras, y barricadas para bloquear los avances. A diferencia de los desarrollos posteriores en la estrategia de Hong Kong “be water” (“ser agua”), que promovió el agotamiento de la policía a través del movimiento constante, el movimiento chileno comenzó con el establecimiento y el defendimiento de líneas específicas alrededor de la “zona cero” o “zona roja” para evitar que la policía ingresaron áreas donde se reunieron otros manifestantes. Sin embargo, a medida que aumentaba la represión, los enfrentamientos diarios se convirtieron esencialmente en batallas, calle por calle, entre los organizadores y la policía. Aún así, la importancia del “frontline,” como una herramienta para hacer posible la protesta, fue ampliamente reconocida por aquellos dentro y fuera del movimiento, con “lxs representantes del ‘frontline’” bien celebrados cuando fueron invitados a participar en entrevistas de televisión. Al igual que en Hong Kong, lxs miembrxs del “frontline” que formaron grupos autónomos para defender el movimiento tuvieron tremendo apoyo de participantes externos, de forma anónima y grupal, como se quejaron algunas figuras de los medios comunicativos de la derecha.[2]

Se adoptaron tácticas similares en Colombia a través de Chile y Hong Kong, a medida que los grupos que se organizaban en Facebook dieron cuenta que era necesario proteger a lxs manifestantes del movimiento contra la violencia policial, que era mayormente guiado por estudiantes. Sin embargo, los miembros más prominentes del “frontline” declararon que actuarían de manera puramente “defensiva” en lugar de atacar directamente, sin antagonismo de la policía. A medida que el movimiento popular más amplio se calmó, las opiniones sobre estos grupos (caracterizados por sus escudos azules reconocidos por los medios) comenzaron a cambiar. Adoptaron conscientemente la estrategia de “be water” de Hong Kong, pero muchos de los movimientos estudiantiles lo percibieron como un abandono físico del movimiento estudiantil, que no había tomado las mismas decisiones tácticas. En términos más generales, las “frontliners” en las protestas estudiantiles Colombianas fueron percibidas como oportunistas, intentando hacer un espectáculo amigable con los medios y tratando de desviar las marchas de las rutas acordadas. Últimamente, este tipo de “frontline,” altamente inorgánica, quedó alienada del apoyo que recibió en el principio por el parte del movimiento más amplio.

En estos contextos diferentes, el desarrollo de la posición del líder ha marcado un avance importante en las tácticas de confrontación callejera con la policía. Estos tipos de tácticas deben, por supuesto, cambiar para adaptarse a situaciones particulares, pero podemos aprender del conocimiento global de la lucha que desarrolla continuamente. En la década siguiente a la caída del movimiento anti-globalización, la discusión sobre las tácticas para combatir a la policía se solidificó en gran parte en debates sobre el “el bloque negro” (black bloc en ingles). Originalmente de Alemania en la década de 1980[3], el bloque negro se refiere a la táctica de usar ropa completamente negra, que evita que la policía elija a un individuo de la multitud de manifestantes. En parte debido a su éxito práctico, las acciones del bloque negro en los EEUU y gran parte de Europa han sido sujetas a debates amplias que pueden ser reducido a una cuestión del rol que la acción militante debe tomar en las protestas callejeras. En los EEUU, el resultado final fue una détente en la que lxs manifestantes que apoyaban la militancia y aquellos que solo podían apoyar la acción sin confrontación violenta llegaban a dividir áreas de las ciudades para evitar la interacción entre los grupos. El conocimiento de que el bloque negro protege a los manifestantes no violentos (ya sea directamente o por guiar la represión policial y los recursos a otros lugares) han sido puntos comunes de contención, pero nunca llegaron a un consenso. En el mejor de los casos, se proponen una “diversidad de tácticas”, tal vez la mejor frase para describir esta frágil détente.

Al principio de tales movimientos, la diversidad de tácticas permite una coexistencia débil entre las protestas militantes como las que son pacíficas, ya que hay muchos participantes y marchas, lo que permite que las personas se distribuyan en aquellos lugares donde prevalece su forma preferencial de protestar. El término efectivamente imagina esferas enteramente diferentes en las que pueden utilizar “tácticas diversas.” Pero este no es siempre el caso. Cuando aumenta la represión estatal y se afloja la fuerza inicial, las dos esferas se obligan a fusionarse. Es precisamente en este punto cuando se cansa la energía de los participantes que se necesitan tácticas más agresivas para defender el movimiento contra la policía y para continuar el avance. Por un lado, esto es cuando se activa la función represiva del estado, ya que la policía local se reabastece y recibe respaldo de los niveles superiores del gobierno. Incluso, este es el momento en que el estado moviliza su aparato de autocontrol en la forma de líderes y organizaciones comunitarios y políticos “progresistas,” todos los cuales rupturan a la alianza táctica que, aunque débil, existía. Estas son, después de todo, las personas más exitosas en accionar el mito del “agitador externo.” Desacreditan la destrucción de la propiedad que hace la “anarquista blanca” y, a veces, intervienen para evitar ataques a la policía o el “de-arresto” de otros manifestantes. Muchas veces, después motivan a las personas a entregar videos “snitch” que muestran quién tiró las botellas a la línea de la policía. Estos “progresistas” inundan las redes sociales con publicaciones que afirman que la policía, o incluso, los nacionalistas blancos fueron los que rompieron las primeras ventanas.

Sin embargo, en las protestas de 2019 en Hong Kong y Chile, de diferentes maneras y a diferentes velocidades, la afirmación de que el bloque protege a los demás se convirtió en un conocimiento común clara e innegable. Esto fue posible en parte a través de la borradura de cualquier significado antecedente relacionado con las protestas del bloque negro y su renacimiento en la forma de la “frontliner”: ese manifestante que, al ponerse en el camino de peligro y los gases lacrimógenos, no estaba actuando en ninguna otra capacidad que la defensa de todos los otros manifestantes en la protesta contra la policía. Esto representa un cambio: ya no hay una gran separación geográfica entre dos cuerpos de manifestantes (una zona para la protesta pacífica y otra para la de confrontación), sino un solo cuerpo unificado, protegido en la “frontline” de la lucha por aquellos que han hecho la protección física su objetivo. En un sentido más amplio, y quizás aún más importante, las protestas de Hong Kong y Chile reconfiguraron la consideración global de los manifestantes vestidos de negro, enmascarados, militantes y dispuestos a luchar contra la policía. A diferencia de la situación en los EEUU, donde es posible que los medios y la policía colaboren para aislar a los militantes, describiéndolos como separados del grupo principal de los “buenos manifestantes” e incluso todavía más alejados del cuerpo político en un sentido general, las “frontliners” también llegaron a ser extensamente (si no completamente) entendido como manifestantes que actúan en defensa de todos los demás, participantes y no participantes igual, haciendo posible resistir un statu quo defectuoso y asqueroso.

La construcción de una solidaridad efectiva entre “militantes valientes” (勇武) y adherentes a “no violencia pacífica y racional” (和理非) no fue el resultado automático del movimiento ascendente en Hong Kong en 2019 ni sucedió de la noche a la mañana. Como es el caso en los EEUU, movimientos anteriores en Hong Kong eran divididos a lo largo de líneas ideológicas de militancia y no violencia, tanto como entre los que estaban en las calles y la “oposición controlada” de los partidos Pan-Democráticos en el Consejo Legislativo (LegCo, abreviatura por Legislative Council en inglés).[4] Nosotros debemos recordar que las protestas de 2019 vinieron después de años de experimentación, incluso la aparición y el fracaso del Movimiento de Paraguas de 2014: una protesta igualmente masiva y en gran parte “pacífico” que satisfecho todos los requisitos defendido por los proponentes liberales de la no violencia.

Cuando el movimiento fue tan decisivamente derrotado, la juventud de Hong Kong empezó a agitar en nuevas formas – primero en acciones callejeras de menor escala, como el extraño y aún controvertido “Alborotos de Albóndigas de Pescado” de 2016. En estas acciones, vimos algo que como el “frontline” se cortó de su base en demostraciones masivas. Gente joven todavía tambaleándose del fracaso abyecto del “paz, amor y no violencia” de 2014, en su lugar saltó a la confrontación directa, declarando guerra contra la policía, apilando y tirando ladrillos, y luego pilotando la estrategia de “be water,” basado en negarse a mantener espacio. Al mismo tiempo, no esperaron estar unido por otros manifestantes, y no hicieron ningún esfuerzo por reclutarlos. El resultado fue que los “frontlines” en los “Alborotos de Albóndiga de Pescado,” tal como eran, no tenían las connotaciones de defender a los otros que tienen ahora. Esta instancia de disturbios es todavía controversial entre los ciudadanos de Hong Kong dentro del movimiento debido a su carácter aislado se lo convirtió en una especie de aventura arriesgada (sin mencionar el papel jugado por localistas de la ultra-derecha en los alborotos). Ahora sin embargo, vemos a tácticas muy similares redistribuidas y pulidas, pero en un contexto notablemente diferente. Es como si las tácticas pilotadas tanto en las acciones (relativamente) pacíficas de 2014 que en las confrontaciones (relativamente) violentas con la policía de 2016 eran finalmente forzada a combinada en un síntesis efectivo.

Los raíces de esta síntesis podría ser mejor visto cerca del final del Movimiento de Paraguas, que tomó forma por interacciones a veces confrontacional entre organizaciones formales y decenas de miles de participantes autónomos. Durante las ocupaciones de Central y, más tarde, Mong Kok, algunos elementos del movimiento eran centralmente organizados, con ocupaciones centradas en un “gran escenario” (大台) que fue esencialmente controlado por organizaciones políticas grandes, particularmente dos grupos de estudiantes: el HK Federación de Sindicatos de Estudiantes y el Eruditismo (un grupo fundado por estudiantes de colegio), además de los principales partidos electorales del campo Pan-Democratico y un montón de activistas establecidas de los ONGs. Mientras que estas ocupaciones nunca podían haber empezado – mucho menos sostenido – sin grandes esfuerzos de trabajo y acción autónoma, organizaciones formales intentaron a mantener un nivel de control sobre la forma del movimiento, y en algunos casos intentaron a cancelar acciones específicas, algunas de las cuales continuaron de todos modos sin su apoyo. Todavía, aquellos en posiciones de liderazgo eran los grupos que eventualmente entraron con negociaciones con el gobierno. Como en muchos contextos occidentales, estos organizaciones eran orientados en gran medida hacia el así llamado “no violencia racional.” Sin embargo, los tensiones entre los radicales y los que controlaron el escenario crecieron durante el movimiento, alcanzando un pico siguiendo un ataque por manifestantes sobre el edificio de LegCo, después de lo cual manifestantes no violentos y organizadores etiquetaron a todos los militantes como agentes secretos de Beijing o “demoledores.” Al otro lado, algunos manifestantes empezaron a poner en circulación eslóganes llamando por el escenario principal (y el base de poder que representó) a ser desmantelado (拆大台) y por los piquetes que había tratado parar ataques en LegCo a ser disueltos (散纠察).

En la estela del fracaso del Movimiento de Paraguas y el despeje de las ocupaciones, el primer periodo del Movimiento de Anti-Extradición de 2019 – aproximadamente desde la propuesta del ley en marzo de 2019 a la marcha de dos millones de personas en el 16 de junio – fue todavía caracterizado por la no violencia racional como táctica dominante. Sin embargo, siguiendo la renuencia del gobierno a retraer la ley en la cara del movimiento masivo y no violento, y siguiendo represión policial cada vez más violento, un consenso general emergió alrededor de algunos principios básicos. Aprendiendo de los fracasos del Movimiento de Paraguas, las protestas no deben ser organizados alrededor de un cuerpo central ni intentar a tomar ni sostener espacio. Esta forma organizacional fue entendido específicamente en referencia a los escenarios principales del Movimiento de Paraguas, con “descentralización” como eslogan y su principio organizacional, dictado en cantonés como “sin un gran escenario” (无大台).[5]

Al mismo tiempo, experiencias de la violencia de represión policial creó una atmósfera de solidaridad entre los manifestantes. Basado en demandas unificadas – primero por la retracción de la factura de extradición, y entonces por una investigación sobre brutalidad policial, un fin a las clasificaciones de manifestantes como alborotadores, amnistía para detenidos, y sufragio universal – participantes logró a un consenso amplio que el éxito requeriría un nivel de unidad entre militantes y manifestantes pacíficos: “no divisiones, no renunciaciones, no traiciones”  (不分化、不割席、不督灰) o más positivamente, “cada persona luchando a su propia manera, subimos a la montaña juntos” (兄弟爬山，各自努力)  y “los pacificos y los valientes son indivisibles, subimos y caemos juntos” (和勇不分、齐上齐落). Encuestas de los participantes del movimiento tomados en la calle en el inicio de junio demostraron que 38% de encuestados creyeron que las “tácticas radicales” eran útiles en hacer que el Estado escucharía a las demandas de los manifestantes, pero en septiembre, 62% estaban de acuerdo. Cuando se le preguntaron si las tácticas radicales eran comprensibles frente a la intransigencia del Estado, casi 70% ya estaban de acuerdo en junio, y por julio, el porcentaje había llegado a 90%. En septiembre, solo 2,5% de encuestados declararon que el uso de tácticas radicales de manifestantes no era justificable. De la misma encuesta, en septiembre, más que 90% de participantes estaban de acuerdo con la declaración que “Reuniendo acciones pacíficas y militantes es la forma más efectiva de obtener resultados.”[6] Un punto de inflexión similar podría estar surgiendo en los EEUU, como casi el 80% de encuestados a una encuesta nacional preguntando si la ira que conduce a la manifestación de protestas es “justificada” respondió afirmativamente, y 54% afirma que la respuesta al muerte de George Floyd, incluyendo reducir a cenizas un edificio de un recinto policial, es justificado.

En Hong Kong, el carácter descentralizado del movimiento, combinado con el sentido creciente de una intención unificada compartido entre los manifestantes pacíficos y militantes permitió la formación y la reproducción de roles reconocibles en que los participantes podían apoyarse mutuamente en grupos organizados autónomamente, coordinado anónimamente por herramientas online como Telegram y los foros como LIHK.org. Estas herramientas y estructuras organizativas merecen una investigación aparte o una guia de protesta de código abierto (“open-sourced protest guide” en inglés) por ellas mismas: Telegram permite para la creación de estructuras extremadamente flexibles mientras conserva el anonimato, que permitió que los manifestantes y partidarios podían desarrollar un ecosistema digital entera que fue esencial para aventajar a la policía en vivo. Los “canales” de Telegram permitió la creación de salas de chat grandes similar a la característica de comentario en software de la transmisión en vivo que los manifestantes en los EEUU están usando. Sin embargo, mientras estos “mares públicos” (公海)  eran capaz de proveer alguna información útil, se entendía que estaban bajo vigilancia policial debido a su estado público, y organización susceptible pasaba en canales de “breakout” con amigos de confianza.

Manifestantes también crearon otros canales específicamente para compartir la ubicación de la policía y rutas de escape, que eventualmente llegó a decenas de miles de manifestantes. En estos canales, la publicación está restringida a ‘admins’ o bots específicamente designado, quienes retransmite información verificada sobre la ubicación y disposición de fuerzas policiales, ayudando a debilitar el fenómeno de rumor desbocado que es común en cualquier manifestación. La información, en si misma, está agregado por colaboración participativa de individuos que trabajan como observadores en las franjas de las marchas. Ellos mandan noticias según un formato específico para que pueda ser estandarizado fácilmente y pasado a agregadores de datos quienes monitorizan los canales de centinal y transmisiones en vivo, publicando actualizaciones a canales comunicativos y mapas de tiempo real de ubicaciones policiales.

Más allá de las funciones de informes, los canales de Telegram creados por acciones específicas también permitieron a manifestantes a retransmitir información sobre necesidades (por ejemplo: “se necesita médicos en esta intersección” o “se necesita herramientas para la mitigación de gases lacrimógenos pronto”) y hacer decisiones colectivas sobre respuestas en tiempo en vivo usando capacidades que facilitan la votación. El último facilitó las elecciones rápidas como rutas de escape para evitar un ataque policial. Importantemente, estos métodos organizacional atrajeron a los militantes y a los que eran reticentes, no interesado o (debida a estado de immigración, invalidez, o otros vulnerabilidades potencial a violencia policial) incapazes de participar en los “frontlines”. Mientras, las “frontliners” enfrentaron con la policía y su violencia creciente, partidarios no violentos se involucraron en marchas, como médicos o por proveer apoya logistica (moviendo suminitros de barricada, las herramientos para la mitigación de gases lacrimógenos, o un cambio de ropa para las “frontliners” vestido en negro), como vigilancia de la actuación policial con cámaras de video, o como centinelas dando información a otros partidarios trabajando como agregadores de datos.    

Muchas de las formas de que los que están “fuera” de los “frontlines” proveyeron apoyo material directo a las “frontliners” en las calles:

En algunas acciones, los manifestantes sin equipo formaría paredes humanas, a veces usando paraguas, para proteger a las “frontliners” mientras las “frontliners” sacaron su equipo que los habrían sido marcado para la detención al regreso de la acción. Otros, aunque no directamente participando ellos mismos como “frontliners,” facilitaron daño a la propiedad mediante el uso de sus paraguas para proteger, de la vista de las cámaras, a los que estaban rompiendo las ventanas. Luego en el movimiento, los manifestantes fuera de los “front lines” llevaban los componentes individuales para cócteles de molotov a los acciones, y formaron cadenas humanas para suministrar a las “frontliners” con materiales como botellas, gasolina, azúcar, y trapos.

Más allá de estas acciones de apoyo específico, simplemente permanecer en las calles durante las prohibiciones de reuniones públicas fue eventualmente entendido como una forma de apoyar al movimiento: Un amigo cuenta la historia de un trabajador anciano de oficina que, en un receso para fumar, después de haber leído en Telegram que un grupo de “frontliners” cerca de su edificio necesitaron ganar tiempo antes de meterse con la policía, caminó directamente a la línea policial y trato de pelear con ellos, pensando que su identidad como una persona mayor y bien vestida podría disminuir su posibilidad de ser arrestado y proveería un mejor coartada si fuera arrestado. Sin embargo, se ve también esta generalización de la lucha como un razón por el cambio en la estrategia de la policía a cambiar a trampas y hacer arrestos masivos (kettling and mass arrests, en inglés) a todos en un área predeterminada. Se puede asumir que cualquiera persona en las calles es un participante, o por lo menos odian a la policía.

Temprano en el movimiento, sin embargo, antes de la ampliación de represión policial y arrestos en el verano y el otoño de 2019, el rol de la “frontliner” fue relativamente claro, con opciones para partidarios a permanecer separados de la confrontación directa con la policía por construir barricadas, por proporcionar suministros para la mitigación de gases lacrimógenos, o por esconder a las “frontliners” de la policía mientras se cambiaron de su ropa y equipo. Esta división todavía fue algo problemática, sin embargo, porque la aceptación del “frontline” como un segmento crucial del movimiento dío a esos que actualmente peleaban con la policía una posición de “mayor mérito” en algunas maneras, con la acusación que algunos manifestantes pacíficos no hacían bastante. Pero, mientras la aceptación de acción militante creció junto a violencia policial más y más extrema, estas divisiones empezaron disolver. Por un lado, las acciones que eran entendido formalmente como pacifica se asoció con cada vez mayor riesgo de detección y detención.          

Por ejemplo, la creación y la protección de “Los paredes de Lennon,” espacios de arte política y auto-expresión fueron, originalmente, entendidos como una moda de participación completamente “pacífica,” pero mientras que subieron ataques violentos contra los paredes mismos y las detenciones de la gente quien las estaban construyendo, llegó a ser más difícil participar sin preparación física y mental para la violencia. Contra la violencia de la policía y el “terror blanco” de ataques por matones que apoyan a Beijing, cualquiera división entre los que eran dispuestos a sacrificar sus cuerpos y otros comprometidos a participación de menor riesgo o éticamente no violento se convirtieron aún más imposible distinguir. Este hecho fue particularmente cierto mientras subieron las detenciones de los manifestantes. Para algunos amigos, la decisión de unirse en el “frontline” ocurrió gradualmente y fue resultado de la erosión paulatina de diferencias entre actividades del “frontline” y las otras maneras de apoyar al movimiento. Otros amigos relataron conversaciones difíciles con sus padres ancianos, quienes, observando las detenciones de tantos jóvenes, resolvieron unirse al “frontline” para reemplazar el espacio que dejaban vacío las detenciones.

Aunque hemos concentrado resueltamente en las tácticas materiales en vez de las identidades políticas, debe ser reconocido que las cinco demandas que ayudó proveer un basis por la unidad admirable entre manifestantes en Hong Kong también borró divisiones importantes de política. Particularmente, el hecho que el movimiento tenía una base bastante amplio significó que incluyó (y en algunos casos fue dirigido por) sentimientos derechistas provisionales. Distinto al movimiento de los Chalecos Amarillos (Giles Jaunes) en Francia, que también tenía una base amplia, la escalación de la tacticas militantes a incluir daño a la propriedad no alcanzó a rechazar la participación de elementos derechistas en el movimiento. En cambio, la situación en Hong Kong era al revez, y algunos (pero de ninguna manera todos) izquierdistas limitaron su participación en el movimiento, poco dispuesto gritar consignas al lado de nacionalistas exigiendo por una revolución para “restablecer” Hong Kong, ni participar en las marchas con banderas de los EEUU ni los regímenes británicos.

Aunque la estructura racial de la política en los EEUU hace casi imposible que participen los derechistas en los ciclos de rebelión (a pesar de los políticos que promueven mentiras al contrario), la unión del movimiento en Hong Kong formado alrededor un serie de cinco demandas es también algo extraño al contexto estadounidense. Mientras su propia imposibilidad dio espacio al movimiento a encarecer, el uso de demandas insostenibles ha caído en desgracia en los EEUU. Siguiendo el fracaso de las primeras manifestaciones contra la guerra en los mediados de los 2000s, la subida y la caída de Occupy unos años después definió lo que convertiría a la norma: un exceso de demandas llevó a una incapacidad de llegar a ningún acuerdo en general. En la primera ola de manifestaciones de Black Lives Matter después del alzamiento en Ferguson en 2014, ocurrió un fenómeno parecido: las organizaciones sin fines de lucro “oficiales” de BLM, hicieron demandas concretas para cámaras de cuerpo (“body cameras” en inglés) para la policía y la redistribución de dinero destinado por equipaje militar a entrenamientos contra el racismo y a métodos del freno a la escalada de tensiones. Pero estas no fueron las demandas populares de la calles. En vez, el movimiento se unió sobre no una demanda, sino una afirmación: que Las vidas negras importan (Black Lives Matter, en inglés).

Es la afirmación que ha regresado como la fuerza que une el levantamiento de hoy. Al mismo tiempo, esto también puede ser cambiando. Pero todavía no hay una lista coherente de demandas que podía unir manifestantes pacíficas y militantes levantando después del asesinato de George Floyd. Si unas demandas debían surgir, probablemente serían básicas y poco probable de alcanzar sin “el desmantelamiento del escenario grande” de negocios normal en los EEUU, mucho como Las cinco demandas de Hong Kong: la amnistía general, la abolición de la policía, o reparaciones para siglos de asesinos sancionados por el estado y trabajo forzado. Parece que llamadas para “cortar los fundos de la policía” (defund the police, en inglés) han tomado prominencia después de su adopción de grupos activistas y políticos progresivos locales. Pero, estas demandas se quedan corto de la llamada más popular de abolir a la policía, y permite a los líderes locales a afirmar que están “cortando” los departamentos de policía, cuando en realidad, solo implementan cortos mínimos del presupuesto. En este sentido, parece que “cortar los fundos de la policía,” está tomando un carácter como la demanda para cámaras de cuerpo en 2014.

Con o sin estas demandas, vemos que la innovación central del rol de las “frontliners” está enterrado en las nuevas relaciones que se ponen posibles: entre la “frontline,” las segundas y terceras líneas, y otros manifestantes de apoyo. Una similaridad entre las experiencias de Hong Kong y los en las calles de los EEUU es que, aunque muchos han observado la manera en que funciona la represión de la policía y han sufrido sus efectos, para muchos es la primera vez (o por menos unos de los momentos más graves) en que la represión policial de manifestaciones pacíficas es visible. En cierto sentido, el rol evolutivo del “frontline” actualmente fue forzado por acciones policiales. Una vez que la represión del movimiento en Hong Kong cruzó un punto cierto, dos hechos eran aparentes: Primero, la policía es fundamentalmente violento, y son capaces y dispuestos a usar esta violencia no importa si los manifestantes son violentos o no. Segundo, se convirtió aparente que si el movimiento continuara, manifestantes tendrán que defender a sí mismos.

Mientras la policía y los refuerzos de la guardia nacional intentan dispersar las manifestaciones en maneras sumamente violentas en las calles de casi cada ciudad grande en los EEUU, puede ser que el país llegara a un punto de inflexión en términos de la escala e intensidad de represión. Para los que busquen un camino adelante – maneras de apoyar nuestros amigos y camaradas, de trabajar en solidaridad, de llorar la muerte de los asesinados por los manos de la policía, y de asegurar que la violencia sistémica parará un día –  se puede encontrar un método de avanzar la lucha en reconocer que el rol del “frontline” es proteger a los demás. Entonces decimos: bienvenidos al “frontline”, y también a las líneas segundas y terceras, y a las líneas de los médicos y los suministros, a todos que toman el espacio, a los ilustradores y los impresores y los distribuidores, a los retransmisores en vivo y todos tuiteando la información de los escáneres policiales. Quizás esta vez, podemos estar juntos.

[1] Este análisis es el resultado de muchas conversaciones con amigos en Hong Kong, Chile y los Estados Unidos, entre quienes nos gustaría singularizar a Dashu y KW por su ayuda paciente con comprobación de hechos y información clarificante para este artículo. Ellos esperan que sus experiencias desde HK puede ser de servicio en la lucha contra la brutalidad policial y racismo en los EEUU y más lejos.  

[2] Como señalan lxs compañerxs chilenos, las tácticas especificas, como ocupar escudos contra las balas de goma, lxs manifestantes enmascaradxs como defensores de lxs manifestantes pacíficxs, el uso de las barricadas, han estado presente en Chile desde la década de 1980. Estas tácticas fueron particularmente importantes durante la dictadura, para evitar manifestantes de ser capturadxs, torturadxs y asesinadxs. Otras tácticas parecidas a las que hoy día usan en Hong Kong, como colgar materiales entre postes de luz para impedir el avance de los vehículos policiales, también estuvieron presentes en Chile antes de 2019. Estas tácticas históricas y roles preexistentes, como los médicos, equipos de apoyo y vigilar a la policía, definitivamente influyeron en las formas en que se adoptó el concepto de primera línea en Chile. De modo parecido, si bien el movimiento de Hong Kong enfatizó la movilidad a través de la estrategia “be water” (haz como agua), los movimientos chilenos tienen una fuerte tendencia histórica hacia la protección de una zona específica, lo que influyó en la forma en que el concepto de la línea primera se desarrollo allí.

[3] Nota de lxs traductorxs: Los origenes euro-centricos del “bloque negor” han sido contestado, especialmente en el libro recien Movement for No Society (2018, Contagion Press), que ilumina como militantes Negros del Revolutionary Action Movement (RAM) ya estaban inovando muchas de las tacticas callejeras en los años 70s que luego serían adoptados por anarquistas europeos.

[4] Mientras que el contingente Pan-Democratico apoya reforma electoral en Hong Kong, en gran parte apoya la política gubernamental existente – aparte del Partido Laboral y La Liga de Democraticos Sociales – los únicos dos partidos que tienen cualquier tipo de agenda inclinada hacia la izquierda.

[5] Mientras que este principio organizacional jugó un papel importante en ayudar al movimiento a hacerse más militante y sostenible, según nuestros amigos en las calles, también parece haberse convertido a un obstáculo para la posibilidad de politización anti-capitalista, y no debe ser romantizado. “Aunque parece horizontal y anarquista, en práctica no tiene relación a los discusiones democráticos entre los participantes, pero ideológicamente asociado más con los Localistas que eran opuestos al grupo Pan-Democratico que estaba en el poder y controlaban el escenario. Eventualmente el término proliferó entre la masa de participantes, quienes temían que el conflicto entre las facciones políticos socavaría el movimiento, y surgió un consenso que nadie debe tomar el poder. […] Pero no involucra, y actualmente activamente limita, el tipo de descarga in situ de puntos de vista diferentes normalmente asociado con terminos como ‘horizontal’ o ‘movimiento sin líderes’ (De “Remolding Hong Kong.”)

[6] Todas estas estadísticas vienen del reporte de investigación de la “protesta Anti-Elab” (“反逃犯条例修订示威”现场调查报告)

17 habitaciones increíbles de hoteles para no olvidar

Habitación del pánico, Au Vieux Panier (Marsella, Francia)

El graffitero Tilt fue el que diseñó esta habitación increíble a petición del hotel francés. De esta manera, logró convertir la estancia en un lienzo en el que combinar pinturas, dividiéndola en dos partes diferentes, una de diversos colores y formas y otra, completamente blanca para resaltar el caós de la primera. Según palabras del propio autor: quiso “mostrar que la gente puede apreciar cualquier estilo de graffiti, incluso el más básico, y que sólo es una cuestión de puntos de vista”. La habitación increíble de la mina, Hotel Sala Silvermine ( Suecia)

Esta habitación del hotel Sala se encuentra alojada en una antigua mina y ha sido acondicionada recientemente para el turismo de la zona. La mina estuvo activa en la ciudad de Västmanland desde el siglo XIV hasta 1908. Ahora es un bonito hotel donde se organizan conciertos y eventos de todo tipo. En una de las salas (en la imagen) se puede incluso pernoctar. En marzo de 2008, la mina fue visitada por la princesa heredera Victoria de Suecia, que dejó su firma en la mina como su padre, Carlos XVI Gustavo de Suecia, había hecho anteriormente. Suit Nautilus, Resort Poseidón debajo del mar (Misteriosas islas de Poseidón, Fiji)

El Resort Poseidón te ofrece la posibilidad de pasar tus vacaciones literalmente debajo del mar. Gracias a sus especiales instalaciones debidamente acondicionadas, disfrutarás de las mejores vistas del mar, desde una perspectiva única e irrepetible. El complejo hotelero dispone de 25 suites de lujo bajo el mar, pero también alberga la posibilidad de alojarse en tierra ya que tiene bungalow en la propia isla. Para los más miedosos, deciros que existe un sistema de seguridad que permite elevar los diferentes módulos que forman el hotel submarino, hasta la superficie. Por lo tanto, si existiera algún problema en uno de los módulos, esto no afectaría al resto, ya que están diseñados para poder aislarlos unos de otros. Rock Bottom – Madonna Inn (San Luis Obispo, California)

Como un destino de referencia internacional, Madonna Inn es un hotel con 110 habitaciones ambientadas de manera diferentes y de forma individual. La habitacion 143 o Room Bottom simula una caverna prehistórica subterránea donde poder alojarte huyendo de los calurosos días de California. Una técnica especial para simular la erosión de la estancia fue la que se utilizó para crear el cuarto de baño y la ducha esculpida dándole a la estancia un aire antiguo y nostálgico, combinándolo con elementos del rock. También está equipada con una cama tamaño king. Suite Gilded Lounge, Campos Elíseos (París, Francia)

Para los amantes de la moda, nada mejor que este moderno y delicado hotel donde la casa recrea una divertida y surrealista habitación. Esta gran mansión está situada en el Triángulo de Oro de París transformándose en un suntuoso hotel boutique de 5 estrellas bajo la dirección artística del diseñador de moda Martin Margiela. Este hotel combina elegantes líneas contemporáneas con un lujo discreto y elementos teatrales con un entorno sutil y relajado. Las instalaciones de la tercera y la cuarta planta del hotel se dejaron disponibles para construir las 17 habitaciones increíbles y suites Couture, una tarea asignada a la Maison Martin Margiela. Vous, Madonna Inn (San Luis Obispo, California)

Aquí tenemos otra de las habitaciones del Madona Inn llamada habitación 169 o Vous. Está adornada con un techo abovedado de color azul celesta a juego con la decoración de la estancia y embellecido con una gran lámpara de araña sobre tonos florales. Es la única habitación que tiene una cama King redonda. También dispone en el cuarto de baño de azulejos azules y amarillos con un lavabo de pedestal de estilo francés. Es por ello que tenía que estar en nuestra lista de habitaciones increíbles. Iglú de cristal, Villa Iglú Kakslauttanen (Laponia, Finlandia)

Este bello hotel, ubicado en las tierras vírgenes de Laponia, se inspira en la naturaleza y espíritu lapón. Aunque las cabañas y los iglús se encuentran en mitad de la naturaleza, se puede ir cómodamente andando hacia los restaurantes y diversos servicios de los que dispone el complejo. Cada estancia está equipada con sauna y chimenea. En concreto, los iglús de cristal, ofrecen unas vistan únicas del cielo con posibilidad de ver, cuando proceda, la aurora boreal. Están perfectamente equipadas con un aseo individual y camas de matrimonio. La Kiboko cama estrella, Loisaba Wilderness (Laikipa, Kenya)

Imagina poder dormir con la naturaleza en el estado más salvaje posible. Ver a toda su flora y fauna mientras te despiertas por las mañanas. Las habitaciones increíbles en medio de la naturaleza te permiten esta singular experiencia. Estos momentos que jamás olvidarás te los ofrecen el hotel Loisaba Wilderness. Un lugar extraordinariamente hermoso, con abundante vida silvestre y con alojamiento al detalle y verdaderamente cómodo. Ya sea para dormir bajo el cielo de la noche africana o realizar un paseo por África en un safari, visitar esta villa será muy especial. Suite de hielo, Ice Hotel (Quebec, Canadá)

Fabricada totalmente de nieve y hielo, los plafones miden más de 5 metros de alto y las paredes están totalmente recubiertas de obras de arte. Los muebles y las lámparas son esculpidos con mucha pericia, así como la nieve y el hielo. El Hôtel de Glace Québec comprende numerosas habitaciones increíbles y suites temáticas, dos salones de exposiciones, un majestuoso vestíbulo, un cine, una magnífica capilla, un gran salón de recepciones, verdaderas cabañas de madera, tina caliente y el célebre bar de hielo Absolut. Con una superficie total de cerca de 3.000 m2 (27.000 pies2), el “Hôtel de Glace” constituye uno de los más ambiciosos proyectos que nunca se han realizado en Norteamérica. En total, se necesitan 11.000 toneladas de nieve y 350 toneladas de hielo para su construcción que toma 5 semanas. Pasado ese tiempo, desaparece. Suite Panorama, The Alpina Gstaad (Gstaad, Suiza)

El único del mundo en su estilo, la Suite Panorama es un lujoso duplex de 400 m² con tres habitaciones de dos plantas, y ofrece magníficas vistas hacia el norte y el sur. Las habitaciones conviven unas con otras y se centran en una enorme sala de estar principal adornada con una gran chimenea. En el estilo de una elegante residencia en los Alpes, el salón se abre a una gran terraza privada. Por otro lado, tenemos una cocina completamente oculta donde preparar nuestras propias comidas sin salir de la suite. Habitaciones increíbles en Nostalia, Hotel V8 (Stuttgart, Alemania)

En medio de la región de Stuttgart, rodeado por el encanto histórico de la antigua zona del aeropuerto, se sitúa el lujoso hotel V8. Completamente restaurado al estilo moderno con toques clásicos, complementa con su decoración la pasión que siente la zona por los coches. En este hotel hay automóviles por todos lados: coches clásicos, modernos, legendarias, deportivos, exclusivos o especiales hacen que los amantes del motor encuentren su lugar bajo estas paredes. Templo de la luna azul – TreeHouse Point (Fall City, Washington)

Pete Nelson encontró unas parcelas cerca de su casa en Fall City y se dispuso a cumplir su sueño: construir un complejo de casas en el árbol y comercializarlas como habitaciones de hotel. Él y su esposa lo tenían claro, querían que las personas conectaran con la naturaleza como ellos eran capaces de hacer. Ahora, las personas disponen de varias casas para elegir como: El Nido, El estanque superior, Bonbibi, y The Burl, todas con habitaciones increíbles para el disfrute de la naturaleza en todo su esplendor. Suite Presidencial, Hotel Cala di Volpe (Cerdeña, Italia)

El Cala di Volpe, repleto de pórticos artísticos, pisos, arcos y escaleras de madera de enebro, fue diseñado con el estilo de pueblo pesquero tradicional y sigue siendo la escapada con más glamour del Mediterráneo. La combinación de los atractivos tonos de color pastel, las originales obras de arte y la decoración artesanal sarda, convierten a las 100 habitaciones con vista al mar y a las 21 suites del Hotel Cala di Volpe en la imagen de la sofisticación rural. Ático de la Suite Ty Warner, Hotel 4 sensaciones (New York)

En el interior del hotel de lujo de cinco estrellas más alto de Nueva York, nos encontramos con numerosas y amplias habitaciones increíbles junto a Park Avenue, en Manhathan. Muchas disponen de increíbles vistas al Central Park, mientras que otras nos ofrecen vistas panorámicas de la ciudad de Nueva York. Algunas de las estancias ofrecen las dos cosas. Si optas por alojarte dentro de sus puertas, podrás disfrutar de una exclusiva decoración con muebles hechos a mano y un cuarto de baño completo de mármol. Suite James Bond – Hotel Seven (París, Francia)

Situado en el corazón del barrio latino de París, este original hotel-boutique dispone de 7 suites completamente equipadas y con todo lujo de detalles. Se trate de la suite Sublime o la suite Lovez-vous, cada una ofrece un entorno único y elegante. Sumérgete en un mundo de encanto y de diseño donde la atención al detalle y la perfección son las palabras clave. Sol 2, Playa Escondida (Riviera Nayarit, México)

Esta exquisita playa está escondida, como su nombre indica, como un tesoro en las Islas Marietas; en un archipiélago deshabitado, pequeño y muy escarpado, ubicado a corta distancia del hotel. No hay hoteles alrededor de estas islas, pero el hotel Playa Escondida con sus habitaciones increíbles, está ubicado muy cerca convirtiéndose en un sitio perfecto para visitar las Marietas.  Estas Islas son un santuario para miles de aves, incluyendo una próspera colonia de piqueros patiazules; rodeadas de un santuario marino, con aguas repletas de peces, rayas, y todo tipo de vida marina. Para llegar a esta playa es necesario nadar por un túnel. Playa Escondida es uno de los destinos más sorprendentes de la Bahía de Banderas. Ático junior, Hotel marítimo (New York)

Este ático se sitúa en el Hotel Marítimo con vistas al río Hudson y Highline e incluye dos suites juniors. Los suelos son de madera y están equipadas con camas King, amplios baños con control remoto. También disponen de un sofá y televisión HD LCD de pantalla plana. Read the full article

¿Jesús murió en una Cruz o en un Madero? La Biblia habla de la Cruz

La Biblia y los historiadores dan por sentado que Jesús murió en una cruz y no en un madero como quieren hacernos creer algunos

Algunos se preguntan ¿Jesús murió en una Cruz o en un madero?, o mejor dicho, no se lo preguntan, desean crear esta matriz de opinión completamente fuera de lugar ya que la Biblia es clara al respecto sobre la crucifixión de Jesús.

Si Jesús hubiese muerto en un madero (como algunos nos quieren hacer creer) entonces: ¿estaríamos hablando de una maderofixión? ¿Parece chiste verdad? Esto es muy serio. Te invitamos a seguir leyendo esta publicación con mucho fundamento bíblico con el que podrás salir de esta duda para siempre al confirmar que Jesús murió en una Cruz y no en un madero.

La Biblia y los historiadores dan por sentado que Cristo murió en una cruz.  Pero como los hermanos Testigos de Jehová dicen otra cosa, he aquí unas palabras.

Contradicción inicial. Jesúcristo muere en la cruz y luego en el madero.

En muchos de sus libros defendían y dibujaban la cruz y a Cristo crucificado. En la misma portada de su revista Atalaya, desde 1891 aparecía un escudo donde estaba una cruz dentro de una corona y, enmarcándolo todo, una guirnalda de laurel. Los testigos de Jehovía hasta usaban ese mismo escudo como broche distintivo.

Pero a partir de 1931, desaparece la cruz de la Atalaya y de sus libros. Y esto que acabamos de afirmar, lo dicen ellos mismos en su libro Los Testigos de Jehová en el propósito divino, 1965, pág. 21.

Jesucristo murió en una cruz. Fundamento bíblico.

Más de 80 veces aparece la palabra cruz y sus derivados. Esto es tan contundente, que para poder mantener su doctrina, han tenido que adaptar el texto bíblico: en lugar de cruz(σταυρός), ponen "madero de tormento" y en lugar de "crucificado" ponen "fijado en el madero".

Los testigos de Jehová inventan y agregan palabras traicionando al texto original griego. Pero aun así, su misma Biblia manipulada les sigue gritando su error:

San Tomás Apóstol dijo en una oportunidad:

"A menos que vea en sus manos la impresión de los clavos y meta mi dedo en la impresión de los clavos"… (Juan 20,25).

Por encima de su cabeza fijaron el cargo contra él, escrito:

"Este es Jesús el rey de los judíos" (Mateo 27,37)

La Biblia dice que, en sus manos, había clavos y que el letrero estaba encima de la cabeza, es decir Cristo tenía los brazos abiertos, con al menos un clavo en cada mano, y el letrero encima de la cabeza; mientras que ellos, contradiciendo el dato bíblico dibujan al Señor puesto en un poste, con un solo clavo atravesando ambas manos (juntas una encima de la otra), y el letrero encima de las manos. 

Otro texto, Lucas 23,33, dice que a su derecha y a su izquierda pusieron a los ladrones: la palabra δεξιων (= a su derecha) deriva de δεξιά que significa precisamente: mano derecha...

Entonces, se nos está insinuando que Jesús tenía las manos extendidas hacia los lados. Lo mismo nos dice, indirectamente, San Juan (21,18) donde Jesús predice la forma de muerte de Pedro, que fue por crucifixión, le dice extenderás las manos, no dice "brazos".  Y difícilmente podría decirse que extendería las manos si ellas debieran permanecer juntas.

El madero indica el material no la forma.

En la Biblia aparece sólo 5 veces la palabra "madero" (xilon), pero con ello se indica el tipo de material, no la forma que tenía, ya que el uso de cruz (estaurós) es prácticamente unánime. 

La palabra estaurós, significa cruz. Resulta elocuente que σταυρός conserva en medio de ella misma la palabra "tau", que es el nombre que tiene la letra "T" en las tres lenguas bíblicas (hebreo, arameo y griego).  Y esta letra, tanto en el hebreo antiguo como en el arameo arcaico tenía precisamente la forma de una cruz "X".

En griego, la letra "T" o "tau", es igual a nuestra "T", que es otra forma de cruz.  Entonces en las lenguas bíblicas la tau, ha sido una cruz, un signo de dos palos.

Jesucristo crucificado en el Estaurós (Cruz)

Y si algún hermano de los Testigos de Jehová llega a decirles que en un diccionario griego la palabra "estaurós" también puede significar palo o estaca, contestamos que no basta ver el diccionario, ya que ahí se presentan todos los significados posibles de una palabra, a nosotros nos interesa saber el significado que se le da en la Biblia. Y por todo lo que ya hemos visto, ahí significa "Cruz".

Estaurós significa cruz, ese ha sido su significado corriente y ordinario, y todavía hoy eso significa.

Ejemplo: nosotros decimos "Cruz Roja Mexicana", y si vamos a Grecia, vemos que en las ambulancias dice "Cruz Roja Griega": "Elenicós Eritrós Estaurós"... y perdón, pero no podemos pensar que los hermanos Testigos de Jehová sepan más griego que los propios griegos.

La Cruz y la Iglesia primitiva.

Los escritores primitivos siempre hablan de "Cruz", citemos sólo a dos: San Justino mártir, escritor del año 150, quien en su Primera Apología nos habla de la figura de la cruz, comparándola, a la figura humana cuando se levantan los brazos hacia los lados, a la vela del barco, y a otras cosas.

También es iluminador el Diatésaron, del siglo II, escrito por Taciano, ahí dice:

"Pilato escribió sobre una tabla la causa de su muerte y la puso sobre el madero de la cruz".

Más claro no se puede: La cruz era de madera, NO "un" madero.

La Arqueología confirma a Jesucristo crucificado en la Cruz.

También ofrecemos los hallazgos arqueológicos que confirman que Jesucristo murió en una cruz y no en un madero.

1. La cruz de la colina del Palatino.

En el museo de las Termas, en Roma, se conserva el "graffiti" que se encontró en la pared de la escuela de pajes del palacio de Nerón. Ahí aparece un hombre rezando ante la figura de un crucificado con cabeza de asno, y por entre las dos figuras se leen unas toscas letras griegas:

"¡Alexameno adora a su dios"!

Aunque es evidente que se trata de un dibujo para ridiculizar la fe cristiana, lo interesante es que aquí se muestra cómo murió el Señor: en una cruz, no en un palo.

2. La cruz de Herculano.

En las excavaciones del pueblo de Herculano (Italia), pueblo que fue destruido y enterrado por la erupción del Vesubio en el año 79, se encontró el hueco dejado por una cruz, la cual estaba incrustada en una pared, enmarcada en un paño de estuco.

Se encontró en los aposentos destinados a los esclavos que servían en una villa patricia. Alrededor de esta cruz se encuentran también los garfios que sujetaban la portezuela o un velo que servía para cubrir esa cruz, quizá por temor a las persecuciones o para evitar la ridiculización. Era una cruz latina clásica, "crux capitata", con cuatro brazos.

3. La crucecita de Jaffa.

En 1997, en las excavaciones de la Puerta de Jaffa (Jerusalén) se encontró una crucecita que servía de colgante, realizada en madera y con borde de metal. Se ha exhibido en el Museo de Historia de la Torre de David, ubicado en la Ciudad Santa, como uno de los descubrimientos sobre los primeros años del cristianismo en Jerusalén.

Conclusión: La Biblia y la historia apuntan en una sola dirección: Jesús murió en una cruz.

Las subterráneas aventuras de Dondi White

En los 70, en la ciudad de Nueva York, jóvenes talentosos, pero sin dinero, convirtieron los vagones del metro en lienzos rodantes. En una época al borde de la bancarrota, sus pintas le dieron un poco de humor, toques de color y comentarios sociales mientras estos entraban o salían de las estaciones y se desplazaban a través de calles sucias, edificios abandonados, incenerados y reducidos a escombros de una ciudad en decadencia.

Políticos, críticos y prensa lo llamaron vandalismo, pero Dondi White lo llamó arte.

Donald White mejor conocido como DONDI, fue un chico elegante y tímido que desde lo remoto mandaba sus piezas de graffiti como postales urbanas. De día trabajaba en sus diseños y por la noche los pintaba sobre túneles y trenes del metro.

En las calles se volvió una leyenda e implantó estándares altos para el graffiti. Fue uno de los primeros artistas que literalmente emergieron del underground alcanzando el éxito pintando. Al día de hoy sus bocetos y lienzos cuestan $100,000 dólares o más. Pero pese a la fama siguió pintando trenes por la madrugada.

Falleció un 2 de octubre del 1998 a los 37 años por complicaciones de SIDA, aunque su reputación como "Maestro del estilo" continúa vigente.

Donald Josph White nació el 7 abril de 1961 en Manhattan, hijo de una familia de clase obrera y el menor cinco hermanos, solía pasar sus días de juventud asistiendo a una escuela parroquial, montando su bicicleta, criando palomas en la azotea de su casa y dibujando.

DONDI (apodado así por una popular historieta sobre un huérfano adoptado por un soldado americano durante la 1era guerra mundial) conoció el graffiti por los tags mientras exploraba más allá de su cuadra, en su escuela, en los territorios neutrales para las pandillas.

«No podías ir a Miller Park por los Tomahawks, que eran una pandilla negra, luego estaban los Crazy Homicides, una pandilla puertorriqueña que estaba en Pitkin Avenue cerca de la 302. Tenían esa área. Y al otro lado de Atlantic Avenue estaban los Headers, que eran irlandeses».

A mediados de los 70 se afilió a los TOP (The Odd Partners), una de las primeras crews que se metieron a pintar el metro, y al poco tiempo sus piezas viajaron desde el sureste de Brooklyn hasta el extremo norte del Bronx. Su estilo pronto comenzó a ganar admiradores incluso fuera de los cinco distritos. Se le reconocía por su paleta suave de colores y tonos, y su agilidad y habilidad para representar su visión.

Entre 1978 y 1980 sus pintas más memorables fueron su serie Children of the grave (como la canción de Black Sabbath). Se trababan de "carros completos" (whole-cars) con su nombre estampado y flanqueado por dibujos, salpicados de florituras estilísticas. John Matos, un ex graffitero antes coincido como Crash, reconoció a Dondi como conciso y claro, simple, pero calculador. "Sus pintas parecen sencillas, pero no lo son. Trazaba, retrocedía, luego miraba fijamente como si estuviera haciendo cuentas".

Sin embargo, no importaba qué tanto entusiasmo generaran sus piezas—como todo graffiti— sus obras fueron efímeras. Otra cosa más que bocetos y fotografías sólo quedan como testamento.

La imagen más iconica de Dondi (en medio de dos vagones y a horcajadas) la tomó Martha Copper. "Captura la intensidad de pintar ilegalmente, una aventura urbana" dijo la fotoperiodista del New York Times que, junto a Henry Chalfant, documentó el graffiti en el 84. Esta se usó en la reedición conmemorativa de "Subway Art", libro fundamental en la historia del graffiti.

Eric Felisbert, autor de The Graffiti New York, recuerda a Dondi como un maestro paciente que se tomaba el tiempo para aconsejar a los más jóvenes. "No sólo era alguien que dominaba las letras, sino que se se volvió conocido por enseñarle a otros".

Pero no sólo era un guía también era un líder, se vestía y actuaba como uno. "Era elegante, bien parecido, sabía a dónde ir y qué hacer para llegar" dijo Patti Astor, la multipremiada estilista que le dio su primera galería junto a Keith Haring y Jean Michael Basquiat en un venue de East Village.

Dondi tomó la escena de las galerías con espectáculos fuera de Nueva York y presentaciones en el extranjero. Contribuyó al arte del hip hop durante su época más prominente. En los 80 se convirtió en una estrella internacional en el mundo del arte, saliendo de gira con el crew de Wild Style a Japón, Europa y Hong Kong haciendo graffiti mientras el Rock Steady hacía lo suyo.

Tras su muerte, el arte callejero se volvió un lugar común y manso, atractivo para muralistas cohibidos que no salen a pintar las calles, mucho menos un patio de trenes. Con los años las políticas anti vandalismo se han endurecido, ya no se ve más graffiti en el metro, la publicidad hoy lo ha sustituido.

Dondi alcanzó cierta inmortalidad como maestro de un arte efímero. Tenía la capacidad de ver espacios donde otros no podían, secciones, líneas, trazos, constancia y fluidez, como un Leonardo DaVinci, pero con aerosoles. Ascendió de la nada y llegó a las galerías a tiempo, antes de que el graffiti se desvaneciera de ese circuito, y después se retiró a pintar cuadros y a hacer exhibiciones por el mundo.

En 2001 su hermano Michel White, Andrew Witten y Zephyr, amigo incondicional de Dondi, publicaron el art book "Dondi White Master General" en su honor, una ventana a la vida y obra del artista.

“Siempre fui yo, haciendo lo que me fuera cómodo, transmitiendo el mensaje de que no era necesario que me enseñaran a ser creativo para hacer algo bueno. Lo que digo es que estoy aquí y quiero que me escuchen, vengo de la calle y siento que mi trabajo es importante, quiero que la gente lo vea, quiero influir en los demás”. Dondi White

Sandra Fabara, Lady Pink, protagonista del clásico de culto Wild Style, lo comparó con Jimmy Hendrix, "desearías tener el estilo de Dondi, pero es como desear tocar la guitarra como Hendrix, nadie más puede".

Audición para Angelina Reyes (Maya Hawke)

¡Hola, Angelina! Luego del ajetreado papeleo, finalmente nos complace darte una muy cálida bienvenida a Derry, un lugar donde vemos por el bienestar de cada uno de nuestros residentes y nos esforzamos por brindarles también la mayor seguridad posible, aunque con frecuencia resulte complicado. Un lugar donde la paz que puede apreciarse a simple vista se trata solamente de una pantalla que los mismos pueblerinos se han encargado de mantener, en un intento por aminorar el creciente temor que ha comenzado a esparcirse como hiedra venenosa entre las calles, pues el pasado que sin mucho problema decidieron olvidar ha vuelto para acecharlos nuevamente. ¡No olvides el toque de queda! Tal vez, si procuras regresar a casa sano y salvo antes del anochecer, tu nombre no acabe en la sección de personas desaparecidas del periódico local.

¡EMMA! A partir de este momento, cuentas con 24 HORAS como lapso límite para enviar la cuenta de tu personaje. De llegar a necesitar más tiempo, no dudes en pedírselo a la administración. Reiteramos una vez más lo agradecidas que estamos por el interés que le has dado al proyecto y esperamos que te diviertas durante tu estadía con nosotras.

INFORMACIÓN OOC

NOMBRE O SEUDÓNIMO: emmito

EDAD: 21

PAÍS/ZONA HORARIA: méxico

NIVEL DE ACTIVIDAD: +800

¿TOLERAS CONTENIDO 18+?: awebo k sí

¿ALGÚN TRIGGER?: nel

CONTRASEÑA: removida vete alv

INFORMACIÓN IC

NOMBRE COMPLETO: Angelina Reyes, pero todos la conocen como “Rey”.

EDAD: 21 años.

FECHA DE NACIMIENTO: 11 de Agosto.

OCUPACIÓN: Empleada en Pandemonium.

FACECLAIM: Maya Hawke

PERSONALIDAD:

creerías que conoces bien a rey, porque habla demasiado: te cuenta anécdotas de las vacaciones de verano, sus planes para esta noche, te da su opinión sincera cuando se la pides. puede parecer muy transparente. pero luego, si lo piensas, te das cuenta de que sí hay un aire misterioso alrededor de ella. ¿cuáles son sus sueños? ¿qué hay sobre su familia? ¿quién es ella? no se aventura a hablar sobre sus verdaderos sentimientos, nunca va a mencionar cuando algo le duele, porque no sabe cómo hacerlo. conocerás su tristeza y sus debilidades únicamente cuando te vuelvas su allegado, y para eso hay un largo camino, incluso cuando parezca que te estás acercando. siempre busca la manera de ser feliz, aunque implique esfuerzo, como una tarea. es apasionada en todo lo que hace. disfruta de vivir en el momento, de sentir las cosas (incluso cuando internamente duela). es terca, buena mentirosa y muy protectora con quienes la quieren.

DE TRES A CINCO PUNTOS RELEVANTES ACERCA DE SU VIDA:

UNO. * portland, 1998. mejillas regordetas y rosadas, y ojos azul grisáceo justo como los de su madre. angelina fue la primera en llegar al hogar de los reyes, satisfaciendo su gran ilusión de formar una familia tras varios años locos de amor uno por el otro. tan locos para desear un pequeño pedacito de su amor corriendo por la casa y el jardín, que años después se acompañaría de una versión más pequeña. los cuatro vivían contentos, o eso aparentaban. los problemas siempre están a la orden del día, y la situación resultó ser distinta cuando la matriarca le entregó los papeles de divorcio a george reyes y este no tuvo más opción que firmarlos. qué pesadilla explicarle esto a una niña de tan solo cinco años, por no mencionar a la criatura más pequeña, que recién llegaba.

DOS. * portland, 2008. george reyes es un policía respetado, no siente temor por los villanos que rondan en la ciudad. no obstante, esto es complicado; el ensuciarse con casos delicados y con el apellido al aire. eventualmente, decide que lo más seguro para quienes tiene que procurar, es alejarles de ahí. a los diez años, angelina y su hermane son acogides por sus tíos, esos que viven en un pueblo cercano, derry. todo esto con la promesa de su padre de que sería temporal, y visitándolas constantemente para no sentirse alejados. era complicado, a pesar de ser bien recibida por sus tíos, la relación con sus primos no era la mejor.

TRES. * angelina nunca tuvo interés por contactar a su madre a medida que fue creciendo; tampoco preguntó mucho por ella luego del primer año. hoy en día, cuando se ve en el espejo, ve a la mujer que solo recuerda vagamente y por fotografías. aún así, ni una llamada. su verdadero amor era su padre ; george reyes era su mejor amigo, su confidente y de quien aprendió muchas cosas. supuso que la disminución de sus visitas se debía a cosas del trabajo, estaba muy ocupado y no podía ir tan seguido. si no llamaba un día, asumía que estaba cansado. luego, los días se hicieron semanas sentada al pie del teléfono esperando una llamada, pero sin recibir noticias de él. entonces su cumpleaños llegó, todos estaban ahí, pero no encontró la sonrisa y el abrazo que buscaba. no estaba él. y ese fue el momento en el que lo supo: papá no iba a volver.

CUATRO. * por varios años se culpó por el evidente abandono de su padre. pensaba en lo felices que lucían los tres, riendo mientras jugaban en el parque o cuando hacían su saludo secreto, y entonces se preguntaba ¿qué hizo mal? ¿por qué él renunció a la oportunidad de verles crecer? se sentía fuera de lugar, en un hogar que no era el suyo. supo ocultar el dolor y buscó felicidad en otras cosas: después de todo, tenía a su hermane. encontró refugio en el arte, siempre fue una niña muy creativa. específicamente adoraba pintar, siempre podrías verla con manchas de pintura en la ropa o en la piel; mentón o brazos con pinceladas despistadas, salpicaduras en el cabello incluso. le salía del alma, obras sencillas que transmitían una sensación de paz y calidez. 

CINCO. * rey, como la conocen todos en derry, es muy inteligente, pero curiosamente detesta la escuela. no soporta estar sentada por horas en un salón de clases; se aburre y se distrae bastante, e incluso así obtiene las mejores calificaciones. muchos la catalogan como una “enciclopedia con piernas”, por aquello de tener respuesta para casi todas las dudas de quienes están en la habitación. por esto mismo, no entró a la universidad, se rehusó totalmente. buscó un trabajo para poder ocuparse de sus cosas, y mientras tanto encontró un hobby que mantiene en secreto: el graffiti. desde sencillas frases profundas o de tintes satíricos en paredes atractivamente vacías, hasta murales que llevaban toda la noche para hacerse. nadie sabe que ella es la autora, pues es buena guardando las apariencias y firma como mk.

No me baño: arte, vandalismo o 15′ de fama

El mismo vecino que miraba en Nueva York en los '70 pasar frente a sus ojos un tren con un nombre anónimo pintado sobre la chapa, hoy observa cómo Buenos Aires se llena de "No me baño" en las paredes, las persianas, los techos, los tachos, todas partes. Ni entonces, ni ahora, el que mira sabe qué significa ese mensaje entre enigmático y provocador a mitad de la ciudad o quién fue el que lo puso ahí, pero está seguro de algo: esto no es arte.

Una adolescente está apoyada contra una persiana sobre avenida Corrientes. Junto a ella se lee escrito en aerosol: "Yo no miento, yo no engaño, fumo porro y no me baño". No va a pasar media hora hasta que suba la imagen a su cuenta de Instagram con el hashtag y  el usuario de la crew -como se llama a un grupo de graffiteros que trabajan juntos-, que todos los días comparte algunas de las cientos que les mandan los que se cruzan con sus pintadas.

"Realmente nunca esperamos tanto aval ni nada, el graffiti nunca fue muy valorado ni querido por la gente", admite en una charla con Infobae Cultura uno de los integrantes de "No me baño", quien puso una condición innegociable para la entrevista, mantener en total reserva su identidad y la del resto de su crew, en la que hay miembros de distintos barrios de Capital y el Gran Buenos Aires. No se puede saber cuáles.

"El graffiti, como su nombre lo indica, no es un arte", sostenía en 1982 el inspector de la policía neoyorkquina, Bernie Jacobs, frente a la cámara de Tony Silver y Henry Chalfant, directores de Style Wars (1983), documental  de culto sobre los orígenes del graffiti y la cultura hip hop.

"¿Eso es una forma de arte? No lo sé, no soy un crítico de arte, pero pongo las manos en el fuego y digo que esto es un delito", decía el oficial norteamericano en la cinta, mientras señalaba un tren estacionado a su espalda con varios tags -firmas simples y de una sola línea-, la mínima expresión del graffiti.

El graffiti es por definición territorial. Una lucha por los espacios. Provocador. Una práctica que genera roces con los vecinos, con la seguridad, con la policía, que se mueve al margen del arte tradicional, se ubica en el corazón de los barrios y se niega a ser domesticado. Una subcultura para la que el hecho de que esté prohibido, es parte del plan.

"Lo vandálico es una caracterización que se pone desde la vereda de enfrente", explica en una charla con Infobae Cultura la doctora en Letras e investigadora de la UBA Claudia Kozak, autora del libro Contra la pared: sobre graffitis, pintadas y otras intervenciones urbanas (Libros del Rojas 2004). En esa línea agrega que "un graffitero jamás va a decir que es una práctica vandálica, es la gente la que considera que el graffitim, siendo una práctica no permitida, se apropia ilegalmente de un espacio que es público".

La "No me baño" es una crew de skaters que existe desde hace años, pero fue recién hace dos cuando empezaron a bombardear -pintar su nombre en la mayor cantidad de lugares posibles- las paredes de la Capital Federal, que hicieron que cada vez más personas se preguntaran por ellos. El grupo generó entonces algo distinto en relación a otros writers -graffiteros-; aceptación.

"Mantenemos el anonimato porque lo que hacemos no es aceptado por la ley", explica el "No me baño" que se niega a cualquier tipo de registro fotográfico. Las pocas veces que se muestran en sus redes sociales lo hacen sin que se les vean las caras, tapadas con capuchas, gorras o emoticones, sólo su "No me baño", en persianas, paredes, remeras, stickers, tatuajes. Donde sea.

"Mantener el anonimato a un 100% es casi imposible ya que ahora con toda la tecnología se fue todo a la mierda", suelta el graffitero, justo antes de dejar flotando en el aire una frase que hace pensar en que detrás de su "No me baño" hay también una filosofía: "Por suerte la mugre nos mantiene despiertos".

En julio pasado un vecino mató de tres disparos a Cristian Felipe Martínez Rodríguez, de 17 años, un graffitero de nacionalidad colombiana al que en las paredes todos conocían como TEUR. El adolescente recibió tres disparos cuando bajaba de pintar en un techo de Gascón y Estado de Israel, en el barrio de Almagro.

En 2015 PUPS, hoy de 21 años, conoció a TEUR mientras pintaba. Los dos habían llegado desde Bogotá y hacían graffiti. No hizo falta mucho más para que se dieran cuenta de que tenían cosas en común y empezaran a andar juntos.

La madrugada del 30 de julio PUPS vio desde la vereda cómo le disparaban a su amigo. "Estoy haciendo graffiti", lo escuchó gritar después del primer tiro. Oyó dos más y lo vio caer al piso desde la altura.

decir que estaba pintando y en el acto hace los otros dos ", vuelve a repasar la secuencia. "Suplicaba, gritaba mucho, pero pensamos que estaba en shock", dice después. En un primer momento no advirtieron las heridas.

"Todo graffitero que se dedica al bombing sabe que se expone. Yo te cuento desde mi punto de vista como graffitero, uno sabe que ciertas cosas que uno hace no están bien vistas, que podemos ganarnos algún problema, una discusión, pero lo que pasó no lo justifiica nada".

Sobre las razones que los hacían salir de noche, después de sus trabajos, cansados, con un par de latas tintineando en las mochilas, comparte: "Lo que te lleva a hacer graffiti como lo hacíamos nosotros, graffiti puro, no por plata, ni para el gobierno, uno lo hace porque cada noche es una historia diferente. Una anécdota, recuerdos, momentos, las ganas de querer verse en todos lados. Graffiti es amistad y Cristian en ese sentido pensaba igual que yo".

Cuando Infobae Cultura le pregunta al integrante de "No me baño" por TEUR, hace silencio por primera vez. "Es delicado", dice después de unos segundos. Admite que no supo detalles del hecho y se limita a opinar que "está más ligado a la locura de la gente en Capital y el ritmo que lleva cada uno". "Lo que sí está bueno aclarar es que nosotros no hacemos daño a ninguna persona".

"No me baño"

"La 'No me baño' comenzó hace muchos años atrás cuando éramos los wachines más sucios de la plaza donde siempre nos juntábamos para patinar", cuenta el miembro de la crew y deja saber que fueron skaters más grandes y que los trataban de "sucios", los que sin querer los terminaron bautizando.

Al principio se encolumnaron detrás la sigla NMB y al igual que otros grupos de graffiti locales como los ALC´s (A la carga), no daban a conocer el significado de las letras que los representaban en las paredes. Parte del halo de misterio y los códigos internos que rodean a todos los graffiteros.

"Al principio nos daba verguenza decir que NMB significaba 'No me baño', hasta flasheamos con cambiárselo por otros nombres pero nunca sucedió", admite. Pero fue cuando empezaron a escribir la frase completa en lugar de su reducción de tres letras, que hubo un quiebre. Que sin quererlo generaron un espacio al que llenar de contenido.

"El éxito que ha tenido, la gente que se saca fotos, que se está propagando, tiene que ver con lo enigmático de esta frase que apunta a varias interpretaciones posibles. Puesta en el espacio público desencadena sentidos", analiza Kozak el fenómeno, que distingue a los NMB de otros grupos de graffiti hip-hop como los identifica la autora.

"Nosotros venimos del graffiti tradicional, de chiquitos nos interesó el graffiti y el arte en general, nos dedicamos al arte en distintos rubros, en ese sentido somos bastante abiertos, no sólo salimos a pintar a la noche, cada uno tiene su vida y la lleva como quiere. Mientras no se bañe, todo bien", contesta con ironía el 'No me baño', antes de esquivar con ingenio a tener que dar una opinión sobre su éxito: "al parecer hay mucha gente que no se baña y se refugia en nosotros".

Desde la mirada de otro graffitero el fenómeno de la "No me baño", está excediendo los límites del género. "Admiro lo que hacen porque tuvieron una repercusión y una acogida hasta de actores famosos. Al principio me gustó la idea pero ahora me parece que la quemaron. No tienen buenos trazos, están en todos lados pero son sólo firmas. Reconozco que lograron mucha presencia, pero no me parece graffiti", dice PUPS .

Según el graffitero colombiano, lo que él busca en las pintadas de otros writers son cosas que atraviesan a todo el movimiento. "Estilo propio", que en una firma aunque no se entiendan las letras se pueda reconocer a su autor, "la limpieza en los trazos", "que los lugares donde pinta sean lugares difíciles" y "que esté en todos lados". "All the city", termina la frase con una sonrisa.

La NMB, queriendo o sin querer, ocupó un lugar distinto.  Su estética y ellos mismos se identifican con el graffiti y sin embargo no terminan de encajar ahí. Difíciles de encasillar deambulan entre un nuevo fenómeno, la variante de un fenómeno que ya existía y los "15 minutos de fama" que en 1968 vaticinó a todos "en el futuro" Andy Warhol.

Arte, vandalismo y política

"Sólo artistas consagrados o por contactos son bien vistos en este país, el gobierno no apoya al underground, ni tampoco lo va a hacer", dice el graffitero de la NMB, haciendo referencia a los festivales y certámenes del gobierno porteño que se vuelcan a muralistas para proyectos relacionados a sus políticas de embellecimiento urbano.

"Por suerte a la gente le gusta nuestra movida, esto no es un movimiento ni nada de aspecto político, nosotros no sumamos gente para que pinte por nosotros, por eso también nos sorprende tanto la aceptación, ver nuestro arte más allá de los lugares donde lo hacemos", agrega.

"En general, en todos lados las piezas más elaboradas tienen todo ese halo de institucionalidad, entran en políticas públicas por el lado del arte. Lo otro (por el graffiti) se suele ver más como vandalismo porque es muy profuso, las bombas, los tags, la repetición", analiza Kozak la ausencia de políticas que incorporen al graffiti. Aunque sin perder de vista que por la misma filosofía del movimiento puede que muchos graffiteros no acepten ser parte de esos proyectos.

"Efectivamente cuando uno habla de arte está pensando en una institución. En la institución de el arte, que es una institución ligada a museos, galerías", enumera la investigadora y destaca que a pesar de todo y aunque los propios autores de las pintadas renieguen de este hecho "la del graffiti es una práctica de intervención en el espacio urbano con una dimensión estética".

Desde NMB la mirada se vuelve crítica. "No creo que el gobierno esté avalando mucho al arte, salís a la calle y está todo gris. Eso la verdad nos desmotiva a todos. Comprar pintura es muy caro y el gobierno te tapa todos los colores con un gris que da tristeza", desliza, y se para en la vereda de enfrente.

Es difícil que el vecino al que acaban de escribirle la pared esta madrugada pueda detenerse a pensar en el hecho artístico o en el síntoma de su tiempo que se desprende de ese trazo aparentemente sin sentido que atraviesa ahora media ventana de su casa. Puede que las acusaciones de "Esto no es arte" acompañen al movimiento hasta el final de los tiempos. Y puede que sean ciertas. Porque no es arte; es graffiti.

PREGUNTAS DE INVESTIGACIÓN

1. ¿Cuáles son los murales más destacados realizados en Guadalajara?

Auditorio Salvador Allende: 

Diseñado por Gabriel Flores, fue pintado en 1974, lleva por nombre "la filosofía y la ciencia". La conclusión de este mural es la combinación de un ser humano influenciado por corrientes técnicas y filosóficas.

Instituto Cultural Cabañas:

Este instituto cuenta con murales de José Clemente Orozco. Al centro de la capilla, bajo la gran cúpula, esta la máxima expresión del artista: la figura del "Hombre de fuego". Se considera como el conjunto mural más importante de América.

CODE:

Mural pintado por Jorge Martínez y lleva por título " La Juventud y la revolución constructiva de México". Consta de 2 secciones: la primera se refiere a las ciencias, las artes y la cultura; la otra, muestra la figura de López Mateos, con representaciones de su obra de gobierno.

Procuraduría de Justicia:

Obra del pintor Guillermo Chávez Vega, realizada en 1967; el pintor plasmó en dos muros de este edificio sus dos conceptos de justicia, una corrupta y otra ajena a toda influencia. Además en el cubo de la escalera pintó sus ideas de "la justicia y los delitos". 

Este edificio está ubicado en Calzada Independencia Norte #778.

Biblioteca Pública:

El autor de este mural es Gabriel Flores, se encuentra en la cúpula de la sala de lectura, mide aproximadamente 200 mts 2, se denomina "Las Letras Jaliscienses", con las principales figuras culturales del estado de Jalisco. Se localiza por Avenida 16 de septiembre y Calzada del Campesino.

Mural del Teatro Experimental de Jalisco: mural que lleva por título "alegoría del teatro de México", de Gabriel Flores, con una visión de la cultura prehispánica. Este teatro se encuentra a un costado del parque Agua Azul.

Centro de la Amistad Internacional:

Tiene como título "Homenaje a la Humanidad", fue pintado en 1973 por Guillermo Chávez Vega. Dibujó a cinco mujeres que representan las cinco razas y acompañó los personajes con una representación serpentina, con el objetivo de incrementar las relaciones de amistad entre México y otras naciones.

Edificio Administrativo de la U de G:

El autor es Gabriel Flores y tiene como título "Estampas de la vida", fue pintado en 1981.

Biblioteca Iberoamericana Octavio Paz: en este lugar se encuentra la obra de David Alfaro Siqueiros en 1926-1927, representa la doctrina marxista, su tema es relativo al obrero, campesino, minero, artesano y a la clase proletaria en su esfuerzo para arrancar los frutos de la tierra.

Palacio de Justicia:

En el cubo de las escaleras hay un mural de Guillermo Chávez Vega con cuatro paneles que caracterizan a Juárez y la Reforma, La Constitución de 1917 con sus principales defensores, Mariano Otero con el juicio de amparo y una mujer que representa la justicia.

Rectoría de la Universidad de Guadalajara:

En el Aula Magna o Paraninfo, el pintor jalisciense José Clemente Orozco en 1936-1939 dejó plasmados dos interesantes murales, uno en la cúpula cuyo tema central es el hombre. En el muro, arriba del escenario, el famoso mural titulado "el pueblo y sus líderes", donde en medio del fuego el pueblo sigue a sus dirigentes para ir a enfrentar al militarismo, la fuerza y falsa ciencia.

Palacio Municipal:

En el cubo de las escaleras hay un mural del pintor Gabriel Flores realizado en 1962-1964 con temas de la conquista española, la caída de Pedro Alvarado, los fundadores de Guadalajara, la conquista espiritual y los paseos del pendón.

Biblioteca del Centro Universitario de Ciencias Sociales y Humanidades:

Con el título de "El hombre y la información", este mural en alto relieve, elaborado en fibra de vidrio se debe al maestro Rafael Zamarripa Castañeda, quien lo realiza de 1984 a 1991. Aquí se expresa la cronología de los recursos tecnológicos intelectuales que crearon el libro, la imprenta y la biblioteca, soporte y pilares de las civilizaciones.

Escuela Normal de Jalisco:

Mural que lleva por título "La Evolución de la Educación en México", data de 1958, elaborado por José Chávez Morado. Tiene una superficie de 8 x 20 mts. 
Representa la época de la conquista en México, la alfabetización cristiana y el pueblo de México y varios personajes de nuestra historia en la educación. 
Enseguida representa el México del siglo XX; finaliza con una serpiente-águila, emblema nacional; también se observa la figura de José Clemente Orozco. Se encuentra en la Avenida Alcalde y Avenida Ávila Camacho.

Fábrica de Tequila Sauza:

En esta fábrica se muestran varios murales, el principal es el creado por José María Servín, elaborado con mosaico italiano. Otro mural es de Guillermo Chávez Vega, pintado al fresco en 1960. Lleva por título "Las danzas de México". Asimismo se pueden admirar otros importantes murales. La fábrica de Tequila Sauza se localiza en Avenida Vallarta #3273.

Pintura en la Sacristía de la Catedral: cuenta con un cuadro atribuido a Bartolomé Esteban Murillo denominado "La Purísima Concepción", ahí mismo en la sacristía se encuentra un mural de Felipe Castro llamado "disputa del sacramento"; así como "La virgen de la Apocalipsis" y "San Cristóbal" de José Páez.

Pintura de la Bóveda del Teatro Degollado: 

Pintura al óleo que representa la escena del IV canto de la Divina Comedia de Dante Alighieri, pintado por el constructor Jacobo Gálvez y el pintor Gerardo Suárez.

2. ¿Qué es un mural?

Un mural es una imagen que usa de soporte un muro o pared. Ha sido uno de los soportes más usuales en la historia del arte. La piedra o el ladrillo es el material del que está hecho este soporte.

3. ¿Cuál es la diferencia entre Graffiti y mural?

Grafiti es un término tomado del italiano 'graffiti', que se traduce a marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro.

Los murales son una forma de expresión y comunicación con el propósito de impactar y se relacionan con temas cuyo contenido es claro y profundamente sociocultural.

4. ¿Cómo transforman los murales a la ciudad?

La Secretaría de Promoción Económica de Guadalajara pondrá en marcha la segunda etapa del Proyecto “Arte en tu Ciudad”, el cual busca que a través del llamado “Street art” rescatar el paisaje urbano de la entidad. Pedro Ruíz Gutiérrez, titular de la dependencia, señaló que con estas acciones también se busca tener un acercamiento ante las problemáticas que se presentan en la sociedad y con ello disminuir los problemas de inseguridad.

5. ¿Cuál es el origen del mural?

La primera pintura de la historia fue la rupestre, se ejecutó sobre las paredes de roca de las cuevas del Paleolítico. Usaban pigmentos naturales de plantas y minerales, con aglutinantes como la resina. La pintura sobre muros y paredes, dominó durante la antigüedad y durante la época románica. Decayó en el gótico, debido a que las paredes se sustituyeron por vidrieras, con lo que había menos superficie en la que pintar; esto determinó también el auge de la pintura sobre tabla. Durante el Renacimiento se produjeron grandes murales, como los frescos realizados por Rafael en las Estancias del Vaticano y la obra de él en la Capilla Sixtina, se ha limitado a las paredes de los edificios y los techos, destacando las grandes decoraciones del Barroco y el Rococó, que, combinadas con relieves de estuco, daban lugar a creaciones ilusionistas impresionantes.

La pintura mural no se ha llegado a abandonar nunca, como puede verse en la obra de los muralistas de Hispanoamérica. Los más famosos fueron Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco en México, Pedro Nel Gómez en Colombia, y Teodoro Núñez Ureta en Perú.

6. ¿Por qué el graffiti se considera como arte urbano?

El graffiti, en sus vertientes más artísticas y monumentales, ya es considerado como una forma contemporánea y urbana de pintura mural.

7. ¿Cuáles son los murales más famosos en México?

* El mural del palacio nacional de la ciudad de México, hecho por Diego Rivera.

* “La revolución contra la dictadura porfiriana”, por David Alfaro Siqueiros.

* “Dualidad”, por Rufino Tamayo.

* “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”, por Diego Rivera.

* “La marcha de la humanidad”, por David Alfaro Siqueiros.

* “El hombre en llamas”, por José Clemente Orozco.

* “La trinchera”, por José Clemente Orozco.

8. ¿Por qué existen los murales?

El origen principal de la expresión pictórica por medio de los murales es la crítica que los artistas mexicanos querían exponer ante el pueblo y los líderes políticos; igualmente tenían la idea de acercar el arte a los ciudadanos para que este ya no fuera elitista (es por esto que también muchos de los murales más famosos tratan escenas de la cultura popular mexicana).

Actualmente son pintados con diferentes propósitos, además de ser una cuestión estética en el entorno y proclamar que el arte es ni más ni menos que para todos,  también se le utiliza para decorar superficies, como las cortinas de algunos establecimientos para evitar que los grafiteros las tomen como suyas.

9. ¿Cuál fue el primer mural en la historia de la humanidad?

La primer pintura “artística” fue descubierta en el año de 2007, en Abri Castanet, Francia. Se trata de un muro que colapsó inesperadamente mientras exploradores investigaban el área, y que fue decorado con dibujos y rayones hace aproximadamente unos 37.000 años, cinco mil años antes de los caballos de Chauvet, descubiertos en 1994.

10. ¿Qué significa la frase Street art?

Se refiere a toda expresión artística (o no precisamente con propósitos que comuniquen algo), que se encuentra en la calle y que generalmente es ilegal. 

Uno de los más grandes exponentes del arte urbano también conocido como graffiti, es el artista británico, Banksy.

11. ¿Qué es lo que los murales hechos por artistas clásicos y el arte callejero tienen en común?

El arte callejero se deriva originalmente de los murales que fueron hechos antes por los artistas clásicos y después por los modernos; el motivo principal del muralismo, además de hacer pública una forma de pensar, fue acercar el arte a todos, por lo tanto el arte urbano comenzó a surgir en vista de las libertades que en los años posteriores a la revolución mexicana se permitieron, dando paso a las nuevas expresiones que en nuestros tiempos apreciamos en las calles

12. ¿Cuáles son los materiales que se utilizan para realizar un mural?

Los murales son dibujados generalmente en diferentes técnicas usando posters, mosaicos, esténcil, plantillas y pegatinas, pintados generalmente con aerosoles o pintura acrílica o vinil.

13. ¿Cuáles son las polémicas que generan los murales dentro de Guadalajara?

Por lo tanto el tema del grafiti es generalmente asociado con cuestiones de vandalismo juvenil, pandillerismo y contaminación visual y raras veces se plantea lo que los grafiteros expresaron desde una perspectiva artística. No obstante, desde los últimos años la interpretación social e institucional respecto del graffiti está cambiando y comienza a valorarse como arte urbano. Diferentes organizaciones y asociaciones están apoyando a los jóvenes con espacios para pintar sus obras murales.

14. ¿Qué técnicas se usan para realizar un mural?

El mural clásico se hace incorporando colores al acabado del revoque fino, usando yeso o cemento blanco como soporte del color y espátulas cono utensilios de aplicación. Esto suele ser muy caro y difícil de hacer. Normalmente se usa látex acrílico para muros exteriores blanco, dando tonalidad con entonador universal en pomos y trabajando con pinceles. También se pinta murales a partir de aerosoles de esmalte sintético, al mejor estilo de los “graffitis”. Otra técnica para los murales son tizas de colores disueltas en un mortero y mezcladas con cola vinílica, dando los negros con brea disuelta en aguarrás y un pincel fino y luego barnizando para fijar todo al muro.

15. ¿Cuáles apoyos del gobierno existen para los muralistas tapatíos?

Existen varias cantidades de apoyo en cuanto al desarrollo cultural en Guadalajara, sin embargo no hay apoyos tal cual destinados a los muralistas. Lo mas probable que va dirigido a los artistas dentro de los apoyos culturales, cual es el Fondo Estatal para la cultura y artes. Este fondo se da en becas para los creadores artísticos y artesanales, que se les entrega un apoyo desde los diez mil pesos a los cien mil pesos.

16. ¿Qué tipo de mensajes sociales se utilizan dentro de los murales en Guadalajara?

En muchos casos, los temas pueden ser variados, reflexivos, metafóricos y hasta subversivos, como la lucha social o la crítica política; otras reflejan en cambio la identidad o la cultura de un lugar, la ecología o la visión que tiene el propio artista sobre la sociedad en general.

17. ¿Cuándo inició el muralismo en Guadalajara?

Fue hasta la mitad de los años noventa que el graffiti realmente se desarrolló en Guadalajara, sin embargo, aunque la llegada de este fenómeno fue relativamente tardía, es una de las ciudades más “grafiteadas” de México.

18. ¿Cuáles son los parámetros para que una obra cuente como mural?

Un mural puede ser realizado en cualquier formato en cuanto a tamaño, lugar y técnica, siempre y cuando este consista de un mensaje cultural, social o político. Sin embargo, este mensaje no siempre se mantiene, pues en lo tocante a la coherencia del discurso, las/os artistas podrían ser divididos en dos grandes grupos: aquellos cuyos temas centrales se mantienen a lo largo del tiempo y son reflejo de sus preocupaciones personales, derivadas de la reflexión profunda y aquellos cuya obra presenta diversidad estilística o temática.

19. ¿Cuáles son las superficies en las cual se pueden realizar el mural?

Usa de soporte un muro o pared. Ha sido uno de los soportes mas usuales la historia del arte. La piedra o el ladrillo es el material del que esta hecho este soporte.

20. ¿Cómo se consiguen permisos para poder realizar un mural en Guadalajara?

El diario El Informador destacó que, ante la apatía de la Secretaría de Cultura, la promotora de arte emergente denominada Cabezas convocó a los artistas para mostrar sus obras en 76 bancas ubicadas en distintas partes de Guadalajara. La exposición tuvo un presupuesto de sólo 30 mil pesos, que fue el costo del permiso para intervenir el mobiliario. No existe una reglamentación específica ni un consejo especializado en arte urbano en la ciudad y mucho menos en el estado, que regule los permisos temporales para intervenir el espacio público, si bien la Secretaria general de cada municipio se encarga de expedir estos permisos. Sin embargo, actualmente el gobierno del municipio de Tlajomulco se está comprometiendo en convertir el municipio de Tlajomulco en la ciudad del arte, decorando los puentes y muros de casas con murales llenos de colores para dar vida a sus colonias.

21.  ¿Cómo se conserva un mural?

Para conservar murales o dibujos en la pared es muy sencillo solo basta con darle una capa de barniz incoloro o transparente cuando esté saca la pintura que quieras conservar, hará una película imposible de estropear, incluso si el barniz que utilizas es plástico podrás limpiar manchas que se puedan surgir por el uso de la estancia y seguirán como nuevos, con un simple trapo húmedo podrás limpiarlo sin problemas y te durarán años intactas.

22. ¿Qué movimientos de muralismo han ocurrido previamente en GDLʔ

Época revolucionaria y posrevolucionaria 1920-1945

La ruptura 1950

Muralismo contemporaneo o graffiti 1904

23. ¿Han hecho alianza con más artistas de otros rubros?

En la época revolucionaria se creó la Liga de escritores y Artistas Revolucionarios y el Taller de la Gráfica Popular. 

P r e g u n t a s    d e     e n t r e v i s t a:

24. ¿Cuántos muralistas vigentes hay ?

25. ¿Qué buscan lograr a través del muralista?

26. ¿Cuál es el plan a futuro con este movimiento?

27. ¿Qué buscan lograr con el proyecto?

28. ¿Permanece mal campaña/proyecto independiente de los cambios de gobierno?

29. ¿Cómo consiguen el recurso para producir el proyecto?

30. ¿Qué reacción se ha tenido con ciudadanía?

40. ¿Quiénes se oponen a este proyecto?

41. ¿Qué relación hay con la prensa?

42. ¿Qué medios han utilizado para difundir?

43. ¿Cómo han incluido a la sociedad a participar?

Deshojadas del control ciudadano, las barras de fútbol desbordan los estadios haciendo cimbrar las rejas o echando por tierra las barreras de contención que pone la ley para delimitar la fiebre juvenil, la prole adolescente que se complicita bajo la heráldica de los equipos deportivos. Es así, que cada confrontación deja como resultado una estela de palos, piedras y vidrios rotos al paso atronador de La Garra Blanca y Los de Abajo; dos sentimientos de la hinchada pelotera que aterrorizan el relax de los hogares de buena crianza, con los ecos mongoles de la periferia. Ambos fanatismos se descuelgan al centro desde la misma poblada, con el mismo vandalismo romántico que interviene el aparato regulador que sistematiza y acalla la euforia pendeja. Los supuestos rencores entre las dos barras son vecinos que amortiguan las faltas económicas con el baboseo de la caja de vino compartida o en el vapor ácido de los pitos que corren en la brasa centella que dinamita la batalla. Pero más allá de la rivalidad por los goles o el penal a último minuto, ellos saben que vienen de donde mismo, se recuerdan yuntas tras la barricada antidictadura y están seguros de que la bota policial no hará diferencia al estrellarse en sus nalgas. Saben que en realidad se juntan para simular una odiosa oposición que convoca al verdadero rival; el policía, garante del orden democrático, que ahora arremete a lumazos en las ancas del poder. Podría hablarse de estallidos juveniles que carnavalean su agosto bastardo gritando "te amo albo, te llevo en el corazón", en la piel, en la bulla de los chicos que no se cansan de entonar el "cómo no te voy a querer". A pesar del calor que cosquillea en la gota resbalando por la entrepierna ardiente, a pesar del pegoteo de torsos desnudos mojados por la excitación, los chicos se abrazan y estrujan estremecidos por el bombazo de un delantero que mete pelota rajando el himen del ano-arco. Entonces el gol es una excusa para sobajearse encaramados unos sobre otros, en la ola afiebrada que trepa las rejas que protegen la cancha. Estas demostraciones juveniles ensordecen la pastoral democrática; son escaladas de péndex que exhiben en la marea delirante la erección del jean cortado a media pierna, a medio culo el tajo de la moda asoma una nalga morena, un trozo de muslo velludo que riega los estadios. Un desenfado donde nadie está seguro, porque la botella gira en el aire y puede reventar en la frente de cualquier hincha descuidado. Nadie está protegido, menos la loca de cintillo indio que haciéndose el macho, logró confundirse en el ondear de las banderas venteadas por los desalmados. Esa misma loca que odia el fútbol, que de chiquitita jamás pudo patear una pelota encumbrada en el imaginario frágil de sus tacos altos. Pero le ganaron las ganas de estar allí, en medio de tanto refregón, a la deriva de los cuerpos ensopados que descargan su potencia futbolera en el arrebato de un "te quiero adicto". Mucho le costó llegar al centro de la barra, estar mecida por el maldito corazón en medio de las consignas. Pasó colada arqueando las piernas, dando unos cuantos empujones y ensuciándose la lengua con los "sí, pos loco", "chi la gueá" y otras tantas cosas del lunfardo pelotero. Pero al fin llegó y mientras finge mirar el partido siguiendo la pelota que rueda en el pasto, que rebota como todas las pelotas que saltan a su lado, jugosas en el nido peludo que acuna el baile. Mientras simula un traspié, un leve estrellón que la desequilibra para sujetarse de lo que está más a mano, del racimo humeante del péndex que hace rato la tenía cachuda. Y sólo esperaba el agarrón de la loca para gritar: "Aquí hay un maraco." Pareciera entonces que a la voz de maraco enmudece el estadio completo, la pelota se detiene en el aire justo antes de cruzar el travesaño y el alarido de gol queda colgando en la o sin alcanzar el triunfo de la ele. Los jugadores perplejos apuntan a la galería, al centro de la barra brava donde la loca aterrada se ha quedado sin habla. Como un sagrado corazón en espera del martirio. Con un calambre en la garganta que la hace vomitar el gol y la palabra esperada retiembla el coliseo, volviendo la salsa revoltosa a animar la galería. Así, girada en la confusión, la loca sale de vuelo resbalada en la humedad de los abrazos. Se desliza casi espuma hasta los pasillos de acceso, donde los baños hierven de hombres en el amoníaco de los urinarios. Allí ese olor familiar reaviva la sed carmesí de su boca chupona. Al amparo de las escrituras profanas, se relaja en el espejeo de los graffitis que oran mohosos: "Aquí se lo puse al albo", "La Garra lo chupa rico". En cada frase temblorosa se permean las ganas de encular al rival, de sentarlo machamente en la picota. Como si placer y castigo fueran un rito compartido, una metáfora inyectora que castiga premiando con semen las insignias del contrario. Así, el ojo coliza recorre el muro, en cada dibujo apurado recorta apuntes y croquis fálicos como rosas de un papel mural sepiado por las huellas del orín. Flores de yodo rebanan el iris de la loca, alfabetizan su deseo en los signos desvaídos por la soledad del baño público. Una crónica voyeur que recoge su silabario aguaitando a través del agujero el baño contiguo. Mirando el chorro dorado de un hincha que expulsa la cerveza. Un péndex que también ha visto el lente de la loca congelado en su miembro. Ese ojo rubí que horada el muro con desespero. Entonces a una señal la loca se cambia de equipo, se mete en la caseta vecina donde el chico la espera agitando tarjeta roja entre las manos. Después la puerta cerrada es sorda a la bullanguera farra que persigue la pelota. Afuera el estadio estalla cuando un centro-foward zigzaguea la bola por la entrepierna, apenas la roza, la puntea, la baila en la pelvis, al pecho, la goza cabeceando y zoom mete cuerpo y balón en el hoyo del arco. El "cómo no te voy a querer" es coreado a todo pulmón al terminar el partido y las dos barras se desgranan por la ciudad pateando las señales del orden, meándose en cada esquina donde la autoridad instaló cámaras para vigilar con ojo punitivo. Marejadas en shorts y zapatillas rotas desafían la represión que silba en bombas lacrimógenas y carros lanza-aguas abollados por los peñascazos. Después la batahola se dispersa por las calles, entre los bocinazos, bombos y pitos que animan la salsa rockera de los locos. La cumbia picunche que menea el trasher al son del ya tan amado "cómo no te voy a querer", escrito en todas partes, voceado en las murallas por la lírica malandra de su ortografía. Una escritura itinerante del spray en mano, que marca su recorrido con la flechada gótica de los trazos. La gramática prófuga del graffiti que ejercita su letra porra rayando los muros de la ciudad feliz, la cara neoliberal del continente, manchada por el rouge negro que derraman los chicos de la calle. A ver si los encuentran, a ver si los dirigentes del equipo se hacen cargo de sus desastres, después de que el alcalde los declaró peligro público, un mal ejemplo para la juventud que no se emborracha ni cae en las drogas. Nuestros muchachos de espíritu sano, de polera blanca y jeans recién planchados, empeñados en el servicio social, en pasear ancianos y sacar el barro de las inundaciones. Tan diferentes a la tropa delictual que descarriló un tren de puro gusto, por no querer seguir en la misma vía ordenada por los semáforos. Sólo bastó que a un loco se le ocurriera desenganchar el carro donde regresaban, después de un partido, para que todos se embalaran, de puro volados, sin ton ni son, vieron la locomotora alejarse sola por la línea ferroviaria, cagados de la risa, pensando en que el conductor estaba seguro de llevarlos por la aburrida senda del buen camino. Ellos que alguna vez soñaron con el trencito eléctrico de la infancia rica, por esa vez tuvieron un tren de verdad, para irse a Woodstock alejándose de los tierrales secos de la pobla, de la ley pisando los talones y siempre arrancando, toda la vida en apuros de colegio, cárcel y hospital. Por eso se la creen amotinados, rebasando la nota armoniosa de la urbe civilizada. Se la creen borrachos moqueando la derrota y también borrachos celebrando el triunfo del equipo. Como una pequeña victoria de ángeles marchitos que siguen entonando la fiesta más allá de los límites permitidos, rompiendo el tímpano oficial con el canto tiznado que regresa a su borde, que se va apagando tragado por las sirenas policiales que encauzan el tránsito juvenil en las púas blindadas del ordenamiento.

Cómo no te voy a querer (o la micropolítica de las “barras”), Pedro Lemebel.

Soporte de Pared

El “Street art” o arte urbano un estilo diferente de arte, el manejo de una nueva técnica en un distinto soporte, pero con la misma idea del arte convencional, crear sensaciones, reflejar los evidentes desacuerdos y visualizar problemáticas de la sociedad contemporánea.

Este estilo de arte se encuentra alrededor del mundo, en cada urbe o pequeña ciudad alrededor del mundo, un estilo artístico que es fácil de encontrar en la vida cotidiana sin tener que ir a un museo.

La heterotopía (Foucault, 1967) de cual nos habla este autor, relaciona la obra con el espacio y el espectador, y que mejor manera de hacerlo en el espacio público, donde no hay impedimentos para apreciar las expresiones de los artistas urbanos contra el sistema en el que no encontramos inmersos.

El arte urbano o “street art” es un término utilizado para denominar toda expresión artística que se da en el espacio público. Este término nos lleva a una ideología impuesta por la sociedad la cual nos conduce a que este estilo de arte simplemente no sirve o es visto de manera vandálica que afecta la estética de las urbes.

Este estilo artístico se divide en diferentes técnicas en las cuales tenemos los “stencils”, “posters”, pegatinas, murales, “graffitis”, “stikers”, entre otras técnicas.

La postura de los artistas urbanos ante la visión que tiene la sociedad, se muestran como un proceso contra hegemónico que busca retomar los espacios públicos y expresar el desacuerdo con la sociedad. Este estilo de arte ha provocado un choque para el ojo común, puesto que las obras están expresadas en lugares transitados de la urbe, siendo así visualizadas en la cotidianidad de la sociedad.

El arte callejero se torna en una dualidad, esto sería las visiones que hay entre el espectador y el artista, aunque también ha tenido que enfrentarse a gestores culturales, artistas, pintores, etc. Estos tienen una postura en que este estilo de arte, no debería ser llamado así, puesto que los autores de estas obras no tienen una técnica adecuada ni cuentan con herramientas propias para crear como lo hacen los artistas convencionales. Denotando que la vida de los artistas urbanos es temporal, ya que nunca se encuentran en galerías o museos.

Pero en el caso del arte urbano los artistas no buscan la consagración dentro de la sociedad, ellos tienen claro que el arte tiene que transmitir un mensaje a la sociedad espectadora y criticar la visión cotidiana, todo lo permitido y socialmente aceptado. Es por eso que el “Street art” critica todo esto desde un punto “ilegal” llegando a ser tildados así como vándalos.

Por lo general el Street art esta manejado desde el anonimato, con firmas o seudónimos utilizados por los artistas que se llaman taggs, pero a pesar de esto, nunca se pierde el anonimato. Es así que los espectadores no tiene la certeza de quien es el artista, ni mucho menos la clases social en la que se ubica, esto hace a un lado la jerarquía que existe en el mundo del arte entre el espectador y la obra.

Así este estilo artístico llega a edificar una relación solidaria o una relación de discordia entre los espectadores o los territorios en donde se encuentren plasmadas sus obras.

El arte urbano se basa en cambiar de lienzo, siendo este las paredes o cada espacio público en la urbe disponible, de una manera clandestina y fulminante en forma de protesta e inconformidad ante las reglas que el sistema capitalista nos impone. En muchos casos los artistas contrastan el espacio público en la urbe con elemento tradicionales y culturales, incentivando que las practicas ancestrales y las raíces en distintas partes del globo terráqueo no desaparezcan reforzando y endureciendo los lazos sociales de las diferentes etnias al rededor del mundo, obteniendo un resultado que permite un significado y un acercamiento con el imaginario social.

No se puede decir que todo el “Street art” lleva una carga irónica o crítica ante el sistema, ya que también existen imágenes que carecen de sentido ante las problemáticas existentes, estas imágenes tienen un sentido estético sin carga controversial.

Bansky, el artista urbano más reconocido en la historia, por sus controversias y distintas críticas alrededor del mundo.

Es verdad que este artista es reconocido mundialmente bajo un seudónimo, esto no quiere decir que ha perdido su anonimato. Bajo su anonimato y clandestinamente este artista originario de Bristol y radicado en Londres, combina varios estilos de arte urbano, entre ellos la escritura con el stencil, creando figuras relacionadas con la política, moralidad, la cultura pop de una forma satírica.

Sus obras se han visto en importantes ciudades alrededor del mundo, pero principalmente en las grandes ciudades de Inglaterra.

Las obra de Bansky tienen una calidad técnica magistral, el manejo del dibujo y las expresiones faciales que tienen son fáciles de reconocer, mientras que la técnica a utilizarse siempre es la mejor para exponer lo deseado.

El contexto y el espacio (obviamente público) en el que Bansky maneja su obra es muy importante, es decir el espacio en donde expone sus pegatinas o realiza sus graffitis es elemental, tal como una de sus obras que se encuentra ubicada en la pared de un edificio que funciona como un centro de planificación familiar, esta obra representa la infidelidad de una pareja. A esta obra podríamos distribuirlas en tres partes, la primera el hombre desnudo que cuelga de una ventana, la segunda la mujer en ropa interior y el marido aparentemente ejecutivo llegando del trabajo y en busca de alguien, la tercera seria la ventana que simula una habitación en un edificio de planificación familiar.

BANSKY

(Bristol, 1975)

Sin Titulo

Sin año

Stencil (aerosol sobre pared)

El lugar donde se encuentra la obra es muy importante, tal como los “Bobbies” que son los policías de la ciudad de Londres, en los cuales los dos policías se besan. Esto causo un gran choque para la sociedad, y el espacio en el que está expuesto denota el lugar donde estos personajes patrullan cotidianamente.

Otra obra conocida de Bansky en un graffiti que realizo en el muro que divide Palestina e Israel la cual nos muestra la silueta de una niña que intenta volar sobre el muro, tomando ocho globos aparentemente con helio, el contexto en el que está expuesto este graffiti nos hace reflexionar sobre el asunto político en la que se vive en esta frontera, no existe libertad ni mucho menos respeto entre los seres humanos.

Una de las obras más polémicas de Bansky es la que plasma a una niña vietnamita que fue quemada con napalm (combustible altamente toxico que se utiliza para cargar bombas y misiles incendiarios). En esta obra a la niña lo toman de sus manos, Mikey Mouse y Ronald McDonal que son dos iconos de la cultura popular de los Estados Unidos. La lectura que podemos dar a esta obra es que estos ataques son atribuidos completamente a los Estados Unidos. Otra lectura podría ser que existen dos visiones completamente contrarias de la niñez en dos lados opuestos del mundo, mientras que unos disfrutan de personajes ficticios, otros huyen de una terrible realidad.

La siguiente obra de Bansky es una de las más reconocidas mundialmente, esta obra es reconocida por el estilo de stencil con el cual fue plasmado la figura de un activista, protestante que tiene en su mano un ramo de flores, que por su movimiento es inevitable no pensar que lo va a arrojar. Tanto para esta obra como la anteriores, puede existir varias lecturas, tantas como el espectador pueda darlas. En una de ellas podría estar insertada la frase “haz el amor y no la guerra” ya que esta figura simula un movimiento de lanzar un proyectil, pero ese proyectil es un ramo de flores, así que estaría haciendo la guerra con uno de los elementos más representativos de la paz y de la tranquilidad.

Herakut es un dúo de artistas alemanes que trabajan principalmente en murales con diferentes técnicas, entre ellas el manejo del aerosol de una manera realista.

Empezaron sus carreras artísticas individualmente, luego de algunos proyectos artísticos, fusionaron sus enfoques individuales a través del graffiti, convirtiéndose así en los mejores representantes del graffiti en su país.

Hera (Jasmin Siddiqui) de origen alemán y pakistaní, nace en 1981 en Frankfurt, Alemania. Es conocida por su gran manejo del aerosol y su gran resolución en lo que de figura humana se trata. Akut (Falk Lehmann) es el complemento de este dúo artístico, el nace en Schmalkalden en 1977, incursionando en el mundo del arte urbano a la corta edad de 14 años en su ciudad natal, este artista perfecciono su técnica con el aerosol hasta llegar a plasmar su obra de manera realista.

Su obra se encuentra expuesta en paredes de su país y de grandes ciudades alrededor del mundo como Toronto, San Francisco, Katmandu, Melbourne, entre otras.

El estilo que manejan al plasmar su obra es realista, pero a la vez expresivo, es una fusión muy rara de estilos. El proceso creativo expresado por este dúo tiene varias mezclas entre algo sensual, dialógico, salvaje y narrativo. Creando así un imaginario completamente diferente con un estilo realista.

Sus estilizadas obras con su extraña singularidad, Akut realiza con los trazos, manchas rápidas para luego dar detalle, mientras que Hera Realiza el dibujo. Se entrelazan los roles y se complementan mutuamente ya que por lo general no tienen algo definido, más bien cada uno improvisa sobre lo que el otro realizo hasta llegar a un punto en que la obra queda terminada.

Este duo también se destaca por combinar el graffiti realista de Akut, con otras técnicas impuestas por Hera, tales como son el acrílico y el carbón. Hera es una artista de formación clásica, que crea figuras con movimiento único tanto gestual como emocional de una manera libre, mientras que Akut es autodidacta, pero esto no impide realizar imágenes hiperrealistas con aerosol, tanto de animales o personas. Fusionando este trabajo y con una lógica narrativa, llegamos a observar la capacidad que tiene Herakut para guiar al espectador y forzar indirectamente su imaginación para formar las historias plasmadas en dichos murales. Cabe recalcar que estos autores realizan citas, descripciones o pasajes junto a las figuras creadas ya que estas son referentes de los personajes.

HERAKUT

(Frankfur, 1981) (Schmalkalden, 1977)

Sin Titulo

2016

Mural (Aerosol y acrílico)

Como un tema general se puede ver que en el contexto de su obra se centra en las facciones sociales y las limitaciones colectivas, también en las cotizaciones que nos hablan del amor, por tanto lo plasmado por ellos reflejan la diversidad de la vida.

En su obra existe varias fusiones entre figura humana y figuras animales, pero estos personajes no son híbridos, más bien tratan de representar a un animal con forma humana, más bien decir que un animal tendría el movimiento de un ser humano y en otras ocasiones utilizando la figura de un animal como un disfraz.

Una lectura que los espectadores podrían tener es que estos personajes ilustrados son representados por esta forma para expresar la fidelidad de los animales, la amistad que mucho de ellos brindan sin importar la raza que estos tengan.

Jean-Michel Basquiat nació en Brooklyn, New York en 1960, fue el primer hijo de un matrimonio caribeño, su madre de Puerto Rico y su padre de Haití. Fallece en 1988 a los 27 años de edad, por una sobredosis de heroína.

En su juventud entro en la subcultura callejera relacionado con las bandas y con el uso de estupefacientes, en esta etapa entro al mundo del graffiti junto con su amigo Al Díaz pintando en vagones del metro y firmando bajo el seudónimo de “SAMO” alrededor de un barrio en donde se encuentran las principales galerías de arte de la ciudad de New York.

A comienzos de 1980 es donde realmente tomo el hábito de la pintura, siendo un vagabundo aun, sintiendo un gran agrado por el expresionismo abstracto y juntando esto con sus raíces centroamericanas obtuvo un gran dominio del grafismo expresivamente gestual. Tanta fue su obra que la definía como la mezcla de “De Kooning” combinado con los garabatos del metro de New York.

Su obra era un componente abstracto pero con gran carga significativa para los que la apreciaban, este joven tras su adicción por las drogas, cayó en un mundo bajo en el cual vendía su obra a precios insignificantes para seguir con su adicción, la cual fue causante de su muerte.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

(New York, 1960)

Self-Portrait

1982

Acrílico, óleo y aerosol sobre lienzo

Collection of Bo Franzen

En conclusión estos referentes del arte urbano los liga el espacio en los que exponen, siendo este la urbe. Aunque todos usen seudónimos, no todos realizan clandestinamente su trabajo, aunque realmente este no es un impedimento para realizar este estilo de arte.

Las expresiones presentadas en sus obras no convergen, dos no son anónimos, sin embargo nadie quitara que son unos artistas colosales dentro del “Street art”

Autor: Camilo Rodas