#FLAMENCOS Conversaciones con artistas | Explore Tumblr Posts and Blogs

tuvozenradio · 2 years

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¿Quién dijo que la música clásica es aburrida?

El podcast “Escuchar Naxos; esto es música clásica” llega para dar voz a las historias más importantes de la mano de grandes músicos del panorama internacional

La música clásica es en palabras de Kent Nagano, director de la Orquesta Sinfónica de Montreal, "una aventura en la que nos embarcamos una vez que estamos dispuestos a participar. Esta nos transporta a otro mundo. Allí despliega su tremendo poder. Y debido a este poder puede enriquecernos inmensamente, especialmente hoy en estos tiempos difíciles y acelerados”.

Pero desde luego no todo el mundo se embarca en esta experiencia, quizás por ignorancia o por inexperiencia en la escucha, aunque como bien destaca Nagano, “Si le preguntas a un joven si le gusta la música clásica muchos no te responderán nada, porque no tienen idea de quién o qué es Mozart. En mi experiencia, si tienen la oportunidad de escuchar a Mozart lo amarán”.

En profundidad, no se puede prescindir de la música porque esta es parte sustancial de lo que aprendemos como seres sensibles, la música es algo digno de aprenderse, de disfrutarse, de ser valorado, pero también de ser apreciado en su justa dimensión porque como arte, la música nos hace más humanos. Si nos atrevemos a escuchar música clásica tal vez descubramos como sucede en la literatura, un mundo pleno de historias digna de ser apreciada en su justa dimensión como el arte que es.

Pero, ¿cuántos podcasts de música clásica conoces que puedas escuchar sin tener mucho conocimiento sobre ella? Llega “Escuchar Naxos: esto es música clásica”, un podcast que significa ver a través del espejo el arte musical. Pero sobre todo si desconoces de este género tan poco valorado por la sociedad, este formato presenta novedades, grabaciones y artistas con el mayor renombre del panorama que te permiten conocer desde dentro el origen de muchas historias.

El podcast se empapa dentro de las conversaciones y los datos que los protagonistas confieren además de que los efectos sonoros se nutren de las obras de las que se hablan.

Dando así una profunda introspección para sentir que es lo que se está contando, y sobre todo sintiendo. Se puede encontrar desde obras de Beethoven, Brahms, Bach hasta géneros como ópera o flamenco.

También es de destacar que la mayoría de los entrevistados son violinistas, pianistas, trompetistas o violonchelistas internacionales. Es por ello, por lo que su trayectoria permite poner la mirada más allá de lo que podemos escuchar en los diferentes capítulos. La magia de la música se reitera al sentir su origen. Un claro ejemplo se resume en el capítulo de la guitarrista española Mabel Millan que cuenta cómo compaginó sus estudios de Derecho con ir al Conservatorio y cómo ha llegado a compaginar ambas profesiones tan distintas.

O echando la vista más atrás, con el capítulo de “El secreto de Susana” encontramos una ópera breve compuesta en 1905 por el compositor italo-germano Wolf-Ferrari del que más tarde se consolidaba como compositor de óperas. Cuando la escribió, su reputación como compositor ya estaba estabilizada, pero la 1a guerra mundial le supuso una profunda depresión que lo mantuvo así y de la cual no pudo recuperarse.

No obstante, la historia se basa en el conde Gil y la condesa Susana, este tras prohibirle a Susana que pruebe los cigarrillos se emparanoia que tiene un amante y la ópera retrata la manera en la que le controla hasta descubrir que es una mentira del propio conde Gil. Es por ello que el capítulo nos pone en contexto antes de escuchar toda la obra recogida.

En definitiva y a modo de conclusión, cuando escuchamos que la música clásica puede ser aburrida es porque no la conocemos y los medios de comunicación tampoco hacen por explorar este mundo. Por lo que invitamos a los oyentes de este tipo de podcasts que se creen más para fortalecer y valorar la comunidad de músicos que hacen posible que este tipo de género no caiga en el olvido.

#musicaclasica #arte #óperas #historia #cultura #orquestas #mozart #beethoven #periodismo #entrevistas #Spotify

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lavendimiademartinez · 2 years

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LA SOBREMESA

Lambuzo (bar de tapas gaditano en Madrid)

Una de las mejores costumbres de nuestro país sin duda es la sobremesa, por encima incluso de la siesta. Las mejores conversaciones del verano suceden después de saciar el hambre y la sed con la particular manera de gozar la gastronomía que tenemos.

Durante el aperitivo, la primera cerveza o el primer vino nacen los temas que después discutiremos, los más superficiales y la toma de contacto y confianza si no todos los componentes del grupo se conocen. La confianza que dan, por ejemplo, las papas aliñás y el amontillao de “La Barbiana” de Sanlúcar

Entrados los platos principales, como en toda buena ópera, hay algunos argumentos muy contrapuestos que parecen no tener solución de continuidad para llegar a un acuerdo. Se genera el climax através del conflicto. Parece imposible mejorar unas almejas de la casa de “Avante claro” en el mismo Bajo de Guía con Doñana enfrente.

De repente, los postres, el café, quizás unas bebidas con mayor graduación relajan el ambiente, hasta un nivel de confesiones que es propio de nuestra naturaleza cercana y cultura empática.

En este verano he cosechado en mi vendimia algunas cestas con suficientes uvas para que salga un buen vino. Andalucía es el mejor escenario.

De Leticia, abogada laboralista y feminista de largo recorrido pese a ser una mujer joven, me quedo sin duda su capacidad de análisis de la situación actual de los debates entre derechos y privilegios de los diversos colectivos, que ponen en duda la unidad de lucha de las mujeres. Coincido con ella plenamente. Y nuestra visita a La Campana de Torremolinos local que lleva abierto desde 1957 y tiene precios asequibles para comer muy buenas tapas de marisco.

De artistas innovadores como David, tan solo podemos quedarnos sorprendidos del talento y conocimiento que les aporta el flamenco, como base de su desarrollo personal. En su “Mar Verde” puede verse como cada día hace una introspección más profunda y compleja para expresar con la guitarra.

Lucía, tiene claro lo que es la justicia social, por quien debe trabajar la política, justicia que debe ser preservada ante cualquier cambio social y laboral en un mundo en transición, digital o ecológica, asuntos que centran su campo de conocimiento. Es un verdadero placer la conversación sin límites intelectuales ni culturales con personas que tienen tanta profundidad. Es sin duda lo mejor de la sobremesa, no existe un tiempo medido donde comer e irse. Un placer similar a la lectura de “¿Te va a sustituir un algoritmo?” libro del que disfrutar sin prisas ya comentado en esta bitácora.

De María es difícil no contagiarse de su ilusión por mejorar su entorno. El trabajo en la mar puede y debe ser más sostenible, para poder preservar nuestro entorno, primero, pero sobre todo para mejorar la vida de los hombres y mujeres que rodean este sector milenario en Sanlúcar. Con unos tomates y berenjenas de su huerta vecinal, o con unos salmonetes recién pescados en Bonanza, la sobremesa se llena de viajes y ciencia con un acento que recuerda a la ideosincrasia de nuestro “Macondo” gaditano.

De Antonio es imposible no aprender. Pese a su juventud, el ansía y voracidad por leer y conocer, su experiencia internacional en Latinoamérica y sus diferentes encargos públicos, hacen de él un escritor y un relator único. Una tapa de ensaladilla malagueña y un barril de Cruzcampo hacen de conglomerantes suficientes para hablar sin rumbo con el autor de “El final de la Aventura”. Un autor del que ya esperamos su siguiente obra.

Seguiré comentando las sobremesas del verano según avance esta vendimia.

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oigulerml · 4 years

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TOP de la DECADA 2010

Estos son, en mi opinión, los discos más importantes de la década de los 2010′s:

10.- Tranquility Base Hotel + Casino - Arctic Monkeys - “What do you mean you’ve never seen Blade Runner?”

Tuve la oportunidad de ver en un par de ocasiones a esta banda en vivo esta década y siempre me impresiona la capacidad que tienen de reinventarse con cada nuevo disco que sacan; me quedo con este último porque me parece el mejor y va muy a tono con el discurso de esta época en que se desvanecen los límites entre la ciencia-ficción y la realidad en tantos ámbitos.

9.- El Mal Querer - Rosalía - “Amargas penas te vendo, caramelos también tengo...”

Si alguien está haciendo las cosas bien esta década, es esta morena de voz maravillosa. Quizás sea un poco pronto para calcular los daños de la irrupción de Rosalía, que me tuvo predicando durante el 2018: “¿tienes un segundo para que te hable de Rosalía?”; pero la influencia e impacto estético que ha tenido a nivel global es evidente. Para confeccionar El Mal Querer se junta con El Guincho, uno de los productores más interesantes e innovadores de la década y las consecuencias del giro que le dan al flamenco, son estupendas.

8.- Innerspeaker - Tame Impala - “The only one who’s really judging you is yourself, nobody else...”

Tame Impala nace a principios de la década para darle un nuevo giro al rock psicodélico de estética de caleidoscopio. Con una voz que evoca a Lennon, nos recuerda que hacer música desde casa está en nuestras manos. Si bien el debate sobre cuál es el mejor de los discos que han lanzado esta década sigue abierto, elijo este primer disco porque es el que pone a Australia en el mapa y porque en él es más claro que la base que cimienta las deliciosas interacciones entre los múltiples efectos de las guitarras y el bajo, es la batería. Las canciones de este primer disco son suficientemente ricas sin añadirles la levadura psico-activa de los sintetizadores y la influencia de esta banda va más allá de otras propuestas que adoptan esta estética de caleidoscopio; importante ha sido la capacidad de asociación de sus integrantes con Pond, Mark Ronson, A$AP Rocky, Kali Uchis y un sinfín de artistas innovadores más.

7.- 22, A Million - Bon Iver - “I’ve been sleeping in a stable, mate; not gonna do you no favors...”

Disco brutalmente reconfortante con el que arranca una nueva etapa de Bon Iver, después de que se disolviera en algún sombrío momento de la década. Nos brinda, desde que arranca hasta que termina un revolcón de sonido que consiste en la industrialización del folk y art-pop de su primera etapa. Cuenta con letras más abstractas y arreglos que algo beben de Yeezus y James Blake. No se puede pasar por alto el elaborado simbolismo de la portada del disco y de los nombres de las canciones; encubre un disco brillante con el que otras civilizaciones disfrutarán al descubrirnos.

6.- Salad Days - Mac Demarco - “Goodbye weekend, so long darling, Mac’s been a bad, bad boy...”

Esta década nos trajo a uno de los personajes más geniales y genuinos del rock cervecero, actual bandera de innumerables festivales veraniegos. Joie de vivre. En este disco considero que se plasma el sonido original de ropa vieja enjuagada en psicodelia, construido a partir de un amor por el rock & roll de décadas pasadas, sin dejar de ser un sonido tan fresco como para permear nuevas propuestas. Se acabaron los días de ensalada.

5.- La Fiesta del Rey Drama - Americania - “Necesito tomar aire, no estar solo, hablar de lo que me pasa...”

De la manera más sutil que se haya visto en Caracas, tres amigos experimentan los dolores de tener un corazón puro. Compuestas en esa atmósfera silenciosa de las noches de ardor, estas canciones nacen como una necesidad profunda de expresar lo que se está viviendo. Un disco con un sentido de despedida y es que es una obra con la que recordar que Americania sigue siendo un continente por descubrir.

4.- Channel Orange - Frank Ocean - “Monks in the mosh pit!”

De los negritos más creativos de la década, rompiéndote un montón de esquemas con una voz más sedosa que la de tu querido Romeo Santos. Más sedosa y menos merecedora de ser un guilty pleasure. Un brillante disco que parece consistir en tomas de grabación registradas con naturalidad y que denotan un profundo sentido artístico.

3.- Musas, Vol. 1 & 2 - Natalia Lafourcade de la mano de Los Macorinos

Natalia continúa paseándose río adentro en el homenaje al folclore latinoamericano en que ha convertido su obra esta década, realizando un estudio profundo de los más importantes compositores y rindiéndoles pleitesía reconstruyendo sus canciones. Ambos volúmenes de las Musas son un refresco en la incesante producción de música nueva. Un poquito en nota de reutilización medioambiental, es el mayor provecho que se podía extraer de estas canciones: revivirlas. Inicialmente sería un único disco pero terminaron saliendo tan bien estos experimentos y conversaciones entre músicos, que hubo que quedarse con ambas partes. Tiene un documental preciosísimo en el que se explora la intimidad en que este conjunto de canciones fueron reconcebidas: https://www.youtube.com/watch?v=w-9N4kcNpmw

2.- My Beautiful Dark Twisted Fantasy - Kanye West - “Who will survive in America?”

MBDTF no solo establece las pautas de lo que será un ascenso ilimitado del hip-hop esta década, sino que da paso a un montón de artistas que beben de este género, influenciando la mayor parte de la escena mundial. Es difícil concebir la música de gran consumo y concretamente la rama del hip-hop, rap, trap, R&B e incluso pop rock, sin tener en cuenta esta obra maestra de Kanye. Marca además un antes y un después en las sucesivas producciones que nos comparte: los discos dejan de ser mixtapes compuestos por beats más o menos elaborados y juegos de palabras memorables, sino que van con un concepto y una estética disruptivas.

1.- Random Access Memories - Daft Punk - “Give life back to music”

Con el surgir de la Inteligencia Artificial este par de robots desarrollan un soul y una capacidad de asociarse con los humanos más talentosos para regalarnos un maravilloso compilado de recuerdos en forma de canciones.

Bien leído

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elmartillosinmetre · 5 years

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“Mi sueño es conseguir una mayor implicación de la sociedad sevillana”

[Francisco Bernier en la sede de Diario de Sevilla. La foto es de Antonio Pizarro]

El Festival de la Guitarra de Sevilla cumple su décima edición ampliando los espacios en los que se celebra y entrando por primera vez en el terreno de los conciertos sinfónicos

El festival que el guitarrista Francisco Bernier (Sevilla, 1975) fundó en 2010 se esfuerza por consolidarse año a año como una de las grandes apuestas del otoño cultural sevillano.

-¿Cómo llega el Festival de la Guitarra a su décima edición? -Llega después de un camino complicado y difícil por muchos motivos, sobre todo por la crisis económica que ha afectado y sigue afectando tanto a la cultura. Con mucho esfuerzo, mucho sacrificio, pero a la vez con mucha ilusión de seguir cumpliendo años.

-El Festival amplía sus sedes... -Nos parecía importante abrir el Festival a más espacios. Alguno tiene una singularidad muy especial, como el Espacio Santa Clara. Vamos a hacer dos conciertos en la Sala de las Pinturas, que es una maravilla, además con una acústica muy buena para la guitarra. El concierto inaugural lo llevamos al Cartuja Center Cite, una sala con un aforo de 2000 localidades, con una acústica y unas dotaciones tecnológicas increíbles.

-Un concierto inaugural que será el primer concierto sinfónico en la historia del Festival... -Efectivamente. Para nosotros es un salto importante, además con una programación muy atractiva, porque hacemos el Concierto de Aranjuez con Cañizares como solista, luego el Concierto andaluz para cuatro guitarras, también de Rodrigo, y terminamos con El amor brujo de Manuel de Falla, con Joana Jiménez como solista. Es un concierto que uno no se puede perder.

-Reúnen a un guitarrista y una cantante que vienen del ámbito flamenco. ¿Premeditado o surgió sobre la marcha en función de las opciones disponibles? -Tengo una larga amistad con Cañizares, y él me había comentado ya que le hacía mucha ilusión participar en el Festival de Sevilla. Cuando surgió la ocasión del programa sinfónico pensé lógicamente en el Concierto de Aranjuez, sin duda el más popular y representativo concierto para guitarra de la historia, y pensé a la vez en Cañizares, entre otras cosas porque en el Festival hay también cabida para la guitarra flamenca y porque en los últimos tiempos, después de que lo tocara con Simon Rattle y la Filarmónica de Berlín hace unos años, el Concierto de Aranjuez se ha convertido en una auténtica especialidad suya y lo ha hecho infinidad de veces ya. En cuanto a Joana, le he escuchado El amor brujo en varios vídeos, de las veces que lo ha hecho con diferentes orquestas, y creo que tiene una voz ideal para la obra. Es la voz que imagino cuando pienso en Candelas. Y ella estaba deseando hacerlo, porque nunca ha cantado la obra en Sevilla. Esta ilusionadísima. Así que todas las piezas del puzle se unieron para poder ofrecer este concierto inaugural que yo diría que es casi histórico.

-¿Qué otros aspectos de la programación destacaría? -Tenemos conciertos todos los días entre el 28 de septiembre y el 5 de octubre. Es una programación muy atractiva por la calidad de los artistas y la diversidad de propuestas. Vamos a proyectar también Omega, ese maravilloso documental de Gervasio Iglesias sobre Enrique Morente y Lagartija Nick, a propósito de aquel disco legendario con Leonard Cohen… Será con entrada libre en el Teatro Alameda, e incluirá una mesa redonda después de la proyección. Incorporamos también al Consulado de Portugal, que tiene una sala magnífica en la primera planta, donde el norteamericano Andrew Zohn presentará el disco Eterna Saudade, un disco muy enfocado hacia la música brasileña y sudamericana en general. En el Espacio Turina tendremos, como cada año, el grueso de la programación, desde un concierto del dúo Arnaud Dumond y Pedro Sierra, que presentan el espectáculo Clásico por Flamenco hasta un estreno mundial del compositor iraní Bardja Charaf sobre poemas de Royds Fuentes Imbert, que harán el Trío Farfalla y el Ensemble Ad Fontes, que viene de Suiza para ese concierto. Eso será el 2 de octubre y al día siguiente el Cuarteto de Guitarras de Lisboa ofrece un concierto con la cantante de fados Teresa Macedo, en el que presentan el disco Lisboa Colors, que grabaron con nosotros, con Contrastes Records. Los dos últimos días de festival se reservan a los conciertos de gala de los concursos tanto de guitarra flamenca como clásica a los que se unen recitales de los ganadores del año pasado, Alejandro Mondaray en la flamenca y Sasha Savaloni, un excepcional guitarrista iraní, en la clásica. Tenemos también el concierto homenaje al maestro Alberto Ponce, que lo hacemos en Santa Clara y el Festival Off, que es una apuesta por los jóvenes.

[Teresa Macedo y el Cuarteto de Guitarras de Lisboa]

-Se mantienen los tres concursos, el de guitarra clásica, en su décima edición, y el de guitarra flamenca y el concurso de composición Manuel de Falla, que van por su cuarta edición. Este último es quizás el menos conocido, ¿qué aporta al Festival? -Nos da un trabajo enorme, pero es muy atractivo. Recibimos obras de prácticamente todo el mundo. Las obras ganadoras se estrenan siempre en el festival siguiente, las publica una editorial canadiense, se graban y además son piezas obligatorias para los participantes en el Concurso de Guitarra Clásica de esa edición. Por otro lado, déjeme decirle también que la edición del Concurso de Guitarra Flamenca de este año está dedicada al Niño Ricardo, gran figura de la guitarra sevillana.

-Desde el primer año de Festival se viene repitiendo la idea de los dobles conciertos diarios. ¿Por qué esta fórmula? -Básicamente para evitar programar dos conciertos en un mismo día en espacios diferentes y a horas que podrían ser inusuales. Preferimos hacer dos conciertos, a lo mejor algo más breves, pero uno seguido del otro y en el mismo espacio. Es una forma de meter todos los espectáculos en la semana de programación que tenemos. Es que si no, no nos cabrían. Y eso que este año nos vamos con un par de actividades a las 12.30 de la mañana, que es algo que no habíamos hecho nunca.

-¿Cómo se financia el Festival? -A duras penas. Tenemos dos participantes fundamentales, el ICAS y el Ministerio de Cultura, y luego una serie de colaboradores.

-¿Cuánto pone el ICAS? -Prefiero no hablar de cantidades. Pero ellos aportan aproximadamente un 20% del coste del Festival, que va íntegramente a contratación artística. Y además ponen los espacios, este año, Turina, Santa Clara y Teatro Alameda. La participación del Ministerio es a través de subvenciones que da el Inaem. Los primeros años no nos las concedieron, pero llevamos ya cinco años en que sí nos las dan, y eso supone aproximadamente entre el 10 y el 15% del total.

-¿Y el resto? Porque por taquilla se recauda poco... -Por un lado, los propios artistas con los que contamos son gente que apuestan por el Festival, creen en el proyecto y vienen por cachés bastante rebajados. Ellos están aportando también una parte de la financiación. Luego tenemos una red de colaboradores públicos y privados. Déjeme que los cite sin olvidar a ninguno: Fundación Cajasol, SGAE, Acción Cultural Española, Instituto Cervantes, Savarez, la Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes, Alberto Pantoja, Spanish Guitar Foundation, el Consulado de Portugal, Sevilla Congress and Convention Bureau y Uber. Todos ellos aportan pequeñas ayudas económicas que completan el presupuesto o una serie de servicios logísticos que nos alivian considerablemente. Por ejemplo, a través de Manuel Macías, el director de Sevilla Congress and Convention Bureau, llegamos a un acuerdo con Uber para los traslados de los artistas mientras estén en la ciudad. No sólo nos ofrecen los servicios de forma gratuita, sino que nos permiten dejar de estar pendientes de los desplazamientos, una tarea que siempre era engorrosa.

-Existe una relación estrecha entre el Festival y el sello Contrastes Records. ¿Cómo va el sello? Tengo la impresión de que ha rebajado el ritmo editorial. -Tenemos ya más de 30 producciones en menos de 6 años, y es verdad que quizás hemos bajado un poco el ritmo del principio, pero el proyecto sigue fuerte. Producir un disco es caro y requiere un esfuerzo notable. Estamos a punto de sacar un CD que grabó Alí Arango con música de Chopin, Tárrega y Mangoré. Un disco con una dramaturgia muy bien hilada entre un gran artista romántico como fue Chopin y dos posrománticos, como Tárrega y Barrios Mangoré. Además de Lisboa Colors y Eterna Saudade, presentamos también Música callada, un álbum que grabó Nicolò Spera, que participa en el Festival también, creo que olvidé citarlo antes, y que es otro disco muy atractivo. Y está a punto de salir otro de un guitarrista canadiense, Patrick Kearney, con música toda del siglo XXI, muy potente. En una época en la que el mercado discográfico está como está, pues seguimos ahí.

-¿Cuál es su gran sueño (realista) para el Festival? -Principalmente, conseguir una mayor implicación de la sociedad sevillana, lo que significaría tener más público… También crecer presupuestariamente. Al menos hasta conseguir un presupuesto acorde con la calidad de la programación que ofrecemos. Aspiro también a que podamos por fin llegar al Teatro de la Maestranza, y ahí vamos por buen camino.

-¿Eso que significa? ¿Hay conversaciones? -Estamos en conversaciones para el año próximo. He notado buena disposición. La idea sería contar con la ROSS para un concierto sinfónico en el Maestranza. El concierto de apertura de este año ya lo habíamos planteado así, pero finalmente lo de la orquesta no pudo salir. A ver si lo conseguimos para 2020. Sería importantísimo para nosotros.

-¿Sería un concierto independiente para el Festival o la participación del Festival en uno de los conciertos de abono de la ROSS? -Manejamos las dos opciones. Está abierto. Lo más importante es la disposición positiva que he detectado.

[Diario de Sevilla. 26-09-2019]

#francisco bernier #festival de la guitarra de sevilla #entrevistas #música #music

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8mmeditorial · 7 years

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Jef Cornelis

En el centro del trabajo de Jef Cornelis se encuentra una relación tumultuosa entre el arte visual y la televisión, un medio para el que dirigió varias películas entre 1964 y 1998. La obra de Cornelis fue posible gracias a la televisión, pero su relación con ella siempre ha sido ambigüa. Aunque realizó más de un centenar de películas, entre ellas películas sobre arte moderno, arquitectura y paisaje flamenco, la obra de Cornelis es principalmente una disección de la propia televisión, el medio mismo en el que trabajó. En 1963, después de estudiar Diseño de escenarios y Dirección cinematográfica en la Academia de Cine Holandesa en Amsterdam, Jef Cornelis comenzó su carrera como director de la División de Artes de la Televisión BRT en Flandes, que se convertiría más tarde en la radiodifusión VRT. Desde el principio, hubo una "fricción". En aquella época, había pocas personas en la producción de televisión que estuvieran familiarizadas o que pudieran manejar el lenguaje de la televisión. Sin embargo, Jef Cornelis, junto con Alain Resnais, Jean-Luc Godard y Alexandre Astruc, pertenecía a una tradición relativamente nueva, pero que ya ganaba reconocimiento internacional. La televisión básicamente se basa en el entretimiento. Jef Cornelis usó este sistema para hacer su propio trabajo pero sus películas se encuentran más allá de estas coordenadas. Cornelis trabajó dentro de un sistema de radiodifusión que prestó gran atención al «hombre- medio» y a las estadísticas de los espectadores, y fue este carácter restrictivo de la TV que formó la piedra angular del trabajo de Cornelis. Solo dentro del sistema reformista de un medio de masas podría hacer películas que podrían llamarse «parasitarias» o «marginales». Aunque el extenso cuerpo de trabajo de Cornelis se divide en tres categorías generales: sus temas favoritos como la arquitectura , el paisaje de Flandes, las bellas artes, su trabajo se entrelaza con diversos puntos focales, principios y técnicas. En menor grado, las películas de Cornelis también abarcan la literatura, la ópera y la música. Para sus primeros trabajos sobre arquitectura, Cornelis unió sus fuerzas con el guionista Geert Bekaert. En obras como "Home Sweet Home" (1968) o "Bouwen in België" (1971), su dirección tomó una posición crítica contra el marco en el que operaba.

Su dirección de la cámara en particular puede describirse como una exploración o sentir el camino, más que dirigir o presentar conclusiones. Su primer trabajo mostró al joven Cornelis como un idealista, irónico en su manejo del dominio público (su punto de referencia para la arquitectura flamenca era un palomar). Sus primeros años de trabajo también revelaron el compromiso de Cornelis con las Bellas Artes. A finales de los años sesenta, el joven director realizó cortometrajes sobre 'Documenta 4' (1968), 'Sonsbeek 86' (1986) y otros eventos artísticos para programas de arte contemporáneo. En diálogo con quienes eran entonces, artistas jóvenes pero establecidos, como Joseph Beuys o Christo. Repleto de honestidad y de una velada ironía, Cornelis no quiso imitar a aquellos que interrogaban a los artistas sobre los porqués y los motivos de sus acciones. En contraste con esta pretendida adversidad, Cornelis estaba personalmente muy involucrado en el arte contemporáneo. Estaba fascinado por las actividades de artistas como Broodthaers y Panamarenko, y además de rodar unos retratos únicos de ellos, a finales de 1960, su compromiso se había extendido mucho más allá de la cámara. En 1969, Cornelis fue uno de los fundadores de A 379089, un centro de arte alternativo en Amberes que se declaró un "anti-museo" o "anti-galería". Junto con el coordinador de A 379089, Casper König, Cornelis organizó presentaciones con Carl André, Marcel Broodthaers, Jörg Immendorf, La Monte Young y Panamarenko. La asociación de Cornelis con el arte ha sido de hecho tan ambivalente como su relación con el medio de la televisión; ha habido grandes saltos desde el amor más intenso hasta el odio. Cornelis dejó sus actividades de arte contemporáneo a un lado en 1972, para volver a ellas más tarde, en los años 80. En los años 70, Cornelis y Bekaert habían descubierto el helicóptero como una herramienta técnicamente útil para la cámara. Esto dio lugar a una serie de películas, "Vlaanderen in Vogelvlucht" (1976) y "Rijksweg I" (1978) entre las más memorables, que sobrevuelan el paisaje flamenco. Desde la perspectiva del vuelo, las odas de Cornelis a estos paisajes, a la gente común en su vida cotidiana, son apoyadas por textos e intercalados con números. A finales de los años setenta, en el momento en que estaba realizando éstas películas, la televisión pública estaba involucrada en su primer conflicto entre el "número de espectadores" y la demanda de televisión de calidad. Para Cornelis, estas circunstancias proporcionaron un incentivo para ampliar sus horizontes. Comenzó a tratar con la televisión en su nivel más básico, como un medio de comunicación y un vehículo para transmitir información. Ya a principios de los años ochenta, Cornelis estaba siendo etiquetado como un "artista de la televisión". Sus transmisiones se centraban en la comunicación, o la falta de ella. El "sujeto" del programa era simplemente un apoyo, un vehículo para sus análisis de las comunicaciones de mayor nivel.

En ese momento, el enfoque de Cornelis era el formato de “talk show”, era excepcionalmente creativo en la aplicación de sus imperativos. Para su programa 'IJsbreker' ('Managing Culture', 1983-'84), Cornelis utilizó un módulo para acelerar su conmutación entre varias ideas y discusiones. El resultado fue la confusión: las conversaciones, que tenían lugar en diferentes lugares, se desvanecieron completamente y dejaron al espectador preguntándose qué estaba pasando. Con 'Container' (1989) - un programa de televisión verdaderamente legendario, Cornelis se embarcó formalmente en un nuevo camino. El programa se basaba en un concepto extremadamente simple: su creador reunía a una serie de jóvenes pensadores en un pequeño contenedor, para mantener una conversación ininterrumpida. Cornelis de nuevo logró crear confusión, y no solo porque sus invitados se interrumpen y todos hablan a la vez sobre asuntos muy alejados de la vida del "hombre-medio". La capa visible del tema en discusión una vez más tenía poca relevancia. ' Container ' es ante todo y sobre todo una exposición del propio medio. Cornelis muestra contenidos que generalmente no son o no pueden ser tratados en la televisión. No enmascara las deficiencias de la TV, sino que las aisla y las enfatiza. Es evidente que dada la norma televisiva, un programa así no estaba destinado a la longevidad. En su conjunto, los programas posteriores de Cornelis destacan como una sólida resistencia al lenguaje estándar de su medio. Su obra se opuso a las condiciones impuestas por la TV y sin misericordia creo agujeros en las ilusiones que generaba.

Alrededor de 1985, Cornelis volvió a dedicarse a las Bellas Artes, consciente de que los artistas que había entrevistado en los años sesenta y setenta estaban ahora activos en un escenario internacional más amplio. El interés renovado de Cornelis le llevó, entre otras cosas, a organizar exposiciones para el Witte de With Center for Contemporary Art in Rotterdam, donde en 1995 presentó una exposición sobre las correlaciones entre el Cine y las Bellas Artes. En su conjunto, la obra de Jef Cornelis comprende una crónica única y cabal del arte moderno y contemporáneo desde 1960, una historia del arte que se ha esforzado unánimemente por el cambio y cuya actitud social ha contribuido significativamente a las circunstancias que experimentamos hoy. Los documentales de Cornelis tampoco han perdido nada de su relevancia. Son ejemplos primordiales de percepción analítica, que van mucho más allá de los parámetros estándar del periodismo. Cornelis mira más allá de la información histórica y la anécdota nostálgica con el fin de presentar elementos esenciales.

ARGOS Centre for Art and Media.

#Jef Cornelis #Carl André #Marcel Broodthaers #8mm

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