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Viendo #27: ¡Disfraces en acción!
¿Ya tienen listos sus disfraces mágicos armados con cajas y cartones de confort, para luchar con los monstruos que amenazan al pueblo?
Aquí y ahora, hablo de la temporada dos de Costume Quest.
Costume Quest (Temporada 2)
Si alguien de Amazon me está leyendo, lamentablemente esto se los tengo que decir: Aparte de que la categorización del catálogo de Prime Video es desastrosa, ocurrió el inexplicable fenómeno de que mientras estaba viendo la segunda temporada de Costume Quest: Misión disfraz, me la dejaron como no disponible. Tuve que escoger algo para ver por mientras, de ahí que vi Sabrina, y después cuando la terminé, volví a Costume Quest, ya con esa segunda temporada nuevamente disponible. En fin, tan pronto como volví, vi toda esa temporada entera.
Tal parece que voy a tener que hacer una recapitulación de lo que hablé antes de esta serie, y aquí va: Está basada en un popular juego de Double Fine. La base de la serie es que, en el pueblito de Auburn Hollow, el grupo de niños conformado por Wren, Reynold, Everett, y Lucy, encuentra un local que tiene muchos disfraces mágicos que permiten convertir a la persona que se los pone, usando su imaginación, en lo que consiste el disfraz. Por ejemplo, Reynold suele llevar una sábana que cuando se la pone se puede transformar en fantasma, y Everett ha llevado un disfraz de ciclista temerario que al ponérselo puede transformarse en doble de riesgo, a lo Evel Knievel.
(Una corrección que debo hacer: En el artículo original hablé de la primera temporada como si tuviera dos partes. En realidad esa era la primera temporada entera, y este es el artículo para la segunda temporada, no para la segunda parte de la primera, como originalmente pensaba)
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Resulta que, en este pueblito, el principal producto que se produce, es el turrón. Hay turrones básicos, turrón frito, turrones históricos que han salido como si fueran reliquias arqueológicas, un ritual en el que con un turrón especial se muestra un arcoíris que predice como va a ser el futuro del pueblo (algo así como su día de la marmota), un parque de diversiones completamente temático de turrón, un corpóreo de turrón (era que no). Y en el centro de todo, está Nougatown, la fábrica donde se produce todo el turrón.
Sea por mala suerte o no, vaya uno a saber, este turrón es también el responsable de que los monstruos que amenazan Auburn Hollow y que quieren controlar el universo, se hagan más poderosos, y es inevitable que con tanto turrón que se produce, un monstruo quiera liderar el plan para hacerse de la fábrica. En efecto, es uno de estos monstruos el líder de todo este grupo, que bajo un disfraz de humano y bajo el nombre de Bob Dickerson, planea tomar control de Nougatown candidateándose como presidente de ella.
Para más remate, Norm, el dueño del local de los disfraces mágicos, guarda un secreto que solo Reynold sabe, pero que, si los demás se enteran (especialmente su hermana Wren), mamma mía de escándalo que se va a armar. Y dentro de la fábrica, hay una anciana que está muy vigilante a lo que está pasando alrededor, y no se va a quedar de brazos cruzados viendo que Nougatown pueda pasar a otras manos.
Si bien esta serie sigue el formato de dos cortos de 11 minutos cada uno, perfectamente se pueden ver todos los episodios decorrido. A simple vista pareciera que sigue un formato de “Monstruo de la semana”, pero eso solo es en la primera temporada. La segunda temporada está mucho más concentrada en el arco de la elección de Nougatown, en los roces internos dentro del equipo (hay un episodio en que dos de los miembros del equipo se pelean, no voy a decir cuales, pero el final es devastador), y en los cabos sueltos que deja Bob mientras lleva a cabo su plan.
Entre Gravity Falls, Hilda y esta serie, y las comparo porque tienen ambientes similares, Costume Quest, a diferencia de las otras dos, está mucho más enfocada en la acción que en la aventura. Los personajes principales son mucho más dados a los puñetazos que a los abrazos, y dada la situación amenazante que se les presenta, están muy saltones ante los adultos que los rodean, incluso si son sus papás (Solo como ejemplo: Hay un episodio enterito en el que Lucy sospecha que su mamá es monstruo). Eso los hace muy impulsivos, que no es que esté mal, pero si me hubiera gustado que fuera mucho más progresivo.
¿Se imaginan que un fan de Breaking Bad se encuentra en este momento que la película El Camino no estuviera disponible en Netflix? Bueno, eso es lo que pasa ahora con el especial de navidad de Costume Quest. Un especial de una serie original de Prime Video, NO disponible en Prime Video.
A pesar de que solo duró dos temporadas, y tengo pendiente para ver un especial de navidad de la serie que Prime Video de acá TAMPOCO tenía disponible (¿en serio, Amazon? ¿Una serie original tuya con contenido NO disponible?), la voy a extrañar. Entendió muy bien como usar su formato de episodios para construir una historia entera a largo plazo. Me hubiese gustado que desarrollaran mucho más el trasfondo de la historia de la mujer anciana, ya que siento que quedaron cosas incompletas ahí. Pero en general, terminé contento después de verla.
Me queda solo una pregunta: ¿Ahora, debería jugar el juego en que se basa?
Disponible exclusivamente en streaming (Prime Video).
Imagen 1: Perfil de este video con la intro de la serie en YouTube. Imagen 2: Propia.
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Viendo #26: Persecución y duelo hasta la muerte
Un thriller al calor del desierto.
Estuve viendo la primera película dirigida por Steven Spielberg. Y tengo algunas cositas que decir sobre ella.
Duel (1971)
Imagina que estás conduciendo por la carretera en el medio de la nada, algo así como andar en la Ruta 5 Norte en medio del desierto de Atacama. Se llega a ver un camión muy grande, avanza más lento que tú, y te decides a adelantarlo. Hasta acá todo normal. El camión sale de los espejos y tu ruta se ve despejada. Rato después te percatas de que el camión vuelve a aparecer, ahora estacionado. Ni te inmutas y sigues conduciendo como si nada. Pero una vez que pasas al camión, al rato, ves que ahora el camión va detrás de ti, y te está persiguiendo a toda velocidad. Ahora sí que la cosa se puso extraña. El camión te tiene aceite en su carrocería, por no decir sangre en los ojos, y quiere matarte. Lo que acabo de describir, es lo que está a punto de vivir un vendedor, pero no en una carretera chilena, sino que en una carretera por los desiertos norteamericanos.
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Duelo a muerte (Duel) es la primera película dirigida por Steven Spielberg. Después de un buen tiempo dirigiendo para series de televisión entre las que se cuenta Columbo, Universal decidió probarlo a él con una película para TV, que se estrenó como la “ABC Movie of the Week”, y bajo un guion de Richard Matheson (La dimensión desconocida, Soy leyenda) basado en una historia corta que también escribió el propio Matheson. El éxito de la película en televisión impulsó a que Universal solicitara que se alargara un poco más la película para que esta tenga un re-estreno, pero ahora en cines.
La historia es muy simple. David Mann (Dennis Weaver) es un vendedor que aparentemente tiene que terminar un negocio, de modo que tiene que mandarse un largo viaje en su auto rojo marca Plymouth. El viaje parecía normal, hasta el momento en que decide adelantar un gran y sucio camión que estaba en su camino. De ahí en adelante, este camión se va a aparecer en cada instante de su viaje, y no va a pasar mucho tiempo para darle a entender a este conductor que lo quiere matar.
Cuando se encuentren a gente que diga que, porque la historia es simple, la película es mala, me remito a decir: Llévenlos a ver Duelo a muerte. En el librito que viene incluido en la Steven Spielberg Director’s Collection, donde está incluida esta película, se le define como “un cuento de horror contado a la completa luz del día”, y después de ver la película, queda la sensación de eso. La película es emocionante, y lo suficientemente terrorífica para hacer que ese camión, con cada aparición, cause tensión. La música es la justa y necesaria para hacer que se sienta el ambiente de constante persecución en que está David.
Hay una cosa que me encantó de esta película, y es que conforme David va sintiendo que su vida va corriendo peligro, da la sensación que las personas que están alrededor están cuestionando su cordura, y ya avanzada la película, se ve que está en un estado de colapso. Si esta película se ve como una historia de David vs Goliat (oh, qué coincidencia que justo el protagonista se llame igual), está el agregado de que constantemente Goliat está dejando a David muy maltrecho mentalmente, y eso sin mencionar los factores externos de la pelea. Basta con ver una escena en la que el auto no le responde a David para que se entienda lo mal que se siente.
Tengo caleta de cosas para ver de Spielberg ahora, y fue una buena decisión partir con su primera película. Ante la falta de subtítulos de la versión en Blu-Ray, la vi con audio en español, y fue una muy grata experiencia. Tenía los ojos con completa atención en la pantalla, que es una de las razones por las cuales es buena idea ver películas en español.
Dejo parte del material adicional aquí a ver si se tientan a verla. Este video se llama “A Conversation with Steven Spielberg”, y es un documental de poco más de media hora sobre la realización de la película, que está incluido con las ediciones en físico. No lo pongo como video porque está deshabilitado para reproducir por acá.
Disponible en físico (DVD y Blu-Ray) y formato digital (iTunes).
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Escuchando #79: Más del gran danés con muertos vivientes
Dos podcasts sobre una de las películas más importantes de Scooby-Doo (uno reciente), más un podcast adicional con uno de sus actores.
Especial de Scooby Doo en la isla de los zombies en formato audio, a continuación.
Especial Scooby-Doo on Zombie Island
Luego de una simbólica reunión para el cumpleaños de Daphne, la pandilla de la Máquina del Misterio se dispone a acompañar a la cumpleañera en sus grabaciones de su nuevo programa de televisión sobre casas embrujadas. Lamentablemente, todas las casas que se han encontrado, son la misma rutina de la serie: Un truco lo suficientemente elaborado, o un tipo disfrazado. Cuando ya se estaban quedando sin casas para visitar, una misteriosa chica los guía a una casa en la Isla de la Luna, sin saber que están a punto de meterse en su misterio más terrorífico, donde todo lo que están a punto de experimentar, es real.
Ya he hablado suficiente de Scooby-Doo en la isla de los zombies (Scooby-Doo on Zombie Island), y lo puse en un artículo anterior. Este artículo es un especial de podcasts de esta película.
El aperitivo es la poco más de media hora que le dedicó The Ink N’ Paint Club Podcast (episodio #155). Ojo que en la charla sale mencionada la película secuela, Return to Zombie Island, que se había estrenado en ese momento. No la vi, así que no me voy a referir a ella.
El evento principal es el episodio #75, y final de temporada de That Groovy Scoobcast. Tres panelistas (uno de ellos invitado), y poco más de dos horas de charla. Cuando el podcast es más largo que la película, se sabe que hay caleta de cosas para hablar.
Y el podcast extra viene por cuenta de What’s In My Head Podcast. Escuché el episodio con Billy West, conocidísimo actor de voz que entre los personajes a los que les ha dado su voz se incluyen Fry, Zapp Brannigan,el Dr. Zoidberg, Bugs Bunny, Porky, Ren, Stimpy y Doug. Un poco de contexto: En esta película, es Billy West el que le da la voz a Shaggy. La voz habitual de Shaggy en ese momento, Casey Kasem, se rehusó a hacer al personaje ya que en ese momento era vegetariano, y no soportó darle la voz a un personaje que suele comer carne. Decidí incluir este podcast, cuando escuché que a Billy le hicieron una pregunta sobre Shaggy, que guarda relación con lo que mencionaba. La pueden hallar en el instante 49:57, ahí abajo en el podcast al final.
Una curiosidad que no suele mencionarse mucho: Adrianne Barbeau, la voz de Simone, es también la voz de Catwoman en la serie animada de Batman. Créanme: Cuando vean la película, va a cobrar mucho sentido.
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The Ink’ N Paint Club Podcast y That Groovy Scoobcast están disponibles en Apple Podcasts, Spotify, y otras plataformas de podcasts.
What’s In My Head Podcast está disponible exclusivamente en YouTube.
Scooby-Doo en la isla de los zombies está disponible en formato digital (iTunes).
Imagen principal: Imagen del perfil del episodio de The Ink N' Paint Club Podcast en YouTube.
#Qué estuve escuchando#The Ink N' Paint Club Podcast#That Groovy Scoobcast#What's In My Head Podcast#Scooby-Doo on Zombie Island
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Viendo #25: Gran danés se encuentra con los muertos vivientes
Esta vez, los monstruos son reales.
Con ese lema basta para resumir qué estuve viendo. El resto, en el artículo que viene a continuación.
Scooby-Doo on Zombie Island (1998)
Para 1997, Scooby-Doo era una franquicia en decadencia para Hanna-Barbera. Su serie más reciente, Un cachorro llamado Scooby-Doo, hace años que ya estaba cancelada. Su más reciente película, Scooby-Doo en Noches de Arabia, de 1994, le había dado más protagonismo a otros personajes de Hanna-Barbera que al perro titular. Y algunas de sus series anteriores resintieron haber tenido a Scrappy-Doo, uno de los personajes más odiados en toda la historia de la franquicia. Tal parecía que la pandilla resuelve misterios conformada por Shaggy, Velma, Fred, Daphne, y su querido y hambriento gran danés, Scooby-Doo; estaba condenada a la irrelevancia. La única cosa que la mantenía con vida, eran las repeticiones de todas sus encarnaciones en televisión, especialmente en un canal en el que compartían espacio con el resto del catálogo de Hanna-Barbera, llamado Cartoon Network.
Pero eso estaba a punto de cambiar. Varias películas familiares de Warner Bros. en VHS de ese entonces, llevaban el trailer de una nueva película de Scooby-Doo a estrenarse el año siguiente. El trailer prometía piratas y zombies, el máximo enfrentamiento terrorífico, una banda sonora escalofriante, y advertía que esta vez, no hay un tipo bajo un disfraz. Todo eso resumido en un lema: Esta vez, los monstruos son reales.
No la tenía en VHS, pero si la tenía en un formato mucho mejor: El DVD. Ya la había visto una vez en ese disco, y ahora que va a venir un podcast de gente especialista en Scooby-Doo, decidí repetírmela.
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Scooby-Doo en la isla de los zombies (Scooby-Doo on Zombie Island) inicia reuniendo de nuevo a la pandilla habitual de la Máquina del Misterio. Ya hacía mucho tiempo que los cinco integrantes se habían separado, y habían iniciado nuevas vidas. Shaggy y Scooby trabajaban en un aeropuerto. Velma se había puesto una librería. La más exitosa miembro del equipo en ese entonces era Daphne, que se convirtió en rostro televisivo, y trabajando con Fred como productor.
Daphne estaba a punto de partir un nuevo programa en el que visita casas embrujadas. A Fred le da la idea perfecta para poder reunir a la pandilla justo a tiempo para el cumpleaños de Daphne, e integrarlos a ellos en las grabaciones. Sin embargo, en la mayoría de las casas que visitan, se dan cuenta de que el monstruo que hay en la casa es un tipo disfrazado, o si hay algo embrujado, hay un mecanismo muy elaborado que hace aparentar que la casa está embrujada. O sea, la misma fórmula que ya ellos conocen.
Mientras están en Louisiana buscando otras casas para las grabaciones, una chica llamada Lena les cuenta a ellos de una casa ubicada en la Isla de la Luna (Moonscar Island), a la que ellos acceden ir. Durante su estancia, empiezan a pasar fenómenos que hacen pensar que, como siempre, alguien está moviendo los hilos. En algún momento empiezan a aparecer zombies, y la pandilla sigue sosteniendo la idea, pero no es hasta que Fred y Daphne observan como un zombie sin cabeza, se la vuelve a poner de nuevo, para descubrir que, en efecto, están frente a algo real.
Esta película marca un hito en la franquicia de Scooby, por varias razones. No solo la pandilla se enfrenta a monstruos reales, sino que se encuentra en un ambiente infinitamente más oscuro que el de sus encarnaciones anteriores. Si bien la película mantiene la comedia habitual de la serie, todos los elementos sobrenaturales se toman muy en serio, de modo que cuando la pandilla se los encuentra, sabe que sus vidas están en juego.
La historia es madura, por momentos muy adulta para esta franquicia, y se nota que hay un peso de las aventuras anteriores en la pandilla, al grado que les cuesta responder en una situación que se sale de la fórmula. A los cinco personajes, especialmente a Daphne, se les agregó una capa de desarrollo, que los hace responder de forma mucho más real a las situaciones que viven. La música pop que caracteriza a la serie, se reemplazó por metal, y así lo pueden ver en la segunda secuencia de persecuciones. Y la película goza de un arte, que probablemente sea el más detallado para una producción de este tipo. Nunca antes una película de Scooby-Doo se había visto tan bien.
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Versión extendida de “It’s Terror Time Again” de Skycycle, la canción que suena en la secuencia de persecución más importante de la película.
Pero lo más importante del legado de esta película, es que fue el gatillante para revivir la franquicia. A esta película le siguió Scooby-Doo y el fantasma de la bruja, y durante los siguientes años, llegarían más películas animadas con este gran danés. Por primera vez en 10 años, ¿Qué hay de nuevo, Scooby-Doo?, una nueva serie con la pandilla, llegaría a la televisión, con un tema central interpretado por Simple Plan. Y en el mismo año en que se estrenó esa serie, se estrenó la primera película live-action de Scooby-Doo, co-escrita por James Gunn (Guardianes de la Galaxia), a la que dos años se sumó una secuela, y además, estableció continuidad histórica para la franquicia, ya que Matthew Lillard, el actor que hizo de Shaggy en ambas películas, tomó la posta de Casey Kasem, y se convirtió en la nueva voz oficial de ese personaje para las posteriores producciones animadas de Scooby, rol que tiene hasta el día de hoy.
Una curiosidad muy destacada de la película: El guion no estaba pensado originalmente para ella, sino que para un episodio de los Swat Kats. Luego de que esa serie se terminó, el guionista Glenn Leopold agarró ese guion, y lo adaptó en esta película. Luego de verla, va a cobrar sentido que esta película podía haber sido un episodio de esa serie, especialmente porque tanto la serie como la película se animaron en el estudio japonés MOOK.
Afortunadamente la tenía en DVD, y la pude ver con el doblaje en español latino. Pero ese DVD, hoy prácticamente está imposible de encontrar, y la edición de Estados Unidos está solamente en inglés. Mi mejor recomendación si la quieren ver doblada hoy, a pesar de que es un medio que no suelo recomendar, es comprarla en digital desde la tienda de iTunes.
Anticipo que este no va a ser el único artículo en torno a esta película. Como lo dije: Viene podcast de ella, por parte de especialistas en Scooby-Doo, y lo voy a poner aquí.
Disponible en formato digital (iTunes).
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Viendo #24: Brujita que pronto será bruja adolescente
He conjurado un artículo. Es sobre una serie animada de una icónica personaje de Archie Comics, que la estuve viendo en Prime Video.
Solo espero que el hechizo funcione.
Sabrina The Animated Series (Temporada única)
Sabrina, la brujita (Sabrina The Animated Series) pertenece a un modelo de serie de temporada única de 65 episodios, un modelo de emisión que hoy ya está obsoleto. Hasta no hace mucho tiempo, solamente sabía de esta serie por la otra serie de Sabrina que había en ese entonces, Sabrina, la bruja adolescente, con Melissa Joan Hart en el rol de la protagonista titular.
Bastó que la pillara en TaTeTi, el canal que está en la TV digital, para ganarse mi atención, y ahora en 2021, que reingresó 1/5 de la serie en Prime Video, me vi el lote entero de episodios que había disponible.
Esta serie animada fue conjurada entre los productores de esa serie live-action, Savage Steve Holland, co-creador de Eek, el gato; y la icónica compañía de animación DiC. Sitúa a una Sabrina Spellman de 12 años, viviendo sus días en Greendale como estudiante común y corriente, pasando sus tiempos libres junto a sus amigos Harvey y Chloe; y también aprendiendo a ser bruja, junto a su gato Salem y sus tías Hilda y Zelda. La casa donde viven ella, Hilda y Zelda, es cuidada por su tío mortal Quigley. Y de vez en cuando, tiene que vérselas con su ricachona archinémesis, Gema Plata.
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Versión instrumental de la intro. Aviso: Es MUY pegajosa.
Esta serie, al igual que la serie live-action, es una comedia, y en esta, cada episodio es autoconclusivo. Las aventuras de Sabrina en el episodio la llevan a aprender algo, si es que, por alguna razón, decide querer solucionar sus problemas con magia o con una salida fácil (por ejemplo, hay un episodio “Efecto Mariposa” que le ilustra a Sabrina que sus acciones tienen consecuencias). No esperen algo más complejo que eso.
Por fortuna de la serie, no ha envejecido tanto como pareciera, ya que sus referencias en su mayoría se han conservado bien. Hay unas pocas que derechamente ya están caducadas, pero el grueso de ellas funcionan, y algunas pasan muy desapercibidas (hay una de El silencio de los inocentes en un episodio, que prácticamente la grité).
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Me voy a detener en un episodio entero, solo por ser contingente, y lo pueden ver acá arriba completo. Brujitis (Witchitis), se trata de que Sabrina va por primera vez a vacunarse contra la Brujitis, una enfermedad de brujo. Pero ella se acuerda de que le cuentan puras mentiras de las vacunas, le da la paranoia de qué le va a pasar si se vacuna, y se escapa de ello. Y en un viaje de campo, Sabrina empieza a manifestar síntomas fuertes de Brujitis, y queda la escoba. Se tiene que vacunar por emergencia, y aprende la lección: Las vacunas funcionan, y son mejores que cualquier efecto secundario que le de a uno producto de habérsela puesto (creo que hablé de eso anteriormente).
Si quieren una serie animada para ver solo para levantarse el ánimo, esta es una elección ideal. Van a salir contentos después de ver cualquier episodio.
Al momento de escribir esto, 1/5 de la serie está en Prime Video, y 4/5 de la serie está disponible en el servicio de streaming gratuito Tubi. También tiene un canal de YouTube, completamente dedicado con episodios completos, y solo en inglés. Y si quieren seguir la serie secuela, Sabrina’s Secret Life, está completa en Tubi, aunque solamente en inglés.
Si les interesa en formato físico, también está en DVD, aunque no entera. Hay varios discos individuales con selecciones de episodios y con el doblaje en español incluído, y un volumen en DVD con los primeros 32 episodios en 3 discos, solamente en inglés.
Dos datos de color para cerrar: Uno, en la versión en idioma original, Melissa Joan Hart hace las voces de Hilda y Zelda, Nick Bakay, que ya hacía a Salem en la serie live-action, retoma su rol en la serie animada, y el papel de Sabrina lo hace la hermana menor de Melissa, Emily Hart. Y dos, el doblaje de la serie, con Cristina Hernández como la protagonista titular, lo produjo Disney cuando la compañía del ratón tenía parte de la propiedad de DiC.
Disponible en streaming (Prime Video, Tubi, y YouTube) y formato físico (DVD).
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Escuchando #78: Luchadores de la WWE en el cine
La Roca haciendo equipo con Kevin Hart para detener a un peligroso villano. Batista como la nueva fuerza que amenaza a Daniel Craig como James Bond. Y “Macho Man” Randy Savage como un luchador con ganas de masacrar en el ring a un Tobey Maguire haciendo de Spider-Man dentro de una jaula de acero.
Son algunos ejemplos de luchadores de lucha libre, específicamente de la WWE, que han saltado al cine. Y es de lo que se trata el episodio del podcast que van a ver aquí.
Wrestle Buddies – The Best (And Worst) WWE Wrestlers To Crossover To Movies
La lucha libre es un arte que suele ser incomprendido. No solamente se trata de tener los mejores movimientos, las mejores llaves de sumisión, o las patadas más devastadoras. Se trata de actuar, de tener química en el ring, de que la gente se compre tu personaje, y sin importar si es un face (héroe) o heel (villano), ese personaje sea creíble. Cuando el luchador entra en la arena, suena su música, hace su ingreso al ring, agarra el micrófono, habla, y la gente queda prendida de principio a fin, es que sabes que está haciendo su trabajo bien.
Es por ello que después de la lucha libre, suena sensato que uno de los pasos a seguir después de esta industria, es el mundo audiovisual. Algunas de las películas más icónicas, han tenido a gente de la lucha libre en su reparto. El primer ejemplo que puede que se les vaya a la cabeza sea "Macho Man" Randy Savage por su actuación en la primera Spider-Man de Sam Raimi, donde hace de un luchador llamado Bone Saw, que es el luchador al que se enfrenta Peter Parker (Tobey Maguire) con un disfraz muy artesanal de Hombre Araña, dentro de una jaula de acero, en un desafío por tres minutos. Otro ejemplo que puede que se les vaya a la mente por lo conocido de la película, sea Deprededor, al tener en su reparto al luchador Jesse "The Body" Ventura.
Generaciones más actuales seguro van a responder que el luchador más conocido en saltar de la lucha libre al cine es Dwayne Johnson, “La Roca”. Desde su rol en La momia regresa, que le valió un papel protagónico en El rey escorpión, ha logrado ser el luchador más exitoso en esta transición. Es cosa de mirar el resto de su carrera cinematográfica: Doom, Rampage, Rascacielos: Rescate en las alturas, Terremoto: La falla de San Andrés, Un espía y medio, varias películas de Rápido y Furioso que incluyen un spinoff llamado Hobbs & Shaw, dos películas de Jumanji, y más. Si a mí me lo preguntan, para efectos de este artículo, yo escogería Super Agente 86, la versión live-action de la icónica serie con Steve Carrell y Anne Hathaway en los roles de Maxwell Smart y 99, respectivamente. No solo por el rol que La Roca tiene como el Agente 23, sino que también en esa película está El Gran Khali en un rol de asesino contratado por KAOS para eliminar a los protagonistas.
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Trailer de la adaptación al cine de Super Agente 86.
Otros luchadores que han pasado del ring al cine han sido Hulk Hogan, Roddy Piper, Steve Nash, el Big Show y Goldberg. Y el día de hoy, hay dos que se están haciendo su propio camino: John Cena y Batista. Cena se ha hecho su paso en roles de comedia, mientras que, en el caso de Batista, haber hecho de Drax en Guardianes de la Galaxia fue su catapulta en el mundo del cine, con una carrera que incluye Spectre, Blade Runner 2049, y la adaptación de Dune de Denis Villeneuve, que está próxima a estrenarse.
Aparte de lo mencionado anteriormente, ¿qué otros papeles son conocidos? Es hora de que el podcast de este artículo hable de ello. Wrestle Buddies es un podcast de GameSpot, 100% dedicado a la lucha libre. Dedicaron un episodio completito a los luchadores de la WWE que se han pasado al cine.
Dos cosas a notar: Una, no están mencionadas las películas de WWE Studios, la rama cinematográfica de la compañía de Vince McMahon. O sea: Nada de The Marine ni de todas sus secuelas, nada de 12 Rounds, y nada de The Chaperone, el fallido intento de llevar a Triple H a un rol estelar en el cine. Y dos, me extraña que no se hayan referido a "Stone Cold" Steve Austin, que tiene una carrera bien particular en películas de acción, incluyendo Los indestructibles.
Link al episodio en Listen Notes para el Dashboard de Tumblr
Disponible en Apple Podcasts, Spotify, y otras plataformas de podcasts.
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Qué estuve escuchando #77
Un podcast que escuché sobre series de televisión, habló de un sub sub género de niños protagonistas en ambientes distópicos, y mencionó tres series, dos de ellas en Netflix.
Este artículo es para contarles a ellos que se les escapó una serie. Es animada. Es para todo público. Y también está en Netflix.
A pedido del público – Crecer en el apocalipsis
A esta altura, los medios entienden que no basta estar solamente en una plataforma, sino que tienen que estar en varias. Radio Cooperativa lo entiende, y por ello es que además de la radio y de su página web, tiene varios programas en formato podcast, algunos de los cuales he hablado por acá. El diario argentino La Nación también así lo entiende, y tiene más de 10 podcasts a disposición sobre diversos temas. Uno de esos programas es A pedido del público, un podcast que se dedica a las series de televisión. Cada episodio no dura más de una hora, así que lo pueden escuchar sin problemas en sus ratos libres.
El último episodio del podcast, al momento de escribir esto, aborda un sub sub género de series que se podría calificar de “distopía infantil-familiar”. Básicamente son series en las que el protagonista principal, un niño o adolescente, crece y se desarrolla en medio de un mundo en un muy mal estado. Puede ser por un apocalipsis, por una pandemia (miren qué coincidencia), una explosión nuclear, o vaya uno a saber qué catástrofe ocurrió para que el mundo alrededor del protagonista se vea tan desolador. Es en medio de eso donde se desarrolla la aventura o la búsqueda, que puede ser, por ejemplo, buscar a un papá perdido, o si la familia está muerta, buscar una nueva familia.
Para explicar este sub sub género se dan tres ejemplos de series: Sweet Tooth, de Netflix; La materia oscura (The Dark Materials), de HBO; y Sombra y Hueso (Shadow and Bone), también de Netflix.
Durante el episodio, en algún momento estaban hablando de que estas tres series no era para dejar que un niño menor de 10 años las vea, al menos solos. Y a medida que escuchaba el episodio, pensé: "Hey, hay una serie que pertenece a ese género, es para niños, y también la tienen ahí en Netflix". La descripción de ese sub sub género, le calza perfecto para describir a la serie cuyo trailer de su primera temporada voy a poner a continuación:
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En los primeros minutos del primer episodio de Kipo y la era de los magnimales (Kipo and the Age of Wonderbeasts), se nos establece que el mundo en el que vive la protagonista titular, en el año 2220, es un mundo post-apocalíptico. Algo pasó que hizo que las construcciones quedaran abandonadas, que la vegetación salga de ellas, y que los animales mutaran, de modo que ahora estos animales son conocidos como “mutts”. Gatos leñadores, conejos gigantes, serpientes rockeras, y sapos mafiosos son solo algunas de las criaturas que se va a encontrar Kipo en su camino.
¿El objetivo inicial, al menos en la primera temporada? Como se establece desde el primer episodio, Kipo ha vivido durante toda su vida en una madriguera. Algo pasa que hace que Kipo termine saliendo de esa madriguera, y queda a merced del mundo exterior. Ahora Kipo debe encontrar las pistas que la permitan volver a encontrarse con su papá, ahora en una nueva madriguera. En su camino se va a encontrar con nuevos amigos que la van a ayudar en su objetivo: Lobo, Benson, Davo, y al fiel Mandu.
Lo impresionante de esta serie, es que aún con el ambiente desesperanzador que rodea a Kipo y a sus nuevos amigos, aún te vas con una sonrisa después de verla, y la sensación de que quieres ver más. Como serie de acción, tiene un ritmo vertiginoso. Como serie de aventura, te quedas con la tremenda historia que hay, y se va descubiendo este mundo junto con los protagonistas. Y la escritura es lo suficientemente buena, para meterle sus muy buenas dosis de comedia.
Uno de los aspectos más destacados de la serie, es la música. Todas las canciones originales y licenciadas para la serie, están integradas de un modo muy orgánico en la historia, y les sacaron el provecho a los actores incluso si es que lo suyo no es el canto. Piensen por ejemplo en una de las primera escenas del primer episodio, donde Kipo agarra la guitarra y se pone a cantar (está al principio del trailer arriba). Esos 30 segundos de escena, establecen de inmediato a la protagonista, lo que busca, y el tipo de mundo en el que se encuentra ahora. Y qué decir de la primera persecución en pantalla, estoy seguro que esa canción no se les va a olvidar más. Cada canción licenciada para esta serie, está puesta en el momento correcto, y le da una inyección de energía que jamás pensé ver en una serie de este tipo.
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¿Quién es Yumyam Pata de Martillo? Dejen que esta canción se los explique.
Pero sin duda lo mejor de esta serie, es que es accesible para todo público. Kipo es una serie infantil, y con una historia lo suficientemente madura que puede ponerse de lado a lado con lo mejor de las producciones adultas. Es una historia cerrada, que dura solamente tres temporadas, pero que creo que es cuestión de tiempo para que esté en el mismo panteón que hoy están series como Gravity Falls y Avatar/Korra. Alcancé solo a ver la primera temporada, pero de todas maneras es una serie a la que voy a tener que volver, y lo más probable, es que sea desde cero.
Está en Netflix, y al momento de escribir esto, en Estados Unidos está muy pronta a salir completa en DVD, y está confirmado que vendrá con el doblaje en español latino y subtítulos en español, un lujo del que no se pueden jactar muchas series de ese servicio de streaming.
Ahí tienen otra serie de distopía infantil-familiar. Una que pueden agregar a las tres series que se mencionan en el podcast, el que por supuesto, voy a poner acá abajo:
Link al episodio en Listen Notes para el Dashboard de Tumblr
A pedido del público está disponible en Lanacion.com.ar, Apple Podcasts, Spotify, y otras plataformas de podcasts.
Kipo y la era de los magnimales está disponible en streaming (Netflix). Al momento de escribir este artículo, está en preventa en formato físico (DVD).
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Qué estuve escuchando #76
Una casa común y corriente en los suburbios, alberga el laboratorio de un niño genio, y de su traviesa hermana que le arruina sus inventos.
Este artículo es de un podcast sobre esa serie animada, que cumplió 25 años.
The Ink N’ Paint Club Podcast #250 – Back to the Lab: 25 Years of Dexter’s Laboratory
Dexter, el pequeño niño genio de pelo naranjo que siempre está impecablemente vestido de científico, guarda un laboratorio secreto dentro de su propia casa. Un laboratorio del que sus papás no saben nada, pero en el que suele escurrirse su traviesa hermana Dee Dee. Un laboratorio en el que todo lo científicamente posible, puede pasar. Todo esto que menciono, es la base de uno de los pilares por los que se hizo conocido Cartoon Network, que en 2021, cumple 25 años desde su emisión original en Estados Unidos.
¿Por dónde hablar sobre el impacto que generó El laboratorio de Dexter (Dexter’s Laboratory)? Hay varias formas de abordarlo. Es la primera serie animada formal que salió del programa de cortos “What a Cartoon!”. Fue la catapulta de su creador Genndy Tartakovsky al estrellato de la animación. Fue la oportunidad para que algunos de sus colegas animadores en ese momento, como Craig McCracken, Rob Renzetti, y Butch Hartman, lucieran su trabajo, y en el caso de McCracken, también lanzarse con su propia serie animada, también salida de ese programa de cortos. Y fue una de las series que hizo que Cartoon Network, canal conocido en ese momento por ser un repetidor del catálogo animado de Turner y de Hanna-Barbera, se hiciese también conocido en el ámbito de las producciones originales.
Son varias cosas las que se mezclan, y todas son meritorias por sí solas. Hay un consenso de que Cartoon Network no sería lo mismo si no hubiese sido por esta serie, por Las chicas superpoderosas, por Johnny Bravo, y por Coraje, el perro cobarde. Todas series que salieron del mismo programa de cortos, que definieron una época dorada para el canal, y que luego le entregarían la batuta a otras series que también se hicieron icónicas, como Ed, Edd y Eddy, KND: Los chicos del barrio, y Las sombrías aventuras de Billy y Mandy. Pero la primera fue Dexter.
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El título del podcast no es accidente, vino de este video musical.
El primer piloto de Dexter, escrito y dirigido por Tartakovsky, consistía en que el protagonista titular y Dee Dee están constantemente transformándose en animales usando un dispositivo, que a cada rato se están quitando el uno al otro. Luego de ese piloto, le siguieron tres pilotos más, antes de que formalmente Dexter se empiece a emitir como serie. Originalmente se produjeron dos temporadas, a las que luego le siguió la película para TV de la serie, Odisea en el futuro. Posteriormente se sumaron dos temporadas más, pero ya sin supervisión creativa de Tartakovsky, que en ese entonces estaba ocupado en su nueva serie de ese entonces, Samurai Jack.
Luego del fin de la serie, se hablaba de un corto de la serie que Cartoon Network rechazó poner al aire debido a que la trama se trataba de que Dexter y Dee Dee pasaban por un aparato en el laboratorio que hacía remover el contenido grosero de una persona. Como resultado, se crean clones de ellos que se la pasan hablando groserías. En efecto, ese corto existía, y se titulaba Rude Removal. Tras una masiva petición del público, Adult Swim, rama adulta de CN, lo liberó en el año 2013, pero con el lenguaje explícito censurado.
Izquierda: La película para TV “Odisea en el futuro” en VHS. Derecha: La película de Las chicas superpoderosas en DVD, que incluye como material adicional “Chicken Scratch”, un corto de Dexter que se estrenó conjunto con esa película.
Estoy seguro que si estás leyendo esto, y conoces la serie, tienes tus episodios favoritos. Algunos pensarán en Omelette du fromage. Otros en “¡Es todo lo que puedes decir!”. Otros en “¡Acelelérele chofer, que lo viene persiguiendo la mamá de su mujer!”. Pongo los míos: El episodio del diskette dorado, el episodio de la deuda de Dexter, el episodio donde Dee Dee y sus amigas se comportan a lo Ángeles de Charlie, el episodio con el clonador, el episodio de la barba de Dexter, el episodio de Filemón, el episodio donde Dee Dee queda con una voz muy grave y profunda, el episodio de la convención (“Nunca sacado del paquete”), el episodio donde Dexter juega un juego a lo Dungeons & Dragons, el episodio donde Dexter construye un robot para jugar Dodgeball, el episodio donde Dexter está en detention y trata de fugarse, y las parodias de Meteoro, y del Coyote y el Correcaminos. Hay muchos más episodios, algunos incluso más memorables que los que ya mencioné, pero al momento de escribir esto, son todos sobre los que tengo recuerdos inmediatos.
Por ahora, la persona que quiera revivir todo esto en Latinoamérica, va a tener que esperar al lanzamiento de HBO Max este 29 de junio, ya que la razón para que la serie fuera sacada de la programación de Tooncast, fue esta. Si lo suyo es el formato físico, y quiere verla por ese medio, solo la primera temporada está disponible en DVD, y solo en inglés.
Con motivo de los 25 años de la serie, el episodio 250 (qué bien escogido el número) de The Ink N’ Paint Club Podcast, le dedica un episodio, para hablar de los orígenes de la serie, la polémica de Rude Removal, y por supuesto, los episodios favoritos de los conductores. Viene con intro del papá de Dexter, con la voz de su actor en idioma original, Jeff Bennett.
Una curiosidad que la supe en el podcast: Si bien en HBO Max de Estados Unidos está la serie entera, al momento de escribir esto, no está la película Odisea en el futuro. Tuve la suerte de que esa película, me la pude conseguir en VHS en una feria de las pulgas, y tengo por ahí mi combo DVD-VHS si es que la quiero ver.
Disponible en YouTube, Spotify, Apple Podcasts, y otras plataformas de podcasts.
Imagen 1: Perfil del podcast en YouTube. Imagen 2: Propia.
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Qué estuve escuchando #75
El artículo 75 de los podcasts que estuve escuchando, es un homenaje a una persona que falleció el año pasado.
Tuvo en mente hacer un podcast, y esa idea nunca se concretó, pero igualmente quedaron unas colecciones de playlists en su cuenta de MixCloud que me hubiera querido preguntar qué era lo que quería hacer.
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Primero, lo primero. Este artículo está dedicado a la memoria de Fernando Andrés Castro Tirado, o como era conocido en las redes sociales, Fernastro (1984-2020).
Falleció el 14 de junio del año pasado. Si, recuerdo la fecha exacta, de esto me enteré ese Domingo a la tarde.
Es duro saber que una persona que conociste durante tanto tiempo, y que tenía a cargo uno de los proyectos de archivo televisivo de Chile más ambiciosos que haya visto, se haya ido tan joven. No recuerdo bien cuando lo conocí, puede ser 2010 o 2011, pero por donde si lo conocí, fue en Twitter, y era una persona que se notaba que sabía de televisión, pero no le hizo ningún asco a moverse a otros ámbitos como la tecnología (era columnista de 8Gigas), videojuegos, el diseño gráfico, o la música. De hecho, la última charla que tuve con él, no tuvo que ver con televisión, fue para agregarlo como amigo en la Switch, y eso ocurrió 2 o 3 días antes de que falleciera.
Su proyecto más destacado, y el más ambicioso, fue Canal 15 Analógico, un canal de YouTube. Tomando Oddity Archive como su principal fuente de inspiración, los videos del canal cubrían diversos aspectos de la televisión, como la historia de los cierres de transmisión, los brandings que no funcionarion, el Festival de Viña, la propaganda electoral parlamentaria y presidencial, y más.
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Si, este programa se atrevió a hacer un maratón de jingles. Casi dos horas de solo jingles.
Es triste verlo ahora que ya es un proyecto abandonado tras la muerte de su creador, pero como decía Valentina Pollarolo en el primer FlimCast a propósito de Michael J. Fox en Volver al Futuro, “recordémoslo por lo que fue”.
En fin, no vine a hablar de Canal 15 Analógico, sino que de un proyecto más desconocido de Fernastro. En 2017, él manifestó su intención de hacer un podcast, según él “para el adulto contemporáneo”, en un momento en el que ya los podcasts empezaban a ser parte de mi consumo diario. Si ese era el caso, mi posición era “Si haces un podcast, te espero, eres bienvenido”. Se hizo una cuenta de Twitter esperando que fuera el canal de comunicación del podcast. La seguí, la cuenta me siguió de vuelta. Pasó mucho tiempo, y no pasó nada con el podcast. Mucho tiempo me pregunté qué había pasado, y creo que él tampoco había sido muy claro sobre qué pasó con él (puede que me equivoque, pero es mi percepción, nunca se me ocurrió preguntarle qué pasó con ese proyecto).
El año pasado, poco tiempo después de su muerte, revisando el dashboard de mi cuenta de MixCloud, me acordé que seguía la cuenta de Fernastro en esa plataforma de podcasts, y no solo eso, en su cuenta además tenía posteados unos audios. Tenían el título de P9, un proyecto de música. Hizo tres demos, y los tres son playlists. Me hubiera gustado saber qué es lo que pretendía hacer con estas demos, y no sé tampoco si era el podcast que quería hacer, pero ahora esas preguntas ya no tienen respuesta.
Esta semana me puse a escuchar estas tres demos, y sin duda la más llamativa es la tercera. Quien diría que te gustaba Pastillas de amnesia y el el Pachi-Pachi.
Mi homenaje, a un año de su muerte, es poner estas tres demos aquí. En tu honor, Fer.
P9 Demo Playlist #1: Adulto contemporáneo del bueno
P9 Demo Playlist #2
P9 Demo Playlist #3: Placeres Culpables en Español
Disponible exclusivamente en MixCloud.
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Qué estuve viendo #23
Este artículo es en solitario para una película animada que vi en Netflix.
Se estrenó el año pasado, pero recién la pude ver hace poco, y necesito hablar de ella.
Over The Moon (2020)
No suelo hablar de esto en público, pero es necesario que yo lo diga: No vivo con mi papá desde hace harto tiempo. El falleció cuando yo tenía 16 años. En una helada mañana de jueves, mi sueño se acabó de forma abrupta cuando escuché un grito de mi mamá, que horrorizada veía como mi papá yacía en el suelo del baño del segundo piso de la casa. El diagnóstico fue claro: Un infarto terminó con su vida.
Desde entonces, tanto yo como mi hermano menor quedamos sin figura paterna, y mi mamá quedó ejerciendo un doble rol de papá y mamá. No solía hablar mucho de quedar sin papá, pero queda claro que nos afectó emocional y económicamente. Me quedé sin viaje de estudios, ya no recibía plata de mesada, muchas cosas que hubiese querido hacer en ese entonces ya no las podía hacer porque tenía que cuidar la casa. También hubo cosas con las que me sentí mucho más libre en ese momento. Podía comprar por Internet por ejemplo, algo que mi papá no hubiera permitido en ese momento si es que hubiera seguido vivo. Pero de que quedé cojo en términos de sostén familiar, quedé cojo.
Inevitablemente tuve que vivir todo el proceso de duelo, y simplemente seguir adelante. ¿Pero qué pasa cuando tienes resistencia a ese proceso?
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Más allá de la luna (Over The Moon), cuenta la historia de una niña llamada Fei Fei, a la cual de chica la mamá se le enferma, y termina falleciendo. Esto deja el negocio de pasteles de la familia medio cojo, con Fei Fei y su papá haciéndose cargo. El tiempo pasa, y cuatro años después el papá se enamora de una mujer que además tiene un hijo. Fei Fei siente que esa relación es una traición a su mamá, y en algún momento también reniega de su nuevo hermano, resistiéndose a llamarlo como tal.
Al mismo tiempo, la leyenda que por tanto tiempo le contó su mamá sobre una diosa que vive en la luna, se la están cuestionando, y después de un incidente durante una reunión familiar, decide construir un cohete para viajar y poder probar su existencia. Reúne los materiales, realiza todo el mecanismo para hacer que el cohete viaje a la luna, y despega junto con su conejo Brincos. Descubre en medio del despegue que su hermano se coló en el viaje, y empieza la aventura.
La película está hecha para que nosotros como espectadores entiendan el proceso de como vive una persona un duelo, y no lo digo como psicólogo, sino que de alguien que ya lo vivió. Fei Fei durante su viaje vive un estado de negación de lo que pasó, y que se rehúsa a dejarlo ir. Producto de ello, rechaza a lo que ella percibe como distinto de lo que vivió, dejando en evidencia que las heridas del duelo aún no cicatrizan del todo.
Recién después que cumple el objetivo central que se le establece, que no lo voy a contar para que lo vean ustedes, empieza a entender que no es sano vivir con esa idea en la cabeza, que quienes te pueden ayudar a superar el dolor son los que te rodean y te conocen, o las personas nuevas que aparecen en tu vida. Tema aparte: Hay un personaje que aparece en medio de la película, que creo que es el que se manda la línea que merece ser recordada.
Esta película además tiene un trasfondo trágico ya que su guionista Audrey Wells (Bajo el sol de toscana), falleció mientras la película estaba en producción. La mejor decisión del equipo liderado por el director y mítico animador de Disney, Glen Keane, fue dedicarla en su memoria. Se nota la mano de un director que trabajó en películas musicales, en hacer que los números se sientan cantados desde lo que sienten por dentro los personajes principales, particularmente la protagonista.
Cara de protagonista determinada.
Esta es la clase de películas para ver con la familia y después conversar sobre ello. Toca un tema sensible, sin perder de vista que esta es una aventura. Y no es la primera vez que una película dirigida a público infantil lo hace, Unidos de Pixar, estrenada hace menos de un año y medio, también lidia con la muerte de un padre a temprana edad, y como vivir una situación así. Esta película lo hace desde otro punto de vista.
Está ahí en Netflix. Si le interesa, no tiene por donde perderse.
Nota de color, ya fuera del artículo en sí: El reparto en idioma original está repleto, pero REPLETO de actores de descendencia asiática. Cathy Ang como la protagonista, John Cho (actor que antes era conocido por estar en varias series que no pasaban de la primera temporada), Ken Jeong (el profesor de español de Community), Sandra Oh (Invincible, Grey’s Anatomy), Kimiko Glenn (que en BoJack Horseman le da la voz a la personaje que se manda la mejor línea de un personaje secundario en toda esa serie), y para mí fue una sorpresa absoluta ver, en los créditos, que figura una actriz llamada Janice Kawaye. ¿No le suena? Es la voz en idioma original de XJ9/Jenny, la protagonista principal de La robot adolescente.
Disponible exclusivamente en streaming (Netflix).
Imagen: Heraldo.
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Qué estuve escuchando #74
Vuvuzelas. Tan conocidas como lo fueron en el Mundial de Sudáfrica 2010, y tan odiadas que se volvieron.
Un episodio de La Franja fue el detonante para que escriba lo que van a ver a continuación.
La Franja #70: Listas
Voy al podcast primero. El episodio 70 del podcast La Franja dedicó un episodio relacionado con las listas. En la última parte del episodio, con Aldo Schiapacasse, y dedicado al mundo del fútbol, crearon una lista con los cinco peores inventos de la historia del fútbol. A qué no adivinan cuál fue el número uno. Si, ese que tanto escándalo hizo en el Mundial de Sudáfrica 2010: La vuvuzela.
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Este instrumento es una trompeta larga, normalmente hecha de plástico, que al soplarla emite un sonido muy fuerte. Cabe aclarar que trompetas de este tipo ya existían en el mundo del fútbol, pero fue el Mundial de Sudáfrica el que las hizo populares, pero no por razones positivas. Resulta que el sonido que este instrumento generaba era tan ruidoso que llegaba a ser insoportable. Y como era un instrumento que se usaba entre el público, no iba a haber solo una vuvuzela, iban a ser varias más. Tan solo miren esto e imagínense si hubiesen querido estar en el estadio:
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Fue tanto el impacto de las vuvuzelas, que ocurrieron dos hechos bien curiosos en torno a ellas.
Uno, es que, en pleno Mundial de Sudáfrica, a YouTube no se le ocurrió nada mejor que poner en la interfaz del reproductor, un botón de vuvuzela. Muy graciosito, pero aparte de hacer los videos inmirables, la memoria del notebook se me íba a las nubes con ello, y más de una vez no tuve otra que reiniciarlo.
Y dos, y este es el más pintoresco, se usó como medida antipiratería. A fines del mismo 2010, Ubisoft sacó Michael Jackson: The Experience, un juego de música con la licencia del Rey del Pop, para varias consolas de esos días, incluyendo Nintendo DS. Resulta que a la gente que desarrolló el juego para esa plataforma, se le ocurrió implementar un sistema en el que si se detectaba que la copia del juego era pirata, se ponían sonidos de vuvuzela de fondo, que no se podían desactivar. ¿No me creen? Tan solo observen:
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Malditas vuvuzelas. Al menos no están presentes en el podcast. Como siempre, acá abajo.
Disponible en Apple Podcasts, Spotify, y otras plataformas de podcasts.
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Qué estuve jugando #10
Agente jugador. Una peligrosa espía se ha estado deshaciendo de nuestros más reconocidos agentes, y ahora tiene planes muy peligrosos para el mundo. Su misión, si usted decide aceptarla, es infiltrarse en su residencia, y sabotear sus planes. Si usted sufre el infortunio de ser atrapado, el gobierno va a desconocer cualquier indicio de su existencia y será… De acuerdo, de acuerdo, no es una situación tan brígida, pero no me pude resistir la tentación de escribirlo.
En este artículo, otro juego que no conté que lo jugué en la Switch, pero que también está disponible en hartas consolas, y también como aplicación para su teléfono o Tablet.
Agent A: A Puzzle In Disguise (PC, Mac, PS4, Xbox One, Switch, iOS, Android)
Una confesión para partir: Nunca prendí con el género de las aventuras gráficas. En otras palabras: Nunca jugué un Monkey Island, nunca jugué un Myst, y ni hablar de los juegos de Telltale, todos por distintas razones. Este juego, el que van a ver aquí en este artículo, es el primero de este tipo al cual le pongo mis manos (en sentido figurado, porque lo compré en digital), y más me tincó por el tema del espionaje que por otra cosa. Después de jugarlo, me di cuenta de que la Switch es una consola muy apropiada para este género.
En Agente A: Un puzle disfrazado (Agent A: A Puzzle In Disguise), tomamos el rol de la espía titular, a la cual se le asigna la misión de detener a Ruby La Rouge, una espía enemiga que se ha estado deshaciendo de sus colegas. Para ello, hay que infiltrarse en su casa, encontrar sus instalaciones secretas, y sabotear sus siniestros planes. Pero como esta es una misión de espía, no va a ser tan fácil como creíamos.
Si, A, es otro código. Y vas a ver varios más.
La misión principal está dividida en cinco capítulos. Se parte en la sofisticada, grande, y aparentemente tranquila casa de Ruby, pero una vez que se logra infiltrarse en ella, nos damos cuenta de que la casa está repleta, pero REPLETA de secretos, y de escondites secretos a los cuales no se puede acceder a menos que se resuelva un acertijo o se consiga uno o varios objetos que permitan su acceso.
Pero, así como la casa de Ruby está llena de lugares escondidos, tanto en su casa como en los alrededores de ella hay pistas que nos pueden ayudar a cumplir nuestro objetivo. Cada lugar de la casa o fuera de ella, a la cual le pueden hacer zoom, es por algo, y puede esconder algo que les puede servir. ¿Acceden a un compartimiento secreto, y se encuentran un objeto que no saben para qué sirve? Guárdenlo, les va a ser útil en otro lugar.
El juego tiene un inventario que se habilita cuando han obtenido algo y deben usarlo en otra parte. Tal vez en algún momento sientan que no tienen salida, pero es temporal: SIEMPRE le van a poder dar la vuelta y seguir adelante. Van a necesitar ingenio para ver de qué formas les puede servir lo que obtienen durante la misión. Pero tomen en cuenta que cada objeto que se encuentren, por más mínimo e insignificante que pueda parecer (un queso, por nombrar un ejemplo), se usa en este juego.
¿Qué? ¿Acaso una espía ultra peligrosa no puede tocar el piano en sus ratos libres?
La ventaja de la versión para Switch, y debo decirlo ya que esa es la versión de este juego sobre la cual estoy escribiendo esto, es que hay dos formas de jugar. Una es con controles tradicionales. Tenemos un puntero que se puede mover con el stick izquierdo, y cualquier elemento que nos llama la atención, presionamos el botón A, y se retrocede al punto anterior con el botón B. Y la segunda forma, es con los controles touch. Si nos llama la atención algo, simplemente se toca en la pantalla con un dedo. Si queremos retroceder al punto anterior, se toca la pantalla con dos dedos. Sobre cuál usar, es a gusto de ustedes, aunque personalmente prefiero los controles touch, ya que los encuentro más intuituvos a la hora de usar el inventario.
La peligrosísima espía sabe que estoy en uno de los baños de su casa. Eso es tan… perturbador por decir lo menos.
¿Algo en contra que decir de este juego? Son los cinco capítulos, y sería todo. En una buena cantidad de sentadas, se podría terminar. Yo me demoré más tiempo para poder tomar nota de los acertijos que me daban, y aún los debo tener por ahí en un mini cuaderno. Mas allá de eso, la atmósfera de espionaje se siente como tal, las cutscenes hacen sentir que estamos trabajando en una agencia de espías en serio, hay su puñado de referencias a James Bond y a Maxwell Smart, y no se siente frustrante.
La van a pasar bien con este juego, sea cual sea la plataforma en la que lo jueguen.
Escribir sobre Agente A, misión cumplida.
“Agente A: Un puzle disfrazado” está disponible en la tienda digital de su consola actual preferida, teléfono, o Tablet.
Todas las capturas son propias y corresponden a la versión para Switch.
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Qué estuve jugando #9
Otro juego que se quedó fuera de poder contar que lo estuve jugando este año, mientras este blog estuvo inactivo. Vine a resarcir este error, y dedicarle un artículo solito a él.
Este es sin duda el más largo de todos los que he jugado, y sobre los que he escribido aquí. Es exclusivo para la Switch. Y va para largo, porque hay hartas cosas que decir de él.
Puzzle Quest: The Legend Returns (Switch)
Voy a poner una situación de fantasía. Dos hechiceros deciden tener un duelo. Una vez que parte el duelo, los hechiceros juntan tierras para producir mana, que les sirve para poder invocar criaturas, artefactos, hechizos, o encantamientos. Todos con el objetivo de reducir las vidas del oponente a cero. ¿Les suena conocido? Es el concepto que está detrás de las cartas Magic. Ahora, imaginen que alguien de Wizards of the Coast se pregunta: “Queremos hacer un puzzle de Magic, a lo Bejeweled”, y se lo encargan a alguien. Ese alguien toma el concepto, le hace unos cambios, le agrega elementos de RPG, y hace que el juego, que originalmente se jugaba con un mazo de cartas, ahora sea en un tablero de gemas de 8x8. En esencia, lo que se tiene, es Puzzle Quest.
Este juego, que lleva acompañado el título de Challenge of the Warlords, se lanzó originalmente en 2007 para Nintendo DS y PSP, y su éxito en esas consolas le valió pasar a las consolas grandes de ese entonces, al PC, y con el auge de los smartphones y los tablets, también a iOS y Android. Después vino una expansión del juego original, un spin-off situado en el espacio, una secuela y, tal como lo sugerí al inicio, la gente de Magic se juntó con los desarrolladores para sacar una versión de Puzzle Quest del juego de cartas. Merecidamente este juego se ganó un lugar en el libro 1001 juegos que debes jugar antes de morir.
¿Qué pasó cuando me enteré de la existencia de este juego? Me entusiasmé. Ya me gustaba en ese entonces Bejeweled, y un juego así me era irresistible. Tenía ganas de jugar la versión original, pero al haber vendido la Xbox 360 que tenía, me perdí la oportunidad de jugar la versión de Puzzle Quest para esa consola, y me tuve que conformar con probar en emulador la versión de DS, que la tuve que dejar de lado ya que no tenía mucho tiempo disponible, y el notebook que tenía en ese entonces no tenía muchas capacidades técnicas para usarse para jugar, lo que también explica el porqué tampoco jugué la versión de PC.
Cuando en 2019, se anunció una versión remasterizada del juego original para Nintendo Switch, bacán, era mi oportunidad por fin de jugarlo legalmente. Lo compré cuando salió, ya me lo había dado vuelta en su momento, y este año lo quise jugar de nuevo. No llegué a dármelo vuelta de nuevo, pero acumulé por lo menos 100 horas más de juego a las que ya estaban registradas en la consola. Esto es Puzzle Quest: The Legend Returns.
Su majestad, el tablero.
Como habrán visto en la captura de arriba, Puzzle Quest es una mezcla de puzzle con RPG. Sitúa su historia en el reino de Etheria, en el que se inicia el épico viaje de un héroe para enfrentarse a las fuerzas oscuras de esa región que están resurgiendo. Ese héroe es el personaje que se escoge al inicio. Para esta versión, este juego ofrece 13 clases distintas de héroe para escoger: Todas las que ya estaban disponibles en el juego original, más algunas exclusivas para esta edición. Cada una de las clases de héroe viene con un elemento de color como fuerte, y su propio repertorio de hechizos que se pueden lanzar a los oponentes.
Como bien decía al principio, las batallas en este juego ocurren en un tablero de gemas de 8x8. Se ataca directamente al oponente juntando 3 o más calaveras en horizontal o vertical. O también se puede acumular maná al juntar 3 o más gemas del mismo color en las mismas direcciones. El maná que se ha juntado, de cuatro colores distintos, sirve para conjurar hechizos para causar daño directo al oponente, reducirle su maná, producirle efectos secundarios como cegarlo o envenenarlo, recuperar puntos de vida, o acumular aún más maná. Las batallas son por turnos: Hago mi movimiento o tiro mi hechizo, y es el turno del oponente, luego el mío, luego el suyo, y así sucesivamente. Y quien logre reducir los puntos de vida del oponente a cero, gana.
Después de unos cuantos enfrentamientos, la mecánica de juego va quedando clara. Además de atacar con las calaveras, y juntar maná para los hechizos, están las monedas para ganar oro, y las estrellas púrpuras para ganar experiencia. Al azar, pueden aparecer comodines que, al juntar con gemas de color, multiplican la cantidad de maná que se gana. Y juntar cuatro o más gemas del mismo tipo en horizontal o vertical, otorga un turno extra. Todo esto es muy útil cuando se quiere armar estrategias de ataque en base a las calaveras o a los hechizos.
Hay lugares por conocer mas allá de Theira. MUCHO más allá.
Pero Puzzle Quest no es solamente el tablero de gemas. El camino del héroe se va haciendo mediante misiones principales y secundarias que recompensan su éxito con oro y experiencia. También se pueden obtener o comprar objetos (casco, armadura, arma, y accesorio) que proveen al héroe defensa, ataque, o efectos adicionales en combate. Y mediante la ciudadela de la ciudad inicial, se puede habilitar el asedio de otras ciudades y ganar oro cada vez que se pasa por ellas, habilitar la captura de criaturas mediante tableros de juego especiales para usarlas como montura o investigar sus hechizos para que pueda usar nuestro héroe, forjar objetos a partir de runas que se consiguen a lo largo de Etheria, o donar oro para mejorar los atributos de nuestro héroe.
Quienes desarrollaron este juego, hicieron que la idea base de Bejeweled, sea aún mejor con el agregado de los elementos RPG. Además del concepto de dos jugadores enfrentándose en un tablero, está muy impregnada la estadística en este juego. Los objetos o hechizos que tengamos definidos en nuestro héroe pueden darle puntos de resistencia a los hechizos enemigos de cierto color, que hacen que se termine inmediatamente el turno del oponente si es que en efecto bloquean el hechizo. Los niveles de colores pueden entregar un porcentaje de tener un turno adicional o un comodín al juntar gemas de ese color. Todo esto hace que un juego, que ya es adictivo por sí solo, se sienta variado en cada enfrentamiento, y les permita armar un plan de ataque basado en su estrategia (ataque directo, acumulación rápida de maná, reducir el maná del oponente para evitar que lance hechizos él, etc.).
El otro factor que me encanta de este juego, es que está hecho de modo de que no hay buenas o malas decisiones, sino decisiones a secas. Van a encontrarse en varias circunstancias con un objetivo en una misión que pone en jaque su propia moral, y tienen que decidir si hacen una cosa o la otra, pero nadie los va a juzgar por ello. Si en una misión les dan la posibilidad de matar a una criatura que se ve inofensiva, tienen la opción de en efecto matarla en batalla, o de perdonarle la vida y mentirle a sus superiores diciéndoles que la mataron. A lo mejor si matan a esa criatura se pierden la posibilidad de ganarse un rango que mejora algún atributo, pero no hay nada que les prohiba hacerlo.
La escritura de Puzzle Quest es tan buena, que hace que los villanos que aparecen en el camino, tengan motivaciones muy convincentes.
Habiendo jugado la versión de DS, debo decir que este remasterización pule muchos problemas respecto de esa versión (si, es con una edición emulada, y sé que no es muy justo, pero es la única versión que jugué, y es con ella con la cual puedo hacer la comparación). Ese ícono de “Made with Unity” en la esquina superior izquierda del título inicial de esta versión, dice muchas cosas de eso. Se ve impecable en HD, la interfaz del tablero está muy legible y se corrigieron aspectos que podrían entorpecer el juego (por ejemplo, si estás viendo la información de atributos o de hechizos de tu héroe mientras le toca a tu oponente, cuando él termina, te la saca automáticamente para que puedas hacer tu movida), hay mejores efectos visuales, y el juego se siente menos punitivo, es decir, no castiga al jugador cuando por accidente hace un mal movimiento de gemas (en el original te quitaban el turno y perdías puntos de vida). Además, como ya mencioné, esta versión incluye clases de héroes exclusivas que no estaban en el juego original, se incluye la expansión Revenge of the Plague Lord, que no salió en DS pero que si salió para otras versiones del juego original; y para coronarlo, se incluye la expansión Attack of the Golem Lord, completamente exclusiva para esta remasterización.
Vayan armándose de paciencia si tienen en la mira este juego, porque es MUY LARGO. La primera vez que lo jugué, me demandó por lo menos 90 horas de juego, contando misiones principales y secundarias, harto tiempo entrenando y armando a mi héroe, y las dos expansiones enteras. Si en algún momento quieren detenerse de las misiones principales, pueden probar con la cacería de runas, el asedio a las demás ciudades, y la forja de objetos a partir de las runas. Ya con esas tres tareas van a estar muy ocupados por un largo tiempo.
Hay un par de observaciones que le debo hacer a esta remasterización. La primera es que a veces pasa que los controles touch no responden muy bien a la interfaz fuera del tablero de juego, y es necesario usar los controles normales para seleccionar lo que necesitan. La segunda es de índole visual y técnico. Cuando hay mucha acción en el tablero, léase, se quitan muchas gemas del tablero, el juego se pega un bajón de frames, y hay veces en que la pantalla se congela por unas fracciones de segundo. No interrumpe el flujo de juego, pero es inevitable que uno lo note, por lo menos en mi caso.
Fuera de eso, las demás cosas que estaban en el juego original están intactas: Se nota que le pusieron pino a la historia principal y a las criaturas que uno se puede encontrar en el viaje, y tanto el arte como la música le vienen muy de perilla. Tan solo escuchen esto, y díganme si no le da una atmósfera fantástica al juego:
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Puzzle Quest: The Legend Returns, es, en mi opinión, la edición definitiva de Challenge of the Warlords. Es adictivo, complejo, y se ve mejor que nunca. Y si ya jugaron el original, seguro les van a gustar los nuevos agregados. Si nunca lo jugaron en DS, PSP, o cualquiera de sus otras versiones, y tienen una Switch, vayan sin lugar a dudas por esta versión. Si son fanáticos de los puzzles o de los RPGs, este es un juego que no se pueden perder.
Puzzle Quest: The Legend Returns está disponible exclusivamente para Switch. Lo pueden descargar en la Nintendo eShop.
Todas las capturas son propias.
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Qué estuve escuchando #73
Lo que van a escuchar en el podcast que voy a poner acá, es sobre un documental. Uno que cuando lo vean hoy, se van a querer preguntar: “¿En serio que se hizo una propaganda asÍ?”.
El documental también lo voy a poner para que lo puedan juzgar por su propia cuenta.
El contador de películas – Marihuana, el cortometraje
Chile tiene un historial de material audiovisual creado como propaganda para disuadir a la población de seguir alguna conducta, costumbre, o postura política. La campaña del Si en el plebiscito de 1988 que definiría si Augusto Pinochet seguía en el poder, es uno de los mayores exponentes de eso. Memorable, pero en el mal sentido, fue una aplanadora que se veía dispuesta a aplastar a una inocente niña, mientras una voz en off advertía que, en el día de la votación, el votante piense en su familia y en todo lo que puede perder. O una falsa franja del No, con un arcoíris solo con colores negro y rojo, dando a indicar que un triunfo del No sería el comienzo de una época de destrucción y violencia, coronado al final con imágenes de armas y sangre que llena la pantalla de rojo. Pueden sacar el ejemplo que quieran de esa franja, ponerla al lado de una definición de propaganda, y les van a decir que es un muy buen ejemplo.
El cortometraje del que voy a hablar aquí, y lo van a ver al final de este artículo, fue producido en dictadura. Marihuana es un cortometraje de 17 minutos producido en 1975 por el Departamento de Cine y TV de la Universidad Técnica del Estado. La base de este corto es un escandaloso caso ocurrido en 1971 sobre una menor de edad que tomó una sobredosis de un medicamento contra la diabetes, y que fue portada de los diarios en ese momento. El caso les sirvió a los productores del corto para advertir a la población de los efectos de las drogas, no solo la marihuana, sino también la cocaína y el LSD.
Lo que más me llama la atención de este corto, es que hay veces en las que la narración difiere de lo que está pasando en pantalla. Cuando el narrador habla sobre el perfil del consumidor de marihuana, yo veía gente contenta pasando el rato en un parque. La voz en off que habla de jóvenes en un estado de trance, se escucha cuando en las imágenes hay gente disfrutando una fiesta. Hay un intento de construir el perfil de la persona que consume drogas como una persona peligrosa o enferma, y puede ser que la persona pueda tener adicción a una droga, pero no por eso se transforma en un monstruo.
¿Cómo se explica un relato así? La respuesta reside en parte en los créditos iniciales del corto, al mencionar que tiene una contribución de la Embajada de Estados Unidos, país que tiene un historial extenso de guerra contra las drogas, y una cantidad de material propagandístico contra ellas que data desde antes de la Segunda Guerra Mundial. No me extraña que la Embajada le haya dado el beneplácito.
La razón por la que escribo esto además de contar que escuché un podcast sobre un documental, no son las drogas, sino la forma en como se cuenta el documental. Hoy, 2021, en el mundo, las cosas son distintas. Algunos países han relajado sus leyes sobre algunas drogas, y han permitido que el uso de algunas de ellas esté aprobado con fines medicinales. Pero la pregunta importante es otra, y es si un corto de esta naturaleza va a tener el mismo efecto que el que tuvo hace 46 años cuando se emitió en televisión.
Yo creo que no. Las campañas del terror en general son fáciles de desmentir. Ya no sirve aterrorizar a la población advirtiendo que va a pasar el caos si hacen algo o no. Dos elecciones importantes ocurrieron en Chile hace menos de nueve meses, en ambas hubo campaña del terror, y en ambas la población no les dio ni pelota. Es mejor conversar sobre los efectos de algo, antes que venir a imponer algo escandalosamente, o como mejor lo diría Ricardo de los Pulentos: “...y en esta casa nadie impone nada, acá las cosas se conversan”.
El Contador de Películas, de Cooperativa Podcast, le dedicó un episodio. Fue la razón por la cual lo conocí, y posteriormente lo vi entero. Abajo del podcast, van a encontrar el documental, si quieren pasar a verlo.
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El Contador de Películas está disponible en Spotify, Apple Podcasts, y otras plataformas de podcasts.
Marihuana está disponible en YouTube.
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Qué estuve jugando #8
Hubo un período, más precisamente entre finales de Febrero y mediados de Abril, en el que este blog estuvo sin nada de artículos. Quiero tratar de compensar eso, contando lo que jugué en ese período.
Y uno de esos juegos, es el que van a ver aquí. Este es para PC, Mac, Linux, y Switch.
Breakpoint (PC/Mac/Linux vía Steam, Switch)
Hace años, cuando mi principal “consola de juego” era el iPad 2, se me ocurrió probar cosas que no había jugado antes, que habían salido en consolas, pero que simplemente me quedé fuera por no tener una en ese momento. La última que tenía, y que la vendí, era la Xbox 360. Si me la hubiera quedado, podría haber tenido la oportunidad de jugar Geometry Wars: Retro Evolved 2, una secuela de un juego shoot’em up muy popular, en el que mi nave es una forma geométrica, y tengo que dispararles a formas geométricas enemigas dentro de un rectángulo del cual no se puede salir. Oportunidad que más adelante se me dio con el iPad. Lo vi, lo bajé, y es un juego alucinante. Cuesta jugar cuando los controles están dentro del mismo juego, pero fue un deleite visual, y la música te mete en el juego.
Ahora, imagina esa misma idea de juego que tiene Geometry Wars, y te dicen que, en lugar de disparar, puedes eliminar a las formas geométricas enemigas mediante armas blancas. Empuñas tu arma, y puedes eliminar a cientos de enemigos de un solo golpe. Suena tentador, ¿no? Bueno, bienvenidos a Breakpoint.
Breakpoint es un juego de vieja escuela. Nos pasan tres vidas, y el objetivo principal es obtener el mayor puntaje posible. Nos toca el enemigo o nos pega un ataque de él, se pierde una vida. Y si se acaban las tres vidas, el juego se acaba.
Apenas tenemos nuestra nave en pantalla, uno se da cuenta de que tenemos un arma blanca, inicialmente un hacha, y que ella va a servir para deshacerse de los enemigos que van a apareciendo en pantalla. Cuando estos enemigos se eliminan, van dejando estelas que sirven para mejorar el nivel del arma. Por ejemplo, el hacha, que originalmente tiene un rango limitado de ataque, puede mejorarse hasta el máximo nivel para tener un rango mucho mayor, y que gire varias veces en un ataque en 360 grados. Ideal para cuando vienen muchos enemigos en camino.
A medida que progresa el juego, y conforme nos vamos deshaciendo de los enemigos, van apareciendo los otros tipos de armas que el juego ofrece: Espada, cuchillos, mazo, y lanza. Cada uno de ellos con sus ventajas a la hora de usarlos: Con la espada se puede atacar en una dirección y luego atacar en la dirección contraria, el mazo se puede cargar para tirar ataques más poderosos contra enemigos más resistentes, la lanza permite ataques a enemigos que están mucho más lejos, y los cuchillos son muy buenos cuando se tienen muchos enemigos muy cerca. Pero también tienen sus desventajas. El mazo, por ejemplo, si se carga, deja expuesta la nave al ataque enemigo, y si uno se demora en soltarlo, va a ser demasiado tarde.
Existen dos tipos de ataque con el arma que tengamos: Un ataque suave, y un ataque fuerte. Uno es más poderoso que el otro, pero hace que el arma se desgaste mucho más rápido. Así es: Las armas en este juego tienen puntos de desgaste, y si llegan al límite, se rompen, no sin antes provocar una explosión que elimina a cualquier enemigo en el lugar. Mientras mayor sea el nivel del arma, mayor es la explosión que provoca. Si están en esa situación de hacer un ataque final con el arma a punto de romperse, también está la opción de tirar el arma a los enemigos, que conviene caleta cuando vienen muchas hordas, de esa forma pueden quedar varias estelas que pueden hacer que su arma rápidamente vaya recuperando el nivel que tenía, y lo bueno de este sistema, es que mientras de mayor nivel sea el arma, se desgasta más lentamente.
Como es habitual en este tipo de juegos, los enemigos progresivamente van siendo más peligrosos y más duros de acabar. Los primeros solamente van a ir volando directamente hacia nosotros, pero conforme vamos sobreviviendo van apareciendo enemigos que disparan rayos, otros que les ofrecen protección a los enemigos, otros que limitan nuestro movimiento, otros que tienen resistencia a los ataques físicos o las explosiones de arma, y otros que no van a dudar dos veces en lanzar un ataque kamikaze. Es por eso que deben ver si el arma que tienen a mano les sirve o no, y si les sirve, usarla inteligentemente.
Tengo que reconocer que la idea de darle la vuelta al shoot’em up tiene su cuota de adicción, que es clave para un juego que se siente tan retro. Sin embargo, el hecho de que solamente se pueden cambiar las armas cuando se obtienen eliminando a los enemigos, no permite armar muchas estrategias de sobrevivencia, y se siente un poco frustrante, sobre todo si es que la acción se vuelve progresivamente caótica.
También esto hay que mencionarlo: Es un solo modo de juego. No esperen modalidades distintas como en Geometry Wars. Es muy bueno por el hecho de que pone a todos los jugadores en el mismo nivel para las tablas de clasificación. Pero, francamente, uno esperaría que una idea así tuviera variantes de juego. Geometry Wars tenía un modo pacifista, en el cual no podías disparar, pero sí pasar por unos portales para eliminar a los enemigos. Si los desarrolladores de Breakpoint me están leyendo, aunque sea de casualidad, se los dejo como una potencial idea, aunque creo que ya la pensaron considerando en qué se inspiraron para este juego.
De todos modos, eliminar hordas de enemigos con armas se siente satisfactorio, y hasta terapéutico si quiere desquitarse del día a día. Breakpoint es un giro de tuerca bien interesante al shoot ‘ em up. Y está baratito en Steam y en la Nintendo eShop, por si le tinca.
Breakpoint está disponible para PC, Mac y Linux en Steam, y para la Switch en la Nintendo eShop.
Todas las capturas son propias y corresponden a la versión para Switch.
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Qué estuve viendo #22
Arlo está a punto de hacer el viaje de su vida. ¿Lo quieres acompañar?
La película de este artículo, se va para Netflix.
Arlo The Alligator Boy (2021)
Netflix tiene muy en claro que está en medio de una guerra de streaming, de modo que este servicio ha estado muy activo en producir una librería de contenido que haga de contrapeso al contenido que se va para la competencia, y al contenido nuevo que también produce la competencia.
Uno de los frentes en que está dando la pelea, es la animación, y para ello crearon su propia subsidiaria, Netflix Animation, responsable de la creación de series y películas animadas. Para que funcione la cosa, también se aseguraron de llevarse a rostros significativos de esta industria. Ya Craig McCracken y Pendleton Ward están adentro, y ambos tienen sus propias series en ese servicio de streaming. Y también el mítico animador Glen Keane ya tiene su propia película ahí.
Esto que hace Netflix también sirve de semillero a gente que ya trabajaba en la industria y quiere lucir sus propias creaciones, y una de esas personas es el animador Ryan Crego (Sanjay and Craig), cuyo debut en la dirección es con esta película, Arlo, el chico caimán (Arlo The Alligator Boy).
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Arlo (voz en idioma original del finalista de American Idol, Michael J. Woodard) ha vivido durante toda su vida en un pantano con su madre adoptiva, y sueña con interactuar con el mundo exterior, pero por ser un chico caimán, le tiene miedo al rechazo. Una noche, su madre adoptiva le revela que viene de Nueva York, y que, como nosotros como espectadores vemos al principio, Arlo fue abandonado por su papá y dejado en una canasta que llegó, desde las napas subterráneas de la Gran Manzana, al pantano. Esta revelación hace que Arlo decida viajar a Nueva York para conocer a su verdadero papá. En el camino se va a encontrar con nuevos amigos que lo van a ayudar en su búsqueda, incluyendo a una adolescente llamada Bertie (voz en idioma original de la cantante Mary Lambert). Pero en medio de su camino, se cruza con dos cazadores de cocodrilos que lo quieren atrapar.
Ya he dicho anteriormente en este mismo blog que lo mío no son los musicales, y no tenía ni idea que esta película era un musical. Pero para esta película, no me molestó para nada. Los canciones sin bien simpáticas, y me queda claro que el protagonista principal le canta al mundo desde el corazón. Arlo no oculta lo que es, y le deja claro al mundo que lo rodea, que se enorgullece y quiere ser aceptado por ello. Y los primeros que le abren la puerta son sus nuevos amigos que tan distintos no son de él.
Si la ven en idioma original (yo la vi en español latino), aparte de los dos cantantes principales, se van a encontrar con un reparto por lo bajo bien interesante: Tony Hale (de Veep y Arrested Development), Flea de los Red Hot Chili Peppers, Jennifer Coolidge, y Annie Potts como la madre adoptiva de Arlo.
Si me permito una recomendación, véanla cuando quieran levantarse el ánimo. Arlo es un personaje muy optimista, y ese optimismo se contagia al resto del reparto, incluso a los antagonistas principales que suelen cambiar el "mood" de esta película, que es el préambulo de algo más, porque si se quedan a ver los créditos, van a ver un textito que dice “The journey continues in I love Arlo”. ¡Ricos bizcochos! Va a haber una serie con este simpático caimán. ¿Dónde va a ocurrir? Eso no lo puedo decir. Tienen que ver la película para saberlo.
Disponible exclusivamente en streaming (Netflix).
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Qué estuve escuchando #72
Con este post, En esto estuve cumple 100 artículos.
Y al igual que el artículo de los cincuenta “Qué estuve escuchando”, va a ser para celebrar, y para reír caleta.
En esta ocasión, una colección de intros de un podcast que escucho. ¿Quiere saber más? Siga leyendo.
Se Escucha desde Acá – Las mejores INTROS (hasta ahora)
Se Escucha desde Acá es un podcast 100% de humor. La magia del internet es la que hace posible que este podcast salga al aire con sus interlocutores, uno desde Alemania, y el otro desde Suecia. Un tema central, y las noticias de los auditores, son los protagonistas de cada episodio de este podcast que suele durar poco más de una hora. Legítimamente he carcajeado escuchando este podcast, de modo que, si están buscando pasar un buen rato, aquí tienen una buena opción.
Este artículo conmemorativo es para poner un episodio muy especial de este podcast: Su colección con las mejores intros. Explico: Por lo menos desde que empecé a escuchar este podcast, cada episodio parte con una intro relacionada con el tema del momento, o si no hay tema, uno derechamente para agarrar para la palanca a alguien. Las risas están garantizadas.
Guatón Polar y Carlitos Huerta compilaron las mejores intros del programa hasta abril de 2021, y las juntaron en un solo audio de casi 40 minutos. Si no conoce el podcast, esta es básicamente su carta de presentación.
No tengo más que decir. Como dicen ellos, “Juegue”:
Disponible en Apple Podcasts, Spotify y otras plataformas de podcasts.
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