Cine postpandemia: Viking

Una parodia en tono de comedia es siempre mejor cuando se comporta a la vez inteligente y retozona, pero más cuando contiene elementos tan lúcidos e intuitivos que pareciera que observamos la vida tal como es, sin intentar alejarnos ni tantito del hecho de que, sencillamente, estamos viendo una película.

De esa sutil índole es "Viking", el nuevo esfuerzo del canadiense Stéphane Lafleur (¡por fin!, después de su encantadora "Tu dors Nicole" del 2014), que con su lacónico humor, nos muestra algo así como el ensayo general de un absurdo a propósito del más avanzado y trascendental paso de la humanidad a la fecha (es decir, a la fecha en la historia del filme): la conquista de Marte.

El contexto del relato es que, paralelamente a la primera misión de los USA al Planeta Rojo, un equipo de personas en Canadá replican la misión (por decirlo de alguna manera) pero sin viajar al espacio, sino aquí mismo en la Tierra, reuniendo a un grupo de individuos que "empatan" con la personalidad de cada uno de los astronautas gringos de la expedición verdadera, para que con esta especie de "dobles" de prevean problemas y se proyecten posibles soluciones. Es decir, una premisa con pretensiones científicas que es un despropósito casi de risa loca.

Entonces, y de acuerdo a los reportes que reciben del espacio, estas personas van recreando el día a día de la misión, pero dentro de unas instalaciones ubicadas en el desierto. Las condiciones se supone que son parecidas, pero realmente son más una caricatura que otra cosa: los instrumentos con los que trabajan son casi de cartón piedra, y se ven como si hubieran sido hechos por los alumnos de manualidades de la escuela secundaria. Sus "trajes espaciales" rojos parecen más bien los overoles de los empleados del camión de la basura, y sus cascos son como peceras de las que venden en el súper.

Lo sobresaliente de "Viking" es que, guiados por la mano fina de Lafleur, lo que debería ser una réplica de la misión espacial se convierte poco a poco en su propia misión de convivencia, es decir de supervivencia humana, de manejo del régimen de relaciones interpersonales, siempre dominado por un tono bufo, pero templado por considerables tajadas de auténtico y deleitable drama.

La ventaja con el director canadiense es que no sólo nos divierte, sino que además nos hace reflexionar, y no precisamente armando planos que se tiran al suelo y se desgarran las vestiduras, sino con la inteligencia del humor liviano y agudo, y el drama sin estridencias.

Y vaya que el buen Lafleur sabe provocar -e incluso parece dosificarnos- esa extraña sensación de estar haciendo el tonto desperdiciando el tiempo de tu vida "normal" viendo una película, pero al mismo tiempo sintiéndote gratificado de verla, tal como vemos que sucede con los integrantes de este equipo de "actores de reemplazo" de una obra magna en la que saben que nunca van a participar, y a la vez entienden que están implicados en un hecho único e irrepetible, y también absolutamente trascendente.

Es cierto que a la cinta de Stéphane Lafleur no le colgaría la etiqueta de "absolutamente trascendente". No lo es. Pero observar cómo la vena talentosa del canadiense trata de una manera tan cercana y hasta tierna a esta casta de aparentes perdedores es un agasajo, porque ya sea en la limpidez de la risa o la espesura del drama sabe definirlos, encuadrarlos, y a la vez los eleva y los dignifica, y los ennoblece.

Cine postpandemia: Suro

¿Qué tan clara es la línea que delimita y define los actos de verdadera justicia social? ¿Cuándo estos actos se convierten en una especie de cacería proselitista para alimentar el ego personal o las certidumbres íntimas? ¿Y cuándo, finalmente, el asunto se altera a tal grado que deviene en una auténtica arbitrariedad humana?

Mikel Gurrea se plantea ese tipo de cuestiones -y otras de igual trascendencia o más, especialmente esa que aborda la dinámica subrepticia en las relaciones de pareja- y las responde de manera brillante en "Suro", su primer largometraje.

Aquí el director se las apaña para difuminar prácticamente cualquier tipo de concepto moral que habite en los fundamentos personales de sus dos principales personajes, Helena e Iván (Vicky Luengo y Pol López, estupendos), una joven pareja que se va a vivir a una finca en los bosques de alcornoques.

Y es que los puntos de vista de Helena e Iván sufren transformaciones evidentes de acuerdo a las circunstancias, y más allá de que sean a veces sutiles, a veces radicales, llegan al extremo de incluso permutarse entre sí, y todo ello sin perder carácter o autenticidad, avalado por el pulso firme y sensible con el que Gurrea desarrolla su historia.

Hay un punto de inflexión en "Suro" que tiene qué ver tanto con la relación de la pareja como con el ejercicio de lo que cada uno entiende por justicia social. Helena e Iván han acordado con un contratista local la explotación de sus terrenos de bosque para hacerse de recursos, e Iván, tratando de tomar un papel activo, se une sin aviso previo al grupo de sus trabajadores desde el primer día. Los momentos de tensión empiezan a aparecer entonces, sobre todo en la relación patrón-trabajador. El descubrimiento de Iván sobre las condiciones en las que trabajan algunos de los peones que son inmigrantes ilegales (entre ellos especialmente uno que apodan "el morito"), alimenta el desastre.

Helena por su parte contribuye a este desbarajuste porque toma las cosas quizá con demasiada ligereza en un principio. Acude a la pela del alcornoque, es decir a la cosecha del corcho ese mismo primer día, con un ánimo fútil. Sus acciones provocan una reacción negativa en el serio Iván, y uno se va dando cuenta de la rajadura que empieza a mostrar esa relación. Luego aparecen otras diferencias, sutiles pero perceptibles: los puntos de vista antagónicos a propósito del estilo arquitectónico que debe llevar la restauración de la hacienda en la que viven, por ejemplo (él la critica entre bromista y puntiagudo al ver su maqueta: "Esa hacienda te la compraría un narco de Valencia").

El idealismo de Iván le juega en su contra de inmediato, ante la gente y ante él mismo. "El morito", a quien prácticamente pone bajo su protección personal, empieza a tomar ciertas confianzas inadecuadas en su casa y después también con su esposa, en una especie de bola de nieve emocional, afectiva, social y hasta legal, que crece y crece en su trayecto de bajada.

Además, las tensiones entre los trabajadores por la transmontana que viene y por la presión del tiempo por sacar la producción, provoca lo que es algo lógico bajo las circunstancias, es decir, un accidente trágico, que afecta no sólo a quien lo padece, sino a todos, especialmente a la pareja de protagonistas, que ahora transmutan sus puntos de vista sobre el significado de la inclusión, de la protección al débil, de la segregación. "No se trata así a la gente", le dice colérica Helena a Iván cuando éste trata de que "el morito" se vaya a toda prisa de la hacienda para evitar una catástrofe.

Sólidamente construido desde su narrativa, "Suro" es un drama patente, que hacia el final toma un sabor a thriller emotivo, tenso, magnífico (ese hip-hop furibundo que escupe Helena en una fiesta -residuos evocativos de "el morito" en la protagonista- es una especie de protesta contra todos, contra ella misma incluso), que bucea en el mar de las incoherencias, de las discordancias humanas, y al mismo tiempo sabe iluminar ciertos aspectos bárbaros y despiadados del corporativismo, de las ascendencias sociales y étnicas, y de lo que finalmente significa (mucho o poco) en el sentido de la existencia de la pareja, y por extensión, de cierta capa de la sociedad, una sociedad que presuntamente es progresista, abierta y liberal, pero que puede llegar a comportarse casi como verdaderos esclavistas… según se presente la coyuntura.

Cine postpandemia: Coma

"El presente se ha detenido, dejándonos el pasado y el futuro", dicen los fatídicos subtítulos que aparecen en una pantalla silenciosa y vacía dentro de la hipnótica, sugestiva nueva cinta del francés Bertrand Bonello. "Coma" se llama, y es algo así como la ejemplar creación a propósito de la pandemia, pero no solamente como la demarcación onomástica de una era aciaga, sino como una obra que nos reta, que nos empuja más allá de la simple reflexión sobre la soledad y el aislamiento, y que se arriesga a extenderse hasta los límites formales de la ficción.

Bonello crea un experimento que toma forma de cuerpo vasto y robusto con elementos disímbolos y prácticamente artesanales: animación con dibujos animados, imágenes de cámaras exteriores a cargo de "vigilantes" o algo así, escenas de una estrella "youtuber" (Julia Faure) que se dedica a aconsejar y opinar prácticamente de todo, desde decir el clima ("de todas maneras no podeis salir, así que no importa"), hasta hablar de filosofía o economía, además de utilizar otros artilugios que van dando la configuración entre narcótica y magnética a su película, como el "Revelador", un sencillo aparatito con luces de colores que parece robar el libre albedrío del que lo juega, o las animaciones stop-motion, o ya de plano las simples ilustraciones escénicas con muñecos de Barbie, retratados así, quietos, como efigies de una extraña metaficción irónica cuyas voces en off las hacen actores de alto calibre como Louis Garrel, Laetitia Casta, Gaspard Ulliel, Vincent Lacoste o Anaïs Demoustier.

"Coma" es una cinta que con unos cuantos elementos y mínimos trazos dibuja un universo casi inagotable. Una plétora de ideas puestas al servicio tanto de la real actualidad (hay referencias concretas a la devastación ecológica por ejemplo) como del delirio de la ensoñación, en un prodigio de creatividad que confirma la maestría del autor.

La protagonista (Louise Labeque, estrella también de la anterior cinta de Bonello, "Zombi Child") representa, así lo entiendo, a su hija, a quien está dedicada la película. La joven intenta, como toda la gente de cierta posición social en la pandemia, entretenerse con lo que tiene a la mano, que básicamente es el mundo virtual. Observa en internet documentales de asesinos seriales, realiza reuniones en video con amigas, y desarrolla una afición creciente por Patricia Coma, la youtuber antes mencionada, que finalmente resulta ser tan hermética como los sueños de la protagonista, siempre en el filo de las pesadillas de terror. Además la chica empieza a revolucionar su imaginación a través de sus muñecos, creando esos telenovelones con sus Barbies y Kens donde mezcla romance y traición, en unas historias que de pronto se salen de la ruta planeada, y donde los muñecos comienzan a elaborar sus propios diálogos.

La mirada de Bonello al mundo virtual es implacable, fulminante. El efecto "multimedia" de la cinta es como un reflejo de la actualidad, donde navegar en diferentes plataformas parece más un ejercicio de supervivencia que un afán de búsqueda o descubrimiento, dada la sobre-oferta de eventos. Es como si nos estuviésemos sometiendo constantemente a un tsunami… pero con agua del drenaje.

Bertrand Bonello ejercita la esquiva, desvanecida, diluida noción de "lo verdadero" (cualquier cosa que eso signifique) que se ve incluso enturbiado a través de la comunicación por internet. Y lo ejemplifica claramente con la escena de la joven protagonista en reunión de Zoom con sus amigas al momento en que se comete un crimen. Sin embargo es difícil para las participantes (al igual que para los que vemos la cinta… una muestra más de la maestría de Bonello) definir si eso sucedió realmente.

Extractos de "Nocturama", de declaraciones del filósofo Gilles Deleuze, de un asesino en serie, o de Romy Schneider en el filme "L'Enfer", complementan una obra así, pletórica, que aporta elementos insospechados en los momentos menos esperados, y que exhala al final un mensaje esperanzador (vaya, Bonello se da ánimos, se los da también a su hija Anna) en medio de imágenes eco-apocalípitcas reales y actuales.

En "Coma", me queda claro, Bertrand Bonello ha fabricado su propia cápsula del tiempo a propósito del azote del COVID en la era actual de la humanidad, pero decidió que debemos verla con anticipación, para lo cual creó una cinta que es una especie de revelación, una casi epifanía.

Cine postpandemia: Un beau matin

Si alguien preguntara mi palabra clave para describir "Un beau matin", el nuevo trabajo de Mia Hansen-Løve, seguramente escogería "exquisitez". Su cinta, realizada en clave de drama romántico, logra la proeza de contener soltura y a la vez contención, porque goza de pericia y de cierta tierna desfachatez, además de un carácter con templanza y frugalidad.

La exquisitez le viene por eso y por otros variados factores. Se trata de una película límpida, diáfana, como bocanada de aire fresco, a pesar de que no todo en ella es frescura o belleza. Le secunda además una actuación fenomenal de Léa Seydoux, que puede atrapar, cuando lo necesita, la alegría y la tristeza en un solo gesto, y lo hace con una facilidad tal que parece que sólo estuviera regando las plantas de su jardín.

Hansen-Løve también ejerce como en todas sus anteriores obras que le conozco, una selección muy medida, muy atinada de la música que la acompaña. No hay mucho acompañamiento musical aquí por cierto, y no hay tampoco score hasta donde entiendo. Son sólo piezas que van intercalándose, pero Mia tiene una mano tan diestra y un gusto tan refinado para escogerlas que parecen hechas justo para las escenas que acompañan. Un ejemplo en corto: la canción de los créditos finales (la desarmante y conmovedora balada de Bill Fay "Love Will Remain") es como el catalizador que redondea la totalidad de los elementos de una obra superior.

"Un beau matin" es algo así como el diario palpitar sentimental de Sandra (Seydoux), una joven viuda cuya profesión es la de traductora, con una hija de ocho años, un padre enfermo y un amante nuevo (bueno, no tanto). Mia convierte a Sandra es una heroína con un pulso suave, calmo, cristalino, que sabe acentuar circunstancias, pero nunca demasiado, porque conduce su caminar por la vía de lo esencial, es decir, cuenta la historia apenas con el necesario andamiaje para darle una coherencia terrenal, humana, y el justo entendimiento para que nos llegue la noción tanto de sus contrariedades como de su lucidez para resolverlas.

Entonces el oficio de Sandra como traductora, se transforma es una especie de proyección de su vida emocional. Traduce los sentimientos de su senil padre que es llevado de su propia casa a un asilo de ancianos y luego a otro, porque la cinta de Hansen-Løve solidifica un enunciado sobre lo inevitable de llegar a la última parada, sobre la presencia implacable de la mortalidad, que es la terminación de un ciclo, pero también el inicio de otro.

Sandra traduce por igual el comportamiento aparentemente errático -hablando en un sentido íntimo y afectivo- de su amante Clement (Melvil Poupaud, estupendo), un tipo casado que está en la perpetua duda sobre abandonar o no a su familia para estar con su amante. La intérprete parece descifrar los sentimientos de Clement en su postrera toma de conciencia, y al final traduce el fárrago de sus propios impulsos como madre, como hija, como pareja, como mujer, pues, en un planteamiento de Mia Hansen-Løve que es puro arte fino.

Y aunque pudiera parecer una cinta "menor" en el magnífico catálogo de la directora francesa, "Un beau matin" sigue templando y puliendo su jerarquía con una obra etérea, sutil, a la que no le falta elegancia, refinamiento y, bueno, exquisitez.

Cine postpandemia: Rimini

Para Ulrich Seidl la vida de Richie Bravo -ese crooner-has-been austriaco avecindado en Italia que nos narra en "Rimini", su más reciente propuesta- no es sólo la anécdota tragicómica del anti-héroe decrépito, sino que se trata de una inmersión en lo profundo de la pesadumbre, de la añoranza y la languidez de la existencia humana, abordada quizá de manera un tanto oblicua, pero cargada de un evidente y repulsivo olor a podrido.

La sátira es brutal, es feroz como tal, pero paradójicamente la mano de Seidl le acerca más a la parte humana del personaje, sin convertirlo en algo necesariamente tierno, sino simplemente eso, humano. Para ello se sustenta en una absolutamente deliciosa actuación de Michael Thomas como Richie Bravo, que deja entrever todo su patetismo geriátrico, todo su declinante glamour de pacotilla, todo su "magnetismo" macho de fuertes acentos meretrices. En pocas palabras un personajazo el que se despacha el buen Michael representando a ese cantante obligado a amenizar tardeadas musicales de viejecitos jubilados que vistan los centros de recreo fuera de temporada, que viste sus botas picudas, su ostentoso y a la vez grosero abrigo de pieles, su rubia melena casi siempre en coleta con un flequillo dramático que le cae en medio de la cara, su estilizada piocha de chivo, sus alhajas, y su constante estado de embriaguez o de fiaca.

Una estupenda fotografía en colores intensos (a pesar de que prácticamente toda la cinta está encuadrada en la estación helada del año) refuerza la creación de un ambiente alucinante con mucho aplomo y carácter. Los planos yermos de la zona hotelera y esa playa desolada en pleno invierno, con lluvia, con viento, con neblina, con nieve, donde Richie debe moverse para conseguir sus próximos emolumentos, no hacen más que acrecentar la orfandad del personaje.

Y a pesar de que Richie está siempre rodeado de gente (algunos fans, público en general, y una que otra mujer madura que paga por sus servicios sexuales) el tipo en realidad está completamente solo, y lo patentizan escenas como esa del pequeño casino nocturno, sentado frente a las tragaperras, de espaldas, en la soledad del recinto entreteniéndose con algo, lo que sea que le "acompañe" esa noche, incluso la centelleante máquina ruidosa. O como las de sus descarnadas mañanas preparándose para otro día más, eligiendo su vestuario, perfumándose, mientras trata de curarse la cruda de la noche anterior.

El personaje de Richie Bravo está trabajado con rigor -y sí, con dulzura también- para mostrar de alguna manera la grotesca interacción con sus patéticos fans, que rentan su "villa" por unos días para vivir de cerca la experiencia cotidiana de su ídolo (aunque eso realmente nunca suceda), mientras éste debe apañárselas -sin que ellos lo sepan, desde luego- en alguno de los gélidos cuartos del ala abandonada del hotel, a la que accede por alguna transa con el administrador.

La irrupción inesperada de su hija adulta voltea la trama patas arriba para Richie, pero es poco probable que ese giro argumental revele más sobre la personalidad del cantante de la que ya hemos testificado, porque el juego de Seidl es hacer del personaje un ser ambivalente (cosa que logra sobradamente) y no uno que se transparente o que se decante por la redención final. Así que aparentemente no hay salvación para Richie, y al contrario, se sumerge más en su taimada personalidad de carroñero viejo.

Marcado indeleblemente por el habitual talante de Seidl, "Rimini" no trata de escarbar en la herida de la sordidez y la miseria moral que envuelven a su personaje principal, sino que simplemente le echa una mirada cruda, fría, descarnada, y que en una especie de contrasentido estético, le convierte de pronto en un ser cercano y hasta cálido… siempre con el putrefacto hedor de fondo.

Cine al menguar la pandemia: 1976

Con un filme sobrio, breve, fino y certero, la directora chilena Manuela Martinelli aborda el pasado brumoso y nefasto de su país durante la época obscura de la dictadura, y lo convierte en un acierto total, en una obra con luz propia que retrata un tema tan delicado y tan difícil sin recurrir a baratos golpes de efecto.

Para ello, por principio, realiza una estupenda recreación de época. La película lleva por nombre "1976", y para el caso, tiene un muy bien cuidado diseño de producción. Nos sentimos realmente en la década del 70, durante las vacaciones de invierno de una familia acomodada de Chile en el año del título.

Pinochet está en el poder y palpamos, como cada personaje de la cinta, el horror latente a cada paso: el toque de queda, la auto-censura sobre todo en los temas "difíciles" sobre economía y -no se diga- política, que se acallan aún en el propio núcleo familiar. Todos viven en la zozobra del qué seguirá ahora, y se preguntan a qué hora van a acabar esas cosas horribles que pasan sin que aparentemente a nadie le interesen (les interesan y les afectan a todos -bueno, casi-, pero hacen mutis porque sus vidas, o la de alguien cercano se pondrían en peligro).

Esa es la situación que, sin saberlo en un principio, atraviesa Carmen (Aline Kuppenheim, brillante). Durante las primeras escenas del filme, el ama de casa tradicional y pudiente, escoge el tono de pintura ideal para su casa de la playa en una tienda local, pero en la calle una perturbadora escena le instiga hacia la inquietud: una mujer es prácticamente secuestrada… por la policía.

Con ese toque de desasosiego, Carmen se va a la costa para supervisar la remodelación de su casa vacacional. Su marido, sus hijos y sus nietos van y vienen durante los asuetos del invierno, pero un elemento raro y potente irrumpe en su vida cuando el sacerdote de la localidad le solicita que se haga cargo de un joven desconocido que se encuentra herido, y que debe atender en secreto.

Martelli es sabia en sus elecciones formales. Es sutil en el tratamiento de sus opciones, y propicia unas actuaciones destacadísimas y bastante naturales. La tensión y el miedo se van tejiendo en su telar prodigioso como tapices medievales, y un simple diálogo breve y de apariencia inane en un pequeño restaurante, se convierte en una cuerda de violín tensada al máximo y a punto de reventarse. Nadie sabe quién es quién realmente, de quién confiarse y de quién no. Las pláticas entonces se vuelven laberintos de sospecha, propuestas veladas… o quizá todo lo contrario.

"1976" es una obra que tiene una resolución rutilante, aunque perdure en la imagen final la acometida de un enigma. El drama y el thriller conviven con aplomo y con rigor, en una ópera prima descollante, que aborda el pasado, pero que es muy consciente de su sombra en el presente.

Cine al menguar la pandemia: Tori et Lokita

Es cierto que "Tori et Lokita" contiene el estilo afilado y las maneras tajantes habituales en las parábolas de resonancias sociales que suelen confeccionar los hermanos Dardenne, pero esta vez los directores belgas han dado un paso más allá asomándose sin mucho disimulo a la denuncia directa -digámoslo así- con una historia que, dados sus cánones y sus antecedentes, podría causar cierta perplejidad. El hecho es que los Dardenne no se limitan esta vez a simplemente ilustrar una crónica de implicaciones éticas que deje en nuestras conciencias el veredicto final, sino que toman partido y nos lo plantan en la cara. Aparte de eso, la película sigue teniendo su reconocida sobriedad, su fineza y sensibilidad, dentro de una solidez de acero.

Arman con libertad, eso sí, una cinta con más "argumento" que sus antecesoras. Hay misterio, thriller, el consabido drama, pero como siempre sucede, los hermanos no pierden el enfoque en lo humano, o más bien en lo terriblemente inhumana que puede llegar a ser la existencia para algunos. Sobre todo los inmigrantes. Sobre todo los indocumentados. Así es la vida para Tori (Pablo Schils) y Lokita (Joely Mbundu), un par de niños africanos (ella adolescente) llegados a Bélgica, que, como vemos en el principio, son utilizados como mulas. La fachada del narco-negocio para el que trabajan es un restaurante donde ellos mismos ayudan a animar el ambiente cantando con el karaoke. Lokita es asediada y extorsionada por prácticamente todo el mundo, desde su "pollero" o "coyote" hasta su propia madre, vía teléfono celular. Además de manera eventual es explotada sexualmente por el "cocinero" del restaurante a cambio de unos cuantos euros. La situación migrante de Lokita es diferente a la de Tori, así que las circunstancias cada vez más apremiantes le obligan a tomar un trabajo prácticamente de esclava... como sucede comúnmente con los inmigrantes ilegales.

El cariño y el mutuo apoyo entre Lokita y Tori es tan evidente que realmente parecen hermanos (en un sosegado duermevela, Lokita le canta una canción de cuna a Tori... ecos dulces pero ya muy lejanos de sus orígenes). Sin embargo en términos de política de inmigración el que parezcan hermanos no significa nada en absoluto si eso no queda legalmente comprobado. El drama toma fuerza a partir de ese precepto, y eleva su intensidad conforme crece y avanza en el tiempo. Los Dardenne han manufacturado en "Tori et Lokita" un filme poderoso en su sencillez, que por fortuna no se regodea en la infamia del desprotegido, sino que toma sentido a partir del desarrollo de una historia. Una historia que por cierto hace un reto abierto a la apatía general, pero que logra ser ilustrativa tanto como cuestionante, que ilumina lo mismo que es contundente dentro de su obscuro, deplorable, trágico proceso. Una película que duele, sí, pero que se torna absolutamente necesaria.

Cine al menguar la pandemia: Manto de Gemas

"Manto de Gemas", el debut en la dirección de la boliviano-mexicana Natalia López Gallardo, muestra con mucho nervio, con un brío notable -y con unas conclusiones desoladoras que rozan lo escalofriante- esos vasos comunicantes de la maldad artera y de la total impunidad que experimenta, como si fuese el día a día más habitual, la gente de un poblado en el México agreste. Y en esta especie de microcosmos rústico, que es como un espejo de la realidad actual, la cinta es capaz de captar eso que fructifica y se expande en el subsuelo, en las alcantarillas de la existencia, incluidos el bárbaro contraste social entre los pobres y los poderosos, y sus diferentes criterios con respecto a la criminalidad que les acecha, y con respecto a la vida en general.

López Gallardo dirige con una gravedad que no es atosigante, pero también hilando delgado, con planos muy bien cuidados, movimientos de cámara y enfoques precisos y bellos. Además la fotografía es extraordinaria, registra imágenes a veces alucinantes, casi hipnóticas, y las actuaciones gozan de un naturalismo muy franco. La cinta nos hace ver el estado de las cosas de esa gente que vive, a veces sin pensar en ello porque sencillamente no tiene otras opciones, en el abominable sótano del infierno del aquí y el ahora. Un rápido y breve ejemplo: la escena dentro de las oficinas oficiales para denunciar a los desaparecidos es como estar ya cumpliendo una penitencia. Otro: queda claro que no son suficientes las buenas intenciones ni la valentía para enfrentar las situaciones extremas a las que se somete la protagonista Isabel (Nailea Norvind) para ayudar a su empleada. La solidaridad no es un arma congruente contra la fuerza destructiva de la criminalidad organizada. Así que el ahínco en el sacrificio de la mujer queda en una simple anécdota "vivificante" (aunque lamentable) con frutos vanos, y sombras, y dolor.

Y si la película de pronto se nota algo dispersa en su flujo narrativo, lo compensa con los detalles de ese enfoque aguerrido de sus personajes, especialmente los femeninos, cuyo desarrollo en la historia tiene un punto de trágica unión en la violencia del crimen en México. "Manto de Gemas" es en resumen un testimonio ejemplar no sólo del furor y la dureza de la perversidad y el atropello a la justicia que mandan en nuestros tiempos, sino un muestrario de juicio y agudeza formal de la directora López Gallardo, en una espléndida opera prima.