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jccamus · 5 years

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Nicanor Parra, un poeta de la incertidumbre

Nicanor Parra, un poeta de la incertidumbre https://ift.tt/2Bf344e

[Conferencia dictada en el Instituto de Letras de la Universidad Nacional de Brasilia, 23 de octubre de 2014]

La poesía de Nicanor Parra es sin duda una de las más excéntricas del siglo veinte en castellano. Sé que la excentricidad es una característica resbalosa para hablar de un tiempo en que prácticamente todos los poetas, por lo menos durante la primera mitad del siglo, pretendían estar fundando una poesía nueva, revolucionaria, nunca vista, de modo que la galaxia resultante no tiene un centro de referencia evidente. Sin embargo, incluso los poetas más rompedores, los más grandes y originales de esa época mantuvieron siempre cierta consistencia con respecto a su tiempo y a sus contemporáneos. Ese tiempo fue, de hecho, una construcción colectiva en torno a las diversas formas del vanguardismo, en oposición a los estertores del modernismo rubendariano o manifestaciones neorrománticas. El propio Vicente Huidobro, que mediante su manifiesto Non serviam, de 1914 (año en que nació Nicanor Parra), prácticamente se consagró como el fundador de las vanguardias latinoamericanas al declarar por primera vez un quiebre con el arte como representación, a partir de entonces fue siempre solidario con la ola europea, cuyas fluctuaciones le permitieron hallar su propia veta. César Vallejo, el más latinoamericano de las vanguardias, es impensable sin esos movimientos o sin el influjo político de su tiempo. Neruda, Octavio Paz, García Lorca en sus postrimerías, etcétera: todos ellos intentaron una vía renovadora y congruente con el espíritu de la época. La galaxia de las vanguardias, con toda su dispersión, con toda su diversidad, es reconocible a distancia como un todo, a semejanza de la Vía Láctea.

En ese panorama, Nicanor Parra irrumpió dos veces y en ambas se situó lejos de esas constelaciones. La primera de ellas fue su apagadizo debut literario, en 1937, es decir, a los 23 años. El libro Cancionero sin nombre, que le valió ser reconocido en ciertos círculos letrados como un joven y promisorio poeta, significó también una toma de posición con respecto a la poesía chilena de ese tiempo. Se trataba de un libro juvenil, muy influido por las canciones de García Lorca y por el romancero; estaba escrito en versos medidos de arte menor, dominados por un espíritu lírico muy transparente, sin agonías, oscuridades o experimentalismos. Es decir, era todo lo que un poeta joven chileno del año 37 no podía hacer. Los poetas jóvenes estaban más allá de todo eso y habían declarado la guerra a muerte a todo lo que tuviera el menor perfume a poesía convencional de juegos florales o fiesta de la primavera. Los grandes elefantes de marfil explosivo de la poesía contemporánea ya estaban esculpidos y todos miraban hacia el futuro. Pablo de Rokha, Vicente Huidobro y Pablo Neruda ya habían superado la velocidad del sonido en sus naves intergalácticas, mientras que los más jóvenes, contemporáneos de Parra, ya estaban pensando en la teletransportación a través de túneles desconocidos para llegar pronto a las ciudades espléndidas de las que hablaba Rimbaud. No había tiempo que perder, el futuro estaba en todo lo que fuera completamente nuevo, porque las palabras también eran actos del hombre revolucionario. Parra entró así a la poesía chilena, aplaudido por la retaguardia, ignorado por la vanguardia, y con esa postura involuntariamente refractaria marcó su primera distancia con respecto a la poesía nueva.

Ese momento de la historia parriana podría haber quedado para el anecdotario de los primeros libros renegados. Hay mil casos al respecto: poetas cuyo primer libro resulta un lastre, un pecado juvenil si se compara con la obra total por la que llegan a ser conocidos. Piénsese nomás en el ya mencionado Huidobro, que no sólo tuvo un traspié de juventud, sino cuatro libritos publicados en que el mismo pequeño dios que llegó a escribir Altazor o Temblor de cielo se mostraba como un adolescente piadoso que le escribía poemas a su madre o a la Virgen María. El caso de Cancionero sin nombre pertenece sin duda a esa categoría y sospecho que Parra habría dado cualquier cosa por borrar esas páginas de su historia literaria, pero tiene una relevancia esencial para comprender el origen de la antipoesía y su situación con respecto a su tiempo. Fue tan importante ese momento de éxito y fracaso mezclados, que Parra esperó 17 años en silencio para volver a la pista de baile. Dije bien: 17 años sin decir una palabra, hasta que publicó Poemas y antipoemas, en 1954.

Ese silencio puede tener muchas interpretaciones especulativas. Una de ellas es que Parra sabía que no podía quedarse ahí con sus canciones transparentes y que, para salir, sólo había dos opciones: plegarse a las vanguardias y hacer «poesía nueva» en ese sistema, o inventar algo nuevo de verdad. Ya sabemos qué opción tomó. La solución parriana fue tomar aquella vieja «claridad» que brotaba en el Cancionero sin nombre y meterla en la juguera con la oscuridad de la paradoja y la contradicción, es decir, con la sorpresa que había propuesto el Conde de Lautréamont, la misma que poco a poco fue conectándose, como veré más adelante, con el habla de Chile y la cultura popular.

Hay una serie de equívocos a que ha dado lugar la antipoesía, muchos de ellos relacionados con la propia palabra «antipoesía». Este año en particular, el prefijo «anti» ha sido reiterado hasta el cansancio, como parte inseparable de todo lo que tenga que ver con Nicanor Parra. Así como el prefijo «bati» se halla pegado a todo lo que tenga que ver con Batman –batimóvil, baticueva–, todo lo parriano es precedido por «anti», venga o no a cuento: antihomenaje, anticentenario, anticumpleaños, etcétera. Ese uso, que viene principalmente del periodismo cultural y de los creativos publicitarios, por una parte representa un gesto de simpatía y condescendencia, un saludo inocente, pero por otra parte revela la existencia de una gran confusión con respecto al significado de la palabra «antipoesía» y a las ideas que se hallan en su origen.

El propio Parra ha sido ambiguo con eso. A diferencia de otras poéticas chilenas –pienso por ejemplo en la poesía lárica, que es un sistema más o menos bien definido y reconocible–, la antipoesía se ha planteado desde su contraste con la poesía, en una indefinición de cara y sello, de negativo y positivo, pero también de complementos y consustancialidades. La antipoesía es lo contrario de la poesía, pero también es su revés, su sombra, su Mr. Hyde.

Pensemos por un instante en el poema «La montaña rusa». Lo puedo leer aquí, ya que es muy breve:

La montaña rusa

Durante medio siglo la poesía fue el paraíso del tonto solemne hasta que vine yo y me instalé con mi montaña rusa.

Suban, si les parece. Claro que yo no respondo si bajan echando sangre por boca y narices.

A menudo se lee ese poema como una declaración rupturista, propio de las vanguardias, en que se declara caduca la tradición vigente para instalar un nuevo sistema, un nuevo paradigma, que en el caso de Parra sería un parque de diversiones vertiginoso y lleno de adrenalina. Su singularidad sería el peligro que comporta adherir a ese sistema. O sea, se cambia un dogma, que Parra llama el «paraíso del tonto solemne», por otro dogma, que es el de la montaña rusa de la antipoesía. Eso es lo que se suele pensar de ese poema: que Parra irrumpió en la poesía chilena para instalar su negocio desplazando o destruyendo lo que había antes de su llegada, con la sutileza de que quien se atreva a entrar en el nuevo juego podría salir severamente dañado. Es decir, advierte el poeta, no cualquiera puede subirse a la montaña rusa. Hay que ser bravo, valiente.

Sin embargo, esa lectura nunca me ha satisfecho, creo que hay algo más en ese poema, algo más profundo, que Parra logra ocultar mediante un chiste. Se puede hacer una lectura paralela que me parece más interesante. El «tonto solemne» puede pensarse como símbolo de la rigidez intelectual, del dogmatismo, del fanatismo literario. Parra opone a ese sistema de verdades únicas y pétreos manifiestos un juego que no es cualquier juego, sino uno de sube y baja, de cumbres y hondonadas, de pares de curvas convexas y cóncavas, de tranquilidad y pánico, de velocidad y calma. Podría haber escogido las sillas voladoras o el Tagadá, pero eso habría sido reemplazar un dogma por otro, en este caso del vértigo y la diversión. Parra escoge un juego particular, el único de los parques de diversiones que tiene una manifiesta dualidad. La rueda de la fortuna también es dual, pero su circularidad monótona es muy pobre para la idea que se pretende expresar.

Justamente ése es uno de los aspectos que más me interesa de Nicanor Parra: la manera en que quiso asentar la dualidad, la contradicción y la paradoja como puntos centrales de la creación literaria, estableciendo una solución alternativa al problema de la incertidumbre impuesto por la realidad de entreguerras, ese mundo de las «imágenes quebradas» de las que hablaba Ezra Pound, ese mundo que la mayoría de los poetas de entreguerras enfrentaron mediante poéticas cercanas al nihilismo, ya fuera desde el dadaísmo o desde la revolución propulsada por el surrealismo; poéticas que descreían completamente de la realidad, porque la realidad misma estaba destrozada y todas sus seguridades se habían esfumado con el desastre de la guerra. En resumen, la mayoría de las vanguardias europeas y americanas había enfrentado la disolución de las certezas mediante brillantes manifiestos revolucionarios acerca de alguna nueva certidumbre más o menos plausible. Pasada la Segunda Guerra Mundial, la solución parriana resultó, desde luego, provocadora: oponer a la incertidumbre no un nuevo dogma, sino más incertidumbre: incluso en juego de fractales, ya que la misma propuesta de incertidumbre está en tela de juicio. Parra, al proponer que la literatura debe estar asentada sobre la incertidumbre, está dudando de su propia teoría.

Recuerdo el poema «Mariposa», de Versos de salón, en que un sujeto está tan maravillado por una mariposa que anda por ahí, que dice:

no la pierdo de vista y si desaparece más allá de la reja del jardín porque el jardín es chico o por exceso de velocidad la sigo mentalmente por algunos segundos hasta que recupero la razón.

La imagen lírica de seguir a la mariposa incluso más allá de los lindes visibles del jardín internándose en el espacio mental es en sí misma una imagen de la incertidumbre, pero Parra se detiene en ese momento incierto en que la mariposa sale del jardín y entra en la mente, consintiendo la imagen sólo como un desliz de la razón. Es decir, como una insensatez, como una trampa del ensueño. Parra había empezado antes, e intensificado con Versos de salón, un constante bombardeo sobre la figura del «poeta lírico», tal como se entendía hasta ese momento: el poeta que se deja llevar por sus sensaciones, sus ilusiones o sus ensoñaciones. En el caso del poema «Mariposa» que acabo de citar, el ataque se resuelve dejando que el poeta lírico exista por un momento, mientras mira la mariposa, pero enseguida lo destruye al hacerlo recuperar la razón. El resultado es, por cierto, paradójico, ya que el poema había empezado a existir y se sostenía íntegramente en el ensueño lírico, pero cuando todo eso se destruye el poema se transforma en un nuevo artefacto, cuyo comienzo era sólo una parte del contraste.

Incertidumbre más incertidumbre. Es útil ver esa palabra, «incertidumbre», a la luz de la antipoesía. Mientras la convención literaria le otorgaría un significado estable, plano, paradójicamente concreto, en el sentido de la inseguridad y la incerteza, la convención parriana desprende de ella un hecho científico alarmante, el principio de Heisenberg, según el cual no es posible determinar simultáneamente algunos pares de variables físicas; por ejemplo, la posición y el momento de un cuerpo. A partir de eso Parra, por su formación científica, parece decirnos que no sólo sabe eso, sino también que del mismo modo las relaciones entre las cosas, es decir, entre las palabras, no son ciertas, sino probables. Una rosa no es una rosa. Una rosa es la probabilidad de una rosa.

La propia noción de «poemas y antipoemas» incluye esa conciencia de la dualidad. Poemas y antipoemas. El universo parriano no está constituido por unidades cabales, sino por pares: derecho y revés, humano y divino, poesía y antipoesía. En otras ocasiones esos pares están fundidos, forman una sola realidad. Por ahí hay un famoso verso en que el autor se define a sí mismo como «un embutido de ángel y bestia». No un cruce, no una cohabitación, sino un embutido brutal, manual, doméstico: una longaniza, una butifarra. Parra no quiere que ángel y bestia estén unidos por una lucha o separados en el espacio en perfecta armonía simbólica, sino que los compone de manera violenta, los muele y los mezcla para hacer con ellos un fundido, una masa de salchicha, donde la carne del ángel es indistinguible de la de la bestia.

En fin, ya sea por su fusión o por su rebote, es el choque de opuestos lo que da vida al artefacto literario. Y aquí volvemos a la física cuántica, esta vez a la física de partículas. Hay que recordar que Nicanor Parra, el año 1946, o sea, justo el año siguiente del fin de la Segunda Guerra Mundial, se fue a Oxford a estudiar cosmología y, por lo tanto, física cuántica. Ese paso por Oxford tuvo un impacto muy importante en el desarrollo del sistema parriano de dualidades, justamente porque la física cuántica le permitía a Parra abandonar el mundo de las certezas de la mecánica racional y plantearse la realidad desde la perspectiva de las incertezas y las probabilidades. Las cosas ya no están donde están, sino que su situación es siempre una probabilidad. En particular, me detengo en la asociación de materia y antimateria: por ejemplo, electrón y positrón que, con su encuentro, permiten el surgimiento del fotón, es decir, la luz. Ése creo que es el punto esencial, que hace que los encuentros de opuestos no sea un mero choque dialéctico, ni su mera exposición, sino que produzcan algo nuevo con su colisión.

Es en este punto en que Parra enfrenta de otro modo el problema del surrealismo, llegando por la vía de la razón y de la claridad retórica a aquello que los surrealistas encontraron en la escritura automática o en la oscuridad del inconsciente y que se resume en la ya clásica comparación de Lautréamont: «Bello como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de disección».

Esa manera de ver el acto poético como una tensión física permanente, que admite y hasta necesita la oposición de pares entre una realidad y algo que pueda llamarse «antirrealidad» –certeza y azar, amor y odio, risa y llanto–, irrumpió con fuerza liberadora en la poesía chilena.

Tal vez convenga aquí hacer un paréntesis sobre el tipo de influencia que ejerció Parra sobre las generaciones siguientes. Aunque es posible rastrear cierto parrianismo en algunos poetas, expresado por ejemplo en el uso del humor coloquial o en la fijación del habla como recurso literario, me parece que la influencia más importante de Parra proviene de la serie de preguntas que su obra deja abiertas.

La figura del poeta lírico, por ejemplo, a partir de entonces quedó completamente desacreditada. Incluso en casos de poetas especialmente inclinados a la ensoñación, a la sensiblería nerromántica o al entendimiento de la poesía como un arte sagrado o conectado con realidades metafísicas, la presencia de Parra puso en circulación una duda esencial acerca de las palabras. Para ser poeta lírico después de Parra, lo primero que se debe saber es que existen las cosas y que las cosas son lenguaje. En dos vías muy diferentes, los dos principales poetas de la generación inmediatamente posterior a Parra, Enrique Lihn y Jorge Teillier, se plantearon su lirismo justamente a partir de una toma de posición con respecto a la relación entre el escritor y su realidad cotidiana, sus cosas, su lenguaje, su memoria.

Además, con la ruptura de las grandes construcciones (por ejemplo, a la manera de Huidobro, De Rokha, Neruda) no se produjo una nueva corriente, una nueva escuela, sino que quedó el campo abierto. En la actualidad, es impensable que un poeta quiera situarse en el podio del «poeta nacional» o plantearse su oficio como quien se plantea un apostolado o una misión profética. Hasta mediados de los cincuenta, gran parte de la poesía chilena se realizaba como acto de fe, como compromiso con un programa o un conjunto de ideas. Parra intentó dinamitar esa manera de ser poeta, llevando la literatura a un terreno mucho más dinámico, que construye y destruye a la vez, que no tiene fe, sino desconfianza sobre el objeto creado.

Curiosamente, un frecuente antagonista de Parra, el poeta Gonzalo Rojas, fue acaso el único de todos sus contemporáneos y antecesores que también planteó en Chile algo por el estilo: la imagen de que en el corazón de su ejercicio literario había una lucha, una coreográfica pelea de víboras, entre verso y prosa. En un poema suyo, efectivamente, Rojas hace pelear y danzar, enredándose violenta y a la vez plásticamente, dos serpientes, una llamada Versa y la otra Prorsa.

En el caso de Parra, la disputa también es formal, por ejemplo cuando hace chocar versos de lirismo convencional y frases que, como un ready-made, son extraídas con muy buen oído del repertorio de lugares comunes. Pero además hay una lucha en el pensamiento. Creer y dudar, proclamar y negarse, destruir para crear. Una cosa es tener la belleza en las rodillas e injuriarla, otra muy distinta es buscarla nada más que para escupirla. «Ordeñar una vaca / y tirarle su propia leche por la cabeza», dice Parra, desbaratando la función poética ejemplar de las viejas voces, la torre de marfil en que la Poesía con mayúscula siempre tiene la última palabra.

Parra tiende a ridiculizar en primera persona esas arbitrariedades del poeta lírico y tonto solemne, encarnado a veces en el político charlatán o en el energúmeno.

Pienso por ejemplo en un poema de Parra en que un sujeto exclama, a propósito de nada: «Tengo unas ganas locas de gritar / viva la Cordillera de los Andes / muera la Cordillera de la Costa». Aunque no es evidente la asociación, el propio sujeto declara que con esa muerte de la Cordillera de la Costa se podrían ver mejor los atardeceres, cosa que reconoce no interesarle en absoluto, ya que es un «profesor de pantalones verdes / que se deshace en gotas de rocío / un burgués es lo que soy / ¡qué me importan a mí los arreboles!». Y sin embargo ese mismo sujeto, al que le importan un comino los arreboles, energúmeno víctima de sus propias ideas fijas ahora develadas como actos fallidos del poeta lírico, lo único que quiere es gritar hasta morir: «viva la Cordillera de los Andes / muera la Cordillera de la Costa».

Esa idea de la poesía entendida como afirmación y negación simultáneas, que ahora parece tan familiar, por lo menos en el ámbito de la poesía hispanoamericana, es discordante con respecto al sentido común de las vanguardias chilenas, que desde Vicente Huidobro y Pablo de Rokha en los años veinte hasta los surrealistas del grupo Mandrágora en los cuarenta habían manifestado un compromiso radical con cierto absolutismo poético, entendido según quién en las esferas del inconsciente, la metafísica, la fe religiosa, la estética: todos esos ámbitos en que la poesía se rebelaba contra la prosa llana y mundana. El propio Huidobro, al definir al personaje Altazor con el par «antipoeta y mago», no pretendía ni remotamente desestabilizar su oficio; muy por el contrario, quería extender sus alcances hacia el máximo ideal creacionista, que es el pequeño dios o hacedor de mundos nuevos.

Sospecho que Parra abrazó ese sistema de opuestos porque en él confluyen al menos tres vertientes del conocimiento: la física cuántica (por lo que ya he dicho), la tradición literaria (desde un punto de vista crítico) y la cultura popular (rica en pares del bien y el mal, como la figura del «diablo burlado», pero también en lo que podríamos llamar «incertidumbre del habla chilena». Dicho sea de paso, esa cultura popular es fuente de un creador con el que Parra tiene mucho en común: Raúl Ruiz. El cineasta justamente ha puesto énfasis en el discurso errático de los chilenos, esa lengua flotante en que decir una cosa por otra es prácticamente un requisito para entenderse). Sin esa triple conjunción entre razón, crítica a la tradición literaria y regreso al habla chilena, me temo que el sistema de dualidades, contradicciones y paradojas no habría tenido efecto alguno, entre otras razones porque habría sido un lugar común, un dato conocido desde tiempos de Heráclito. En el caso de Parra, se produce el encuentro entre sus preocupaciones inmediatas de profesor de física, su vocación de hombre de letras enfrentado a las vanguardias de su tiempo y, especialmente, su biografía de chileno provinciano arraigado en la cultura campesina y en el habla popular del singularísimo sur de Chile. La antipoesía es así una respuesta basada en principios científicos aplicados a una sociedad letrada occidental mediante argumentos de una cultura popular que atesora en el habla un precioso legado arcaico, fruto de siglos de mestizaje y opresión, en los que la cosmovisión mapuche se había entremezclado con la vieja tradición europea hasta fundirse en una mitología propia.

En 1958, de hecho, cuatro años después de la publicación de Poemas y antipoemas, Nicanor Parra presentó la conferencia «Poetas de la claridad» en el Primer Encuentro de Escritores Chilenos, realizado en la Universidad de Concepción. En su alocución, Parra se situó en oposición a cierto «hermetismo» dominante en la poesía chilena de entonces, ejemplificado en prácticamente toda la producción poética de la primera mitad del siglo veinte, aunque él mismo admitía allí que la antipoesía no era otra cosa que el encuentro entre el lirismo más convencional –que él asimilaba en García Lorca y en el romancero popular– y el surrealismo más ortodoxo. En ese cruce, pues, descubierto a través del habla, manifestación genuina del pueblo, Parra encontró ese feliz Triángulo de las Bermudas en que el flujo de razón, literatura y lenguaje intenta impedir que la poesía, desprovista de su incertidumbre esencial, pueda ser instrumento de charlatanes ideológicos, oscuros sacerdotes o chamanes de cartón que pretendan establecer, por medio del uso de la palabra, algún reino bastardo sobre el planeta.

[Versión corregida de la que fue publicada en Cerrados Nº38, Revista do Programa de Pós-Graduação em Literatura, Universidade de Brasília, 2014]

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cayocezar · 2 years

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Carnaval do jeito que eu gosto 😍 #Carnaval2022 #ChapadaImperial #CachoeiraDaRainha #InstaLike #Brazilian #Like4Like #BSB (em Chapada Imperial/DF - Parque Nacional de Brasilia) https://www.instagram.com/p/CahaxHEr6Iu/?utm_medium=tumblr

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angulotravel · 2 years

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O Parque Nacional da Chapada dos Veadeiros tem cachoeiras espetaculares, é um paraíso que fica no cerrado do estado Góias a 230 km de Brasilia. A principal cidade é Alto do Paraíso de Goiás. Uma das cachoeiras mais cobiçadas é a Cachoeira de Santa Barbara, famosa pelas águas em tons de azul Caribe. Um dos destinos mais procurados do Brasil, um dos campos de energia mais intensos taís. Data:27 a 31/07/22 saiba mais em: 👇👇👇Clique no LINK: https://www.angulotravel.com.br/chapada-dos-veadeiros-1 . #chapadadosveadeiros #valedalua #valedaluachapadadosveadeiros (em Chapada dos Veadeiros) https://www.instagram.com/p/CY7jJq8LX1A/?utm_medium=tumblr

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mundolatinomedia · 2 years

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La Semana Nacional de la Ciencia y la Tecnología comienza hoy en Brasilia - Agência Brasil - EBC

La Semana Nacional de la Ciencia y la Tecnología comienza hoy en Brasilia – Agência Brasil – EBC

La 18a Semana Nacional de Ciencia y Tecnología (SNCT 2021) comienza hoy (3) y se extiende hasta el 10 de diciembre. Creada en 2004, la tradicional feria tiene lugar en Brasilia, en el Pabellón de Exposiciones Parque da Cidade, y cuenta con un programa lleno de conferencias, exposiciones y juegos para instigar la curiosidad científica. Especialmente dirigida a los jóvenes y sus familias, la…

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brasilia-passeios-blog · 6 years

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Caiaque Brasília

A CAIAQUE BRASÍLIA nasceu há mais de 10 anos. O objetivo foi introduzir diversão e lazer para a população de Brasilia, uma vez que nosso Lago Paranoá é pouco aproveitado, oferecemos aluguel de caiaques, stand up paddle, pedalinho, entre outras opções de diversão.

Para que quem gosta de aventura e curtir a natureza,oferecemos uma descida pelo ribeirão Bananal. Também conhecido como córrego do Bananal, o rio nasce no Parque Nacional de Brasília e, ao sair do parque, passa sob a Estrada Parque Indústria e Abastecimento (EPIA) antes de desaguar no lago Paranoá, próximo ao calçadão da Asa Norte.

Informações úteis

O Calçadão da Asa Norte fica no final da Asa Norte, no final da L2 – L4 Norte, próximo à entrada do Lago Norte. No local há estacionamento, banheiro público e ambulantes vendendo refrigerantes.

O CAIAQUE BRASÍLIA funciona diariamente de 9h00 às 17:30h, todos os dias. Há opções de stand up paddle, caiaques individuais e duplos e opções para cadeirantes. O pagamento é feito somente em dinheiro e não é necessário fazer reserva.

Telefone: (61) 9 9988-4884

Mais informações acesse o site AQUI

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superurmet1 · 4 years

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BRASILIA, 21 ago (Reuters) - El jefe del servicio nacional de parques de Brasil fue retirado de su cargo, informó el viernes el diario oficial del gobierno, en el más reciente cambio administrativo bajo la presidencia de Jair Bolsonaro, que ha buscado debilitar las protecciones al medioambiente.La noticia

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folhadegoias · 4 years

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Jornal Folha de Goiás - Parques Nacionais de Brasília e de São Joaquim são incluídos no PPI

Jornal Folha de Goiás – Parques Nacionais de Brasília e de São Joaquim são incluídos no PPI

Os Parques Nacionais de Brasília e de São Joaquim (SC) podem ter a administração concedida à iniciativa privada. O Ministério da Economia editou a Resolução 131/2020, que inclui as duas unidades no Programa de Parcerias de Investimentos (PPI) e no Plano Nacional de Desestatização.

Segundo a resolução, os serviços públicos de apoio à visitação, à conservação, à proteção e a gestão das unidades…

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#Brasil #Destaque #Manchetes

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calendariofoto · 4 years

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9,16, 23, 30 JUN 2020

Ciclo de Cine online SESIONES FRONTERIZAS FRONTERA SUR FESTIVAL CINE DE NO_FICCIÓN

A partir del 9 de junio y durante todos los martes del mes, Frontera Sur Festival presentará en línea distintas películas que han formado parte de sus ediciones anteriores en un nuevo espacio llamado “Sesiones Fronterizas”.

Esta iniciativa, que comenzará con un primer ciclo denominado “Disrupciones”, se suma a las actividades que se llevarán a cabo este año.

Este primer ciclo está compuesto por cuatro obras latinoamericanas de los últimos años, que abordan diversas problemáticas que nos atraviesan como sociedad y al mismo tiempo tensionan los propios modos de representación y producción del cine. A partir de ellas queremos instalar un espacio que promueva el diálogo y la reflexión desde el distanciamiento forzado en el que nos encontramos.

Estas sesiones tienen por objetivo “abrir canales alternativos de difusión para el cine de no ficción que permitan reencontrarnos con el público del festival y al mismo tiempo llegar a nuevas audiencias, con el fin de restituir de alguna manera aquella experiencia común que tiene lugar en la sala de proyección, pero ahora desde un espacio virtual, considerando que hoy toda actividad presencial está absolutamente paralizada. En ese sentido esta nueva instancia surge como una forma de resistencia en línea que busca mantener vivos los lazos entre las películas, quienes las realizan y la comunidad. Y al mismo tiempo cada sesión es una manera de sostener la mirada crítica, la reflexión y el debate en torno al cine y a los conflictos que nos rodean, en un contexto de mucha fragilidad como el actual”.

Una película por semana estará disponible durante cada martes de junio, a la que se podrá acceder a través de un link que se publicará el lunes anterior en las redes sociales de Frontera Sur (Facebook, Twitter e Instagram).

Junto a las exhibiciones se realizarán además conversatorios donde directoras/es e invitadas/os se reunirán con el equipo del festival y los/as espectadores/as a través de Facebook Live, los martes a las 20:00 hrs.

Las sesiones comienzan el martes 9 de junio con la película “Mi cuerpo es político” de Alice Riff (Brasil, 2017), continúa el 16 con “La balada del Oppenheimer Park” de Juan Manuel Sepúlveda (México, 2016), el 23 con “Mar negro” de Omar Alarcón (Bolivia, 2018) y cerrará el martes 30 con “El hombre que siempre hizo su parte” de Orisel Castro y York Neudel (Ecuador, 2017).

PROGRAMA

Martes 9 de junio

MEU CORPO É POLÍTICO de Alice Riff

2017/ Brasil / 71’

Mi cuerpo es político es un documental que sigue el cotidiano de cuatro personas transgénero que viven en barrios de las afueras de Sao Paulo. La narrativa se desarrolla por medio de la intimidad y el contexto social de los personajes, planteando así cuestiones contemporáneas sobre las personas trans y sus disputas políticas.

links de interés:

https://www.youtube.com/watch?v=HVNktryZEl0

https://www.youtube.com/watch?v=N3gCGhp_VFY

Alice Riff es directora, guionista y productora. Es licenciada en Cine y Ciencias Sociales (FAAP, USP). Es directora y guionista de los largometrajes documentales Elecciones (2018, 100 ‘), Meu corpo é politico (2017, 70’) y Platamama (2018, 82 ‘). Las películas pasaron por importantes festivales nacionales e internacionales como Visions du Reel, Dok Leipzig, Festival do Rio, BAFICI, Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Festival de Brasilia. Ganó el premio a la mejor película brasileña en Olhar de Cinema de Curitiba y a la mejor película en Lovers – LGBT Torino Film Festival. Con sus proyectos, participó en laboratorios como DocSP, Bolivia Lab, Rough Cut Lab en Docmontevideo con la asesoría de João Moreira Salles y Eduardo Escorel, laboratorio de Desarrollo en FICCI, Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias con Marta Andreu.

“En el cine, estoy interesada en reflexionar sobre qué historias contamos, qué imágenes debemos producir y cómo producimos estas imágenes. Hay una historia hegemónica, siempre contada desde un único punto de vista”.

Martes 16 de junio

LA BALADA DEL OPPENHEIMER PARK de Juan Manuel Sepúlveda

2016 / México / 71’

Es una película sobre el proceso que siguen Harley Prosper, Janet Brown y Bear Raweater (nativos exiliados de reservaciones canadienses) mientras crean una película dentro del perímetro del parque donde se reúnen a beber todos los días. Utilizando su vida cotidiana y su larga historia de opresión, ellos transforman el diario rito de beber en una celebración desafiante.

links de Interés:

https://www.youtube.com/watch?v=cK-Dw5TOMJQ

https://www.youtube.com/watch?v=zMQLJLCxDdc

Juan Manuel Sepúlveda ha dirigido, producido y fotografiado cine desde 2006. Es egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM y obtuvo además una Maestría en Bellas Artes y Estudios Interdisciplinarios (MFA) en la Escuela de Arte Contemporáneo de la Universidad Simon Fraser en Vancouver, Canadá. Su obra se propone como una exploración crítica y no-convencional a la forma documental y al mismo tiempo ha desarrollado una práctica como docente explorando los vínculos entre lo estético, lo ético y lo político, fundamentalmente en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba.

“La política cinematográfica empieza desde el rodaje”.

“Yo renuncio totalmente a esa visión de lo histórico en el cine que hago y entiendo que, por el contrario, más allá de una acumulación de datos, fuentes y sucesos, lo histórico debe manifestarse en el presente a través de su actualización, es decir, a través de su presencia como este pasado no redimido todavía, que sigue siendo incómodo para la historia y que sigue teniendo la potencialidad por subvertir los discursos establecidos, por subvertir estas visiones lineales de lo histórico”.

Martes 23 de junio

EL HOMBRE QUE SIEMPRE HIZO SU PARTE de Orisel Castro y York Neudel

2017 / Ecuador / 95’

Dr. Rota, un negociante, científico y escritor de 78 años, está lleno de conflictos e ilusiones de fama. Sortea los obstáculos para publicar su libro y rodearse de gente, buscando el reconocimiento. Después de perder casi todo contacto con el mundo, intenta salvar su legado y luchar contra su soledad. Este retrato habla sobre las contradicciones que encontramos en la vida y nos acerca al hombre que siempre hizo su parte.

Links de interés:

https://vimeo.com/383533402

https://www.youtube.com/watch?v=1u0ISMUJhNg&t=8s

Orisel Castro López nació en La Habana, Cuba, el 7 de junio de 1984. Formada como editora y directora de cine en el ISA (Universidad de las artes de Cuba) y en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños. Master en Antropología visual y Documental antropológico por FLACSO, Ecuador. Integra el grupo Cactus & Hedgehog con York Neudel, dedicado a la producción de documentales de creación y animación en stop motion. Colabora con el Festival Encuentros del Otro Cine (EDOC), como parte del comité de selección, equipo de programación y como escritora para el catálogo y el periódico, desde 2011 hasta la fecha. Profesora de montaje en la carrera de cine de la UDLA desde 2013.

York Neudel nació en 1977 en Alemania.

Entre 2006 y 2010 estudió cinematografía en Dortmund, Alemania y en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños en Cuba y obtuvo su Maestría en Antropología Visual en 2014 en Ecuador.

Su primer largometraje “El hombre que siempre hizo su parte” fue seleccionado oficialmente por Doculab 1.0 Costa Rica, Doculab 7, Guadalajara y Docs Barcelona+ Medellín, para Pitching Documental en DocMontevideo, V. Taller de Ibermedia en Guatemala en 2016, a Puerto Laboratorio en el Festival Internacional de Cine de Cartagena, Colombia en 2017 y ganó el Fondo Nacional de Cine para la postproducción a finales de 2015.

Desde 2013, York Neudel es miembro del comité de selección del festival documental ecuatoriano EDOC y desde 2017, jefe de programación de EDOC. También fue miembro del jurado del Primer Festival de la Casa de las Culturas en Quito y actualmente trabaja como profesor asistente de cinematografía en la Universidad de América (UDLA) en Quito, Ecuador.

Martes 30 de junio

MAR NEGRO de Omar Alarcón

2018 / Bolivia / 61’ / Digital La primera vez que Hugo Montero entró al Hospital Psiquiátrico tenía veinte años. Murió allí mismo, a los ochenta y cinco. Realizó cientos de poemas detrás de aquellos muros. El año 2004 editó un libro de su poesía, «Penumbras». En el prólogo de su libro dice «¿Escribir es acaso resucitar?».

Links de interés: https://www.youtube.com/watch?v=6EDjnCMfGuo http://cinemascine.net/entrevistas/entrevista/Alarcn-El-cine-que-amo-se-encuentra-en-el-terreno-de-la-no-ficcin

Omar Alarcón nació en Bolivia, es poeta y cineasta. Publicó el poemario “El corazón entrega sus muertos” (Editorial Pasanaku, 2006). Sus poemas fueron seleccionados en la antología de poetas jóvenes bolivianos “Cambio climático” (Fundación Simón I. Patiño, 2009) y en “Memoria sin espejo 15 poetas bolivianos contemporáneos” (Ladrones del tiempo, 2019). Ha publicado en revistas especializadas como Círculo de Poesía (México) y ha participado en diversos festivales nacionales e internacionales. Con su primera película “Mar Negro”, obtuvo en Bolivia el Premio a Mejor Dirección (Premio Eduardo Abaroa 2018), que narra la vida y obra de Hugo Montero, el poeta que murió en el Hospital Psiquiátrico de la ciudad de Sucr

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karlacierra · 4 years

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ESTILO LATINOAMERICANO

Si hablamos de arquitectura en latino américa se ha reconocido por las múltiples ciudades que crearon las etnias maya, incas, aztecas entre otros, sin embargo se ha ido perdiendo la cultura por seguir tendencias de otros países, adaptándolas a las condiciones y materiales que se manejen en cada lugar; Aunque en la actualidad es muy común los diseños eclécticos por lo que arquitectos y diseñadores han creado una fusión de características de estilos pasados con los actuales como por ejemplo la Universidad Nacional Autónoma de México.

Viendo ese problema, crearon “los seminarios de arquitectura en latino américa” en 1985 donde se invitan a urbanistas, historiadores y arquitectos a debatir como se desarrolla la producción de diseños urbanos en latino américa y las características que tienen dependiendo la región en el que se realicen.

ARQUITECTURA

En la actualidad todo es valido, les muestro ejemplos de como cada diseñador de dichos edificios muestra diferentes materiales de construcción como sus formas, jugando con las lineas simples y en otros con curvas o triángulos en punta que a mi parecer son edificaciones poco comunes.

Catedral de Brasilia / Oscar Niemeyer

Oscar Niemeyer en Brasilia desarrolla un regionalismo con referencias al movimiento moderno pero toma como referencia a su paisaje dominado por los morros y la curva. En la Catedral de Brasilia (1970) propone una suerte de boomerang de hormigón para optimizar la economía de recursos con una gran presencia de la técnica y sistematización de elementos

Iglesia del Cristo Obrero / Eladio Dieste.

Eladio Dieste, ingeniero uruguayo, en la Iglesia del Cristo Obrero también piensa en una arquitectura para la gente, como una forma de humanismo, usando recursos con los que contaba el lugar. El ladrillo, elemento simple y barato, pero revalorizado a partir de un profundo estudio técnico y morfológico, pensando en la mano de obra local le permite crear formas atractivas a partir de la plasticidad.

Biblioteca Parque España / Giancarlo Mazzanti

Mazzanti proyecta tres rocas habitables y visibles desde el valle como símbolo de ciudad amalgamadas por una explanada y espacio público que albergan tres programas distintos: biblioteca, centro comunitario y centro cultural. Construidas como cáscaras-membrana pero con centro nuclear de estructura de hormigón con tensores vinculantes son una intervención de primer nivel en el peor lugar.

El museo MOMA esta ubicado en nueva york quienes crearon una etapa de arquitectura latinoamericana desde Mexico hasta cuba les dejo enlaces y vídeos por si les llama la atención saber más.

youtube

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/761220/arquitectura-latinoamericana-moderna-en-la-exhibicion-de-primavera-del-moma

MOBILIARIO

En latino américa, siendo una cultura muy alegre y colorida, se crearon diferentes tipos de diseños industriales como inmobiliarios, cada uno dando su toque de originalidad o remaste rizando diseños existentes.

antes de compartirles algunos diseñadores les dejo este enlace donde hay una linea del tiempo en los cuales se crearon diferentes diseño en diversos paises

http://latamdesing.blogspot.com/

su estilo se basa mucho en la combinación de curvas con lineas rectas dando un aspecto refrescante para la vista ya que en la mayoría ocupa madera clara y por sus estilos peculiares, sus piezas puede crear un ambiente con un toco de diversión.

Su estilo va acorde con la rapidez y tecnología, el quiere darle opciones fáciles y modernas que permitan tener piezas únicas.

Se dirigía mucho por el metal y el color rojo, la mayoría de la mobiliaria era con el fin de darle soluciones a utensilios que utilizamos cotidianamente.

La mayoría de sus mobiliarios son a partir de materiales reciclados lo que da un toque casero pero a la ves da una buena propuesta para el medio ambiente, brindando formas creativas para realizar luminaria y muebles.

sus diseños se basaban en que fueran sostenible y como mejorar la calidad de vida en las personas.

Ricardo era considerado el máximo creador de sillas a nivel de latino américa, por ende les dejo un vídeo donde el explicaba la función de los diseños que creaba y porque era tan importante para el el diseñar.

youtube

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salguerofatima10 · 4 years

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Arquitectura Contemporánea.

Se refiere a los estilos arquitectónicos mas actuales. Encontramos edificios dentro de una una amplia gama de usos y que están diseñados y construidos desde los últimos 20 o 30 años en adelante. Estos edificios son diferentes a los edificios modernos, y carecen de cualquier rasgo de estilos arquitectónicos históricos.

Es importante no confundir la arquitectura contemporánea con la arquitectura moderna. Moderno se refiere a un estilo particular de arquitectura que fue popular a mediados del siglo XX, que está separado de los tipos de estilos contemporáneos populares que se usan actualmente. Contemporáneo es sinónimo de “actual”. De alguna manera, la arquitectura contemporánea puede ser similar a la arquitectura moderna con sus líneas limpias y el uso de ventanas y vidrio.

Características de la arquitectura contemporánea...

Gran enfoque en el exterior: ademas tiene como objetivo fusionarlo con el interior de la propiedad. Esto se puede hacer usando ventanales de vidrio, así como en formas más creativas a través de combinaciones de colores y decoración.

Ligereza: aporta un interior más relajado al hogar contemporáneo. Los diseñadores de muebles comenzaron a crear sofás, mesas y muebles para el hogar que reflejaban un enfoque más relajado de la vida.

Importancia de los accesorios: De manera similar a los períodos de diseño del pasado, los detalles son esenciales en un estilo contemporáneo. Los elementos finos, como los accesorios de iluminación son mantienen simples y originales. Los pasamanos y barandillas que una vez fueron grandes piezas de madera hechas a mano en pasadas décadas son reemplazados por cables de tensión innovadores, vidrio o materiales industriales.

Concepto de espacios abiertos: Las espacios contemporáneos tienen la sensación de unir todos los espacios interiores en una gran experiencia. Un plano de planta abierto es ideal y es emblemático en los espacios contemporáneos y crea una estética de diseño unificado en todo tu hogar.

Exteriores contemporáneos: La mayoría de los detalles exteriores están libres de adornos pesados de edificios históricos clásicos y se reemplazan por formas rectilíneas o curvilíneas simples. Las líneas del techo son distintas: voladizos grandes, y las características únicas, como las líneas del techo aparentemente planas, así como los materiales del exterior, por lo general se combinan armoniosamente con la naturaleza de su hogar en estilos contemporáneos.

Algunos arquitectos famosos de la arquitectura contemporánea...

Zaha Hadid.

Frank Owen Gehry

Renzo Piano

Jean Nouvel

Kazuyo Sejima

Obras contemporáneas...

EL MUSEO GUGGENHEIM DE BILBAO

El Museo Guggenheim Bilbao es obra del arquitecto canadiense-americano Frank Gehry y representa un magnífico ejemplo de la arquitectura más vanguardista del siglo XX. Con 24.000 m2 de superficie, de los que 9.000 m2 están destinados a espacio expositivo, el edificio representa un hito arquitectónico por su audaz configuración y su diseño innovador, conformando un seductor telón de fondo para el arte que en él se exhibe. En conjunto, el diseño de Gehry crea una estructura escultórica y espectacular perfectamente integrada en la trama urbana de Bilbao y su entorno

LA CATEDRAL DE BRASILIA

La obra empezó en 1958 y se concluyó en 1971. Primero se terminó la estructura de la nave principal y luego se prosiguió con el baptisterio, el campanario, la sacristía, la rampa y el espejo de agua. La capacidad de la catedral es para que reciba a 4 mil personas.

Su estructura está cerrada por una corona de 16 pilastras que le aportan un aspecto de flor en el momento de abrirse, también se compara esta estructura con la mano de un sacerdote en el momento de la consagración o, incluso, con una piña, pilastras cerradas por láminas de vidrio de color. La única nave, de planta circular, está hundida y tiene 70 metros de diámetro, alcanzándose los 40 metros de altura. El acceso al templo se flanquea por cuatro gigantescas estatuas de los Evangelistas. El interior se llena de luces, sombras y colores, lo que hace del simple y esquemático espacio un lugar cargado de espiritualidad y de simbolismo, características que definen los edificios diseñados por Niemeyer en Brasilia.

ESTADIO NACIONAL DE PEKÍN

El diseño del estadio estuvo inspirado en la formación de los nidos de las aves. Los arquitectos han logrado plasmar el concepto de tal manera sobre su obra que el proyecto pronto se ganó el sobrenombre de “nido de pájaro” de manera espontanea entre la población china.

El diseño se basa en los nidos de las aves no sólo a nivel estético sino también a nivel estructural. Toda la estructura visible desde el exterior imita las ramas entrelazadas de los nidos que al trabajar en conjunto las unas con las otras logran resistencias inimaginables para cada elemento aislado. En el centro del área que alberga también las demás estructuras olímpicas, el estadio parece estar posado como una astronave, con una silenciosa majestuosidad cuyo atractivo viene dado también por su forma ligeramente ondulada.

OPERA HOUSE DE SIDNEY

La Ópera de Sídney es también uno de los edificios más famosos del siglo XX. Fue diseñada por el arquitecto danés Jørn Utzon en 1957 e inaugurado en 1973. El edificio es singular en todos sus ángulos, el tejado tiene 67 metros de altura, tiene 27.000 toneladas de azulejos suecos, y más de 1.000.000 de piezas. 4.5 millones de visitas al año.

La Ópera de Sídney tiene cuatro auditorios principales para Ópera, danza, conciertos y teatro. Realiza más de 2.400 eventos anuales, por lo que no sólo es un impresionante edificio, sino que también es una referencia para el arte. La Ópera de Sídney fue declarada Patrimonio de la Humanidad en el 2007. Es la sede de la compañía Ópera Australia, la Compañía de Teatro de Sídney y la Orquesta Sinfónica de Sídney.

Obras contemporáneas de El Salvador

Iglesia El Rosario

Esta ubicada frente al parque Libertad es una edificación que mide 24 metros de ancho y 80 de largo cuya forma es oval sin columnas, con 22 metros de altura. El efecto de la Luz es lo mas hermoso dentro de esta obra arquitectónica.

Ademas, esta extraordinaria edificación guarda un estilizado víacrucis hecho a base de hierro negro forjado sobre cemento y piedra pómez elaborado de una manera extraordinaria que suscita a la contemplación artística de cada una de las piezas.

Estilo contemporáneo: interiorismo

Hablamos de estilo contemporáneo en interiorismo para referirnos a la estética actual, que abarcaría a las tendencias que se han popularizado desde principios del nuevo siglo.

Se trata de un estilo actual que se caracteriza principalmente por encontrarse a caballo entre el estilo clásico y las vanguardias. A veces, se confunde con el estilo minimalista ya que en ambos estilos abundan las tonalidades clara y los espacios grandes y diáfanos.

El estilo contemporáneo es elegante y busca espacios amplios, de aspecto ordenado. Eso sí, nos alejamos de la estética aséptica de los tiempos de minimalismo, ya que se añaden toques de calidez ya sea en la selección de los materiales (materias nobles como la madera, la piedra y los textiles de alta calidad).

Suelos de madera o con baldosas hidráulicas tradicionales o, por el contrario, cerámica un diseño innovador, que se complementan con paredes lisas con un toque de color o bien de ladrillo visto para dar un toque moderno, serían la base para una serie de objetos (no demasiados) seleccionados.

Respecto al mobiliario, lejos de buscar entornos “conjuntados” se buscan unas piezas clave, con las que nos sintamos identificados, como un sofá singular o una mesa de un material noble que hable del gusto y el estilo de vida del propietario, alrededor del cual se construirá el interior.

Como decíamos, se apuesta por ciertas piezas clave que atraerán la vista gracias a su aspecto llamativo o lúdico, que se completarán con otros elementos más funcionales o de diseño tradicional. Se huye del abigarramiento y el exceso.

El color es uno de los elementos más importantes en los interiores actuales, se trata de elegir colores alegres, saturados o bien que tiendan a los tonos pastel, y dar toques de color precisos en el interior. En ese sentido, el mobiliario cada vez tiende más al uso del color para aportar un toque cálido a los interiores. De la misma forma, los textiles pueden jugar un papel clave, focalizando la atención sobre determinados puntos del espacio.

Se trata de introducir en el hogar elementos divertidos, propios del juego, ya sea mediante el uso de elementos figurativos como en la apuesta por formas redondeadas y combinaciones de colores inusuales.

Además de la apuesta por los elementos de juego y los materiales nobles, vivimos tiempos de recuperar y revalorizar la artesanía.

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americanairlineflights-blog · 4 years

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Amazing Places in Brasilia That Sparks Your Imagination

Brasilia is the Federal District of Brazil that is situated at the top of the Brazilian highlands in the central west region. It is amongst the third most populated cities of Brazil and is widely celebrated for its endless number of UNESCO World Heritage Sites and endless architectural beauty ranging from the famous Praca Dos Transponders, Cathedral Metropolitan Nossa Senhora Aparecida, Museum of Indigenous People, Sanctuary of Dom Bosco, Parque Nacional De Brasilia and the number just rolls on. Brasilia is home to spectacular architecture that cannot be found anywhere else. Brasilia has been designated as a UNESCO World Heritage Site and a city of design because of its sophisticated and stylish buildings. For cheap flight tickets, cheap tour packages and endless travel solutions checkout American Airlines today.

https://www.sooperarticles.com/travel-articles/city-information-guides-articles/amazing-places-brasilia-sparks-your-imagination-1758893.html

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culturasustentable · 5 years

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Alfredo Ghierra: Eclecticismo Historicista

(En Perspectiva, 2019)

Alfredo Ghierra nace en Montevideo en 1968, cursa estudios de arquitectura y arte en la Facultad de Arquitectura de Montevideo y en la Escuela Nacional de Bellas Artes respectivamente, entre los años 1985-1990. Previamente estudia lenguajes audiovisuales realizando un curso de cine para niños y adolescentes en la Cinemateca uruguaya. Trabaja fundamentalmente la técnica del dibujo con grafo y tinta pero también la fotografía, el arte digital, la animación, el ensamblaje de objetos y la pintura al óleo. A partir del año 1994 realiza exposiciones personales y colectivas dentro y fuera del Uruguay: Palais de Glace (Buenos Aires, Argentina), Centro Cultural São Paulo (San Pablo, Brasil), Sala Renato Russo (Brasilia, Brasil), Astry Gallery (Sofía, Bulgaria), Assoziacione Culturale Spiazzi (Venecia, Italia), Casa de América (Madrid, España), Instituto Cervantes (Berlín, Alemania). Participa de numerosos concursos obteniendo varios premios y menciones (vi y vii Bienales de Salto, Salón de Dibujo 1998 del BROU, VII Bienal de arte Sacro de Buenos Aires, Salones Municipales y Nacionales, etc.) Ha sido Director de Arte para el medio audiovisual durante más de 15 años. En 2011 Ghierra fue el director de arte de los festejos del bicentenario del proceso independentista del Uruguay, realizando intervenciones artísticas a escala urbana en las principales avenidas y plazas de la ciudad de Montevideo. Su personaje Ghierra Intendente, creado en 2010, es una performance artística en clave política y apartidaria, donde un extenso grupo de artistas, arquitectos y diseñadores, se articulan para pensar y proyectar la ciudad. Es un proyecto curatorial de largo alcance, cuyas últimas presentaciones, tanto en el Centro Cultural de España de Montevideo (2015) como en el Instituto Cervantes de la ciudad de Berlín, Alemania (2016) le ha valido todo tipo de reconocimientos y apoyos. Dirigió el Museo de las Migraciones de Montevideo durante su primer año de actividades en su nueva ubicación dentro del complejo Muralla Abierta.

(MNAV, 2019)

Ahí tenemos las credenciales de Alfredo Ghierra, pero…de qué planeta viene Alfredo Ghierra? Como nos cuenta él en esta ocasión, su trayectoria parece comenzar en un mundo de incertidumbres, en un clima político oscuro de dictadura, que era tan parte de su vida cotidiana que incluso no se percató de el hasta muchos años después cuando había finalizado.

(Ghierra, 2019)

Él se define por el cine, la arquitectura y las bellas artes (o artes visuales); su primer acercamiento fue por el cine, en los tempranos ochentas, luego, cuando en 1985 reabrió la escuela nacional de artes visuales, entró junto con todas las personas que hace tanto tiempo estaban esperando por empezar. Como dice Alfredo, en aquella época toda persona con una veta creativa terminaba ahí o estudiando arquitectura, y de hecho la facultad de arquitectura fue su siguiente aventura.

En un momento decidió que se mataba por el ambiente que se respiraba en Montevideo o se iba, y se fue hasta Sao Pablo, donde descubrió que lo que aquí era un problema allá era una ventaja. Tuvo muy buenas experiencias trabajando en arquitectura y publicidad por un par de años, y luego vuelve – cargado de sus propias obras – a por un encuentro catalizador con María Freyre (tía de sus primos), una artista uruguaya consagrada que le enseñó, con pocas palabras, que la aprobación viene de adentro y no de afuera, que su arte era primero para él y segundo para los demás. Luego de esa experiencia epifánica su carrera como artista tomó vuelo, y comenzó a exponer exitosamente hasta el día de hoy, siendo su más reciente exposición en Montevideo una titulada “Esos lugares que existen”, en el museo nacional de artes visuales; un despliegue de técnica y creatividad maravilloso que muestra su obsesión con las ciudades y su “eclecticismo historicista”

(En Perspectiva, 2019)

Esta obra revela un poco esa preocupación que Ghierra intima por la ciudad, por su arquitectura y urbanidad, y, como nos cuenta, fue entre cafés con amigos y charlas sobre qué hacer con Montevideo que surge el proyecto de Ghierra, y que más se relaciona con el tema central de este blog. Empezó la charla de hoy explicando que él buscó atacar el tema de la sustentabilidad desde un punto de vista que no es el habitual de los fenómenos naturales, sino con el uso consciente de los recursos para no agotarlos para las generaciones futuras, e incluso usó la definición de sostenibilidad que yo mismo he usado en este blog, del informe Brundtland (poner un link a mi post?).

Alfredo ganó notoriedad en los últimos años con un proyecto muy interesante que es “Ghierra Intendente”, un proyecto colaborativo multidisciplinario que reflexiona sobre los espacios urbanos – sobre la ciudad de Montevideo específicamente. Es un proyecto artístico que nació para compensar el bajo nivel de la discusión política durante la campaña electoral para las municipales del 2010. En aquel momento le sorprendió a Ghierra que la ciudad como objeto de discusión estuviera ausente en el debate, y que en su lugar se discutiera sobre obviedades inherentes a la gestión municipal, por lo cuál decidió reunir a un grupo de artistas visuales, arquitectos y diseñadores industriales para presentar miradas y proyectos en clave de parodia política donde el candidato y su gabinete no venían del mundo de la política, sino que están más o menos relacionados con el mundo del arte.

(Ghierra, 2019)

Entonces. Su pregunta era: por qué no lucía Montevideo como debería lucir? Le empezaron a decir en chiste Ghierra Intendente. Y surgió la idea de “Ghierra Intendente” en 2010, para la cuál entregaron listas y propuestas, que incluían ya propuestas ecológicas. Era una propuesta en la que no importaban los presupuestos porque no eran de verdad políticos. En 2015 estaban explotando las redes sociales, consiguieron el CCE para hacer una exposición de Ghierra Intendente, y con el primer tweet ya lo estaban llamando de todos los principales medios, y también sus “contrincantes”, y hasta el día de hoy sigue habiendo un interés por este grupo ficticio. Arquitectura, artes visuales y diseño industrial eran las tres pilares de la propuesta.

Nos mostró un montón de proyectos que se hicieron dentro del marco de Ghierra Intendente, dentro de los cuales está el proyecto Lindolfo, una propuesta de renovación de la fachada de Montevideo en ciudad vieja, para que al llegar por el puerto, uno se encuentre con algo lindo:

Luciole es un proyecto que generó unos bancos públicos que se iluminan cuando uno se siente, y que emiten internet gratis, dialogando entre ellos con un código de colores. Un prototipo fue presentado en Lyon, Francia, pero nunca se concretó una producción masiva.

Otro proyecto curioso es el de Pablo Casacuberta; un estudio de la megafauna en latinoamerica, como recordatorio de un patrimonio más antiguo del que le preocupa a Ghierra.

El siguiente es un proyecto que buscaba unir por vía de un tren elevado por avenida italia, el aeropuerto con tres cruces, lo cual Ghierra piensa que sería muy lógico ya que hay un gran cantidad de gente que recorre ese camino todos los días para trabajar. Y no solo es una vía de transporte, sino que se plantea por debajo generar una variedad de lugares, como parques eólicos, canchas de deporte, etc.

(Ghierra Intendente)

Un proyecto de reutilización de terrenos baldíos, para utilizarlos de alguna manera. Es un proyecto que se lleva adelante en muchas ciudades del mundo.

Proyecto para reverdecer la ciudad vieja, incentivando a los propietarios para que aporten y se sientan orgullosos de mantener la ciudad en mejor estado.

(Ghierra, 2019)

Uno de los proyectos que más parecía emocionarle a Alfredo es el de La Ciudad Abandonada, un proyecto de divulgación sobre la temática del abandono edilicio en Montevideo. Aquí dejo un link al proyecto por los arquitectos Gonzalo Bustillo y Mariana Ures.

Ghierra explica que los propietarios de edificios antiguos dejan que se vengan abajo y no se preocupan por mantenerlos porque son amparados por la ley. Otros edificios, que deberían ser patrimonio por sus diseños o técnicas no son protegidos por la ley, y por eso uno de los movimientos que hicieron, junto con la facultad de arquitectura detuvieron la destrucción de algunas casas históricas, y lo intentaron con otras:

(Ghierra, 2019)

No pudieron detener la demolición de esta última, que es más eclecticista historicista. Era una casa de alguien y fue muchas cosas después, y para Ghierra representa a una época de Uruguay. El piensa que lo que se hace hoy no debe pisar lo que se hizo antes, porque se pierde el hilo conductor de lo que es la sociedad.

El encuentra sustentabilidad, o la falta de, en el patrimonio; en destruir cosas que ya no se pueden hacer por costos o por know-how. La ciudad no está protegida por nosotros que dejamos que suceda.

Highline New York

Uno de los ejemplos más fantásticos que conozco que parece surgir de la misma mentalidad que los proyectos de Ghierra Intendente es la famosa Highline en Nueva York, para mí una obra genial que revitalizó enromes áreas de la ciudad y preservó lo que ya estaba ahí, dándole funcionalidad a algo que ya no servía y creando miles de oportunidades de todo tipo para los ciudadanos. Se ha recuperado el espacio y donde había vías de tren ahora hay caminos peatonales y plantas, construyendo un paseo que no se puede perder. El parque pasa muy cerca de las ventanas de edificios y de a momentos ofrece vistas vertiginosas, pero siempre uno se siente removido del bullicio frenético de la ciudad; es realmente como entrar a un parque, pero estás rodeado dela ciudad hasta por abajo. Salvar estas estructuras significa que futuros ciudadanos podrán disfrutar de lo que vino antes, sin tener que destruirlo, y creando un futuro sobre las capas del pasado; preservando un idioma y una historia. Aquí dejo un video sobre este parque maravilloso:

youtube

(TIME, 2009)

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Grin

(CM, 2019)

Un ejemplo más cercano a casa de formas de renovar la ciudad de una manera amigable es el caso de los monopatines Grin, la iniciativa de transporte urbano que ya todos conocemos, que ha cambiado para muchos la manera de moverse en tramos cortos. Es una propuesta ecológica, que apunta a reducir el uso de combustibles y sacar a las personas a la calle y al aire libre. Como varias propuestas del proyecto Ghierra Intendente, tiene un gran enfoque en la usabilidad del terreno urbano, aprovechando la belleza existente, al mismo tiempo que reduce la huella de carbono que dejamos día a día.

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Ghierra encuentra la sustentabilidad en recordarnos que los lugares que nosotros destruimos existen, y deberían existir aún para los que vienen después de nosotros. Ya sean construcciones históricas cargadas de elementos, o la ciudad misma que se desvanece y opaca alrededor nuestro mientras miramos hacia otro lado. Lo que rescato de su ponencia es que un futuro sustentable no es solo una lista de números que nos permiten vivir cómodamente, sino que un compendio de todo lo que fuimos, ya que nuestro pasado colectivo es lo que nos hace personas más ricas y nos ayuda a crecer como sociedad.

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MNAV (2019) Alfredo Ghierra - Esos lugares existen. Accedido el 29 de octubre, 2019 desde http://mnav.gub.uy/cms.php?e=ghierra2019

En Perspectiva (2019) Muestra de Alfredo Ghierra en el Museo Nacional de Artes Visuales, Esos lugares existen. Accedido el 29 de octubre, 2019 desde https://www.enperspectiva.net/en-perspectiva-programa/los-ojos-de-rosario/muestra-alfredo-ghierra-museo-nacional-artes-visuales-lugares-existen/

Ghierra, A. (2019) Accedido el 29 de octubre, 2019 desde https://aulas.ort.edu.uy/mod/resource/view.php?id=217808

Ghierra Intendente (n/a) Parque Italia. Accedido el 29 de octubre, 2019 desde http://ghierraintendente.com.uy/proyectos/parque-italia/

TIME (2009) New York’s New Highline Park. Accedido el 29 de octubre, 2019 desde https://www.youtube.com/watch?v=_W2Yq1zzxAc

CM (2019) Cómo funciona Grin en Uruguay? A disfrutar del monopatín! Accedido el 29 de octubre, 2019 desde https://ciudadmalvin.com/como-funciona-grin-en-uruguay/

#alfredo #ghierra #intendente #artista #exposición #sustentabilidad #tendencias del diseño #esos lugares existen #eclecticismo historicista #sostenibilidad #highline #grin

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tendenciaskodama · 5 years

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Seminario 4

Alfredo Ghierra

Artista multidisciplinario nacido en Montevideo. Estudio arquitectura y arte en la Facultad de Arquitectura de Montevideo y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Anteriormente estudio lenguajes audiovisuales al realizar un curso de cine para niños y adolescentes en la Cinemateca uruguaya.

Principalmente trabaja la técnica del dibujo con grafo y tinta, pero también la fotografía, el arte digital, la animación, el ensamblaje de objetos y la pintura al óleo. A realizado exposiciones personales y colectivas dentro y fuera del Uruguay, tales como en Palais de Glace (Buenos Aires, Argentina), Centro Cultural São Paulo (San Pablo, Brasil), Sala Renato Russo (Brasilia, Brasil), Astry Gallery (Sofía, Bulgaria), Assoziacione Culturale Spiazzi (Venecia, Italia), Casa de América (Madrid, España), Instituto Cervantes (Berlín, Alemania).

A participado en numerosos concursos, en los cuales obtuvo varios premios y menciones. A trabajado como Director de Arte para el medio audiovisual durante 15 años. En el 2011 lo fue de los festejos del bicentenario del proceso independista de Uruguay, consistía en realizar intervenciones artísticas a escala urbana en las principales avenidas y en las plazas de la ciudad capital. Creo una performance artística en clave política con su personaje “Ghierra Intendente”, donde un gran grupo de artistas, arquitectos y diseñadores, se juntan para pensar y proyectar la ciudad. Proyecto curatorial de largo alcance, las ultimas presentaciones de este, le han dado varios reconocimientos y apoyos.

Él quiere que Montevideo, sea una ciudad sustentable desde su arquitectura, todo aquello que se considera patrimonio o no aún. Toma la sustentabilidad, como el uso consiente de los recursos para no agotarlos y no privar de estos a las generaciones futuras.

Comienza realizando una introducción sobre sus estudios y su carrera, que se deriva principalmente en el cine, la arquitectura y las artes visuales. Cuenta como era su vida en Montevideo cuando era chico y como vivía en la dictadura, con todo lo que conllevaba. El en un momento viajó a San Pablo, Brasil, donde vio que ser creativo allá no era bueno, sino que era una ventaja, mientras que acá en Montevideo no lo era. A su vuelta, lo que quería era ir con algunos de sus trabajos y mostrárselos a María Freire, que era una artista conocida suya. Al mostrarle la carpeta con dibujos, su respuesta fue, que ella sabía que lo que él esperaba escuchar era que sus dibujos eran lindos, pero eso le dijo ella, te lo tienes que decir vos mismo y que cuando lo lograra y estuviera contento con lo que hacía, ahí se convertiría en artista. Esto le marcó un antes y un después en su vida.

Siempre tendemos buscar la aprobación afuera, peor lo que hay que buscar es la aprobación adentro de uno mismo.

Luego por razones del destino, dijo él, tuvo la oportunidad de realizar una exposición con sus trabajos, llamada Ciudades Imaginarias. Su tema más recurrente son las ciudades y su estilo es el Eclecticismo Historicista, es la arquitectura previa a la moderna.

Ghierra Intendente

http://ghierraintendente.com.uy/

En el 2010 surge de una charla con amigos, el tema de la ciudad de Montevideo y todo lo que se podría hacer, pero no se hacía, en el ámbito físico. De aquí surge Ghierra intendente, personaje que el crea. Bajo este título, realiza una exposición donde se muestran distintas propuestas de como podría llegar a ser la cuidad de Montevideo. Era la imaginación al poder.

En el 2015 se realizó nuevamente, pero en este momento las redes sociales ya eran más usadas, haciendo esta propuesta un bum en las redes sociales. Fue un primer posteo en twiter el que llamo la atención de muchos, hicieron que se creyera que era real a tal punto, que os medios de prensa reaccionaron.

Estas exposiciones tenían tres vertientes, arquitectura, industrial y artes visuales. Se presentaban distintos artistas a formar parte de esta propuesta, y algunas de las propuestas fueron:

Transformar la entrada de Montevideo desde los puertos, hacer todo un espacio amplio, donde tuviera juegos, bancos, etc. Transformar la entrada abandonada que hay hoy en día por una nueva.

Proyecto Luciol, proviene del francés luciérnaga. Son bancos urbanos que se encienden cuando se ocupan y emiten red de wifi.

Tren elevado, que pace por la ciudad de Montevideo, llamado proyecto Plaza Italia, ya que se proponía debajo de este hacer parques, huertas orgánicas, etc.

Moto eléctrica

Huertas urbanas, donde se le daría uso a los terrenos baldíos.

Reverdecer la ciudad vieja, incentivar a las personas de alguna manera para que planten plantas y tengan un mantenimiento de estas.

Es el atrevimiento de plantear proyectos, más allá de que si se fuesen a realizar o no.

Habla de las construcciones ya existentes en nuestra ciudad y como se solían dejar abandonadas, pero con una nueva ley eso comenzó a cambiar. Cuenta que lograron detener la demolición de un edificio que era de propiedad privada, considerándolo a este como un gran logro.

“todo es digno, todo es noble”

No está en contra de las construcciones que se realizan hoy en día, sino que está en contra de pisar lo viejo para crear algo nuevo. Todos vamos al extranjero y sacamos fotos de los edificios antiguos, de distintos estilos, pero ignoramos los propios.

Propone sustentabilidad de la creación humana. Ver el patrimonio como un derecho humano para próximas generaciones poder ver.

“como podemos defender algo que no conocemos”

A partir de su charla, realice una investigación en que distintas medidas que ciudades estaban tomando para ser más sustentables.

Un caso que llamo mi atención, es de la ciudad de México, donde tienen una propuesta para realizar edificios sustentables, Greenbuild, aumentando la cantidad de verde en la ciudad. Como uno de los objetivos es, desmentir el mito de que ser sustentable conlleva altos costos, hay distintas formas en las que se pueden ser sustentable, sin tener que invertir gran cantidad de dinero. https://expansion.mx/nacional/2018/06/19/mexico-busca-potenciar-la-edificacion-sustentable

Ghierra nos presentó otra forma de ver la sustentabilidad, y de ser sustentables. Este centra en las ciudades, uso consiente de los recursos, reutilizar lo que ya tenemos y no siempre hacer todo desde cero cuando hay edificaciones que se pueden utilizar. No solo es la reutilización de esos espacios, sino que también, como el planteaba es preservar parte de la identidad de la ciudad, de como comenzó todo. Al igual que todos los anteriores seminarios nos hizo notar de que tenemos que ver quiénes somos, siempre vamos a otras ciudades y sacamos fotos, las admiramos, pero nunca lo hacemos con la propia. Muchos de estos cambios, donde se destruyen edificios que contienen una historia propia para crear otro totalmente nuevo, perdiendo así toda aquella información. Todos suceden delante de nuestros ojos, pero no los vemos porque vivimos apurados, en nuestras rutinas y no damos ni un momento para apreciar lo que tenemos.

Al hablar de embellecer la ciudad en la que vivimos, gestionar de manera adecuada lo que tenemos. Hay muchas maneras en las que se pueden ser sustentable al mantener e implementar nuevas formas para ser mejores. Realizando su proyecto de intendente, el cual no era real, llevaba a pensar ya concientizar de que cambios pueden llegar a ser posibles y de notar la ciudad que tenemos, hacer que las personas se enamoren de su ciudad. Una característica muy común entre los uruguayos, es el no querer nuestra propia ciudad, cuando un extranjero nos dice que tenemos una ciudad muy bonita, nuestra primera reacción es “¿enserio?, ¿te parece?”. Al ser honesta me incluyo, porque esa solía ser una respuesta que yo misma daría. Pero estas presentaciones me han hecho cuestionarme, que es lo que realmente conozco de nuestra ciudad, me hicieron darme cuenta que debo tomar un tiempo para observar lo que me rodea, conocer su interior para poder crecer en un futuro.

#GhierraIntendente #AlfredoGhierra #patrimonio

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