Hace 9 años te hiciste eterno.

9 años sin Gustavo Cerati

Gustavo Cerati: 1959 - ∞

Y sigues aquí, entre nosotros. ¡Gracias por venir! ¡Gracias Totales!

∞

Recordarte es un hermoso lugar.

Un dia kmo hoy 4/9 decendio al cielo la persona mas hermosa del universo el increíble cantante gustavo adrian cerati an pasado tanto años sin ti gracias por darnos esta musica tan buena cerati, vuelve y di que todo era broma 🕊️🤍

La Carta del Adiós de Gustavo Cerati.

26 Años.

El 9 de mayo de 1997 Diario Clarín en su Suplemento Sí! publicaba la carta de despedida de Gustavo Cerati dónde en líneas daba formalidad a la disolución de la banda.

"Estas líneas surgen de lo que he percibido estos días en la calle, en los fans que se me acercan, en la gente que me rodea y en mi propia experiencia personal. Comparto la tristeza que genera en muchos la noticia de nuestra disolución. Yo mismo estoy sumergido en ese estado porque pocas cosas han sido tan importantes y gratificantes en mi vida como Soda Stereo.

Cualquiera sabe que es virtualmente imposible llevar adelante un grupo sin cierto nivel de conflicto. Es un frágil equilibrio en la pugna de ideas que muy pocos consiguen conservar por espacio de quince años y hacer de ello una cadena de hechos artísticos relevantes para la gente, como nosotros orgullosamente hicimos. Pero, últimamente, diferentes desentendimientos personales y musicales fueron creando un nudo de tensión emocional que empezó a comprometer ese equilibrio. Ahí mismo se generan excusas para no tocar, excusas para no enfrentarnos, excusas para no crear, excusas finalmente para un futuro grupal en que ya no creemos como hacíamos en el pasado.

Cortar por lo sano es, valga la redundancia, hacer valer nuestra salud mental por sobre todo y, también, una muestra de respeto hacia el público que nos sigue y nos siguió todo este tiempo. Me gustaría aclarar, además, que este estado nada tiene que ver con mis viajes frecuentes a Chile (yo estoy radicado aquí, en mi país, y es aquí donde pretendo recorrer mi futuro como lo hice siempre) ni con los esporádicos proyectos musicales que haya realizado al margen de Soda.

Esta decisión ha nacido del interior del grupo y desde ahí también se genera una "nueva" excusa para volver a encontrarnos por última vez: la música, que es la que mejor habla y hablará por nosotros.

Un fuerte abrazo y hasta pronto."

EMI - Emiliano Brancciari lanza su carrera solista y estrena “KOREA”

Emiliano Brancciari montó el proyecto EMI para poder darle una vuelta de tuerca a su faceta como compositor, toma el desafío de cambiar radicalmente el proceso creativo en el estudio para ver a dónde lo lleva. El resultado es una perfecta colección de canciones, que tienen a la vez, su sello personal y un eje sonoro totalmente diferente.

"Korea" es el primer sencillo del nuevo álbum de EMI: "Cada Segundo Dura Una Eternidad" que se estrenará en plataformas digitales el próximo 16 de diciembre. Fue grabada y producida por Héctor Castillo (NTVG, Gustavo Cerati, David Bowie, Los Fabulosos Cadillacs, Philip Glass) en enero de 2022 en su estudio de Nueva York GB's Juke Joint y fue masterizada por Dave McNair. Contó con la participación de Gerry Leonard en guitarra (David Bowie), Dan Mintseris en teclados (St. Vincent, Elvis Costello & The Imposters, David Byrne), Jeff Hill en bajo (Bruce Springsteen, Vicentico, Regina Spektor, Rufus Wainwright), Aaron Steele en batería (Hayley Williams, Portugal The Man, Jose James, Chrome Sparks), Chris Bruce (Draco Rosa, Seal, John Legend) y Glenn Patcha en teclados. Este nuevo single está acompañado de un videoclip estilo documental que retrata de manera precisa lo que sucedió en enero de 2022 en el estudio de Long Island mientras se grababa el álbum. Logra capturar a la perfección la energía creativa y el intercambio musical entre los involucrados. Fue filmado por Ross Mayfield y editado por Pablo Abdala. https://youtu.be/LStBpgnV7UU

“Luego del lanzamiento del disco LUZ de NTVG en mayo de 2021, la pandemia continuó unos meses más, y con ella la imposibilidad de tocar en vivo. Fue con ese envión creativo que seguí componiendo y grabando maquetas en mi casa que nacían desde un lugar más íntimo aún, y sin pretensiones de terminar en un disco de la banda. Al poco tiempo decidí, con el apoyo de mis compañeros, dar vida a esas canciones y grabarlas con otros músicos; vivir una experiencia diferente a las que estoy acostumbrado. Fue por eso que en enero de 2022 viajé a un estudio en Long Island City, New York a grabar un álbum producido por Héctor Castillo. Korea es el primer single de éste disco que contiene 12 tracks, que si bien fueron también escritos por mi, se alejan un poco del estilo NTVG, si es que existe uno. Habrá dos adelantos más y el álbum completo estará disponible a fin de año. Quisiera agradecer a los grandes músicos que grabaron junto a mi y pusieron su talento y su corazón a disposición de las canciones, a mis compañeros por darme la oportunidad y la libertad de seguir creciendo como artista y a ustedes por el amor y el apoyo. Ojalá les guste. EMI.”

EMI

Cada Segundo Dura Una Eternidad

Estreno: 16/12/2022 Tracklist: 1 Fe En Lo Que Yo Quiera 2 Korea 3 Que Sigas Bien 4 El Rey Ha Muerto Ft. Jim Keller 5 Rufián 6 De Esos Días 7 Insuperable 8 Quise 9 Sirenas 10 Roma 11 Yo Lloraré Con Vos 12 Un Rato Más Todas las canciones compuestas por Emiliano Brancciari.

30 años de un Momento Histórico. El 14 de diciembre de 1991 Soda Stereo se presentó en la avenida 9 de Julio ante 250 mil espectadores Se dio en el marco del ciclo de recitales gratuitos “Mi Buenos Aires Querido II”, auspiciado por el gobierno porteño a cargo, por ese entonces, de Carlos Grosso y fue televisado en vivo por Canal 13. Ante una inédita concurrencia, el grupo integrado por Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti iniciaron el show pasadas las diez de la noche con la canción “De Música Ligera”, a la que le siguió “Hombre al Agua” y “Sin Sobresaltos”. Con este concierto, Soda Stereo batió su propio récord: en 1986, también en la avenida 9 de Julio pero en su cruce con Libertador el grupo había convocado a 100 mil personas. Incluso superó en cantidad de asistentes al recital que al otro día brindó el famoso tenor italiano Luciano Pavarotti, en el mismo escenario. Cerati quedó sorprendido ante la magnitud de la convocatoria cuando dijo en un reportaje a la revista Pelo: “La cantidad de personas fue increíble. Juro que una situación así me desborda y me supera totalmente, por eso grité “Socorro! los amo!”. Interpretaron un total de 23 canciones de su repertorio que incluyó los hits “En la ciudad de la furia” y “Cuando pase el temblor” y “Hombre al agua”. Dos pantallas gigantes de seis metros por cuatro, un set de iluminación de última generación y 30 mil watts de sonido acompañaron a los tres integrantes de Soda Stereo, que demostraron estar a la altura de las circunstancias. En ese momento, la popularidad de la banda era altísima no sólo en Argentina sino en toda la región. El recital de la 9 de Julio significó el cierre perfecto y consagratorio de un año de giras por América Latina, llenando cada lugar en el que se presentaron. En las radios no paraban de sonar los temas de su quinto álbum de estudio “Canción Animal” y la crítica especializada elogió sobradamente el trabajo discográfico. Años después, Gustavo Cerati dijo que aquella mágica noche de verano sólo fue posible gracias a una verdadera conjunción de energías planetarias. #sodastereo #rockenespañol #rockargentino #zetabosio #charlyalberti @charlyalberti @zbosio @cerati@sodastereo (en Avenida 9 De Julio, Buenos Aires, Argentina) https://www.instagram.com/p/CXe5snNsfLh/?utm_medium=tumblr

BIOS Gustavo Cerati

Me toco ver por segunda vez este documental biográfico del inolvidable Gustavo Cerati, la verdad con los años se ha vuelto uno de mis artistas favoritos, un personaje tan emblemático en la historia de la música, sus canciones eran verdaderos poemas junto a una sinfonía inigualable que te saca del espacio tiempo, te hace volar y olvidarte de todo. es verdaderamente mágico y emocionante. Muchas veces al escucharlo en vivo mi piel se eriza y en otras incluso me salen par de lágrimas.

De verdad siento que Gustavo era de esos artistas que tenían tal obsesión por la perfección musical que sus obras serán recordadas por siempre. Canciones como “vivo”, “puente” o “sudestada” son de mis canciones favoritas, o en soda stereo con “corazón delator” “un misil en mi placard” o “te para 3”, que han marcado mi vida.

una anécdota que recordaré por siempre fue la primera vez que viaje en avión, era 9 de julio del 2019, mi destino era estados unidos, el país de mis sueños, el lugar que jamás pensé que iría tan joven (17 años), ahí estaba, ansioso, nervioso, sabía que sería un viaje que nunca olvidaría, pero no tenia idea como era viajar en avión, ¿Cómo sería allá arriba?, ¿y si me da un ataque de pánico?, ¿y si dejo de respirar? ¿y si lloro? ¿y si vomito?... mil preguntas y todas sin respuesta. Llego la hora del despegue, mi corazón latía a mil por segundo, mis manos sudaban,  mi mente no paraba de preguntarse cosas, mis oídos iban a explotar, era una sensación muy rara, tenia miedo, mucho miedo, y fue ahí cuando pasó, sin saber que hacer tome mis audífonos, abrí Spotify, y pulse en la canción “puente-Gustavo Cerati”, en ese mismo instante mi novia  me tomó la mano, fue una sensación inexplicable, de repente mi corazón comenzó a latir mas lento, las preguntas en mi cabeza comenzaron a esfumarse, me sentía relajado, cómodo, feliz, era algo que nunca antes me había pasado, fue mágico, gracias a esa canción mi viaje de 8 horas pasó volando. Y tenía razón, Fueron las mejores vacaciones de mi vida. nunca supe como una simple canción me salvo de un ataque de pánico tremendo, pero bueno, a eso le llamo la magia de Cerati.

Breve resumen: la vida de Gustavo, el camino que lo llevo a ser uno de los mejores artistas de la historia. La formación de soda stereo, sus primeros conciertos, sus mejores anécdotas contadas por las personas más cercanas a él.  Sus influencias de pequeño, el trabajo duro, el amor a la música, y su carrera como solista. Un documental muy completo, bien detallado.

¿Me gustó?: me encantó, la primera parte por lo menos, la segunda un poco lenta.

Enseñanza favorita: la felicidad se basa en hacer lo que amas, trabajar arduamente, si combinas esas dos cosas el éxito llegará solo, Gustavo nunca pensó en llegar a ser una super estrella, solo hacia lo que amaba, lo hacia con pasión, y con el tiempo fueron creciendo los frutos hasta llegar a la cima.

La vedad me impresionó la obsesión que Gustavo tenía con la perfección musical, buscaba el mínimo detalle, casi ni dormía con tal de lograr ese sonido que tanto buscaba. Un trabajo impresionante y demasiado inspirador.

Le puede gustar a: artistas, músicos, gente que tenga proyectos de todo tipo, gente soñadora, amantes del rock, y obviamente fanáticos de Cerati y soda stereo.                            

Un día como hoy del 2014 falleció Gustavo Cerati El cantante y compositor murió luego de un accidente cerebro vascular que lo mantuvo en coma durante cuatro años. En una presentación en Caracas, Venezuela, el 15 de mayo de 2010, Cerati advirtió que le dolía la cabeza, sin embargo, no demostró grandes molestias. Tiempo después perdió la conciencia a causa de un accidente cerebrovascular el cual lo dejó alrededor de 4 años en coma. Gustavo Cerati falleció a las 9:00 , hora local del jueves 4 de septiembre del 2014; en ese momento estaba solo en su cama. #cerati #gustavocerati #sodastereo #SodaStereoCDMX https://www.instagram.com/p/CTat-XmMRyr/?utm_medium=tumblr

Diez discos, diez historias

Hace unos días me etiquetaron en una dinámica de Facebook (algo muy común en estos días de pandemia) que decía lo siguiente :"Enumerar 10 discos que influyeron enormemente en mi gusto en la música.(...) Sin explicaciones (...) " Y para no romper con la dinámica de aquellos lares, he decidido dejar la explicación de esos discos aquí, porque sentía un vació al solo dejar una simple portada sin más.

1.- Fuerza Natural/ Gustavo Cerati 

Fuerza Natural es el último disco que grabó Gustavo Cerati en aquel lejano 2009, de manera contraria sería el primer disco que yo compraría en una tienda, es curioso porque yo no iba por ese disco, yo estaba buscando el álbum de aquella canción que escuche en televisión, "Siempre es hoy" de un artista que era nuevo para mi y según yo para el mundo, en mi mente de 12 años ál sería quien revolucionaría la música. Vaya sorpresa me lleve cuando terminé de escuchar "Fuerza Natural" y me quede con ganas de más, una búsqueda rápida en Internet me llevo a un viaje, para descubrir quien era, por todas sus canciones y eventualmente a Soda Stereo, porque ya sabes nada es casualidad.

2.- Ahí Vamos/ Gustavo Cerati 

Nunca pensé llegar a querer tanto a un artista, pero así fue, y no saben cuántos sentimientos me revuelve adentro cada vez que lo escucho. Me hace volar, me hace bajar, me hace divertir y me hace llorar, pero lo más importante de todo y lo que más me llama la atención de toda está admiración que le tengo es que me hace sentir acompañado, logra que me meta tanto en sus letras y melodías que siento que su música es un abrazo continúo de él y su maravilloso arte, eso es lo que este disco provoca en mí, un viaje de emociones desde la felicidad en "La Excepción" y la tristeza palpable en "Crimen". Podría hablar horas y horas de todos los discos de ese genio,y algún día lo haré, pero por ahora vamos a lo que sigue.

3.- Gira Me veras Volver/ Soda Stereo

¡Soda Stereo, Carajo! 

No es el mejor disco de Soda, lo sé, pero es mi favorito porque con ese disco los conocí y porque tiene mis versiones favoritas de los clásicos. Hablar de la música de Soda Stereo esta de más, no podemos negar que revolucionaron lo que conocíamos de la Música y que sus canciones y sonidos quedarán por siempre entre nosotros. ¡GRACIAS TOTALES!

4.- El Arte de la Elegancia/ Los Fabulosos Cadillacs 

El amor no me deja pensar... 

Una vez enamorado del rock argentino, me inspire a adentrarme a más artistas de este país y por casualidad llegue a este disco, al día de hoy no hay canción de Los Fabulosos Cadillacs que no me emocioné, siento que tienen una para cada estado del animo y para muchas otras situaciones. Canciones que me ayudaron con mis primeras desilusiones amorosas y que aún lo hacen 

5.- Somos / Los Auténticos Decadentes 

La murga Argentina, la que nunca muere, la murga decadente...

Tuve una obsesión con la música argentina, claro ejemplo son los primeros seis discos de la lista,  explore a todos los artistas que pude, por supuesto que muchos me gustaron y aún aparecen de manera aleatoria en alguna de mis lista de reproducción. Pero Somos es de mis alunes en vivo favoritos por su dinámica y porque esa emoción que trasmiten durante ese concierto me inspiro a escribir, componer y querer estar en un escenario tocando. Cada día que me siento un bajón emocional muy fuerte o necesito inspiración para escribir, ese disco está como prioridad     

Nota: La primer banda que forme se llamaba “El Cadillac Decadente”

6.- In A Tidal Wave of Mystery/ Capital Cities 

I could show you love In a tidal-wave of mystery...

Cuando tenía 17 años, estaba enamorado de una chica que era muy fanática de un festival de Música llamado “Corona Capital”, en realidad le gustaban todos los conciertos y festivales, pero en especial este.

Yo con tal de tener más cosas en común con ella investigue todo sobre el festival,  lugar, bandas y cuando llegue a los precios todo se derrumbó,  Pero algo quedó el Line up se presento en un vídeo que tenia de fondo  “Safe & Sound”  una canción que se quedo grabada a en mi mente y en mi vida, algo bueno tuvo que salir de ese viejo amor.

7.-In Ghost Colours/ Cut Copy 

Everyone will be dismayed if your promise breaks

Después de la decepción con el festival, incursione en el indie me encontré con muchos grupos: Motorama, Camera Obscura,Outsider o Wallow,  Pero uno en especial capturo mi atención, Cut Copy,   Actualmente los escucho al hacer ejercicio y es la mejor decisión de mi vida. 

8.-Plastic Beach / Gorillaz

Well you can't get what you want 

No hay mucho que decir acerca de este álbum, dieciseiseno canciones con su sello y “On Melancholy Hill” que es un himno para mucho, incluyéndome. 

 9.- FM / Moenia 

Te dejo con el tiempo que nos falto y todo eso que no paso...

Me han roto el corazón tantas veces que ya perdí la cuenta, cada que pasa eso y para llorar poquito uso  “Mejor Ya No” y “Morir Tres Veces” que me ayudan a sanar mucho.

Nota: Me gustan más artistas mexicanos pero ninguno entro en la lista.

10.- 1999 (o como generar incendios en la nieve con una lupa encofando la Luna) / Love of Lessbian

Vertical y transversal, soy grito y soy cristal, justo el punto medio...

Es el primer disco conceptual que escuche en mi vida, habla de un relación desde el enamoramiento hasta la ruptura, a los largo de sus catorce canciones nos cuenta esta historia de casi diez años. Y con la cual me siento identificado cada que me rompen el corazón.

La música y cada canción que escuchamos nos ayuda a definir quien somos, a no sentirnos solo porque nos identificamos con una letra, a crear nuevas cosas con la inspiración que nos proporciona una nueva canción.

“Yo sigo buscando algo que no sé si alguna vez encontraré. ¿No? O sea, esa sensación de búsqueda es continua, y supongo que no me abandonará más, porque creo que ya es parte de mi personalidad. Entonces me gusta escuchar mucha música: nueva, vieja y  estoy atento a lo que pasa, porque sigo sintiendo que puedo aprender todo el tiempo”.

luna llena en piscis

2/9/20

“Alud plateado                                                                                                          En este cuarto                                                                                                      No hay gravedad                                                                                                    Empiezas a temblar                                                                                                Jugo de luna me diste            ��                                                                               Voy por mas”

Gustavo Cerati - Jugo de Luna (Ahí Vamos), 2005

Desde hace miles de años que los humanos somos conscientes de los efectos que La Luna tiene sobre nosotrxs. Desde hacernos crecer el pelo y las uñas, pasando por manejar nuestras emociones a su gusto, hasta mover olas como si su mano revolviese nuestros océanos. La Diosa nos observa desde ella, y noches como esta, su poder espiritual se siente en cada fibra de nuestro cuerpo. La naturaleza se agita en las noches de luna llena. Su magia y luz tan incandescentes como las del sol, se acentúan aún mas, y bajan a la tierra a llenarnos un poco de ese poder tan natural como todo lo que vemos a nuestro alrededor. 

Piscis, siendo el último signo del zodiaco, representa el final de un ciclo.

¡Y que ciclo!

Esta noche me siento demasiado tranquila, y al mismo tiempo demasiado sensible. Y no hablo de una sensibilidad emocional donde cualquier cosa me pueda hacer llegar ha las lagrimas. No, hablo de una sensibilidad mental. ¿Que quiere decir eso? Cada energía que pasaba a mi alrededor, la sentía el doble de lo normal. Me sentí super bien mientras meditaba en mi habitación, con todas esas energías buenas girando a mi alrededor, pero al mismo tiempo me sentí observada y hasta un poco abrumada mientras me hacía el baño de limpieza mensual de cada luna llena. Esta mas que claro que mi casa necesita una limpieza. Y no solo mi casa... yo también, y urgente. Hay un malestar dentro de mi, algo que me tiene estancada, que me frena a hacer las cosas que me gustan y ser productiva. Y esta luna llena me ayudo a darme realmente cuenta de esto. Y solo basto hacerse 3 preguntas:

1) ¿Cumpliste tus objetivos del ciclo pasado?

Algunos. Logré avanzar con mi grimorio, (poco, pero al menos estoy avanzando), estoy empezando a hacer un poco mas de ejercicios, y le pongo mas atención al cuidado de los animales que tengo a mi cargo. Pero aún no puedo dejar de fumar seguido, no cuido mi alimentación, y la relación con mis hermanos sigue siendo un tira y afloja, como lo es hace tantos años que no recuerdo la última vez que tuve con ellos una charla medianamente normal.

2) ¿Que es lo que te impidió cumplirlos?

Eso es lo que estoy averiguando. Supongo que todos los seres humanos, después de graduarnos del colegio, empezamos esta etapa de la vida donde dejas de ser responsabilidad de alguien, y empiezas a ser responsabilidad de vos mismo. Y para muchos es mu difícil. En mi caso, la depresión de mamá me hizo madurar un poco mas temprano, teniendo que hacernos el desayuno a mi y a mis hermanos, ir caminando sola al colegio y mantener el orden en la casa. Pero ahora es cuando tengo que empezar a ocuparme de mi. De mi salud física, mental y espiritual.

3) ¿Que crees que puedes hacer para cumplirlos?

Se que debería empezar a aplicar la ley de la atracción en mi vida. Despertarse todas las mañanas agradeciendo por lo que tenes (no importa que tan poco sea) siempre es una excelente gasolina para asegurarse un buen día. Tener una lista de deseos y actuar como si ya lo tuviese. Es mas difícil de lo que parece, y un camino que debe transitarse con paciencia y sobre todo, con meditación. Meditar es algo que debo empezar a hacer mas, si quiero poner mi vida de pie. Y dejar de fumar tanta marihuana por supuesto. La versión barata y de dudosa procedencia que fumo, no se compara con nada al sabor y frescura natural de un caro frasco de flores. Y consagrar el contenido no es suficiente si lo fumo en demasía como lo hago. 

La Luna tiene poderes increíbles, y la vida en la tierra no existiría sin ella, al igual que sin el astro padre. La Luna nos habla de lo oculto, lo misterioso, lo escondido. Aquello que no queremos ver, la mente y los sueños. Hay una energía densa que hay que combatir, y la magia es mi mejor aliado. Agradezco al universo por enviarme las señales correctas para poder avanzar y alcanzar ese bienestar que tanto busco sin saber muy bien que es realmente. El viaje de la vida es un viaje increíble, lleno de magia y sabiduría, y estoy dispuesta a recorrerla por el camino correcto.

Las noches de luna llena, no olvides llenar una botella o frasco con agua lo mas natural posible, y dejarla unas tres o cuatro horas a la luz de la luna. Tendrás agua poderosa para limpiar piedras, potenciar la intuición y la curación, regar plantas y bendecir ambientes...

-Eulah

Videos de Panteón Rococó por los desaparecidos

El compromiso social de la banda mexicana renace a través de su nuevo álbum, Ofrenda, con una decena de canciones de amor muy conocidas en América Latina llevadas a siete video-clips, crudamente teatralizados por el jalisciense Cristóbal González Camarena, en torno a problemáticas de represión y desapariciones. Tres integrantes del conjunto de ska y rock convidan a escuchar este trabajo por primera vez en vivo los días 10, 11 y 12 de diciembre en el Foro Sol, “tratando de reconstruir nuestras vidas y conciencias a lo largo de casi 27 años juntos”.

Bonilla, “Monelo” y Espinosa

Para que la desaparición forzada no se vea normal y sea desdeñada, el grupo de ska y rock Panteón Rococó acompaña su nuevo disco de 10 melodías, intitulado Ofrenda, con siete videos hilando la historia ficticia y dolorosa de Iván Ortiz, un albañil raptado a quien su esposa Juana busca.

El covid-19 impidió a Rodrigo

Bonilla Gorri (guitarrista), Paco Barajas (trombón), Felipe Bustamante (teclado), Darío Espinosa (bajista), Luis Román Ibarra Dr. Shenka (vocalista), Missael Oseguera (saxofón), Leonel Rosales Monelo (guitarrista) y Tanis (percusión), celebrar los 25 años de la banda los días 7, 8 y 9 de mayo de 2020 en el Foro Sol.Ya con boletaje agotado tuvieron que cancelar las fechas por la emergencia sanitaria. Bonilla, Espinosa y Rosales narran en entrevista se resguardaron y empezaron a reunirse vía Zoom a principios de este 2021. El primero comenta:

“Los ocho estuvimos muy desconectados y algunos se pusieron a crear música y otros nos dedicamos a un montón de cosas... De repente brotó la idea de ‘¡vamos a realizar algo!’, y surgió la convocatoria de Sony Music, la cual nos distribuye, proponiéndonos trabajar un disco con temas de Juan Gabriel, y sugerimos que fuera de más autores, para tropicalizarlos a Panteón Rococó.”

Se dejaron guiar por el equipo del productor Armando Ávila –creador de éxitos de música en español y generador de artistas–; amplía Bonilla: “Hubo nerviosismo, porque él es como el rey Midas del pop, pero… creo que ya estamos más allá del bien y el mal, nos dejamos conducir bien y Armando también nos demostró que posee un lado roquero muy importante.”

En cuanto a los videos, los tres señalan que le dieron toda la libertad a Cristóbal González Camarena, de Unlimited Films, para dirigirlos. Monelo detalla: “Nosotros estamos acostumbrados a realizar versiones de artistas que nos gustan desde hace mucho tiempo, y ya traíamos la idea de grabar un disco sólo con adaptaciones de otros artistas. Entonces nos dimos a la tarea de escoger entre alrededor de 100 canciones para que únicamente quedaran 10 en el álbum.

”Sin demora, Espinosa detalla que es un homenaje a compositores ya fallecidos de música iberoamericana “que nos marcaron”. Las canciones de Ofrenda, décimo álbum de los ocho músicos, se encuentran disponibles en plataformas digitales desde noviembre y son: “Vivir así es morir de amor”, del español Camilo Sesto (1946-2019); “Veinticinco rosas”, del popular Joan Sebastian (1951-2015); “Te vas a acordar de mi”, del “muñeco” Lalo (19592016) de los Tex-Tex, además de las melodías “Hasta que te conocí” y “Caray”, del Ídolo de Juárez Juan Gabriel (1950-2016). También: “¿Por qué no puedo ser del jet set?”, del porteño Gustavo Cerati (1959-2014), de Soda Stereo; “El lado oscuro”, del hispano Pau Donés (1966-2020), de Jarabe de Palo; los boleros “Por ti”, de Óscar Chávez (19352020), y “Cuando estoy contigo”, de Armando Manzanero (1935-2020), y “Cómo quisiera decirte”, del chileno Mario Gutiérrez, de Los Ángeles Negros, fallecido a los 71 años en enero pasado.

“Hasta que te conocí” cuenta con la colaboración del rapero guanajuatense Santa Fe Klan, y en “Caray”, del grupo colombiano Monsieur Periné. Animado, Rosales continúa:

“No hay que olvidar que son éxitos, por lo que Armando Ávila leyó bien a Panteón y lo mismo sucedió con los videos. Cuando nos presentaron a González Camarena, de Guadalajara, nos hizo la propuesta de llevar todas las canciones, que nacieron en un contexto más de amor, a un conflicto social como son los desaparecidos. Al principio dijimos: ‘¿Cómo?, ¡si no tienen nada que ver!’, pero al leer el guion resulta que les dio otro sentido a las rolas.”

Filmación conmovedora

El conjunto Panteón Rococó –adaptaron el nombre de la obra teatral El cocodrilo solitario del panteón rococó, escrita por Hugo Argüelles en 1981– se trasladó a la capital tapatía para la filmación.

Lo que vivieron allá fue “muy emotivo”, pues estuvieron rodeados de familiares de desaparecidos, que salen en los videos. Rosales se enteró así de que Jalisco es el estado con mayor número de gente desaparecida en la República Mexicana.

Es la primera vez que uno de los discos de la banda posee siete videos, enfatiza Gorri (“normalmente era uno, y en los mejores momentos de las disqueras fueron tres”).

En esas breves cintas, Juana, la esposa de Iván, recuerda las canciones que escucharon juntos.

El pasado 15 de octubre se estrenó en YouTube, primero, el video del capítulo 2 titulado Semillas, con la melodía “Vivir así es morir de amor”. Se ve a Juana acampar como protesta frente a un edificio y poner un cartel con la foto de su esposo desaparecido. Una periodista la ve en las redes y la busca para entrevista. Su nota la titula: “Iván Ortiz fue privado de su libertad cuando iba camino a su casa después de una jornada laboral”. (https://www.youtube.com/watch?v=+U8YTMdLztZ)

Para el 21 de octubre subieron a YouTube el capítulo uno Detonante, con la pieza “Te vas a acordar de mí”. Aparece a cuadro el personaje Iván recargado en un poste. Llega una camioneta negra de donde salen dos tipos, lo secuestran, lo llevan a una casa, lo golpean, lo sacan ya maltrecho y lo vuelven a subir a la camioneta, la cual se pierde por un sendero (https://youtu.be/tdBKJ2o0h2k).

Rosales revela:

“Fue muy duro y muy fuerte. Una persona que estaba con nosotros para el rodaje del video nos contaba que el día anterior había recibido una parte del cuerpo de su desaparecido, ¡que se lo estaban entregando por partes!, eso te destroza, a pesar de que no lo vivas tú directamente… Todos los capítulos forman un corto muy interesante. Sacamos primero el capítulo dos, luego el uno, siguió el tres, un poco extraño ese movimiento; pero ya estamos en vías de dar a conocer los demás”.

Frente: “Monelo”, Espinosa, Bustamante, “Dr. Shenka” y Bonilla. Atrás: Oseguera, Tanis y Barajas

El capítulo 3, Efecto dominó, con la melodía “Veinticinco rosas”, se lanzó el 27 de octubre. Llega una artista plástica en donde acampa Juana y pinta un mural. En el lugar ya hay más familiares de desaparecidos protestando (https://youtu.be/ FVcKutKPYGw).

La otra cara de la moneda, con la canción “El lado oscuro”, es el capítulo 4, y se presentó el 19 de noviembre; vemos a un policía que sale de su casa, pero una vez en la calle y con su compañero de patrulla, intercepta a unos jóvenes y les quita el poco dinero que traen. Luego regresa a su casa con regalos para su familia. En la televisión aparece Juana buscando a sumarido (https://youtu.be/Cgiu8yNWn8Q).

Los otros tres capítulos aún no se publican. En la segunda semana de diciembre saldrá el video de “Por ti”.

El director de los videos González Camarena (Jalisco, 1989) estudió Ciencias de la Comunicación en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), en Guadalajara. Ha recibido premios como mejor director, mejor video, mejor guion y mejor concepto creativo por diferentes proyectos en el certamen Pantalla de Cristal.

Compromiso social

Panteón Rococó –que cuenta con más de 400 conciertos en Europa durante este siglo– adquirió un compromiso social desde el inicio. Surgió en Iztapalapa en 1995, bajo el grito de “paz, baile y resistencia”, por lo que siempre ha apoyado a los indígenas; ofreció tocadas en apoyo al movimiento del Ejército Zapatista de Liberación Nacional, siendo una banda que se preocupa por los problemas ambientales y está a favor del feminismo.

A decir de Bonilla, Espinosa y Rosales, la desaparición forzada no debe quedar en el olvido. El último evoca:

“Nosotros ya habíamos abordado el tópico desde nuestros comienzos. Es complicado enterarse que 15 o 20 años después sigue el asunto. No hay que quitar el dedo del renglón. Se debe evidenciar. Y Panteón Rococó puede ser un vínculo con ese tipo de información y crear conciencia de que debe cambiar la situación. Todos debemos formar una red de apoyo.”

Bonilla enfatiza que la desaparición forzada es una problemática heredada desde hace décadas, pero ahora “nos está rebasando a todos, no nada más al gobierno, sino como sociedad”, por lo tanto e proyecto significa “algo crucial para Panteón, para que eso se detenga”. Sigue: “El primer encuentro que tuvimos con familiares de desaparecidos fue con los padres de los 43 estudiantes de Ayotzinapa; por cierto, nuestro concierto en Chilpancingo fue boicoteado por la policía federal y nos mandaron a Tixtla, allá por diciembre del 2014.

”En México hay 94 mil 426 personas desaparecidas y no localizadas desde 1964, de acuerdo con el Registro Nacional de Personas Desaparecidas.

Panteón Rococó interpretará las melodías de Ofrenda por primera vez en vivo los días 10, 11 y 12 de diciembre en Foro Sol. Celebrarán ahí sus casi 27 años.

Cierra Rosales: “Es una ofrenda por la gente que fa lleció por el coronavirus y por los que seguimos vivos y tratamos de reconstruir nuestras vidas y conciencias.”

COLUMBA VERTIZ DE LA FUENTE

Paniagua. El espíritu de los sueños

El canto florido y el arpa dorada de Alejandra Paniagua

Lugar de refugio, la música es el espacio creativo donde la arpista y cantautora Alejandra Paniagua puede analizar sus emociones y transformar las vivencias propias en una suerte de terapia para desahogarse y compartir con el público.

Nació el 20 de septiembre de 1993 en la colonia Ferrer Guardia, de Xalapa, Veracruz, “a una cuadra de la Facultad de Humanidades de la Universidad Veracruzana”.

Ella unió su arpa dorada en intimidad con su suave canto, dando a conocer un disco EP hace cinco años, y recién ha terminado las grabaciones de un primer álbum de 10 temas, denominado Flores, los mismos que ofrecerá en recital este viernes 3 de diciembre en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”, a las 20:30 horas. (ver su pieza “El aguante” https://youtu.be/Z7QrkuJX884)

Te escondiste en tu inocencia ( pueblerina…

El aguante no es más que temor al ( propio vuelo…

Entre 2018 y 2019 fue becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca).

“Me tranquiliza mucho cantar –dice telefónicamente desde la capital veracruzana–, me complace bastante generar esa sensación de suavidad para quienes me escuchan. Y es algo muy urgente brindar algo de calma en estos momentos cuando todo es tan acelerado, tan fuerte y eufórico, es una necesidad para mi voz el reflejar instantes de sosiego.

“Flores lo dedico a las abuelas. Siete composiciones son mías y dos más son arreglos basados en otras piezas que me gustan mucho, una es la zamba argentina ‘Alfonsina y el mar’, sobre la poeta Alfonsina Storni, y la otra ‘Yo vengo a ofrecer mi corazón’, de Fito Páez. La canción que da título a Flores es homenaje a mis abuelas y la pensé casi como una pintura. Tenía imágenes de sitios donde había estado de visita, y de ellas… hablo de mis dos abuelas incluso con un juego de palabras mencionando sus nombres, y de paisajes donde las visualizo, porque Flores viene de un lugar en Guatemala que es una isla paradisiaca en medio de un lago hermoso, Isla de Flores”.

En 2017 viajó a esos parajes de sus ancestros guatemaltecos y se enamoró de aquella reserva natural, en maya Noj Petén (también escrito Noh Petén), que significa “isla principal”. Dice Alejandra Paniagua que sus abuelas llevan por nombres Margarita [García] y Olga Marina [Paredes], lo cual motivó a que jugara con las palabras a flor de piel. Otra de sus melodías más sentidas es “Querido pájaro negro” (ver https://youtu. be/37jPZ0ni8Lk):

Dile que ya no le lloro, ay, dile que ya no le canto…

Cristalizar sueños

Cantar es un don que Alejandra cuida. ¿Cómo? Explica:

“La clave número uno es dormir. Los desvelos son muy malos para la voz, hay que tomar mucha agua (si es de limón mejor), vocalizar durante pequeños ratos en el día, no exponerse a climas extremos, cuidar de no gritar en reuniones. El cigarro es malísimo, el alcohol en exceso también. Como deporte me gusta correr y últimamente jugar basquetbol, de repente, ir así, a “las retas” en las canchas. Y me gustan los tés, muchísimo, son muy buenos para la garganta y mi cuerpo, justo en estos días siento como que me estoy resfriando y tengo ahí un rico frasquito de miel con cúrcuma y un combinado de hierbas que me ayuda.”

–¿Había soñado en estar algún día entonando sus canciones y tocando el arpa en el escenario del Teatro de la Ciudad?

–Sí, pero fíjate, quizá no era el Teatro de la Ciudad de México, aunque sí en algún teatro muy grande…

“Lo tengo muy claro, pues hice un dibujo de niña que está por ahí, perdido, a los 10 años cuando comencé a tocar arpa. Yo dibujo mucho por mi papá [el artista plástico Emmanuel Paniagua]. Una vez me retraté a mí misma tocando un arpa dorada en un teatro, no sabía qué teatro era, simplemente lo dibujé a lápiz, era un dibujo muy ingenuo. Tenía muy claro que era un arpa dorada y que era un teatro muy grande con un telón rojo. Casualmente hace un par de años ya mi arpa es dorada: ¡la pinté! Fue una cosa muy inconsciente, que ahora que lo he estado pensando ¡guau!, este concierto yo ya lo había estado proyectando siendo niña, como que estoy cumpliendo aquel fuerte sueño infantil, más allá de lo banal o cursi o cliché que pueda ser eso de que hay que perseguir tus sueños y de nunca claudicar, para seguir, perseverar y dar todo. Creo que existe algo de real ahí, uno de niño puede plasmar una ensoñación, y en mi caso me siento muy afortunada porque mi contexto familiar me permitió ser artista, mi mamá me ha apoyado bastante.”

Su historia musical viene de herencia paterna. El abuelo fue músico e hijo de Raúl Paniagua, su bisabuelo, pianista virtuoso y niño prodigio de Guatemala, quien a los cinco años ya daba conciertos acompañando al Ballet de San Francisco, California, compositor de Sinfonía de los mayas que estrenó en Nueva York. Su familia llegó a México exiliada de Guatemala en los ochenta, huyendo de la represión. Se establecieron en Veracruz

.–¿Cómo llama usted a su arpa dorada?

–Pues yo le digo La chula –ríe–, es como su apodo.

Alejandra irá acompañada en el concier to del Teatro de la Ciudad por Geo Equihua, Benjamín Walker, y Paz Court, ésta “una cantautora chilena y mi querida amiga que conocí en la Ciudad de México en 2019”. Su música, dice, “me recuerda al son jarocho, pero igual experimenta lo acústico y lo electrónico, es una Violeta Parra moderna”. Entonces subraya:

“Yo adoro la música latinoamericana, sobre todo de Chile y Argentina. Como Mon Laferte, me identifico con ambas porque, pese a la situación política tan dura de represión que están sufriendo en Chile, las mujeres vuelcan lo mejor de sí mismas para ser cordiales y bondadosas.

”Ir de gira por Sudamérica es uno de sus sueños.

–¿Cuál es su sentir sobre el momento político que vive su generación?

–Mi feminismo ha pasado por varias etapas. Yo comprendo muy bien la rabia, el enojo, el coraje, porque a mis 28 años lo he vivido como mujer y sí que he sentido mucho miedo de repente, ¿no? Como que en cualquier momento me puede suceder algo malo o a mis amigas, a gente que quiero.

“Sin embargo, creo que toda esta violencia proviene por haberse englobado la situación, pues no sólo es: ¡mujeres contra hombres! No, ni viceversa. Tengo la sensación de que a partir del enojo, de la rabia, del caos provocado, las cosas ya se van reacomodando. No olvidemos que el feminismo lo que busca es liberarnos a todos, y una de las formas es no excluir a los hombres. La solución no es haciendo un mundo nada más de mujeres. Hay que cambiar la forma de relacionarnos entre todos, y eso no se logrará excluyendo a los hombres ni expandiendo este odio. Llegó una marea de odio muy fuerte, mediática, y de ciertos grupos feministas radicales, un odio que personalmente no comparto.

”Por ende, el canto de Alejandra Paniagua es por el triunfo del amor y por el renacer de las flores en la Tierra, con el canto y el tañido de su arpa.

ROBERTO PONCE

UN SIGLO RESISTIENDO, CONECTANDO GENTE

Yo no tuve "fiesta de quince" porque no quise. A esa edad me pasó algo mucho mejor que ponerme un vestido blanco para ser el centro de atención: fue a los quince años que, por primera vez, experimenté lo que es hacer radiodifusión.

De 1991 al 93 participé, los sábados de 19 a 21, en el programa radial "Tirá para arriba". La banda sonora era el tema de Miguel Mateos. ¿Yo? Entré como la mayoría llega a la radio: como oyente. Llamé, pedí un tema de una banda española, y me dijeron al aire que no. "Sólo pasamos música nacional". Aguanté. Y al ratito pusieron "Conociéndote", el tema de César Banana Pueyrredón, en la versión acompañada por el rapero Jazzy Mel.

Sonriente, volví a llamar y les solté: "Jazzy Mel es de Uruguay". El conductor, que me doblaba en edad, no lo pudo evitar. Mi llamado lo divirtió, y me invitó a participar.

Luego, me dediqué a estudiar. Comencé a trabajar en una revista, en ONG's, en la universidad. Pero la radio me esperó. Volví al aire como colaboradora ocasional de un programa de Radio Mitre, con Beto Casella. Yo era "Luisa Lane", y le enviaba contenido por e-mail. Era el año 2004.

Al año siguiente, Radio del Pueblo me recibió, de la mano de Lucho Vagó, en su programa "Allegro y Parlante". Allí hice notas sociales, vinculando las letras de moda con lo que pasaba en las calles.

En 2005, y hasta 2006, el programa pasó a llamarse "¿Hay alguien ahí?", y conté con mi propia cortina de segmento. Tuve el gustazo de que la voz de Gustavo Cerati, con sus "Cosas imposibles", avisara que yo llegaba. A hablar de cine, política internacional y carnaval.

Mi primer programa personal fue en S.O.S. Se llamó Vitrales XXI y fue un magazine de interés general en el que, por primera vez, me probé que me banco dos horas hablando sola si, como pasó más de una vez, los columnistas fallan y te avisan tarde. La experiencia, aunque corta, me fogueó y me encantó. Así terminé el 2006.

Después, una experiencia religiosa era la que tenía que atravesar. Participé en Radio María, durante un año, el 2008, como co-conductora del programa "Cultura de la Vida". Espero que Dios me lo pueda perdonar.

Llegó el 2009. Me mudé como directora, productora y conductora a FM Parroquial. El programa, que era genial, se llamó "Argentinos, ¡a escena!". Pero hay cosas que molestan, que mejor es no decir. Como cierre perfecto, el programa terminó a los gritos fuera de piso, en pleno Halloween.

La experiencia más rara la viví en 2010. Un año produciendo un programa de Rock en Frecuencia Zero, llamado "Traficantes". El eslogan era "El nexo entre el Rock y vos". Me divirtió, pero no tanto. Por eso no continuó.

En 2016 me llegó una invitación a la que no podía decirle "no". En verdad, perderme todos los fines de semana largos por tener que hacer un programa los sábados, ¡y para colmo a la mañana!, no me tentaba. Pero había un compromiso laboral que me impedía escapar. Sin embargo, "Frecuencia Recoleta" (así se llamaba), me permitió conocer a Daniel Costoya y comprobar que, si a los jóvenes les das la oportunidad, pueden trabajar muy bien, con disciplina, vocación y diversión. Ver, cada sábado a las 9 y media de la mañana, llegar a adolescentes de entre 15 y 17 años, de excelente humor, dispuestos a producir, musicalizar y a hablar con propiedad ante el micrófono y las cámaras de la radio digital, ¡sin cobrar un peso!, era la señal que necesitaba. No todo está perdido. Con jóvenes así dan ganas de seguir.

Durante un año y medio compartimos buenos momentos, café y bizcochitos.

Hoy, la Radio cumple 100 años. Un siglo de Radiodifusión, el invento argentino que el mundo disfruta todos los días.

En este día tan especial, en este año tan memorable, vale la pena recordar algo más...

"Se avecina una tormenta en el horizonte. Una época de penurias y dolor. Se ha ganado esta batalla, pero la guerra contra las máquinas se recrudece. La red global de Skynet resiste, pero no desistiremos hasta que quede destruída completamente.

Soy John Connor, y no hay más destino que el que nos forjamos.

Soy John Connor. Si estás escuchando esto, sos la resistencia. Escucha atentamente".

Entre tanta lista de muertos sin nombre, enfermedades raras, médicos confundidos, gente asustada y políticos ineptos, recordemos que tenemos la radio: un refugio que cumple un siglo, y que sigue fuerte, acompañando a los que están solos, estudiando, trabajando, pensando.

La Radio nos invita a escuchar, soñar y pensar y, eso, es lo más revolucionario que puede pasar.

Flavia Vecellio Reane.

Agosto 27, 2020.

#DíaDeLaRadiodifusión

#UnSigloDeRadio

#Radio #Resistencia #Comunicación #Comunidad #JohnConnor

@FlaVecellio

GUSTAVO CERATI | Gira 11 Episodios Sinfónicos

Auditorio Nacional, ciudad de México

México, 9 de Febrero de 2002

Las fotos del concierto, prueba de sonido y conferencia de prensa + la crónica de una noche inolvidable

Gustavo Cerati: Un pequeño príncipe porteño

- Poco a poco, los músicos ocupan sus sitios en el escenario y se suman a la orquesta. El público parece ignorarlos; algunos incluso se muestran asombrados ante la ausencia de los instrumentos típicos de un concierto de rock: las guitarras, el bajo y la batería. En su lugar, las cuerdas, los alientos, los metales y un conjunto variopinto de percusiones le dan al Auditorio un aspecto de solemne elegancia.

- Nadie repara en el primer violín de la Camerata de las Américas –sus colegas más cercanos, como es habitual, le dan la mano; el resto, inclina sus instrumentos a manera de saludo– y sólo hasta que el director aparece, encarnado en un saltamontes vestido de frac sin pajarita, la audiencia ruge. Entonces hace entrada la estrella de la noche: Gustavo Cerati, disfrazado de conde transilvano-porteño y sin su habitual guitarra colgada del hombro; es a él a quien el aplauso corresponde.

El director –más adelante sabremos que se trata de Alejandro Terán, también arreglista de los temas que serán interpretados– agita la batuta y el sonido prístino de los timbales y los platillos, seguidos de un arpa y las cuerdas en pleno, acalla aplausos y alaridos; se nota de inmediato que en el Coso se estrena un muy buen equipo de sonido. El juego de luces es sencillo: una pantalla blanca detrás de la orquesta que cambia de color según el ánimo camaleónico de las melodías, sobre la que se proyecta la sombra unitaria de los músicos, cual bestia sinfónica y etérea, a ratos pintada de un color que contrasta con aquél del fondo.

A la breve obertura sigue la voz de Cerati y la primera estrofa de “Canción animal”, pronto convertida en un escalofrío colectivo: son millares de recuerdos, apilados desde inicios de los ochenta, los que afloran en una de las signaturas vocales más famosas del rock en nuestro idioma. Inmutable y gélido, el príncipe de rulos dorados canta enfundado en su casaca negra de forro rojo, solitario en su pequeño planeta sin Soda Stereo; apenas se distingue su cara, oculta por claroscuros y magnificada en el par de pantallas que cuelgan frente a las pipas del órgano monumental.

Una breve pausa sirve para que Cerati, aún distante en su nube albiceleste, salude a México, provoque un alarido en masa y de pie a la seductora “Bocanada”. Los arreglos sinfónicos de Terán son notables y, a falta del latido del bombo y el redoble de la tarola, los timbales retumban a la menor provocación, acompañados de un enigmático theremin y un coqueto xilófono, este último a manos de Alfredo Bringas, miembro del ensamble mexicano Tambuco.

“Corazón delator” y “El rito” –una de las primeras canciones del extinto Soda Stereo y su ya clásico álbum Nada personal– sirven de viaje a través del túnel del tiempo; los casi diez mil asistentes al concierto las cantan a coro y sin tacha. “Fue”, interpretada entre ambos éxitos, es la primera sorpresa de la noche: un grato estreno que no se incluye en la grabación de los 11 episodios sinfónicos. Un instrumental, “A merced”, sirve de descanso al príncipe del amplio abrigo, quien desaparece brevemente del trono y camina hacia el backstage como a través de su personalísima niebla centroeuropea, mientras Terán muta en canguro y lleva a la orquesta a un breve y solitario éxtasis.

Cerati reaparece para cantar “Raíz”, dedicada con melancólico afecto a su Argentina en crisis: “¿Qué otra cosa es un árbol más que libertad?... A nuestro amor, nunca podrán sacarlo de raíz.” Su cabellera se enciende como el pabilo de una vela y la estrella cede a su calidez. A ratos, su mano izquierda parece extrañar a su guitarra y cuelga casi independiente de su brazo, como un pequeño títere de cinco extremidades; la derecha, siempre ocupada –acaso distraída– por el micrófono.

Los primeros acordes de “Sweet sahumerio” son de una psicodelia indiscutiblemente Beatle, acaso un homenaje tras bambalinas al póstumo George Harrison y a las epifanías sinfónicas de Ravi Shankar. Luego viene “Lisa”, segundo estreno de la velada –lleva el nombre de la hija de Cerati, fruto del matrimonio con su ex esposa Cecilia– y que, en algún momento, le arranca un reflexivo “Ah, caray” a nuestro héroe, quien recorre el escenario de un lado a otro y de regreso, como una pantera negra tras los barrotes de su recuerdo.

- Cerati se deschonga con sus siguientes entregas: “Verbo carne” y “Persiana americana”, antiguo éxito de los Soda, ahora revestida de una cachondería sublime. La rola, a modo de cuarteto de cuerdas y eco schubertiano, invita a un striptis y se escucha el eco de quien, al inicio del concierto, le gritara al príncipe porteño que se quitara el abrigo, con ánimo de ¡Mucha ropa! “Un millón de años luz�� sirve de emocional cierre, luego de un cómico tropiezo con la aparatosa casaca: Cerati abandona el micrófono, empuña la batuta que Terán le ofrece y da un épico salto final. El aplauso es masivo. La orquesta permanece en su sitio, atiende a que el director y el cantante regresen al escenario para satisfacer a la audiencia con “Signos” y un tercer estreno: la eufórica “Hombre al agua”, cuyo arreglo es lo más cercano al rock que interpretarán esta noche. Como en todo buen y ortodoxo concierto sinfónico, el último encore hace honor a su nombre: “El rito”, favorita de músicos y director, es interpretado de nueva y climática vuelta. El aplauso sólo cede hasta que las luces se encienden, el escenario se vacía y la audiencia deja de ser una.

Canciones:

Canción Animal / Bocanada / Corazón delator / Fue / El rito / A merced / Raíz / Sweet sahumerio / Lisa / Verbo carne / Persiana americana / Un millón de años luz / Signos / Hombre al agua.

Fotografías concierto y ensayo: Fernando Aceves

Texto: David Miklos

LAS 10 DE LOS 80

Si nos remontamos a los años ochenta en la Argentina, nos resultará imprescindible mencionar algunos hitos que marcaron dicha década: el fin de la dictadura, el renacimiento de la democracia, la guerra de Malvinas, el juicio de las Juntas, la hiperinflación y el Mundial 86 son algunos de los hechos más destacables de aquella época. Esos años de cambios políticos desembocaron también en una revolución creativa que impacto en áreas como las artes visuales, la moda, el teatro, el cine, el mundo del espectáculo, las publicidades, el periodismo gráfico y audiovisual y los medios de comunicación en general. La sociedad finalmente lograba satisfacer sus necesidades expresivas luego de tantos años de censura, acostumbrada a una época donde prácticamente todo estaba prohibido y la libertad, entendida en todas sus formas, muy limitada. Pero probablemente el ámbito donde más se haya traducido lo mencionado anteriormente sea en el musical: los ochenta significaron una década determinante para el rock nacional, plagada de cambios de estilo y estéticas, letras más osadas y la aparición de nuevas bandas que marcarían para siempre la historia musical del país, influenciando a grupos que se destacarían durante los años posteriores y logrando que el género se convirtiera en un fenómeno popular y uno de los rasgos más característicos de la sociedad. Dicho esto, para cualquier amante de la música significaría muy difícil armar un ranking de canciones surgidas en esos diez años. Hay demasiado material. Sin embargo, me pongo el traje de seleccionador y a continuación menciono diez canciones de los años ochenta. Las 10 de los 80. No necesariamente las considero las mejores canciones de la época, pero sí que por algún motivo tenían que estar, y los mismos son expresados brevemente. 1- LOS DINOSAUROS, Charly Garcia (1983): El puesto número uno no podía ser para otro que para el numero uno, el máximo exponente de aquellos años. Charly deja Seru Giran en el 82 para emprender una exitosa carrera de solista, lanzando en los años posteriores tres de los mejores discos de la historia: Yendo de la cama al living, Clics Modernos y Piano Bar. Los Dinosaurios es la mejor y más explícita canción relacionada con la, en aquel momento, reciente dictadura militar. Aunque el mismo Charly haya manifestado que no pensó en los militares al componerla, esto parece poco creíble al escuchar la letra de la canción, que se ha transformado en una especie de himno para todos aquellos que perdieron seres queridos durante aquellos años oscuros. 2- JIJIJI, Los Redondos (1986): Si Oktubre no es el mejor disco de la historia del rock nacional, pega en el palo (y probablemente entre). La máxima obra de los Redondos, la cual les otorgo el salto a la fama, también contiene su canción más simbólica. Jijiji, la responsable del pogo más grande mundo, es una eminencia de nuestro rock. La melodía introductoria de Skay, con esos rasgos pegadizos que al mismo tiempo generan algo de suspenso y ansiedad, es la calma que antecede al huracán. Muchas teorías y mitos se han generado a partir de la duda que plantea el verdadero significado de la canción, pero el mismo Indio Solari se ha encargado de aclarar que la misma habla de los efectos de la cocaína. 3- PERSIANA AMERICANA, Soda Stereo (1986): Un grupo de tres jóvenes influenciados por bandas como The Police o The Cure, que cuatro años atrás habían dado comienzo a ese proyecto llamado Soda Stereo realizaban en Signos, su tercer álbum, lo que sería su máximo hit durante esta época. Persiana Americana causo un furor inesperado desde el primer momento que sonó, no solo en Argentina sino en toda Latinoamérica, donde la banda ya se había hecho conocida a partir de Nada Personal. Cuenta con la curiosidad de que fue escrita por un joven para un concurso de un programa radial de la época. A Cerati, aparentemente, le gustó mucho. 4- INCONSCIENTE COLECTIVO, Charly Garcia (1982): La canción forma parte del primer álbum de Charly Garcia, Yendo de la cama al Living, pero ya había salido a la luz un año antes, cuando Seru Giran aun existía. Indudablemente, una de las canciones más emotivas de su repertorio. La alusión a la dictadura militar aun presente en aquel momento y a los nuevos aires que asomaban le dan un contenido sentimental importante, siendo hoy en día una especie de himno de la libertad y estando presente en muchos eventos benéficos. Inconsciente Colectivo tuvo su punto más alto al ser interpretado por Mercedes Sosa en el mítico recital del 26 de diciembre del 82 en Ferro, en el que Garcia presentaba su álbum. Este recital, además, contó con la asistencia de 25.000 personas, lo cual significo un récord en aquel entonces, siendo además la primera vez que un artista realizaba un show en un estadio de futbol 5- LA RUBIA TARADA, SUMO (1985): En el año 1980 aterrizaba en Argentina Luca Prodan, un italiano con estudios académicos realizados en Inglaterra que se refugiaría en Córdoba para escaparle a su adicción a la heroína. Tiempo después, se instalaría en Hurlingham y fundaría definitivamente la banda SUMO, cuya alineación es no menos que un Dream Team: Prodan, Mollo, Arnedo, Pettinato, Superman Troglio, Sokol y Daffunchio, aunque no todos al mismo tiempo, fueron los encargados de hacer sonar a una de las bandas más revolucionarias de la historia de nuestro rock. La mayoría de estos personajes, una vez disuelto el grupo por la muerte de su cantante en 1987 debido a su adicción a la ginebra, formarían dos bandas hasta el dia de hoy continúan siendo protagonistas del rock nacional: Divididos y Las Pelotas. Supieron ser los reyes del movimiento underground y los primeros en cantar canciones en inglés, incluso durante la Guerra de Malvinas (lo cual les trajo problemas) y recién sacaron el primero de sus tres discos en 1985. El nombre del mismo es Divididos por la felicidad y contiene su primer hit: La Rubia Tarada. En este, Luca describe una noche en la discoteca New York City (uno de los boliches porteños más exclusivos de aquella época), el cual estaba plagado de mujeres de clase alta a, quienes describe como conchetas, huecas y superficiales, y pseudo-punkitos queriendo aparentar algo que no eran. Cansado de este ambiente, Prodan dice basta y se va rumbo a la puerta y después a un boliche a la esquina, a tomar una ginebra con gente despierta. Según el, esa sí que es Argentina. 6- NOS SIGUEN PEGANDO ABAJO, Charly Garcia (1983): Clics Modernos fue grabado en Nueva York y traía consigo un sonido innovador. El new wave no fue ajeno a Charly Garcia, que comenzaba a reinventarse y por primera vez realizaba canciones con ritmos bailables. Nos siguen pegando abajo fue una de esas y, como para no perder la costumbre del cantante, hace referencia a la represión de fuerzas policiales de la dictadura militar que finalizaría casi paralelamente con la salida del álbum. 7. MIL HORAS, Los Abuelos de la Nada (1983): En el año 81, Miguel Abuelo reinventó a Los Abuelos de la Nada, banda que había sido creada a fines de los 60, convirtiéndose en una de los primeros grupos de rock de nuestro país. Para esta nueva etapa, convoco a algunos jóvenes artistas que estaban dando sus primeros pasos, como Cachorro Lopez, Gustavo Bazterrica y nada más y nada menos que Andrés Calamaro. La banda  no tardo en alcanzar el éxito, que duraría unos cinco años, con canciones como Lunes por la Madrugada, Costumbres Argentinas, Himno  de mi corazón o Sin Gamulán. Pero sin dudas su tema más popular, tanto a nivel nacional como latinoamericano fue Mil Horas, compuesta y cantada por el joven Calamaro. La canción alcanzó un éxito masivo instantáneamente, convirtiéndose en una de las canciones más destacadas de la década y que continua vigente en estos días, siendo versionada por infinidad de artistas. Existen varias hipótesis acerca de su significado: la Guerra de Malvinas, un desamor del cantante y una apología a las drogas son las teorías más relevantes. 8. UNA LUNA DE MIEL EN LA MANO, Virus (1985): Si hablamos del movimiento new wave de los primeros años de los 80, no podemos ignorar a Virus. La banda de los hermanos Moura fue una de las grandes protagonistas de esta renovación musical y tuvo un acentuado impacto en el rock. En una época en la cual las letras de las canciones solían tener un contenido serio y un sonido clásico, Virus rompió paradigmas haciendo canciones  divertidas y comerciales, que sonaban en las discotecas y los bares. Su música bailable, alegre y de contenido sexual, al igual que la estética de los integrantes y su forma de moverse en el escenario generaron gran revuelo, ganando adeptos pero también críticos. Una luna de miel en tus manos fue su mayor éxitos de aquellos años. La referencia a la masturbación es tan obvia como sutil y su ritmo, conducido por el sonido del teclado, extremadamente pegadizo. 9. TIRA PARA ARRIBA, Miguel Mateos/ZAS (1984): Otro de los referentes del new wave. Miguel Mateos compuso uno grandes clásicos de los 80. Tira para arriba es un símbolo de esos años y de las canciones bailables que sonaban por aquellos tiempos. Su arranque calmo con la seductora voz de Mateos, su atractivo ritmo y su pegadizo estribillo, sumados a su letra que es cuasi una oda a la alegría, son los pilares de este éxito que no entiende de décadas. 10. REZO POR VOS, Charly Garcia & Luis Alberto Spinetta (1985): ¿Cómo no iba a estar presente una canción compuesta por los dos personajes mas importantes del rock nacional? Garcia y Spinetta comenzaron un proyecto conjunto en 1985 que luego quedaría trunco. Sin embargo, de esa fusión surgió Rezo por vos, una de las canciones más conocidas del rock argentino, que sería incluida por Spinetta en su álbum del año siguiente, Prive y por Charly en Parte de la Religion, en 1987. Cuenta con una particular historia que indica que cuando estos dos personajes se presentaron en televisión para dar a conocer su primera canción conjunta, en el momento en el que entonaban la estrofa que dice ‘’Y queme las cortinas y me encendí de amor’’, Charly recibió un llamado para ser informado de que su departamento se estaba incendiando

29 Aniversario "Canción Animal". La historia de “Canción animal” el disco de Soda Stereo que nació de un romance Puede que muchos no hayan escuchado todo el disco “Canción animal” aunque difícilmente haya alguien que no haya escuchado “De música ligera”, el tema que se transformó en el himno de estadios de Soda Stereo y abría el lado B de ese quinto disco, el más popular y exitoso de la banda. Pero “Canción animal” es mucho más que este megahit. Lanzado el 7 de agosto de 1990, “Canción animal” incluye diez temas grabados en los estudios Criteria, de Miami, los mismos que también utilizaron Bob Marley, Abba, AC/DC y los Bee Gees, entre otros. Inicialmente iba a llamarse “Tensión e integridad”, pero después de dos meses de ensayos, composición y grabación decidieron descartarlo y titularlo con el nombre del tema que habla del turbulento romance de Gustavo Cerati con Paola Antonucci, una chica de 19 años. Eso es lo que retrata la tapa del álbum que, a partir de un boceto inicial de Alfredo Lois, rediseñaron el propio Gustavo y Paola. La foto de una pareja de leones apareándose los representa a ellos. La veleta, ubicada arriba a la izquierda, la juventud del baterista Charly Alberti. El tensegrid, arriba a la derecha, el equilibrio del bajista Zeta Bossio. Esta portada no estuvo exenta de polémicas ya que en algunos países de Latinoamérica fue censurada y las ediciones de “Canción animal” en esos lugares muestran una foto del grupo en naranja y azul. Además, “Canción animal” encierra una paradoja: Soda Stereo siempre fue la vanguardia. Sin embargo, hay una coincidencia unánime en que su obra maestra para muchos, no es precisamente la más vanguardista sino la que se inspira en el rock nacional de los ’70: Pescado Rabioso, Color Humano y Vox Dei fluyen por las venas de este album. Considerado el gran disco clásico del rock latino, para la revista Rolling Stone ocupa el puesto 9 entre los mejores 100 de la historia del rock argentino. Extraido de Periodismo De Los Andes. #29Años #CanciónAnimal #SodaStereo #gustavocerati @musicasodacerati @sodastereo @cerati @zbosio @charlyalberti (en Buenos Aires, Argentina) https://www.instagram.com/p/B03anvUHsFV/?igshid=1tubyhxz90kh9

ENTREVISTA A SANTIAGO MANRIQUE

Santiago Manrique es un cantautor argentino que lleva varios años haciéndose paso dentro de la escena musical. Su trayectoria inicia en 2013 cuando decide comenzar a subir a covers a Youtube, especialmente reinterpretando canciones de cancha vestido con la camiseta de San Lorenzo. Sus videos se viralizaron, y a partir de ahí él comenzó a gestar su imagen. Santiago, de en ese entonces 19 años, empezó a ser llamado por muchos medios, radios y programas. En 2015, lanza su primer disco de estudio “Espejos”, según él, un reflejo de sus vivencias. Este disco sirvió como aprendizaje.

Hace unos meses, un Santiago renovado y experimentado le entregó al público un segundo disco: “Climax”, nuestra cita de hoy. Climax cuenta con 9 temas y colaboraciones con Ca7riel, Delfina Campos y Tomas Otero, más un remix de “Rumbo” por Axel Follin.

Santiago nos recibió en su casa. Tal vez las pantuflas son el mejor calzado para dar una entrevista. Nos ofreció café, agua, todo lo que un buen anfitrión hace. Al principio titubeamos un poco sobre donde hacer la entrevista, pero decidimos sentarnos en el quincho. Santiago corrió la mesa, y acomodó dos pequeños sillones para sentarnos.

-¿Querés arrancar contanos un poco de tu trayectoria?

-Creo que fue en 2013 que empezó todo el proyecto solista de "Santiago Manrique". Todo empezó espontáneamente. Parte de mis hobbies era subir videos a Youtube y me paso en 2013 que tuve unos videos que se viralizaron y me empezaron a llamar de muchos medios, radios, programas. Me llamaron de Peligro Sin Codificar que fue mi primer aparición en la tele y a partir de ese momento fui generando algo con mi nombre. Ahí fue cuando empecé a escribir cosas mías y un poco concentrarme en mi música y lo que yo quería. Encontré un estudio que es Camarón Brujo Música con Nahuel Berneri que es el productor, él me ayudó mucho a aprender a armar un proyecto, a grabar un disco. Ya pasaron 5 años desde mi primer disco que fue todo un aprendizaje. Tuve la suerte de viajar por el país a muchos lugares para presentarlo. Conocí a mi manager en el medio, a mi productora, a Bandana que me ayudo un montón, a mis músicos que también los conocí en el camino. Y con el tiempo fui avanzando y ahora terminé mi segundo disco. Yo siento que el progreso, al menos por mi parte, se nota y me siento muy orgulloso de todo este aprendizaje que tuve.

-¿Cómo surgió la necesidad de tocar un instrumento?

-Mi primer instrumento fue el piano a los cinco años. Mi madre y toda su familia son pianistas. Y yo me enganche. Uno a los cinco años ve a sus familiares tocando y los queres copiar. Tomé clases hasta los 9 más o menos. Después descubrí la guitarra y me enamoré a los diez u once años que fue cuando descubrí a Gustavo Cerati. Había un cd de grandes éxitos que era de mi papá que cuando lo empecé a escuchar me re copó. Me enamoré al mismo tiempo de Cerati y de la guitarra. Él es mi más grande ídolo. Ya de adolescente empecé con el canto.

-¿Qué influencias tuviste de chico además de Cerati?

-De chico tuve mucha influencia brasilera por parte de mi mamá. Y yo escuche música brasilera desde que tengo memoria. Hay una banda, Natiruts, que me encanta. Y muchas como Os Paralamas Do Sucesso, Charlie Brown Junior. Pero de chico tuve un poco de todo. Escuchaba mucho Andrés Calamaro; de chico tenía un fanatismo por Diego Torres; Juanes me gustaba mucho de chico, su primer disco lo compre a los 8 años en una ruta camino a Bariloche. Mi viejo dijo "¿Quién es Juanes?¿Es el de "A Dios Le Pido"? Ah, seguro tiene ese tema y nada más". Pero lo compró igual y cuando lo pusimos en el auto nos volvimos todos fanáticos en ese viaje

-¿Cómo encaras el proceso creativo?

-No tengo un proceso armado, ni una fórmula. Yo lo que hago mucho es usar las notas de voz del celular, porque surgen ideas en cualquier lado. Puedo estar manejando, en el gimnasio corriendo, puedo estar en la calle. Y agarro el celular y tarareo la idea que surgió en mi cabeza. A veces quedo un poco ridículo. Cuando tengo tiempo, agarro la guitarra y le doy un poco más de forma a esas ideas. Cuando ya hay algo más armado lo siento como una canción verdadera. Compongo mucho, todos los días o día por medio. Luego de muchas canciones, voy eligiendo las mejores y se las llevo a mi productor. Nos juntamos en el estudio, armamos las maquetas y tratamos de darle una estructura al tema.

-Las letras de tu disco hablan del amor desde diferentes perspectivas, ¿Hubo un hecho en especial que te inspiró?

-Si, mi disco habla mucho de amor, de nostalgia, de valorar lo que uno tiene porque a veces uno se da cuenta cuando las pierde. Este disco salió en medio de una de mis separaciones de una relación larga, de 6 años, y eso se ve reflejado en las letras. El primer disco fue más motivador, y este segundo habla de temas más emocionales.

-Poniéndonos un poco más técnicos. Se nota mucho tu influencia brasileña y de los ritmos funkeros, ¿Qué otras influencias tiene tu disco?

-Hay una banda brasilera que es de mis más grandes influencias que se llama Jota Quest que tiene ese estilo de pop funk que me encanta. De hecho en mi primer disco grabe dos covers de ellos que traduje al español. Yo soy muy fan de la música ochentosa, de la música disco. Todo esto es otra parte de mis influencias.

-¿Por qué elegiste la palabra "Clímax" para nombrar tu álbum?

-Porque fue un proceso larguísimo. El primer tema que grabe para este disco fue en enero del 2016. En ese momento estaba en Mar del Plata haciendo una gira por la costa y ahí empezaron a surgir los nuevos temas. Cuando volví de ese viaje me empecé a juntar con mi productor para pasarle mis ideas. Algunas cosas avanzaron y otras se descartaron. También cambié mis músicos y el equipo con el que laburaba. Fue un proceso largo que valió la pena. Creo que si hubiese tardado menos, el disco no hubiese quedado tan bueno como está ahora. Estoy muy orgulloso de cómo quedó. Todo ese tiempo que esperé hasta el dia de lanzar este disco, de tenerlo, de poder presentarlo y defenderlo hizo que llamara "Clímax" a este descargo de energía. Uno espera esto durante tres años y cuando llega es un momento de pura felicidad, euforia y placer.

Santiago Manrique se presentará en Espacio Cultural "El Templo" el próximo 27 de septiembre donde grabará un live session.

Ayer cumplió años Beyoncé 36 años  es una cantante, bailarina, actriz, compositora, productora discográfica, modelo, diseñadora de modas y empresaria estadounidense. Nacida y criada en Houston, Texas, se presentó en diversos concursos de canto y baile cuando era niña y saltó a la fama a finales de los años 1990 como vocalista principal del grupo femenino de R&B, Destiny's Child. Manejado por su padre, Mathew Knowles, el grupo se convirtió en uno de los grupos de chicas con mayores ventas de la historia. Su receso vio el lanzamiento del álbum debut de Beyoncé, Dangerously In Love (2003), el cual la consagró como artista solista en todo el mundo; vendió 11 millones de copias, ganó cinco premios Grammy y contó con los sencillos número uno del Billboard Hot 100, «Crazy in Love» y «Baby Boy».Tras la disolución de Destiny's Child en 2005, Beyoncé lanzó su segundo álbum de estudio, B'Day (2006), que contenía los éxitos «Déjà Vu», «Irreplaceable» y «Beautiful Liar». También incursionó en las actuaciones en cine, con un papel nominado al Globo de Oroen Dreamgirls (2006), y papeles protagónicos en The Pink Panther (2006) y Obsessed(2009). Su matrimonio con el rapero Jay-Z y su actuación como Etta James en Cadillac Records (2008) influyeron en su tercer álbum, I Am... Sasha Fierce (2008), que vio el nacimiento de su álter ego, Sasha Fierce y obtuvo el récord de seis premios Grammy en 2010, incluyendo canción del año por «Single Ladies (Put a Ring on It)». Beyoncé se tomó un descanso de la música en 2010 y se hizo cargo de la gestión de su carrera; su cuarto álbum 4 (2011) fue posteriormente de tono más suave, explorando el funk de los años 1970, el pop de los años 1980, y el soul de los años 1990. Su quinto álbum de estudio, Beyoncé (2013), fue aclamado por la crítica y se distinguió de sus lanzamientos anteriores por su producción experimental y la exploración de temas más oscuros. Una autodenominada "feministacontemporánea", las canciones de Beyoncé se caracterizan a menudo por temas de amor, las relaciones y la monogamia, así como la sexualidad y la toma de poder femenina. En el escenario, sus dinámicas y altamente coreografiadas actuaciones han llevado a los críticos a aclamarla como una de las mejores artistas de la música popular contemporánea. A lo largo de una carrera que abarca 18 años, ha ganado 22 premios Grammy y vendido más de 200 millones de grabaciones como solista, y otros 60 millones con Destiny's Child, haciendo de ella una de las artistas musicales con mayores ventas. La Recording Industry Association of Americareconoció a Beyoncé como la artista certificada número uno de Estados Unidos durante la década del 2000. En 2014, se ubicó en la cima de la lista Celebrity 100 de Forbes, y se convirtió en la músico negra mejor pagada en la historia. Fue incluida en la lista de la revista Time de las 100 personas más influyentes del mundo en 2013 y 2014. Actualmente tiene una relación desde el 2008 con el rapero Jay Z; se cumple 3 años de la muerte de Gustavo Cerati ( 1959 - 2014) fue un músico,cantautor, compositor y productor discográfico argentino, considerado uno de los más influyentes y reconocidos músicos del rock hispanoamericano y una leyenda del rock latinoamericano.Obtuvo fama y reconocimiento internacional por haber sido el vocalista, guitarrista y compositor principal de la banda de rock Soda Stereo, una de las bandas más importantes e influyentes de la música latina. Luego de la disolución de la banda, obtuvo también reconocimiento y éxito en su carrera solista, que consta de cinco álbumes de estudio y de diversas incursiones junto a otros músicos. Su camino como solista se inició a comienzos de los años noventa, en paralelo a dicha banda, debido a un receso que se había tomado el grupo tras una fuerte crisis. En esa instancia Cerati publicó su primer álbum como solista, Amor amarillo; pero con el regreso de Soda Stereo su carrera solista quedó en suspenso hasta la disolución absoluta de la banda. Después de Soda Stereo, Cerati experimentó con diferentes estilos, desde la música electrónica (Colores Santos, Cerati y Melero, 1992) (Plan V) a la música sinfónica. En 2007 Soda Stereo regresó en una gira llamada Me verás volver, luego de la cual sus integrantes retomaron sus actividades por separado. El 15 de mayo de 2010 padeció un accidente cerebrovascular isquémico, que lo dejó en estado de coma por más de cuatro años, falleciendo el 4 de septiembre de 2014 a causa de un paro respiratorio en la Clínica ALCLA de Buenos Aires. A lo largo de su carrera como solista ganó y fue nominado para numerosos premios, entre ellos Grammy Latino, Konex, MTV y Gardel. El 5 de diciembre de 2013, el músico fue nombrado Ciudadano ilustre, una distinción que le fue otorgada por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en reconocimiento a su trayectoria. En su edición de septiembre de 2012, la revista Rolling Stone posicionó a Cerati en el puesto n.° 3 de los 100 mejores guitarristas del rock nacional. El 15 de mayo del año 2010 fue internado por una descompensación,luego de presentar su espectáculo en Caracas, Venezuela. Tuvo que ser trasladado hasta el Centro Médico Docente La Trinidad al terminar su presentación en el campo de fútbol de la Universidad Simón Bolívar. El 18 de mayo se supo que realmente se trataba de un ACV (accidente cerebrovascular).Así lo confirmó el neurólogo Vladimir Fuenmayor, quien explicó que el ex-integrante de Soda Stereo sufrió «un evento vascular isquémico, con afasia de expresión». Sin embargo, más tarde fue intervenido quirúrgicamente ante la gravedad del cuadro, y una de los facultativos que lo atendieron dijo que «no volvería a ser el mismo». El lunes 7 de junio de 2010 es trasladado a Argentina en compañía de su madre, Lilian Clark y su hermana, Laura Cerati; en el avión ambulancia N601CV que partió en las horas de la mañana del aeropuerto Simón Bolívar en Maiquetía, en el Estado Vargas, Venezuela.Cerati viajó bajo la vigilancia del médico Antonio Martinelli, jefe de la unidad de cuidados intensivos del Centro Médico Docente La Trinidad. El 14 de junio, se informó que, según uno de sus amigos, el artista habría movido sus labios y su cabeza tras escuchar sus propias canciones. En la noche del domingo 24 de octubre de 2010 a las 22:50 horas Cerati ingresó a la Clínica ALCLA; el traslado se realizó sin ningún tipo de complicaciones. Durante su estadía en esta clínica, persistió el mismo estado neurológico que el informado antes de realizar el traslado, indicó su médico. El 4 de septiembre de 2014 el cantante falleció tras pasar cuatro años en coma. El fallecimiento se produjo en torno a las 9:00 hora local (12:00 GMT), sin sufrimiento. La noticia fue confirmada en la cuenta oficial de Cerati en la red social Twitter, así como mediante la lectura de un comunicado por parte de sus familiares y los médicos de la clínica donde se encontraba internado: Comunicamos que hoy en horas de la mañana falleció el paciente Gustavo Cerati como consecuencia de un paro respiratorio. Dr. Gustavo Barbalace, director Médico de la Clínica ALCLA El día siguiente al de su fallecimiento, tras un velatorio realizado en la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, sus restos fueron trasladados al Cementerio de la Chacarita. Homenajes La banda de rock irlandesa U2 recordó a Gustavo Cerati en uno de sus conciertos en ciudad de La Plata, en Argentina en marzo de 2011, cuando Bono dijo «No olviden a Gustavo Cerati», ganándose la ovación de unos 60 mil fanáticos del Estadio Ciudad de La Plata y luego interpretar el tema «Moment of Surrender». Además, en la pantalla del escenario se leyó el mensaje «A Gustavo Cerati enviamos nuestro amor y respeto. Él oirá nuestras voces esta noche.» La cantante colombiana Shakira le dedicó su canción «Sale el sol» en 2011. Durante ese mismo año y hasta su último concierto, Luis Alberto Spinetta ejecutó la canción «Te para tres» que solía tocar en conjunto con Cerati. Asimismo, Spinetta le compuso el siguiente poema: Dios Guardián Cristalino de guitarras / que ahora / más tristes / penden y esperan / de tus manos la palabra / Precipitándome a lo insondable / tus caricias me despiertan a la vez / en un mundo diferente al de recién... / Tu luz es muy fuerte / es iridiscente y altamente psicodélica / Te encuentro cuando el sol abre una hendija / que genera notas sobre la pared sombreada / Y suena tu música en la pantalla / sos el ángel inquieto que sobrevuela / la ciudad de la furia / Comprendemos todo / tu voz nos advierte la verdad / Tu voz más linda que nunca. Luis Alberto Spinetta. La cantante finlandesa de metal sinfónicoTarja Turunen, como tributo a Cerati, incluyó la canción «Signos» en varios de los conciertos de su gira latinoamericana, en marzo de 2011. El año 2012, Leandro Fresco en su disco Leandro Fresco dedica una de sus canciones llamada «Las calles de tu ciudad» al recuerdo del músico. El dúo sueco Roxette interpretó unos acordes del tema «De música ligera» en cinco presentaciones que ofreció en Argentina durante abril y mayo de 2012. Christoffer Lundquist, guitarrista de la banda, aseguró que deseaba rendirle homenaje al cantante. Asimismo, durante el mismo período, el cantante Adrian Barilari de Rata Blanca le dedicó a Cerati la canción «Gracias» en su proyecto solista Barilari 4. La banda argentina de nu metal Carajo liderada por Marcelo «Corbata» Corvalán le dedicó la canción «Triste» y le deseó una pronta recuperación.[cita requerida] Durante el año 2013, Fito Páez publicaba su disco «Yo te amo», grabado en los estudios de Gustavo Cerati. En él, incluía una emocionante canción dedicada a Cerati llamada "La velocidad del tiempo". En ella, Fito emulaba una carta a su amigo, en la cual le contaba las novedades que habían acontecido durante este tiempo. Asimismo, en ella, recordaba viejas anécdotas que habían vivido en conjunto.[cita requerida] El 26 de febrero de 2014, en el escenario del Festival de Viña del Mar en Chile, el grupo La Ley rindió un homenaje a Gustavo Cerati. El bajista invitado de la banda chilena durante ese período, Zeta Bosio -ex bajista de Soda Stereo-, señaló: «mientras haya vida, habrá esperanza». El grupo realizó una sentida interpretación de «Crimen» de Cerati.[cita requerida] El 5 de septiembre de 2014 la banda Argentina Rata Blanca durante su Gira 2014 le rindieron un pequeño homenaje a Gustavo con unas breves palabras de Walter Giardino, y tocando un pequeño fragmento de la canción De música ligera. En el mismo período, Charly García revelaba que compuso una canción en homenaje, cuyos versos más emocionantes decían «Gustavo querido/ qué te pasó/ Parece que estás durmiendo/ parece que estás aquí/ Parece que estás volando/ Yo tenía un amigo/ alguien con quien tocar/ aunque no vivía conmigo/ el mundo era nuestro hogar». El 13 de noviembre, el programa de radio metro «Perros de la calle» inauguró su estudio «Gustavo Cerati», el cuál estará destinado a la presentación de grupos en vivo. En la ceremonia, diversos connotados músicos asistieron e interpretaron canciones de Cerati. Bajo este contexto, fueron especialmente emocionantes las versiones de Hilda Lizarazutocando «Adiós» y «Lisa», Leo García con «Lago en cielo», y Lisandro Aristimuñoejecutando sutilmente las canciones «Alma», «Signos» y «Ella uso mi cabeza como un revolver». Asimismo, los familiares de Gustavo participaron del evento y particularmente se vieron emocionados con la versión de «Alma».[cita requerida] El 22 de noviembre de 2014, el canal TV Pública transmitió «Siempre es hoy», un programa especial grabado en el estudio mayor del canal donde diversos artistas interpretaron canciones de Cerati.Asimismo, durante el año 2014, Andrés Calamaro incluyó una versión de Música Ligera en su disco en vivo Pura Sangre, la cual presentó en diversos conciertos. De la misma forma, incluyó una versión de Crimen en su obra Hijos del Pueblo en conjunto con Enrique Bunbury. El 8 de febrero de 2015, los Premios Grammyrindieron homenaje a artistas y entre ellos estaba la imagen de Gustavo con dos Grammys. La noche del 25 de febrero de 2015, su compatriota Pedro Aznar, en la obertura de la cuarta jornada del Festival de Viña del Mar, interpretó la canción «Zona de promesas» cantando a dúo con Gustavo, ayudado por una proyección digital de imágenes y voz del ídolo.Aznar ya había homenajeado previamente a Gustavo tocando la canción «Lisa» en diversos conciertos e incluyéndola en su disco Mil Noches y un instante (2014). Particularmente emocionante, dado que, como comentó Pedro, dicha canción originalmente iba a ser incluida en su proyecto Tango 3 en conjunto con Charly García, el año 1989. El 2 de junio de 2015 se lanzó Cerati Infinito, un álbum compilatorio CD + DVD que hace un recorrido por toda la carrera solista del músico, desde Amor amarillo (1993) hasta Fuerza natural (2009). El DVD incluye todos los videoclips grabados por el músico en su carrera solista, además de algunas versiones en vivo. El 14 de junio de 2015, estuvo en la Memoria de los Premios Martín Fierro junto a los artistas fallecidos entre el 2014 y el 2015. El 21 de junio de 2015, el festival Ciudad Emergente, rindió homenaje a Gustavo Cerati, en la ciudad de Buenos Aires. Dicho evento, consistió en la ejecución de diversas canciones de la obra de Cerati a través de antiguos miembros de su banda solista como Richard Coleman, Leandro Fresco y Fernando Nalé, a los cuales se les iban sumando músicos invitados. En ella, se destacó las versiones de «Cactus» cantada por Pedro Aznar, «Adiós» por David Lebón y «Te llevo para que me lleves» con la participación de Benito Cerati. Al finalizar, todos los músicos invitados cantaron al unísono la canción «Puente». El 5 de agosto de 2015, el Honorable Concejo Deliberante de Paraná, Entre Ríos, bautizó a una calle de dicha ciudad bajo el nombre del músico. El 2 de abril de 2016 en la fiesta de la cosecha en la provincia de Mendoza, el guitarrista y cantante de la banda Divididos Ricardo Mollo, junto a la orquesta sinfónica de la provincia de Mendoza le dedicaron un homenaje interprentando la canción de Gustavo Cerati «Crimen». El 4 de noviembre de 2016, un homenaje a Soda Stereo se desarrolló en el marco del festival «Movistar Fri Music». Más de 25 bandas cantaron canciones de aquel grupo, con especial énfasis en el rol de Gustavo. Las versiones más destacables fueron comandadas por Zeta Bosio y Carlos Alomar ejecutando la canción «No existes» con la voz de Cerati de fondo; Benito Cerati y su versión de «Perdonar es Divino» e Illya Kuryaki and the Valderramas tocando «Ella uso mi cabeza como un revolver». https://youtu.be/eAO7CEcCD3s