Tajam

  El día 26/10 la clase visitó los estudios TAJAM para conocer más sobre el ámbito fílmico. Para comenzar el recorrido, vimos el estudio de grabación que en este entonces estaba dividido en distintos sets, uno de ellos para una publicidad que grabarían el día siguiente y otro set donde Plan Ceibal graba semanalmente su segmento conducido por una youtuber y un gamer.

  Llama la atención como el estudio está recubierto con una gran cantidad de pantallas verdes  y hablamos un poco sobre sus usos y las ventajas que tienen. A su vez, no solo existen cromas verdes sino que cromas azules por igual; cuándo se usa uno u otro depende de los colores de los elementos a utilizar en la escena. La utilización de cromas requiere buena iluminación de fondo y los objetos para que al recortar la imagen con un software sea más fácil. A su vez, hay que tener en cuenta la imagen que queremos grabar y en consideración cambiar la iluminación de la escena, por ejemplo, si la toma es de noche lo ideal sería grabar con ciertas luces frías, porque si no va a parecer que es de día.

  Hoy en día gracias a los avances tecnológicos, surgió un método alternativo a los cromas que son las pantallas led. Estas son más limitadas que la pantalla verde, pero te solucionan una cantidad de cosas, por ejemplo, logran igualar luces más tradicionales y la edición va a ser más rápida en comparación. Se nos comentó que se utilizan pantallas led mucho en la ficción, y otro uso frecuente es para todo lo que son imágenes a través de ventanas; ya queda armado y no requiere postproducción.

  Tajam se ha dedicado, desde 1985, al suministro de equipamiento y soporte técnico para proyectos cinematográficos, publicitarios y televisivos, y al alquiler de estudios de filmación. En particular, arrienda: cámaras, equipamiento de sonido, iluminación, grúa con remoto, etcétera. Tambi��n brinda servicios de alquiler de: un estudio con salas de control master, sala de vestuario, maquillaje y casting, salón de usos múltiples, área de montaje, sala de reuniones y sala de producción. Por lo general, los alquileres son por jornadas de 12 horas porque es mas o menos lo que se maneja en la publicidad y en cine. Después de eso, se puede alargar mas o menos si no sabés cuándo vas a terminar. El canal 10 ha hecho varias producciones aquí y últimamente, se están haciendo unos cuantos videoclips.

  Debido a la pandemia, se están haciendo rodajes mediante streaming a través de aplicaciones como Discord o TeamSpeak, donde se conectan directores, asistentes, directores ejecutivos y demás directamente desde otros países. Previamente, todo el equipo tenía que estar presente en dónde sea que se grabase pero como han visto que el método de streaming funciona, es un cambio que probablemente quede para futuras producciones.

  Para finalizar, nunca antes había visitado un estudio de grabación como este, aprendí bastantes cosas y creo que la visita fue sumamente interesante.

Filmcito

  El lunes 19 de Octubre nos visitaron Alfredo Azarola y Cristhian Orta, dos egresados de ésta carrera que estamos estudiando, para hablarnos de Filmcito. Filmcito es una productora audiovisual cooperativa que empezaron mientras estudiaban en una escuela de cine, y durante varios años siguieron filmando e incorporando gente después de egresarse, ya sea fotógrafos, editores, técnicos, etcétera, todos se ayudan mutuamente. Nos comentan que al principio más que nada, es difícil hacer cine, porque este arte precisa de un "ejercito" y mucho dinero, a lo que la industria es incipiente. Aun así, interesa no dejar de entrenar ya que la agilidad se aprende haciendo más práctica que teoría.

  Entre sus primeros cortometrajes se encuentran "Tú", "Fluir", "Vivimos" y "Boldman". Los primeros tres ganaron bastantes premios lo cual posibilitó que no tengan que poner su propio dinero para la producción de futuros cortos. A su vez, fue importante realizar diversas exhibiciones porque generaban ingresos no solo por las entradas si no que también se incorporaban cantinas, bandas, sponsors, entre otras cosas. La plata es un factor importante porque hay veces que te hace recortar el guión ya que, según el presupuesto, no se puede realizar escenas que estaban originalmente planteadas. Uno de sus sponsors es Musitelli, quienes les prestan cámaras. Siempre lucharon por este sueño de ellos, aunque no creían que podían vivir de eso.

  Hace unos años atrás comenzaron el Festival Filmcito, con el fin de mostrar distintos cortometrajes. Nos comentan que gracias al festival de 2019 se pudo realizar la financiación de una miniserie web "Un monstruo en mi casa", la cual ya se empezó a producir y aun sin estrenar, al final de la clase nos mostraron un pequeño adelanto.  

Juan Manuel Ruétalo

  El día 5/10 visitamos la casa-estudio de Juan Manuel Ruétalo, un inventor y artista visual de Montevideo. Ruétalo se dedica a las artes plásticas pero también trabaja mucho con lo electrónico y audiovisual. Él estudió Bellas Artes y no se formó en electrónica, es más, todo lo que sabe lo aprendió experimentando por su cuenta y desarmando mecanismos. Un comentario que nos hizo es que cuando era chico, tenía un auto a control remoto que se le rompió y lo desarmó para intentar arreglarlo, pero no lo logró y terminó guardándolo; lo tuvo toda su vida y hasta hace no mucho lo consiguió arreglar, ahora sabiendo mucho más que antes.

  En su casa, separó el lugar de trabajo y vivir para poder exhibir sus inventos más relevantes, entre ellos estaba la catapulta, el ojo de buey, la máquina de reflejos, entre varios otros que también se encuentran en su blog. Otra máquina que vimos, que fue la que me llamó la atención y de la que más se habló, es la máquina de intentar:

  Ruétalo nos comenta que al diseñarla pensó sobre la tecnología el uso de las cosas y fue bastante crítico, la inventó como un "chiste", es decir, una máquina siempre tiene una función de resolver algo que en este caso sería empujar la pelota, sin embargo, hay toda una tensión y build up para que no lo logre.

  Se invirtió en algo para que funcione perfecto pero que nunca lo logre, es un poco cruel como la vida misma, y en el mundo de las máquinas esto es una tomadura de pelo. Captura el concepto de derrota y vuelve a empezar cada vez, es más, sobre la mesa queda la marca de que en el pasado la máquina ya estuvo haciendo esto y ya sabes realmente de que nunca va a tocar a la pelota.

Visita a Cinemateca

  El sábado 3 de Octubre, tuvimos la oportunidad de visitar Cinemateca para conocer las instalaciones. Nos recibió muy amablemente María José Santacreu, a quien conocimos el semestre pasado a través de una clase por Zoom dónde se habló del archivo fílmico de Cinemateca.

  Al comienzo del recorrido vimos las tres salas de cine, con proyectores digitales y en 35 mm. También presentan de un proyector de 16mm que Santacreu nos comenta sobre lo difícil que fue conseguirlo y que también, por el momento, aún no se ha utilizado.

  Luego de ver las salas, nos llevaron a la cabina donde nos encontramos con Lorena Pérez— quién por igual conocimos el semestre pasado— y Martín Aldecosea, un operador de las salas que se encarga de cuidar todo el equipamiento y comprobar que todo funcione bien. Aquí pudimos ver los proyectores y el resto de equipamiento, y familiarizarnos con todo el proceso "detrás de escena" que implica proyectar una película en alguna función cualquiera.

  Me llamó la atención la especie de tubos corrugados que tenían los proyectores, que aparentemente es un sistema de aireado que precisan para cuando se eleva la temperatura de estos. Esta actividad me pareció memorable, no conocía la sede de cinemateca y me pareció sumamente linda, y destaco poder conocer & haber visto la cabina/los proyectores que siempre que iba al cine me lo preguntaba: ¿qué será lo que hacen en la sala de proyección?. Nunca antes había visto algo así y esta oportunidad creo que fue notable.

Visita a Sondor

  El lunes 28 de Septiembre, realizamos la primera (o segunda para otros) visita del año que fue en los estudios Sondor, para conocer más sobre su historia y su estudio de grabación. Nos recibió Rafael Abal quien nos explicó distintos temas interesantes a destacar:

  La palabra Sondor viene de Son d'Or (Sonido de Oro), originalmente comenzaron como un estudio de fábrica de vinilos alrededor de la década de los 40/50. En los próximos años, Sondor se convertiría también en uno de los primeros estudios de grabación en Montevideo, lo cual ha conllevado a ganar cierta reputación que hasta el día de hoy tienen.

  En el estudio de grabación, la pared tiene forma ondulada para que la resonancia acentúe mejor los sonidos graves. Esto lo diseño así el padre de Rafael alrededor del 76— él venía grabando desde la época del 30 y aprendió por experiencia como acondicionar acústicamente la sala.

  Tienen equipamiento sumamente antiguo pero aun así en buenas condiciones. Por ejemplo, tienen micrófonos desde la decada del 30 hasta el 60 que aun funcionan bien. Rafael nos menciona que al grabar voces, dependiendo del timbre de voz de la persona se utilizan distintos micrófonos.

  A día de hoy Sondor cuenta con un catálogo importantísimo dentro de la música uruguaya, con alrededor de 30 y 40 mil temas. Varios artistas han trabajado en sus estudios, algunos ejemplos más conocidos son Eduardo Mateo, Santiago Chalar, Karibe con K, Los Fatales, Hugo Fattoruso, entre muchísimos más.

Sinopsis

  La historia de una joven policia quien comienza a sentir afecto por la hija de un mafioso.

  Hace cinco años atrás, una veterana oficial fue asesinada en un atentado. Honesta agente de policia Elena Gotti, 28, está obstinada por encontrar la verdad detrás de este caso, con el fin de vengar la muerte de quien fue su mentora, y la única pista que tiene es que el atentado tuvo que ver con Vincent Regnante, 51, el jefe de la mafia.

  Elena en busqueda de respuestas logra acercarse la hija del jefe, Aurora Regnante, 27, pero ella no está muy feliz de que se meta en sus asuntos. Pareciera ser que Aurora esconde un secreto, acaso está protegiendo a alguien? Elena está determinada a pasar más tiempo con ella para saber más sobre su actitud sospechosa, pero las cosas entre ellas comienzan a cambiar de una manera que Elena no se lo espera.

Diego Traverso

  En la jornada del 7 de Septiembre, tuvimos el agrado de recibir a músico y economista Diego Traverso. Él empezó a tocar a los 15 años, no formalmente si no que su primo empezó enseñándole, y durante su carrera seguía haciendo música y la tesis la hizo sobre el mundo audiovisual publicitario, por lo que estaba pasando alrededor de 2002. Hoy por hoy está trabajando en sacar un nuevo disco.

  Hace aproximadamente un año y medio trabaja en Sinergia Design en la parte de emprendimientos, ayudando que emprendimientos creativos crezcan y a la vez sean sustentables económicamente. Traverso comenta que hoy en día las áreas creativas son "más grises" o "más difusas", en el sentido de que el mundo audiovisual se encuentra en todos lados.

  No hay proyecto artístico que no se haya preocupado por comercializarse, hablando en general de todo lo que consumimos. Si queres generar un producto tiene que ser sustentable y si está bueno le va a ir buen, hasta cierto punto. En Uruguay, estamos habituados a que se produzca un proyecto y que siga su rumbo, pero luego comienza otra fase que es igual de importante que la producción que es la parte comercial.

  En el mundo de la música existen fondos para producir proyectos artísticos como lo es FONAM (Fondo Nacional de Música), enfocados en financiar, producir y crear obras artísticos pero no tanto en comercializarlas. Gracias a la tecnologia moderna, cada uno tiene un "estudio de grabación" desde sus celulares y todo el mundo está produciendo contenido. Es por esto que al comercializar un emprendimiento hay que preguntarse qué tenemos para decir para diferenciamos del resto de contenido que está lleno internet.

  Traverso comenta que para crecer y llegar a la gente es tocando en vivo en distintos lugares, junto al marketing digital. También comenta que antes de sacar un disco es recomendable sacar simples junto a un videoclip— todo contenido que a uno le parezca de calidad. Hay que tener en consideración siempre las opiniones del público y empatizar con ellos, resultando en un balance entre el contexto de lo que se escucha hoy en día y lo que a uno le salga sin importar el contexto de lo que vende.

  Formó parte de una banda llamada Santé Les Amis, con la cual sacaron una canción que fue incluida en el videojuego FIFA 2015. Traverso comenta que esto fue una gran manera de darse a conocer al resto del mundo y que visitó cientos de blogs hablando sobre ellos (con los cuales se comunicó y solo tres respondieron). Fue un trabajo cansador pero al estar en la banda aprendió un montón a cómo trabajar profesionalmente sobre distintos aspectos, como por ejemplo, composiciones, letras, grabación, mezcla, edición, masterizar sonidos, etcétera.

Matías de León (@lodelabuelo)

  El lunes 17 de Agosto nos visitó Matías de León en nuestra clase de zoom, artista visual y egresado de Ingeniería Audiovisual, para conversar sobre su progreso como fotógrafo, todo en base después de haber visitado su exposición "QUERIDÍSIMO MONTEVIDEO, Te tengo que confesar" en el CdF.

  Hace cuatro años atrás Matías viajó a Brasil a conocer a su familia de allí y se relacionó con sus dos primos gracias a la fotografía y desde entonces fue un proceso paulatino. Empezó retratando a su familia y amigos, y luego un año después estaría viajando por segunda vez a Brasil donde empezó a retratar extraños.

  Matías comenta que nadie nace sabiendo— en un principio pensó que el retrato era simplemente una fotografía de una persona mirando a la cámara, pero se dio cuenta que no es así. Nunca retrató por retratar, sino que el retrato para él surge cuando la persona le inspira y retrata con el corazón, hay un montón de cosas que son invisibles más allá del seteo de la cámara y hacer clic. Fue desarrollando una técnica para generar un ambiente confortable, primero setea la cámara, le dice al retratado que cierre los ojos y que luego lo mire, captando en ese mismo instante la mirada que, para Matías, es la forma más desnuda de lo que una persona es.

  A medida que el proyecto se fue gestando, empezó a agregarle historias y acompañarlas con texto, y este acto empático lo llevó a darse cuenta de que había algo más que hacía que él se acercara a las personas, y Matías da a luz a la gente marginada por su estética o por su forma de pensar/sentir. La estética de estos retratos fue una cierta búsqueda que llevó su tiempo, donde en la gran mayoría los retratados están posando todos igual y siempre serios, siendo la seriedad un factor clave.

  La obra sale del enojo de que no le dieran atención previamente cuando quería hacer retratos de la gente y pasaba puerta por puerta preguntando. Matías comenta que siempre tocaba la puerta principal pero "entraba por el baño", y busco la vuelta de no limitarse a lo más básico. El proyecto gira en torno a las personas que habitan la ciudad, pero paso a ser más que nada una documentación de la juventud montevideana, usando la fotografía como un dialogo Matías comenta que el "habla con Montevideo".

  Por otra parte, Matías afirma que el arte es como la vida y la vida es como el arte. Es decir, todo lo que hace habla de él, y todo sobre él habla de su arte. Matías nos da un ejemplo sobre un tiempo que decidió tomar autorretratos como un proceso de sanación y autodescubrimiento, y como a través de la fotografía empezó a aceptar su cuerpo. Los resultados fueron interesantes y auténticos, y destaca más que nada como verdaderamente lo más valioso fue el proceso y no el resultado final. El significado en la fotografía no reside en la herramienta, si no lo que uno mismo quiere hacer.  

Arauco Hernández

  Entre las primeras visitas del segundo semestre, tuvimos el agrado de recibir en la jornada del 03 de Agosto a Arauco Hernández, quien nos habló un poco sobre que consta trabajar como director de fotografía. Además de haberse formado como director de fotografía, también trabaja como director de cine y guionista y ha trabajado en aproximadamente 20 películas.

  Hernández cuando comenzó a estudiar sabía de antemano que quería hacer algo relacionado con el cine, que en ese entonces lo más cercano era ciencias de la comunicación. Aun sin tener demasiados conocimientos sobre el cine lo primero que quería ser era director de cine, que era el único rol que sabía. Tenía cierta noción de la luz y el color, debido a que su padre era artista plástico, y empezó a experimentar con distintos aparatos de luces, iluminando trabajos como le parecía que más se asimilaban a como se ven las películas. En el camino a ser directo, se dio cuenta que lo que se le pedía asumía suma importancia y responsabilidad y pensó en ser asistente de dirección, pero después de conversar con sus amigos optó por ser director de fotografía.

  Por lo general, el trabajo de un director de fotografía empieza cuando un director o productor se comunica con él y le envían el guión de la película, y en base a varias lecturas evaluar si es lo suficientemente interesante para integrarse en el equipo de producción durante el rodaje, siempre trabajando con imagen en movimiento, y no con fotografía fija.

  El guión está escrito para ser leído por varias personas a la vez y que cada una obtenga distinta información necesaria y relevante para el lector. Por ejemplo un productor toma el guión, ve cuantas páginas tiene y, en base a que usualmente una página equivale a un minuto de película, interpretar cuanto "valdrá" la película, traduciendo el tiempo viendo cuantas semanas de rodaje serán necesarias. En el caso del director de fotografía, lo que hace primero es leer la historia y ver si es cautivante, si está bien resuelta e imaginándose si hace una película e ideas que surgen.

  Como extensión, el director de fotografía también deberá ver el guión como productor, ya que es importante saber el número de locaciones y preguntar las semanas de rodaje para tener en cuenta el resultado final acorde a lo que demanda visualmente la película y el tiempo que disponga. Hernández afirma que, por experiencia propia, por día no se suele grabar en más de dos locaciones por día porque el límite físico natural que conlleva el traslado. También aunque las películas significa grabar varios planos, Hernández comenta que "en un litro entra un litro"— es decir, que no se puede grabar muchos planos. Solo entre 12 y 16 por día (sin tener en cuenta contraplanos).  

  El director de fotografía hace varias cosas a la vez. Lo más específico es ser el encargado sobre la calidad de la imagen, hablando con el director sobre cómo se va a narrar la escena para después decidir el equipo de cámara que va a utilizar, ya sea qué lentes, elegir los planos, etcétera. La segunda unidad que está a cargo es los eléctricos, coordinando con el técnico de luz acerca de la iluminación de la escena y la tercera es los grips, la unidad que se encarga del equipo de gripping como puede ser una grúa, dolly, banderas, brazos hidráulicos, entre otros

Eduardo Mateo, el paso por su tiempo

  Eduardo Mateo (1940-1990) fue un músico y compositor uruguayo, uno de los músicos más representativo en la historia de la música uruguaya, desarrollando un estilo muy personal e inimitable de cantar y tocar la guitarra.

  La fotogalería del CdF nace gracias a la admiración de Daniel Charlone por él, finalizando el proyecto cuando vio el documental Amigo lindo del alma (2019). La exhibición presenta distintas fotografías de Mateo entre otros de sus documentos, como letras de canciones, portadas de discos, afiches de espectáculos, etcétera. La propuesta se basa en un recorrido de su vida desde la década del 40 a finales de los años 80 aproximadamente, abarcando una gran variedad de fotografías como por ejemplo fotos de su infancia y juventud, pero sobre todo aquellas que muestran su carrera y el proceso como músico y compositor.

  Algo que me sorprendió fue ver la letra de la canción "Príncipe Azul", canción que recuerdo de mi infancia y que me enseñaban en la escuela, pero aun así no tenía en cuenta que Mateo la había escrito. Realmente me hizo apreciar su influencia e importancia en la música popular de nuestro país.  

Fuente

Ghierra Intendente

  En otra de nuestras visitas, tuvimos el agrado de recibir a Alfredo Ghierra en nuestra clase del 25 de Junio. Alfredo es un artista visual montevideano, con estudios en diversas áreas como cine, arquitectura y bellas artes. Aun trabajando sobre patrimonio y ciudad, charlamos en detalle sobre su proyecto Ghierra Intendente.

  Ghierra Intendente se origina de charlas con Guillermo Casanova, quienes hablaban sobre la ciudad de Montevideo y todo lo que veía en ella, y Casanova le decía bromeando que debería ser intendente. Años después, de esta experiencia surge el proyecto con el fin de alterar las distintas discusiones que tienen los candidatos de cualquier partido político acerca de los temas por los cuales tratan de ganarse el voto de la población. Por lo general, en cualquier campaña los temas de discusión son aquellos como "Voy a barrer más, asfaltar e iluminar más". Ghierra lo asemeja a que sí un grupo de médicos se reuniesen a decir "Yo voy a curar", explicando que siempre se discute sobre lo obvio que tienen que hacer, y que no se debería de discutir. Al gastar todo el tiempo en lo obvio se va perdiendo el espacio para imaginarte sobre demás cosas y aquí es donde este proyecto artístico entra en juego.

  La primera exhibición fue en 2010, una segunda cinco años después y la edición de 2020 sería la tercera. Estas tienen muchísima influencia en el público y más que nada por las redes, que juegan un rol fundamental. Ghierra comenta que cuando se creó una cuenta en Twitter, su encargada de redes habló con varios contactos avisando que iba a lanzar su primer tweet cosa de que el impacto fuese notorio y desde entonces nunca paró, cosa que nunca creyeron que iba a suceder. Similar al personaje de Ricardo Espalter "Pinchinatti" — que por igual parodia las campañas políticas y critica a los candidatos, llevando a un extremo generalizando lo que hacen todos los políticos— como que de una forma ocuparon un lugar que estaba "vacio", ya no eran un grupo que divagaban sobre la ciudad sino que ya era un interés de cientos de miles de personas.

  El sistema político reacciona a los grandes números y no a la sensibilidad/sentido común ante la belleza de edificios. Habrían de demoler un edificio aunque sea hermoso porque da trabajo, tiene mucho dinero, etcétera. Eso sí, esto cambia si descubren que hay miles de personas oponiéndose por las redes a la demolición del edificio. Lo que empezó siendo un proyecto artístico se transformó en un proyecto de arte político apartidario el cual intervenían mucha gente capaz, demostrando una profundidad en su excelente formalización y contundente contenido. Ghierra nos ilustra que hasta políticos han contactado con él porque ven en ese proyecto una incidencia que no pueden tener.

  El proyecto desde el arte y la ciudadanía va demostrando que con el poder que tiene la sociedad civil se puede incidir y hacer cambios en un sistema de partidos por más antiguo e importante que sea, como es el caso de Uruguay. Uno de los movimientos más extraordinarios últimamente es el feminismo, no hay ningún partido detrás de esto, es simplemente la gente que está por encima de ellos. Al final del día, lo que hace una ciudad es la gente que habita en ella y hay mucho potencial trabajar desde este lugar que descubrieron o fueron creando con el proyecto.

  Finalizando un poco sobre el proyecto, Ghierra pasa a hablarnos un poco sobre su opinión respecto a discusiones como decir si un lugar es lindo o no. Él vivió en San Pablo por un tiempo y su primer impacto de la ciudad es que era la más fea del mundo, sin embargo, con el correr del tiempo se hizo amigos, redes, se enamoró y en un cierto día no la vio más fea como cuando llegó, porque la ciudad es la gente— aunque ciertas cosas le seguían pareciendo terribles como el transito, la mugre, entre otras. Por otro lado, vivió también en Venecia y su primera impresión es que era la ciudad más linda del mundo. Con el paso del tiempo, su belleza estética no bastó como para permitir una vida favorable en ella. Venecia es una ciudad que ya no es una ciudad, pasó a ser un museo o un parque temático.

  Siempre que exista una regularidad y armonía es fácil de encontrar cierta belleza arquitectónica, por ejemplo, la Avenida 19 de Abril que tiene casas todas con cierta altura, con jardines, proporciones entre el volumen y la calle, etcétera. Por otra parte está Fernández Crespo, que como no se cuidó se fue degradando y entre varios intentos de modernizarla se termino estropeando. Es difícil ver su belleza porque se rompió la armonía.

  El patrimonio tiene mucho más que ver con el futuro que con el pasado, hay que pensar en el patrimonio arquitectónico de la ciudad como un regalo de generaciones anteriores y, respetuosamente, darle la vuelta para darle a una construcción una vida posible. La mayoría de casas de la ciudad no pasan de los 80 años de antigüedad, pero aun así son demolidas por cuestiones económicas. En síntesis, hay un problema político y una legislación que está permitiendo que estas cosas ocurran que desde luego no favorecen a lo mayoría si no un grupo en específico.

Archivo Fotográfico del CdF

  En la clase del 18 de Junio, nos visitó el fotógrafo Gabriel García y archivóloga Ana Laura Cirio, quienes trabajan desde hace tiempo en el Centro de Fotografía de Montevideo (CdF). Con una presentación nos explicaron sobre el centro en sí y su archivo de fotografía.

  A principios de 1900, la oficina origina de la comisión municipal de fiestas, donde la Intendencia de Montevideo comenzó a contratar fotógrafos independientes para en un principio hacer un registro de la ciudad. Al comienzo se basaban en torno a la promoción turística (playa, carnaval...) y más adelante expanden su registro a la urbanización de la ciudad.

  A finales de los años 90 se comienza a gestar un proyecto de atender necesidades de conservación y preservación a largo plazo de fotografía. En 2002 se independizan ya como el centro de fotografía y empiezan a ampliar su línea de trabajo, gestando un proyecto de formación, contactándose con conservadores de distintos países para poder aprender y establecer varios criterios en su sistema de trabajo.

  El modelo de gestión de archivo en el que se basan está compuesto por cuatro ejes tanto conceptuales como prácticos. Cada uno de los ejes tiene que estar en equilibrio, los cuales requieren la misma atención para que estén accesibles.

"Modelo para la Gestión de Colecciones" nombrado así por Fernando Osorio

  El control físico representa la materialidad de los objetos, su identidad y limpieza. El control intelectual es la organización del archivo y descripción a nivel de contenido. El almacenaje es el centro del modelo debido que su objetivo número uno es la preservación a largo plazo. Por último, el acceso es cuando (según los otros ejes) están en condiciones en dar acceso el archivo al público.

  Gabriel y Ana nos comentan que en el archivo organizan su cadena de trabajo en tres áreas: conservación, digitalización y documentación. El área de conservación se encarga de analizar los deterioros que presenta cada una de las fotografías. Utilizan un "mapa de deterioro" donde se traza a mano alzada el espacio afectado, codificado con números. Cada número representa un cierto deterioro , registrado en una lista que han elaborado a lo largo de los años.

  Al digitalizar se obtiene un archivo digital maestro que recoja toda la información posible de la fotografía original, con parámetros que han ido evolucionando a lo largo del tiempo. Hay ciertos deterioros que no se excluyen en el proceso de digitalización, como pueden ser roturas de vidrio, porque estos hacen la historia de la fotografía. La fotografía es sometida a un densitómetro, que permite medir la densidad de los grises del negativo y se incluye en una escala de 22 parches de grises.

  El archivo digital se guarda en un disco duro y otros respaldos, y se guarda el negativo en formato .TIFF sin tener ningún tipo de compresión, perdida de información o ajuste de parámetros. Una vez digitalizado no hay necesitad de digitalizar el original de nuevo, y se guarda definitivamente en la cámara de conservación.

  Las fichas de descripción siguen la norma NUDA (Norma Uruguaya de Descripción Archivística) cuya propuesta es estructurar la información en determinadas secciones para identificar la fotografía, como pueden ser un área de contexto (para saber más sobre el autor, productor, historia archivística), área de contenido, condiciones de acceso y uso, etcétera.

Patrimonio Uruguayo

  El miércoles 10 de Junio tuvimos el agrado de tener a Rosario Castellanos en nuestra clase por zoom para pensar en patrimonio y en arquitectura, y conversar sobre esto. Rosario estudió arquitectura y es periodista, y ha trabajado en el museo histórico y en el museo nacional de artes visuales. Su sensibilidad por el patrimonio surge relacionado a asuntos que tiene que ver con la ciudad, ella dice estar "enamorada" de Montevideo y en general le gusta todo lo que en ella encuentra en sus diarios recorridos. Sus influencias fueron su padre, la facultad de arquitectura, y también que por años fue alumna de Juan E. Pivel Devoto.

  Rosario remarca que todo aquello que nos identifica a un grupo de personas o a un país, se podría considerar que es parte de su patrimonio. En este caso, el patrimonio arquitectónico sería un aspecto de lo que vamos a hablar. Rosario cree que se menosprecia lo que se ha hecho por esta ciudad, en particular, la labor de los arquitectos con los cuales hemos sido particularmente ingratos, y apenas se habla de ellos y la poca representación que se les da. Hay una gran cantidad de arquitectos uruguayos que no se les ha dado exposición en comparación a aquellos que se les ha dado mayor importancia que salieron al extranjero, y con suerte otros países también le sumarían importancia a los arquitectos.

  Hablando sobre los estilos arquitectónicos repetitivos de la ciudad, dijo que todas las épocas han tenido su arquitectura de gran calidad. Por ejemplo, la arquitectura de la época colonial le parece espectacular y siente que tenemos muy pocos ejemplos. Todo el neoclásico de la época de Luigi Andreoni cree que es una maravilla. Por otro lado, el Art Deco ha dado ejemplos realmente notables, como la arquitectura náutica que representa el Yatch Club de Montevideo. Varios arquitectos interesantes han saltado a la luz dependiendo de la época, además, hay patrimonios que corresponden a ciertos años. Por esto, a veces los valores que comparten arquitectos no son los mismos que los valores que vecinos reaccionan ante la demolición de algún edificio querido.

  Toda época debe agregar su propia identidad. Un ejemplo clave que Rosario menciona es la reconstrucción de la catedral de Notre Dame. Los parisinos adoran el techo y la aguja que agregó Viollet-le-Duc, sin embargo hay arquitectos modernos que plantean un techo transparente. La opinión de los parisinos es tan importante como es la de los arquitectos y hay que tener en cuenta que lo contemporáneo debe ser contemplado, siempre que sea de calidad, como algo que se agrega a cualquier obra.

  Hay lugares en los cuales construir un edificio está interesante porque revaloriza un determinado barrio que se encuentre en pobres condiciones. Aun así, siempre hay que pensar y tener en cuenta en lo que ocupaba el lugar anterior. Por ejemplo, como no tiene sentido que se haya demolido unas casas en el barrio Palermo en buen estado solamente para levantar un edificio. Otro argumento que arquitectos emplean es que tiene que ver con un determinado ejemplo de arquitectura que pierde sentido cuando el tramo pierde sentido. Pero Rosario repite una vez más que le cuesta y prefiere ver lo que había antes para opinar sobre los edificios a construir. La rambla de Punta del Este o Piriápolis vemos más ejemplos de esto, donde se encontraban hermosas casas en perfecto estado, se ha ido destruyendo paisajes solamente por levantar grandes edificios. Los arquitectos siempre se opusieron a los cambios y hay mucha culpa política por un lado, que no le han dado a los arquitectos la importancia que su opinión tiene en estos temas, realmente es trágico que se haya pasado por alto todas las opiniones técnicas, afectivas y emotivas, en especial porque los razonamientos dados para justificar las decisiones respecto al patrimonio son absurdas, como que todo era para "dar trabajos". Muchas veces el inversor piensa más en la ganancia que en la calidad que ofrece.

  Debería haber algún tipo de "protección" para estos edificios antiguos, pero en Uruguay estaríamos muy lejos de obtenerlo. En este país las propuestas no están bien planteadas para una protección eficaz del patrimonio, aun así no se deben demoler, si no que transformar aquellos edificios que perdieron el sentido que alguna vez tuvieron. Por ejemplo, el Edificio Pablo Ferrando y la Casa Mojana, que en su momento eran edificios para comercio y hoy por hoy se reutilizan para otra cosa. Hay que perder el concepto de maldición de estos edificios solamente porque no lo podes vender y más bien pensarlo como un valor agregado, y debería favorecerse para que se colaborara con el mantenimiento y otras medidas.

  El uruguayo tiene que entender que tiene un patrimonio que debe conservarse, porque a la larga es parte de lo que atrae a quienes nos visitan y entonces deberíamos mostrarlo. Otro ejemplo es el Centro Cultural de España. Estos edificios aun tienen muchas cualidades que ofrecer, aun así son inevitablemente reformados y acondicionados para las nuevas necesidades y para lograr un ambiente más acogedor y más agradable.

  Otro ejemplo que se habló fue el Dique Mauá, que se encuentra sobre la rambla sur del lado del mar, donde originalmente se ubica una compañía de gas. Rosario comenta que el espacio que abarca este lugar es mucho más grande de lo que uno ve por afuera, y que previamente se han propuesto distintas ideas para modificar este lugar, como puede ser un museo, una plaza recreativa o hasta una terminal de buquebus. Sin embargo, ninguna de estas se ha transformado en una realidad. Por otra parte también se habló un poco de la parte privada de la rambla que sería el puerto, lo cual que sea privado es totalmente entendible ya que después de todo es un puerto comercial (no como el puerto de Punta del Este, que es un puerto deportivo), y hace a nuestro país más productivo al ser exportador y es necesario. Esto no quita el hecho de que el resto de la rambla tenga su belleza propia.

  También está la Casa Vilamajó diseñada en 1928 con la forma de agarrarse al paisaje. Tiene un valor excepcional, ya que en un terreno mínimo se logró en cuatro plantas todo un desarrollo para una familia entera y fue la primer vivienda moderna que se abrió como una casa museo en nuestro país. Además, logró un espacio exterior separado de la calle hasta el día de hoy, lo cual tiene un insólito valor que no lo logra cualquier arquitecto.  

Festival “Feel Good”

Festival Iberoamericano De Cortos "Sentirse Bien"

  Este festival, organizado por la Asociación de Agregados Culturales Iberoamericanos (AACIA) en Estados Unidos, se realizó de forma virtual desde el 29 de mayo al 7 de junio, transmitido en línea a través de redes sociales y una plataforma web con alcance ilimitado. La programación está compuesta de 18 cortos de 15 países iberoamericanos, el cual el objetivo es promover el arte y la cultura de paises de Iberoamérica. En nuestro caso, el cortometraje de terror "La Inquilina" del director Raúl Pierri, fue seleccionado para participar del festival en representación a Uruguay.

La Inquilina (2018)

  En el principio del corto se presenta a Susana, una agente inmobiliaria quien espera y recibe a una mujer interesada en un apartamento de Montevideo en alquiler. A lo largo que recorren el lugar, Susana hace comentarios respecto al edificio mientras que a la mujer parece despertarle algunos recuerdos esta visita. A lo que se desarrolla la historia, se revela un triste secreto que esconde el apartamento. Cuenta la leyenda que en este apartamento vivía una cantante de ópera con su amante, sin embargo el esposo de la amante se entera y prohíbe su relación, al final la artista se deprime y se terminó ahorcando. Esto es simplemente una leyenda urbana, pero en eso Susana recibe una llamada y nos enteramos que quien estaba llamando todo este tiempo parece ser que era la mujer que estaba esperando en un principio, para avisar que no podía ir, y que la mujer visitando en realidad no era ella si no la cantante de ópera, que ha regresado a visitar su apartamento y sus pertenencias.

  En general, a nivel producción está adecuado. La actuación fue correcta y creo que la banda sonora acompaña bien la trama a medida que el corto se desarrolla. La historia por otra parte siento que es bastante simple y predictiva, pero aun así por cómo representan los personajes lo distingue bastante de otras historias "genéricas". A mi parecer capta bien la "esencia uruguaya" y creo que fue una buena elección para representar a Uruguay en el festival, aunque no sabría decir con certeza ya que no consumo prácticamente nada de cine uruguayo.

  Para ser el primer trabajo de Pierri como director, el cortometraje está bastante bien hecho. Siendo del género de terror, Pierri comenta que el corto "tiene un enfoque más humano, no es un terror tradicional que busca hacer saltar al espectador del asiento, sino que tiene una historia más oscura”, lo cual quizá pueda dar falsas expectativas al esperar algo según el género, sin embargo yo creo que hizo la historia más atrapante e interesante. Pierri ha participado en varios festivales con "La Inquilina" y ha ganado distintos premios, por ejemplo el premio al mejor cortometraje uruguayo en el festival Montevideo Fantástico 2019 y también en el Festival LatinUy 2019 de Punta del Este, entre otros.

Fuente

Archivo Fílmico de Cinemateca

  En la clase del 4 de Junio, tuvimos el placer de contar con la asistencia de dos funcionarias quienes trabajan hace muchos años en Cinemateca Uruguaya para hablar un poco sobre el archivo fílmico que poseen. Recibimos a María José Santacreu, coordinadora general, y a Lorena Pérez, archivóloga y quien gestiona el archivo fílmico.

  El archivo fílmico de cinemateca en un origen surge de la formación de dos clubes de cine los cuales tenían una dificultad que era que no conseguían copias de películas. Se enteraron que la federación de archivos fílmicos les prestaba películas si estabas afiliado a la federación y si eras una cinemateca. Entonces, en 1952 se funda Cinemateca Uruguaya y los dos cine-clubes ahora recibían películas y decidieron juntarse para armar un archivo.

  Nos comentan que tuvieron un director muy importante, Manuel Martínez Carril, quien se incorporó en 1960 y juntaba con devoción todas las películas que pudiera conseguir. El archivo comenzó como un proyecto de aficionados a la cinematografía, sin embargo en el transcurso del tiempo comenzó a crecer y el manejo ya pasó a ser algo más importante y profesional. Hoy en día se transformó en un edificio que tiene su propio sistema de refrigeración y métodos de control de humedad para la preservación, y presentan distintas bóvedas con una colección de más de 20 mil películas. Así como cinemateca se encarga de la conservación & el cuidado de las películas, también tienen salas dónde exhiben estas mismas.

  Se hablaron de varios asuntos, como puede ser sobre la conservación en sí, cómo se gestiona el archivo, información de las películas, etc.

• Para verificar el estado de las películas y ver si están disponibles para proyectar, hacen una inspección visual en una mesa de revisado, que es una mesa con dos rodillos, en donde pasan la película. Es más fácil de detectar si hay deterioro de color porque las películas de acetato están hechas con tres capas de colores, y van perdiendo estas capas. También otro proceso es ver que la película no este contraída y que no tenga muchas pegaduras que haga perder la continuidad de la película; esto se hace en una mesa especial donde pasan todo el rollo y revisan toda la película, lo cual prácticamente se hace al tacto. Por otro lado, las películas que tienen y que son de exhibición, cada vez que se exhibe un 35mm se va desgastando varias veces y hasta se puede llegar a romper, dilatar o contraer. Previamente a proyectarla tienen que saber que no va a haber ningún problema con la proyección de alguna película, y comentan que tienen una base de datos en donde van actualizando los estados de todas.

• Por otra parte, Lorena nos cuenta sobre cómo no todas las películas pueden llegar a proyectarse por sus condiciones, en el caso del soporte fílmico de acetato, este ya tiene una descomposición natural que muchas veces aunque lo tengas en las mejores condiciones, va a tener deterioro, esto pasa sobretodo en varias que se han pasado ya muchas veces.

• Las películas dependen mucho sobre todo de la manera en la que fueron reveladas al producir la película. Un ejemplo que surgió es que tienen material de los años 40 y 50 en perfectas condiciones y sin embargo, cosas de los 80s con más problemas. No es solo el soporte plástico en sí que determina la duración de un rollo de película, sino que también los procesos químicos que fueron expuestos para hacer la película.

• Para la digitalización de los materiales más antiguos compuestos por soporte nitrato se requiere un proceso larguísimo. Dependiendo de cómo esté la copia, se podría hacer un telecinado, que es proyectar la película y firmar la proyección. Cómo antes se dependía de cinematecas de otros países para hacer esto, al mandar la copia asumían un montón de riesgos del patrimonio que pudiéndolo hacer acá no ocurriría. Es por esto que hace cinco años atrás junto al instituto de cine y otros archivos, pudieron generar un sistema de escaneo de películas que escanea a resolución 4K y poder comenzar un proceso de digitalización en alta calidad de materiales uruguayos.

• Los orígenes de cada película que ingresó al archivo son diversos, por ejemplo una de ellas son aquellas que han comprado porque creían que eran valiosas en el momento que se habían estrenado. El formato 35mm no era comercializable, los estudios al igual que productoras independientes lo empleaban como propio, pero aun así no se podían comprar. Las copias iban al cine y después de que se proyectaban se destruía la copia porque la industria no quería tener completo dominio de las películas, por eso los estudios empezaron a poner más firmeza en este dominio de las copias y la compra pasó a ser más difícil. Aun así, los archivos fílmicos fueron consiguiendo esas películas. En el caso de nuestra cinemateca, un hombre llamado Víctor traía contrabando de películas de Paraguay, que estas copias en un principio tenían que ser destruidas pero el distribuidor original nunca las destruyó. María comenta que para basarse en elegir las películas que disponen tiene una parte muy profesional pero otra también de negociación a la hora de la compra.

• Tienen tres vías de ingreso de películas: una es por deposito, que se trabaja mucho con realizadores uruguayos y películas de soporte fílmico, en la cual para que estén en un lugar con mejores condiciones el realizador ingresa la copia a cinemateca solamente para que la custodie, al seguir siendo de ellos bajo un acuerdo se podría exhibir. Otra es por compra, que puede ser comprar un título por contrabando o también existían remates de películas en condiciones decentes. Y por último con donaciones entra mucho sobre lo que eran las embajadas y también donaciones por parte de familias de algún coleccionista que haya fallecido, y podes encontrar entre distintas cosas materiales nacionales, familiares, registros, etc.

• En el archivo trabajan mucho con el material uruguayo, aunque si bien principalmente se dedican a la exhibición de películas a lo largo de la historia, también el archivo toma un rol para la sociedad uruguaya que es el de empezar a conservar lo que es la "memoria uruguaya". De cierto modo tienen una responsabilidad del patrimonio nacional, donde hacen más hincapié en procesos de conservación, restauración y digitalizaciones la parte nacional.

• Se habló de las razones por las cual preservar el archivo, y una de ellas es que hay un tema de patrimonio, de historia nacional, que sin los archivos no se podría dar estos procesos. Gracias a que podemos recurrir a información tanta fílmica, como sonora o con textos, podemos entender cómo se captaba la realidad y sin estos registros es muy difícil generar una identidad cultural o de nación. Lorena destaca los noticieros uruguayos, que al verlos vas descubriendo cosas que pasaron en otros países que esta información no se encuentra en otro lado y podes ver otros puntos de vista. Sin todo esto que los archivos proveen es difícil generar una memoria o una identidad colectiva del país, y por esto defienden mas allá de la parte cultural y de la formación del público, el patrimonio es importantísimo para los países.

• Uno de los desafíos del archivo es buscar fondos para mejorar la conservación del soporte fílmico, ya sea nitrato, acetato o poliéster. Aparte de esto tienen todo lo que es analógico que es una producción bastante importante del Uruguay debido a que en los años 80 y 90 se filmaba mucho en los formatos beta y U-matic, que en su entonces era el formato más accesible pero hoy en día el más complicado de preservar. Por otro lado también está la búsqueda de fondos para hacer proyectos y tener mejores servidores donde puedan guardar los materiales digitales.

• Por último, se hablo de algo bastante interesante y es saber cuándo se deshacen de alguna película. En el archivo tienen dos criterios que dependen básicamente en lo que es nacional o si es internacional (en este caso, comprueban cuantas copias existen). No eliminan películas como corresponde, pero si tienen una separación se títulos extranjeros que se sabe que no son copias únicas y están en deterioro y sin condiciones aptas para proyectarlas. Las pasan a otro lugar con menos condiciones de guarda principalmente para hacer espacio para aquellas películas que son nacionales o que si se pueden exhibir. Siempre hay una diferencia de visiones desde el rol que tiene un archivólogo, ya sea tener el concepto de patrimonio o el de archivo y cuidado de los materiales.

En el único caso que si han tenido que eliminar en el momento es con los soportes nitrato, que al ser los más antiguos si están muy deteriorados prácticamente no se tiene imagen y optan por deshacerse de ellos.

about books

  En esta ocasión, leímos el texto "No hay nada más efímero que los soportes duraderos". Este texto es un fragmento del libro "Nadie acabará con los libros" de Umberto Eco & Jean-Claude Carrière, y se nos plasma una conversación entre ellos y Jean-Philippe de Tonnac. Más o menos, se nos cuenta un poco sobre la durabilidad de soportes para almacenar información y cómo estos, que en un entonces se aseguraban como la única y mejor manera para conservar ciertos datos, a lo largo de que la tecnología avanza van perdiendo uso. Inventos como disquetes, CDs, cintas de VHS, entre otros, han pasado a ser historia por la digitalización y por el surgimiento de medios más eficientes y más avanzados. Sin embargo, un elemento que su presencia aun transcurre a lo largo de los años son los libros (y otros manuscritos). Así como el título lo insinúa, los libros y su vigencia realmente son los que más perduran en el tiempo y siempre fue una de las cosas que más se han preservado a lo largo de la historia.

  A partir de esta lectura, la consigna fue pensar en un libro querido y preciado, en el que tengamos en nuestras mentes al leer el texto. En mi caso, yo elegí la novela The Lightning Thief (El ladrón del rayo) escrita por el autor estadounidense Rick Riordan y publicada en 2005.

  Este libro fue uno de los primeros libros que leí, hace diez años atrás aproximadamente, y esta es una de las razones por la cual lo atesoro y lo elegí. Diría que éste despertó mi interés por la lectura. El libro trata sobre Percy, quien se entera que es hijo de Poseidón y a la vez, le acusan de haber robado el rayo de Zeus y emprende en una misión para encontrarlo. Siempre me llamó la atención la mitología griega y por esto mismo me encanta este libro, al igual que toda la saga de Percy Jackson & los dioses del Olimpo. Creo que Riordan hace un buen trabajo en escribir esta gran historia y también aprecio mucho por su parte la representación en sus personajes.

Balance

  Balance es un corto animado en stop-motion, dirigido por Christoph y Wolfgang Lauenstein en 1989. En este corto vemos cinco hombres encima de una plataforma flotando, quienes tendrán que actuar juntos para contrarrestar sus pesos y que la plataforma, como sugiere el nombre del corto, quede balanceada.

  Al comienzo los hombres se mueven en perfecta sincronización desde el centro de la plataforma hacia los extremos. Los cinco hombres hacen lo mismo e incluso todos son iguales, lo único que los distingue unos de otros son unos números que tiene cada uno de ellos tienen en sus espaladas. Cuando todos se ponen a pescar, el hombre número 51 consigue del vacío una caja de música, la cual interrumpe el balance de la plataforma y los hombres tienen que contrarrestar su peso, sin embargo se pierde completamente la coordinación que había entre ellos debido a que cada uno quiere escuchar la caja de música. Cada uno movido por su propio interés los lleva a pelearse entre ellos para quedarse con la caja, lo cual hace perder el equilibrio de la plataforma hasta que todos se caen menos el hombre "23". Siendo él el último en pie junto a la caja de música, la única manera en la que se restaura el equilibrio es el estando en el otro extremo de la plataforma, opuesto a la caja de música sin poder siquiera escuchar su música.  

  La manera en la que interpreto el cortometraje es como una crítica a la codicia del hombre. Muestra la necesidad de la cooperación y lo que pasa cuando uno se pone por encima del bien del grupo. Pensando en la plataforma como una sociedad, todos ellos coexistían con el mismo fin de mantener la plataforma en equilibrio. Sin embargo una vez que la caja aparece se desata un caos entre ellos. La caja vendría siendo una representación de dinero, bienes materiales u otros símbolos de riqueza. Aparte de esto, lo más lógico sería que la caja se ubique en el centro para que no solo la plataforma este balanceada si no que todos puedan escucharla, o de otra manera, distribuir estas riquezas. Aun así esto no parece importarle a los hombres y al final, todos fueron condenados por su egoísmo. Todos se caen de la plataforma menos "23", quién después de todo no sale victorioso, siendo en vano todo el esfuerzo que hizo para quedarse con la caja de música que no podrá escuchar.

  Y como comentario final, me pareció interesante el diseño artístico oscuro y casi-tétrico que tiene el corto. Creo que esta estética ayuda a transmitir esta idea de una alegoría de la condición humana respecto a su avaricia. Y también que los personajes no interactúen entre sí sirve para que surjan distintas interpretaciones según el espectador.