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InMune, la máquina musical vuelve a estar en marcha
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Vuelvo a ponerme en contacto con el gran maestro Morti, para que en esta ocasión nos cuente todo acerca de las novedades sobre la banda InMune y sus próximos conciertos. También conoceremos a los nuevos integrantes de esta banda que está de vuelta, más InMune y fuerte que nunca.
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*Fotografías de: Irene Kilmister, Jaume Estrada, Manuel Rubiales y Ruth Moreno.
InMune, la máquina musical vuelve a estar en marcha
El pasado 23 de Abril, InMune volvió a dar un primer concierto en mucho tiempo. Sin duda alguna, para los fans ha sido un esperadísimo regreso, pero, ¿cómo ha sido para vosotros estar de vuelta en el escenario?
Morti (InMune): Ha sido como reconectar con esa parte fundamental de lo que considero que es lo que, en algún sentido, le da también razón de ser a lo que hacemos.
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Un proceso que se había interrumpido en lo que fundamenta la experiencia de catarsis que se produce con un público presencial a la hora de compartir una materia tan emocional como lo es la música. Volver a esa emoción es básico para celebrar que estamos vivos.
Ramón Gulín (InMune): Para esta pregunta, y como nuevo integrante de la banda, responderé de manera personal.
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Para mí ha sido una vuelta a los escenarios muy especial, ya que he estado, por motivos personales, fuera del circuito de directos desde el 2014. El hecho de volver a tocar en vivo y formar parte de la familia InMune es para mí un regalo. He disfrutado cada minuto del directo con muchísima ilusión, ¡y con ganas de más!!
Además, regresáis con una alineación nueva, más inmunes y fuertes. ¿Nos podéis presentar a los nuevos miembros, por favor?
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Morti: Las nuevas incorporaciones, después de la incomprensible espantada general por parte de los integrantes anteriores, y que se produjo coincidiendo con la llegada del virus, son todo un lujo. El proyecto ha ganado considerablemente en muchas facetas con estos inevitables pero beneficiosos cambios.
No hay mal que por bien no venga.
Ahora contamos en las guitarras con Sergi R. Perea, un primer espada en ese sentido y con un background muy destacado, habiendo militado en las filas de Romanthica, Masterly, y etc. Compartiendo esa área está también Ramón Gulín, que igualmente posee una trayectoria dilatada por su paso y aportación en proyectos como Headtrip, Masterly, etc.
Por otro lado, complementándose con el bajo de Ian García, ha entrado Jordi Riera a la batería, que también cuenta con un currículum muy extenso en cuanto a su participación en innumerables proyectos, haciendo que la base rítmica sea óptima.
La máquina vuelve a estar en marcha.
Estamos convencidos que estas tres nuevas incorporaciones potenciarán aún más en el mejor de los sentidos el resultado de todos los retos que InMune se vaya poniendo por delante.
Ramón Gulín: Mi nombre es Ramón Gulín, nacido en Barcelona y tengo 44 años. Guitarrista y vocalista autodidacta, con muchos años, conciertos y proyectos musicales a mis espaldas, de los cuales destaco a Headtrip y Masterly. Esta última junto a mi amigo y también nueva incorporación en InMune Sergi R. Perea, como vocalista.
En esta ocasión fue un concierto en vuestra tierra, Barcelona, además en un día muy especial como es el día de San Jordi. ¿Habrá pronto más conciertos por el resto de España?
Morti: La verdad es que volver a los escenarios y estrenar la nueva formación un día como Sant Jordi, con todo el significado simbólico que tiene ese día, dio mucho más sentido a la experiencia en sí.
Después de este nuevo punto de partida, la idea es hacer una gira de vuelta a la vida con la nueva alineación para también aprovechar para presentar nuevas sorpresas…
Ya os iremos informando;)
InMune estuvisteis acompañando a la banda HAMLET. ¿Está pensado que hagáis una gira juntos, o sólo ha sido para esta ocasión?
Morti: En principio solo fue para esa ocasión, que nos ha servido para comprobar que la banda está a punto y lista para abordar cualquier compromiso en directo, tanto en formato eléctrico como en acústico, y lo que nos echen.
A mí me ha dicho un pajarito, que no voy a decir quién (risas), que ya tenéis material listo. ¿Para cuándo tendremos álbum nuevo de InMune?
Morti: Más que un álbum como tal, vamos a ir presentando nuevo material, pero de manera fragmentada, o sea, no dentro de un disco conceptual, que es a lo que hasta hace poco obligaba el formato físico.
Las tornas han cambiado, y debemos ser realistas y adaptarnos en ese sentido a los tiempos que corren y a las nuevas maneras de consumir y escuchar música. Paradójicamente, volvemos a la cultura del single.
Se trata de lanzar de manera continuada temas que luego englobaremos en un concepto o retrato sonoro del momento, y que siempre va a darle aún más sentido a la experiencia en vivo que servirá para compartir en directo ese material que iremos publicando regularmente en el tiempo.
El otro día lo comentaba con un amigo, al que le preguntaba si finalmente iba a sacar un disco físico, porque él, en su caso, ha lanzado suficientes singles a lo largo de un año aproximadamente, y que están disponibles en plataformas digitales, pero no está muy claro cómo va a proceder…
Según su teoría, es como tener al público siempre a la espera de algo nuevo, y manteniéndoles, en cierta manera, con entusiasmo durante un periodo de tiempo. ¿Cómo pensáis vosotros que las plataformas digitales afectan, para bien y para mal, a las bandas? Tengo otro amigo que opina todo lo contrario, y como músico y productor las detesta. Literalmente rabia cuando le hablas de Spotify (Risas).
Morti: Es lo que comento en la pregunta anterior. En nuestro caso, creo que lo más inteligente es nadar con la corriente a favor, no contra ella, pues sería una pérdida de tiempo y energía. Las demás alternativas serían ir en dirección opuesta a por dónde van los tiros.
Ahora mismo, el formato para promover, difundir y escuchar música son las redes y plataformas de streaming, y eso obliga a adaptarse a sus reglas y aplicar la teoría de las tres erres (Resistir, recuperarse, reinventarse).
Quien se resista aferrándose a la nostalgia, se quedará por el camino perdido en lo que ahora mismo define la cultura de la inmediatez impuesta por las nuevas tecnologías. Es como pretender volver a fórmulas de consumo obsoletas. Resistirse a los cambios.
Para los que somos de la vieja escuela, los discos físicos o vinilos que de repente se vuelven a fabricar por pura nostalgia, apego o culto al objeto, tienen otra función más allá de la que cumplieron en el pasado. Se han convertido en objetos de coleccionismo, flyers, o material para vender en los conciertos como recordatorio de lo vivido.
La música es información sonora, y el medio, que ahora son las redes, es el mensaje. El instrumento en este caso para llegar a darte a conocer, o compartir lo que musicalmente haces, son las redes, y quien no se sepa adaptarse a ello, pasará al olvido o vivirá en el ostracismo.
Sergi R. Perea (InMune): Darwin: «adaptarse o morir» – El consumo mayoritario de la música hoy en día sucede en formato streaming y a través de dispositivos portátiles. Tiene todo el sentido del mundo el trabajar en ese formato. Una banda desconocida que haga un formato físico (vinilo, LP) y no esté «descargable«, «streamingable«… no existe.
Lo físico es algo coleccionable y fetichista, hay un público también para ello, pero es una ínfima parte del gran consumidor actual. Compartir ambos formatos de manera proporcional debería ser lo óptimo.
Ramón Gulín: En mi opinión, y viéndolo de la manera más realista posible, si no te adaptas a las nuevas formas de comunicación, expansión, redes, etc…, puede ser que resulte difícil llegar a las masas. Sí que echo de menos el modo tradicional de local de ensayo, componer, grabar, disco, giras… Pese a que eso ya hace un par de décadas resultaba también difícil, pero era la única manera que pensábamos que las cosas podrían llegar a dar resultados.
Un proceso largo y duro, pero satisfactorio si como músico amas lo que haces. Apoyo plataformas como Spotify (siempre versión de pago) antes que piratería y demás. Es una buena manera de dar difusión a nivel mundial a nuestra música, y todos a día de hoy sabemos que pese a la poca monetización que puede dar, las bandas con lo que se ganan el pan es con los directos.
Por otro lado, vuelve a haber una gran comunidad fiel a los vinilos y a las cintas de cassette. ¿Qué opináis al respecto? ¿Os gustaría lanzar en este formato?
Morti: Es lo que también te comentaba en la pregunta anterior. Esa comunidad de repente fiel a los vinilos y las cassettes se mueve por puro fetichismo, nostalgia y apego al objeto. Es como una especie de resistencia a aceptar el cambio que está transformando nuestros hábitos.
Sergi R. Perea: Ojalá vuelvan los reproductores de CD portátiles, los walkmans… y ahora que está en tendencia el vinilo, reproductores portátiles de vinilo en formato mochila de colegio, con una batería de litio! Lo dicho, el coleccionismo es maravilloso, pero en el consumo habitual, poco práctico.
Y en cuanto a calidad… hoy en día – a no ser que el equipo de audio y el entorno realmente estén acondicionados – no es perceptible la diferencia.
¿Cómo va a ser la nueva versión de InMune? Además de los cambios en la banda, ¿musicalmente qué vamos a encontrar?
Morti: Lo que siempre ha definido la personalidad del proyecto pero mucho más potenciado.
Hemos ganado con el cambio.
¿Cómo os ha cambiado, como músicos, estos últimos y caóticos años?
Morti: Supongo que a cada cual nos ha afectado de maneras muy concretas. En mi caso he intentado redirigir la mirada hacia dentro para aferrarme a las razones profundas por las que un día decidí coger lápiz y papel, hacerme con una guitarra e intentar hacer una canción.
Ese ejercicio de revisión me ha hecho ser más consciente de lo que verdaderamente me vincula con la música, y me permite tener más mecanismos para poder vencer cualquier visitud o cataclismo externo que pueda hacer tambalear o poner en duda esa cuestión.
La última esperanza para no perder impulso propio en ese sentido reside en uno mismo. Es tiempo de florecer.
Sergi R. Perea: Todo tiene un equilibrio en la vida. La pandemia ha sido una circunstancia terrible, y a su vez ha permitido que artistas (músicos, actores, humoristas…) con mucho que decir hayan tenido su escaparate en las RRSS, y se hayan catalizado carreras que de otro modo hubiese sido imposible, o mucho más difícil.
También el bombardeo de la información y el tiempo que nos ha regalado la clausura han modificado (hablo por mí) las prioridades, y me han hecho poner orden a conceptos que quizá estaban quedando desorganizados en la vorágine del día a día.
El letargo de actividad musical en vivo se vio compensado con una mayor actividad musical en nuestros estudios privados, siendo ésa la ventaja del caos.
Realmente, 2022 está siendo el año de los regresos, bandas que sé que admiras como Korn, Placebo, entre otras, también han vuelto con álbum nuevo, giras, otros se han reinventado lanzando música en estilos totalmente diferentes, arrancando sus carreras en solitario. ¿Cómo pensáis que van a ser los próximos dos / tres años?
Morti: Todo va a depender de si se desencadenará o no la tercera guerra mundial/global, o se nos lleva por delante como especie cualquier otra pandemia provocada por nosotros mismos, y nos extinguimos antes de lo previsto.
La urgencia en todos los sentidos es lo que creo que va a definir el curso y el discurso de todo lo que vaya saliendo a la luz concretamente en lo que a música se refiere. La conciencia de la levedad que siempre hemos tenido unos más que otros, y que se ha acentuado o hecho más obvia con la irrupción del virus, y ahora, con un posible conflicto bélico global a la vuelta de la esquina, va dejando en evidencia que no tenemos apenas control sobre nada.
Pienso que ese factor tan determinante es lo que creo que va a ir definiendo el espíritu con el que se van a ir desarrollando las cosas en ese sentido, no solo en la música, si no en todos los campos que están asociados a lo creativo.
Considero y siento la música como un bálsamo, y así confío que seguirá siendo para aquellos que sigamos encontrando un refugio en este lenguaje universal que en estos momentos, y más que nunca, debería actuar como contrapunto a tanta pulsión de muerte. Algo que triste y lamentablemente define el signo de nuestro tiempo.
Al final, todo depende de lo que busques o le pidas a este medio, y lo que signifique para ti. Entiendo que para mucha gente la música sea solo un elemento de distracción, un ruido de fondo que ayuda a compensar ciertos vacíos o carencias sintomáticas…
Supongo que responde a un tipo de sensibilidad muy concreta la importancia o la consideración que podamos darle en cuanto a la función que cumple en nuestras vidas este lenguaje del alma.
En mi caso, es como un salvavidas en los momentos en los que todo parece venirse abajo. Algo que me vincula con aspectos profundos de mi ser, que me ayuda a entenderme y a no perder impulso ilusionante. Ese hilo invisible al que me sujeto incluso cuando da la sensación de que no queda ninguna esperanza.
Hay una escena en la película “Titanic”, de James Cameron, que muestra a unos músicos que mientras se va hundiendo el barco, conscientes de su fatal destino, siguen tocando a pesar de todo. Esa secuencia podría ilustrar perfectamente esa relación que podemos tener algunos con lo que representa en nuestras vidas la música como antídoto para cualquier muerte.
Con esto quiero decir que, dadas las circunstancias, tal vez ese espíritu debería ser lo que fuera definiendo o condicionando todo lo que vaya manifestándose en adelante en ese ámbito.
Sergi R. Perea: Personalmente no admiro a ninguna de esas dos bandas (por desconocimiento probablemente), pero sí que admiro a los que son honestos consigo mismos y asumen riesgos en sus carreras.
Me gustaría pensar que esta agitación del avispero no vaya a cesar prematuramente. Me estimula ver nuevas propuestas. Últimamente me siento mucho más atraído por la sorpresa que por lo mundano y habitual que, a pesar que esté bien hecho, tiene cierta tendencia a aburrirme.
También tú, Morti, vuelves al escenario junto a Víctor Fraile, y vuestra Onírica Dual, el próximo 17 de Junio en Córdoba. ¿Qué nos puedes adelantar? ¿Habrá más fechas? Me encantaría veros.
Morti: Estaremos como Onírica Dual el día 17 de Junio en Córdoba, el 18 en Jaén, y el 10 de Junio haré como Morti un concierto también muy especial en Madrid junto a Víctor Fraile.
Son conciertos en formato mínimo, que abordan principalmente versiones muy particulares de temas de todos los proyectos en los que he participado y sigo haciéndolo (Skizoo, InMune, FNB, mi proyecto en solitario y Bushido).
En el caso de Onírica Dual, amalgamamos todas esas reinterpretaciones con temas de Víctor Fraile.
Es una oportunidad única para vivir las canciones de manera muy desnuda.
Registro que intentamos que vaya directamente al tuétano o afecte a zonas del corazón y del alma que en sus versiones originales también creo que lo consiguen, pero de otra manera. Además, es una ocasión para vivir una experiencia única en la que pueden haber muchas sorpresas.
Hasta aquí puedo leer. 😉
Y ya, para finalizar, ¿algo que queráis añadir vosotros? De lo que nos podáis contar, contádnoslo todo.
Morti: El ayer es recuerdo…
El futuro una ilusión…
Solo tenemos el aquí y el ahora.
Nos vemos en los conciertos que las circunstancias permitan poder llevar a cabo para celebrar la vida que, en tantos sentidos, tan en juego está en estos momentos.
No dejes para mañana lo que puedas hacer hoy y tengas que arrepentirte por ello…
La frágil levedad lo condiciona TODO.
Ahora más que nunca, toca jugarnos nuestro ser a cada instante…
Es la única premisa posible para poder sobrevivir a tanta incertidumbre y para poder seguir siendo más InMunes y fuertes que nunca.
Sergi R. Perea: Me gustaría aprovechar para agradecer la confianza depositada por Morti e Ian en mi persona para hacer esta labor en InMune, y para expresar mi admiración y aprecio por mi querido Micky Vega, a quien aprovecho para saludar desde este medio que tan amablemente nos cedes buscando el sol en la playa.
Muchísimas gracias por todo.
Bueno, ¿qué os ha parecido esta nueva charla con el gran Morti y compañía?
He de decir que yo ya tengo mi entrada para el concierto en Madrid el próximo diez de Junio, así que pronto más noticias sobre este señor, maestro, músico y poeta, que nos embelesa con sus palabras y su magia.
Ya sabéis que para ser inmunes y fuertes podéis seguirles en todas sus redes sociales: Website, YouTube InMune, YouTube Morti, Facebook InMune, Facebook Morti, Spotify InMune, Spotify Morti, Instagram InMune, Instagram Morti.
¡Hasta la próxima!
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Progresick, New Metal con potencia Punk
https://bit.ly/3azPHR2
Ahora me tomo la tarea de salir en busca de nuevas agrupaciones que persistan en el tiempo y siembren movimientos, tanto de discos como de seguidores, así nutrirse de energías musicales todos unidos.
Los años no pasaron en vano para los países en “vías de desarrollo”, ya que nos amalgamamos de la mano de la tecnología a la Nueva Era y milenio, permitiendo que la creatividad fluya y nos nutra de arte.
En esta travesía sonora, aterrizamos en la ciudad de Cochabamba para conversar con el portavoz de la banda Progresick, quienes vienen a todo ruedo haciendo lo suyo: Metal comprometido desde el valle. Agradecidos por la colaboración y conversación exclusiva para LaCarne Magazine.
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Progresick, New Metal boliviano
Progresick se fundó el 31 de enero del 2009. ¿Cómo nace el proyecto Progresick? ¿Por qué del nombre?
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La idea del proyecto nace por el 2007, cuando los primeros miembros como Daniel Quiroz y Dante Rojas del Colegio Eduardo Abaroa (Cochabamba) sueñan con formar una banda.
El nombre Progresick surge por la estructura de las composiciones, que tienen tiempos lentos y rápidos progresivamente, también por las diversas influencias.
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¿Qué influencias han recibido para darle forma a su estilo y sonido como banda?
Las primeras influencias son el Happy Punk y New Metal de los 2000, luego se va escarbando hacia atrás, recolectando sonidos de los 90’s y 80’s.
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¿Quiénes conforman en la actualidad Progresick y qué instrumentos interpretan?
Progresick la conforman actualmente Daniel Quiroz Diaz en las voces y guitarra, Jherson Ramos Valdez en el bajo, y Ayrton Chávez en la batería.
Observando en su plataforma digital de Spotify, hasta la fecha se han lanzado 4 títulos. ¿Nos pueden comentar los álbumes y años de edición de los mismos?
El 2013 se grabó el primer disco homónimo, Progresick, en Estudios Luna por Erick Lara; en el 2017, el segundo disco, In Nomine Peccatoris, se grabó en Vértigo Estudio por Daniel Quiroga; y los dos últimos, Boulevard 69 (2020) y Coer Brisé (2021), en el Home Studio de Daniel Quiroz Diaz.
Venden Fe
Mientras disfruto de su último EP Coeur Brisé (2021) y me empapo de temas como Fuego, Cuidado, Déjate Llevar y Gobernar, ¿cómo les fue con esta nueva producción? ¿Algunas memorias de su realización?
Prácticamente fueron grabadas en las restricciones de la pandemia, y actualmente se encuentran en etapa de promoción. Sin duda quedamos satisfechos por el nuevo sonido mainstream obtenido, pero también nuestro público más fuerte y fiel fue el metalero underground, por lo cual seguimos interpretando temas de los primeros discos.
Son una banda en Vivo, con más de 120 conciertos por toda Bolivia hasta la fecha. ¿Algún evento o festival que los haya marcado en el Alma?
Dentro de estos conciertos hemos tenido inolvidables memorias, desde los pubs que logramos llenar y algunos que quedaron desiertos de público. Pero sin duda el Rock and Kaj fue el Festival del cual estamos muy agradecidos y realizados por haber tocado para un publico masivo, y compartir escenario con grandes como La Logia, Querembas y Alcoholika L.C.
Dentro de su amplio repertorio propositivo y compositivo, fundamentalmente creativo, ¿qué canciones se han convertido en sus preferidas para interpretar y tocar en directo? ¿Algunas que ya formen parte de su audiencia y público?
Hasta ahora las que más nos han sorprendido por su aceptación por el público fueron Reacciones y Emociones, y Hagamos un Tributo. Son dos temas bastantes crudos que, con riffs pesados y una voz rasgada, el público logra captar nuestra energía y evolución musical.
En su canal YouTube pude disfrutar del videoclip Venden Fe, una propuesta muy intensa que hace frente a los que llamo “traficantes de la fe”, con excelente atino y puesta en escena en la narrativa audiovisual. ¿Qué nos pueden comentar de su producción? ¿Algunas anécdotas de su realización?
Sí, fue un día muy intenso en el cual pudimos hacer realidad nuestro sueño de vernos en un videoclip. Claro que todavía la canción aún es muy criticada y poco aceptada, pero tenemos la esperanza que con el tiempo se convierta en una canción de culto.
Luego de tantos cambios sociales y emocionales debido a la pandemia COVID19, ¿cómo se han encontrado personal y musicalmente hablando?
Bueno, la pandemia fue muy dura para nosotros porque apenas levantábamos vuelo y el COVID nos frenó, pero sacamos provecho de ello grabando nuevo material, y ahora sólo queda difundirlo para retomar ese pequeño escalón que casi más de 10 años nos tomó subir.
Reacciones y Emociones
Con tanta tecnología en la presente era digital que nos ayuda a expresarnos, hay una infinidad de bandas y propuestas musicales para apreciar y adjuntar al playlist. ¿Qué nos sugieren para tomar en cuenta y prestarle colección?
Bueno, de hecho sería recomendarles toda nuestra discografía (jaja), pero a manera de compartir nuestros nuevos hallazgos recomendaríamos Jinjer y The Warning entre las internacionales, y de las nacionales recomendaríamos a Nia Cole.
Han conformado los ratings de algunos programas radiales que hacen su labor cultural y comunicacional importante, apoyando y difundiendo la música de los artistas independientes y autogestionados. ¿Cómo les ha estado yendo con la promoción y difusión de su nuevo material?
Hemos lanzado 3 singles en programas de radio web y algunas de televisión local, con los que estamos muy agradecidos por haber compartido nuestra música, y que ayudaron a subir nuestras visualizaciones en Spotify.
También promocionando vía redes sociales que es lo que más se usa, pero creemos que tenemos una base sólida de seguidores que, aunque algunos no se pronuncian interactuando con nosotros en las redes, vale más su lealtad que los números de reacciones de Facebook. Estamos muy contentos de tener ese valioso público.
¿Alguna cábala o grito de guerra antes de subir al Escenario?
No somos mucho de rituales, pero siempre nos gusta estar entre el público, compartiendo con la gente, disfrutando de las otras bandas antes de subir, y después de tocar volvemos con la gente para seguir mosheando. Esto hasta que la edad nos lo permita (ja ja).
Luego de su trayectoria y experiencia, ¿qué le pueden recomendar a la nueva generación de seres ávidos por hacer música y dedicarse a la cultura?
Lo que siempre recomendamos es la perseverancia y constancia, de sobrepasar esos límites que algunas veces son frustrantes, pero se puede sobrellevar con el tiempo. Tanto de recursos económicos y humanos se puede conseguir de una u otra manera, pensando en la satisfacción de haber aportado a la cultura.
¿Qué es la música para Progresick?
La música es la vibra que no sólo te hace pasar buenos momentos en escenario o escuchando nuestras rolas, también es la fuerza que te impulsa a ser mejor persona en todos los sentidos, y creemos que muchas personas se sienten identificados con Progresick.
En el presente incierto y sus avatares que nos entregan los Estados Profundos y sus controladores, ¿algún proyecto o primicia que nos quieran compartir?
Bueno, la primicia ya la dimos anunciando la nueva alineación de banda, y el proyecto es continuar compartiendo escenario con los grandes del Rock y Metal boliviano. Probablemente nuestro sonido siga cambiando con el tiempo, y quizás hagamos una pausa por los 15 años.
Sus palabras de despedida para la gente que gusta de su música y admira a Progresick, también para los lectores de LaCarne Magazine.
Muchas gracias a LaCarne Magazine, que es un medio que admiramos y respetamos mucho. Estamos seguros que llegaremos a mucha gente nueva, y estamos agradecidos con todos esos lectores que se dieron su tiempo para leernos. No olviden escuchar nuestra música en las plataformas y como siempre ¡hasta la próxima!
Abrazamos con firmeza las potentes ondas musicales de la banda, deseándoles un alucinante retorno a escenarios, y muchos éxitos en el aquí y ahora, así puedan seguir subiendo los peldaños sonoros que se hacen paso a paso con los años, convirtiendo la pasión en una carrera.
Más información sobre Progresick en los siguientes enlaces:
Instragram
YouTube
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Hoo, navegante de la vida musical
https://bit.ly/3Mum4Ou
Luego del Tour Naufragante 2022 que atravesó por Bolivia, donde Hoo estuvo en el foco de la buena onda entre medios y lugares donde se presentó En Vivo gracias al nuevo álbum que nos regaló, Katarsis es su ópera prima, y sus canciones ya conquistaron nuestras emociones melómanas.
Nos contactamos agradecidos con la cantautora mexicana que rompe fronteras y atraviesa con su presencia artística la escuela de la vida por la Madre Tierra, empapándose de culturas y lugares que nos vibran las melodías y versos de sus canciones.
Entre atardeceres y seres, caminantes y navegantes, todos somos uno y aprendemos casi lo mismo, que el amor sea la fuerza. En exclusiva para LaCarne Magazine, conversamos con la naufragante Hoo desde México.
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Hoo, cantautora del Mundo desde México
Autora y compositora, que a inicios del 2022 nos regaló una joya musical. ¿Qué nos puede comentar de su nueva producción, Katarsis?
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Katarsis es mi primer álbum como solista. Todas las canciones escritas y compuestas por mí. Una estrella muy grande que logré alcanzar en mi cielo, algo que quiero compartir con el mundo para decirles que no están solos, que está bien doler, que no necesitamos ser perfectos, y que lo importante es navegar hacia tu estrella, que nada es imposible.
¿Cómo nace y se hace Hoo a la vida musical?
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La primera artista de la que me volví locamente fanática es Laura Pausini con el tema Se Fue, lanzado en 1994. Yo tenía tan sólo 4 años, y cuando mi mamá puso el disco en el CD player, terminaba la canción y yo presionaba el botón con las flechitas hacia atrás para que vuelva a sonar. Hacía eso todo el día, enloqueciendo de a poco a mi madre.
Después conocí a Fey con Azúcar Amargo, y ahí supe que quería ser artista, y con Baby One More Time de Britney Spears terminé de confirmarlo.
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A mis 15 años me invitaron a formar parte de un programa de televisión de música innovador en ese tiempo, Estrellas del Mañana, donde aprendí mucho sobre dominio escénico, canto y empecé a desarrollarme como artista, dando muchos conciertos cada año, presentándome en televisión para cantar cada fin de semana, y siendo jurado durante varios años de concursos de canto. Grabé 2 CD’s con el grupo y empecé a aprender sobre la industria.
¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento? ¿Por qué el sobrenombre artístico de Hoo?
Heidi Mariana Gracia Landaeta, nací en Morelos, México, lo cual recién pude enterarme hace unos meses al obtener mi certificado de nacimiento en México. Siempre pensé que había nacido en el Distrito Federal.
Hoo viene del sonido “ju” en inglés “who” que significa quién. No quería tener un nombre en particular, quería que mis navegantes pudieran fácilmente identificarse conmigo, la persona, y no con el nombre.
¿Qué influencias y referencias han moldeado el estilo musical y artístico de Hoo?
Michael Jackson, Laura Pausini, Fey, Britney Spears, Mariah Carey, Shakira, Thalia, entre otras.
Escuché en alguna entrevista que le realizaron que su madre es boliviana, y por la misma razón lleva a nuestra patria en su corazón. ¿Cómo le fue con el Tour Naufragante que pasó por estos territorios? ¿Algunas anécdotas que quiera compartir?
El Tour Naufragante 2022 en Bolivia fue una experiencia catártica y maravillosa para mí y mis navegantes bolivianos. Me recibieron con los brazos abiertos, y el corazón lleno de emoción. Estuve en Oruro, Sucre, La Paz, Santa Cruz, entre otras ciudades de Bolivia, y cada concierto fue una experiencia inolvidable, por la cual estoy tremendamente agradecida con mi público.
Una anécdota -algo sonrojante- fue que después de presentarme en Sucre, ciudad en la que di 2 conciertos, y con la cual quedé en verdad maravillada por su estilo colonial y su gente, quedé impregnada de este lugar, y al siguiente fin de semana, al presentarme en Oruro y terminar la primera canción del concierto, grité con muchísima emoción: “¡Buenas noches, Sucre!”.
Lo sé, uno de esos momentos de trágame tierra… Pero les expliqué a mis navegantes la situación, y todo continuó genial. Vivimos una catarsis fenomenal juntos, y pronto regresaré a Oruro.
Hoo, van cayendo las hojas del amor
Iniciando el 2022 nos presentó el videoclip Cristales, filmado en el mágico Salar de Uyuni, y contándonos una historia de amor. Hace palpitar el corazón de los seres amados que se van alejando, una verdadera obra de arte que se realizó desde la misma experiencia. ¿Qué nos puede comentar de la presente realización?
Cristales fue el inicio de la concretización de un sueño. Es una canción compuesta en un momento y lugar muy íntimos de mi vida, y el hecho de se incluyera en el álbum y pudiéramos filmarlo en un lugar tan majestuoso y mítico como el Salar de Uyuni, es un sueño hecho realidad.
En la parte técnica fue muy difícil por el corto tiempo, las largas horas de grabación, la temperatura de menos 12 grados centígrados, etc., pero valió la pena totalmente. Es exactamente como lo imaginé y diseñé.
Disfrutaba de su canal YouTube, donde nos ofrece sectores interesantes para viajar por el mundo. Es usted una ciudadana del planeta Tierra, ¿qué lugares le han marcado por esos aventureros destinos que ha recorrido? ¿Algunas anécdotas que desee compartir?
No creo en pasaportes ni fronteras, me considero un ser humano con el privilegio de habitar este maravilloso planeta Tierra que no nos pertenece, y muy gentilmente nos aloja. Un lugar que me marcó fue Israel, por la oportunidad que tuve de conocer y entrevistar a una sobreviviente del Holocausto, Ilana, un ser humano increíble, llena de felicidad y amor al mundo. A sus 96 años ama los dulces y siempre tiene una sonrisa cálida para quien la visite. La entrevista se encuentra en mi canal de YouTube.
También Afganistán, los niños con los que trabajé en un voluntariado cambiaron mi visión sobre muchas cosas, y me enseñaron a reír más a menudo.
Naivasha en Kenya fue muy especial. Una boda a la que asistí me pareció genial, aprendí que está prohibido realizar bodas privadas, se deben mantener las puertas abiertas a la comunidad, por lo que el catering preparó comida para aproximadamente 800 personas, siendo 126 los invitados, y cuando fue la hora de partir el pastel, pues allá no se lo parte, se pasa el pastel en un plato por todas las mesas, y todas las personas simplemente lo toman con la mano porque se considera que en la comunidad son como una familia.
Me pareció genial. Creo que tenemos mucho que aprender de esa cultura aquellos que venimos de Occidente.
La observaba de conductora del programa Bolivia Personalidades, realizando una fundamental entrevista a Rodrigo Grillo Villegas, y en otra producción a Willy Claure. ¿Cómo le fue con esa faceta comunicacional?
Fue una gran etapa de mi vida. El programa lo escribí, dirigí, conduje y edité yo misma. Aprendí mucho sobre edición y producción gracias a eso. Fue uno de los primeros sueños “grandes” que concreté.
Tengo mucha curiosidad por los humanos, cómo funcionan sus mentes, sus sueños y su ser en sí, y el programa me permitió mostrar la valentía, la destreza, la habilidad, la capacidad, y el camino de estos personajes -de diferentes ámbitos-, y enseñar cómo alcanzaron el éxito.
Quería mostrarles a las personas, en especial a la gente boliviana, que sí se puede, y cómo fue que ellos lo hicieron, y que el éxito no es algo reservado para “personas especiales”. Ellos también son humanos con 2 ojos, respiran al igual que nosotros, y a veces caen, sufren y lloran igual que nosotros. Fue un honor poder conocer gente tan especial.
Pude disfrutar del EP Katarsis por completo, y en temas como Otoño y Es Hora me sentí totalmente identificado. ¿Qué nos puede comentar de la temática del álbum y su contenido lírico? ¿Alguna de sus canciones preferidas del álbum para interpretar en vivo?
Pues soy una persona extremadamente sensible y emocional. A veces veo las noticias sobre la guerra o sobre las personas en necesidad al medio día en el almuerzo, y me pongo a llorar. Imagínate lo que siento al vivir un desamor en carne propia (ja ja). Puede ser complicado.
El álbum habla de perder personas en la vida de diferentes maneras. Por ejemplo, Otoño habla de alguien que termina una relación contigo, Es Hora habla de que tú vas a terminar una relación con alguien.
Siempre es una canción que originalmente no pensaba ponerla en el álbum, la compuse como un desahogo y un tributo personal a mi abuelita Ruth, pero terminó siendo una canción sincera y sencilla con la cual muchos de mis navegantes se identificaban, así que decidí publicarla en el álbum. Cristales habla de un desamor, en el que esa persona se ha ido pero aún no por completo, y en el video puedes ver que al final regresa… al igual que sucedió en mi vida.
El contenido lírico es metafórico y poético, como el título Cristales, que representa recuerdos, recuerdos que te atraviesan el alma como los cristales rotos atraviesan la piel. Otoño habla de un otoño emocional, Siempre trata de una ausencia infinita y constante, pero a la vez esto genera una presencia permanente de esa persona al recordarla, y vivir a la altura de sus enseñanzas.
Cristales me encanta interpretarla en vivo, especialmente la versión que hicimos con mis músicos, que es un poco distinta. Tiene mucho poder, y es fácil conectar con la gente porque es muy poderosa e intensa.
Buscando pedazos del corazón
“Las guerras solamente enriquecen a los gobiernos y desangran a la humanidad”, como bien lo dice en la intro del tema Zombie (The Cranberries), una interpretación de suma importancia para estos tiempos que atravesamos con los conflictos bélicos que se hacen primera plana de la opinión pública. Tal es el caso de Rusia, que tiene en la mira a Ucrania, sólo por mencionar una de las contiendas más recientes. ¿Cómo se ha sentido humanamente y artísticamente?
Terrible, es algo que me conmociona y consterna ya desde hace semanas. Creo que las personas que no fueron a la guerra, como la mayoría de los presidentes o la gente común, no entienden la profundidad del daño humano, espiritual y mental que genera una guerra.
Yo no he ido a una guerra, pero realicé voluntariados en diferentes países con refugiados de guerra en diversos momentos, y el sólo ver a estas personas y percibir su energía sin que digan una sola palabra te transmite claramente el dolor y la penumbra que cuentan. Entiendes que vienen de un lugar de mucha tristeza y desolación, y por supuesto que escuchar sus testimonios es desgarradoramente difícil, y te hace ser más humilde y agradecido con tu vida, pero a la vez te hace sentir más frustrado y decepcionado de la raza humana como comunidad.
“Somos navegantes en el mar de la vida, sólo me llevo las experiencias”. En definitiva, Hoo es una navegante por la mar de la vida, como se identifica, y nos brindas muchas palabras de ánimo y reflexión en ese ímpetu comunicacional que caracteriza a las artistas y músicos. ¿Qué evento o Festival le ha marcado hasta la fecha en el Alma?
Mmm… es difícil de decir. Cada concierto es una experiencia muy profunda y catártica para mí. Creo que en particular un concierto que di cuanto tenía 17 años me cambió la vida. Yo estaba pasando momentos complicados en mi vida personal, y recuerdo al final del concierto una fan de 12 años me espero fuera del teatro con sus padres.
Vino corriendo hacia mí y me abrazó tan fuerte, tan intensamente, y me dijo con lágrimas en los ojos: “quisiera ser tú, eres tan esto tan el otro…”, y yo en esos días quería ser quien sea menos yo. Puso en perspectiva muchas cosas, desde cómo nos sentimos por dentro y cómo nos percibe el mundo desde afuera, hasta aprender a valorar más mi vida y las cosas buenas en ella.
Retornando a la melomanía y su colección, en la actual era digital y su infinita creatividad, ¿algunos álbumes o artistas que quiera compartirnos para adjuntar al playlist?
Michael Jackson – Man in the Mirror, Black and White, de Mariah Carey – Heroe, de Luis Miguel – No sé tú, de Andrea Bocelli – Vivo por Ella, de Coldplay – Fix You.
Cristales que cortan mi lienzo
¿Qué consejo les quisiera dar a las nuevas generaciones, en especial de mujeres, que deseen incursionar en el mundo musical y el canto?
Sigan su corazón y su intuición. No importa si eres mujer, hombre, persona blanca, de color, judío, católico, ateo… No importa de dónde vengas, pero tienes un deber y una misión en esta vida. Tu deber es ser feliz, y la fórmula para ser feliz es utilizar tus dones y talentos para alcanzar esa estrella que tanto anhelas, por ti, para el mundo, y tu misión es dejar huella.
No puede ser que vengas al mundo, te vayas, y éste siga igual. Debes dejar una huella profunda y bien marcada en las arenas de la humanidad, algo único tuyo que sea un faro de luz para los navegantes que a veces naufragan en este mar de la vida.
¿Que la vida no es justa? Lo sé, para ninguno lo es. Las reglas del juego están marcadas, y si existe una certeza es que todos vamos a jugar, lo quieran o no, así que puedes jugar quejándote y llorando por la posición que te tocó y dejar que el mundo y su injusticia te dominen, o puedes jugar avanzando hasta dominar tú el mundo. La elección es solamente tuya.
¿Tiene alguna cábala antes de subir al escenario? ¿Un grito de guerra?
Agradezco a Dios y a la vida por regalarme ese momento una vez más.
¿Qué es la música para Hoo?
Es mi idioma, es la mejor forma que tengo de comunicarme y conectarme con el mundo.
Para el resto del 2022, ahora que parece tan dificultoso planificar, ¿tiene algún proyecto o primicia que nos quiera compartir?
Sí, tengo planeado ir a la frontera de Polonia con Ucrania a realizar un voluntariado con los refugiados en Korczowa, y también estoy escribiendo un libro y mi nuevo álbum para el 2023.
Sus palabras de despedida para los y las navegantes seguidoras de Hoo, y para los y las lectoras de LaCarne Magazine.
Gracias por pensar en mí, por escribirme y leerme. Eres un navegante, no importa dónde estés o cuáles sean tus circunstancias. Esa estrella que observas cada noche desde tu corazón allá a lo lejos es tuya, te pertenece, sólo necesitas ir y tomarla. El camino no es fácil, la marea a veces azota, pero eres un navegante, la aventura será fenomenal.
No importa qué travesía escojas, todas tienen obstáculos, tormentas y también días soleados, así que escoge la travesía que te lleve a donde tu corazón indica, y no a donde las expectativas de otros esperan. Todos empezamos de cero, puedes hacerlo, el 50% del camino es la fe en ti y en la vida. El otro 50 es trabajo duro, perseverancia y constancia. Puedes hacerlo, no estás sol@, somos muchos navegando en este mar de la vida, y yo creo en ti.
Apoyemos esta estrella conquistada, la revista LaCarne Magazine, que un día no fue más que el anhelo en el corazón de un niño, una estrella lejana posada en un cielo gigante e inalcanzable, y que hoy por hoy ha sido alcanzada. Abrazo de luz, mis navegantes…
Deseándole un buen camino en el voluntariado por Korczowa, estaremos contentos de escuchar más de la naufragante Hoo, quien también nos promete un libro, algo ya emocionante de sobremanera. Un fuerte abrazo desde Los Andes de La Paz, Bolivia. Éxitos ahora y siempre.
Más información sobre Hoo en los siguientes enlaces:
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Jahlianza Reggae, amor y música en armonía
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Entre búsquedas y acertijos, llegamos a planear con solidez sobre un grupo que nos alumbra sencillez y honestidad en su música. Son varios los instantes que nos irradian luces resplandecientes al apreciar sus versos y melodías, llegando a iluminar nuestro Ser con raíces profundas enclavadas en el amor.
El lanzamiento del primer disco, Musa, se dio en agosto 2019, y desde entonces la banda Jahlianza Reggae ha pisado con firmeza la escena musical que brota desde las arterias urbanas de La Paz, Bolivia.
Contactamos gracias a las redes sociales, y esa eterna inquietud melómana / periodística, con el portavoz y director del grupo, quien, luego de una pausa necesaria, accedió a la entrevista exclusiva para LaCarne Magazine.
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Jahlianza Reggae, con Roots de La Paz
Mientras disfruto de su álbum Musa, y lagrimeo con el tema homónimo del disco, presentado en 2019, ¿cómo se encuentran Jahlianza Reggae en la actualidad musical y personalmente?
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Hola, qué tal? Aquí Tony, vocalista de Jahlianza Reggae. En la actualidad, musical y personalmente nos encontramos en un momento como de reencuentro. Estamos encontrándonos nuevamente después de un tiempo de haber “dejado”, por situaciones de la pandemia, lo que más amamos hacer (que es nuestra música).
Pero otra vez reencontrándonos, retomando los proyectos, los sueños, y con muchas ganas de seguir haciendo muchos más temas y muchas más canciones, y dejando el mensaje de amor y de consciencia hacia todas las personas que nos escuchan. Así que bueno, seguimos con todo. Personalmente nos encontramos con toda la energía de seguir haciendo lo que disfrutamos mucho.
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Empecemos hablando del álbum Musa que los vio nacer, lleno de preciosos temas como Minutos ft. Tierra Alta, irradiando amor en las melodías y letras. ¿Cómo les fue con la presentación y difusión de la canción?
Minutos fue una canción que empezó con un sueño de querer proyectar una melodía, una canción que estaba ahí, y que algún momento quería poder lanzarla con un proyecto musical, así con una banda entera.
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Pues ahí estuvo mi carnal Jotti de Tierra Alta. En ese tiempo fue él que dijo: “bueno, yo te apoyo, hagámoslo”. Yo le mostré una canción que tenía ahí, él también colaboró con algunos detalles que ahora son canción ¿no? En ese tiempo fue muy lindo poder crear esa tema, ya que la banda como tal no existía, solamente estaba prácticamente el director que tenía ganas de crear, yo (Tony).
Y empezamos a buscar músicos de otros proyectos, muchos fueron de Tierra Alta, amigos míos que en ese momento me brindaron su apoyo para poder hacer la canción Minutos, y, la verdad, fue una de las canciones que, hasta el día de hoy, muchas personas la disfrutan. Fue el comienzo de este sueño y proyecto Jahlianza Reggae.
Otro invitado de lujo en el álbum de Jahlianza Reggae es el querido Ras Diego Far I (Illapa), en el tema Esencia Roots, uniendo la Escena local Reggae en hermandad y música. ¿Qué nos pueden comentar de la experiencia?
Para nosotros el simple hecho de poder hacer una canción con una persona con un talento tan innato, tanto amor que le tiene al Reggae Music nuestro hermano Diego, fue alucinante compartir ese momento ahí. La verdad es que nosotros ya habíamos armado la canción y estábamos buscando una persona para que nos ayude a proyectarla con una intensidad más Roots, más fuerte, y ahí estaba nuestro hermano.
Le dimos la propuesta, y él con todo gusto accedió, fue un momento súper alucinante. Le dimos una parte para que él pueda poner su esencia en la canción, una parte compuesta por él. Y luego, al momento de grabarlo y presentarlo en el Teatro 6 de Agosto, fue una de las experiencias súper lindas que tuvimos con nuestro hermano, que ama el Reggae con toda su Alma, como nosotros también. Fue un momento en el cual hemos podido compartir música con emociones encontradas.
Esencia Roots es una canción que, al momento de cantarla y expresarla con toda la banda, es un instante de liberación y de conectar con nuestra raíz, con nuestras roots, y compartir ese momento con nuestro hermano fue alucinante, la verdad. Un placer y gusto enorme tener artistas con esa intensidad de amor, con esa energía que tienen a la música. Una gran canción que logramos con nuestro hermano Diego.
Antes de volver al presente, me encantó la portada del álbum Musa. Por favor, ¿quieren brindarle créditos al autor? ¿Cómo nace el arte? ¿Escuchó su música para la inspiración divina?
Sobre la portada de nuestro disco Musa, el que estuvo encargado y armando este hermoso arte fue nuestro hermano Rubén Royano, justamente nos lo presentó el baterista de la banda en un momento de locura, donde necesitábamos alguien que nos ayudara a imprimir, diseñar y armar.
Juan Daniel lo trajo, nos lo presentó, y se conectó muy bien con la banda. Le pasamos las canciones, y él, más allá de crear la portada solamente, realizó unos diseños específicos que están dentro del disco, que proyectan cada canción.
Cada canción tiene un diseño en particular, entonces fue muy lindo poder trabajar con este gran artista que nos aportó con sus diseños y con su Arte en nuestro álbum, compartiendo este momento con nosotros, que también se involucró de una manera muy profunda, por lo cual estamos muy agradecidos. Hasta el día de hoy, seguimos poseyendo esa gratitud de tener una portada tan bella gracias a este artista.
¿Cómo nace Jahlianza Reggae? ¿Quiénes integran Jahlianza Reggae en la actualidad?
Jahlianza Reggae se funda el año 2017. Hemos tenido varias personas que pasaron por el proyecto. Fue un poco complicado, ya que al momento de fundarla me vine a la ciudad de La Paz. En Oruro tenía tres proyectos que formaba parte…, y al llegar acá empecé de cero. Entré al coro de la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA), donde conozco a un amigo que tocaba batería. Con él empezamos el proyecto.
Jahlianza Reggae actualmente la integran mi hermano Juan Daniel Ramos en la batería, Mr. Sandro en el bajo, Diego Cordero en la guitarra, Daniela Aramayo en la segunda guitarra, compañera nueva que se unió al grupo, y yo, vocalista principal y director / compositor de la banda, Juan Antonio Rocha Fernández, más conocido como Tony Navajas.
Jahlianza Reggae, Sueño Eterno
Bandas como Gondwana, Cultura Profética, Los Cafres, y otras agrupaciones marcan el Movimiento Reggae Latinoamericano en muchos de nosotros. ¿Qué influencias musicales ha recibido Jahlianza Reggae para ganar su sonido y estilo musical?
Hablando un poco de las influencias de Jahlianza Reggae, en realidad creo que cada uno de nosotros va aportando con lo que se ha ido formando, creciendo a la vez ¿no? En este caso, para mí una gran influencia fue Morodo, Movimiento Original (una mezcla de Hip Hop Reggae que me encanta), Maxi Vargas (un gran cantante que formó parte de Gondwana), Vicente García (una mezcla de Reggae con toques de música bien propia de Puerto Rico).
Creo que en cada uno de nosotros ha ido saliendo y mostrando su influencia. En este caso el guitarrista Dieguito tiene una influencia más roquera y a la vez un poco más Tropical, a quien le gusta la Cumbia. Juan D. Ramos tiene una onda más reggaera, un estilo más de Ska, le gusta mezclar algunos géneros, al igual que el bajista. Todos hemos ido aportando nuestras influencias, y de ahí va saliendo Jahlianza Reggae.
Eternos enamorados los artistas y letristas, enredados en el amor y su desamor, pude disfrutar en el canal de YouTube de Jahlianza Reggae del videoclip Última Vez, que me sigue llenando de energías ineludibles, que hacen sentir su obra cálida y llena de colores. ¿Qué nos pueden comentar de esta obra visual? ¿Algunas memorias de su realización?
Hablando un poco de Última Vez, fue y es una de las canciones más sentidas de la banda. Nos encanta poderla cantar en vivo, ya que muchas personas se conectan con la misma y podemos sentir esa conexión. Hace mucho tiempo quisimos lograr este arte visual, y pudimos buscar los medios para poderlo hacer.
En este caso estaba involucrado mi hermano Goltran Villavicencio, que es un artista que se dedica a la fotografía, pero nos colaboró a crear el video. Última Vez nos ayudó mucho a poder dar ese mensaje de amor, de agradecimiento, de soltar y amar al mismo tiempo.
Justamente nos tocó pasar una situación fuerte con la banda. De hecho conmigo, ya que tenía una compañera que tocaba con nosotros, ella se llamaba Roxana Vargas, y falleció por problemas de salud. Falleció muy joven. Ella tenía apenas 21 años, y esta canción la pudo disfrutar ella también, y siento que fue para ella posteriormente. Con todo el amor y todo el corazón de Jahlianza se la dedicamos a nuestra querida hermana Roxana.
Jahlianza Reggae forman parte -para mí- de la Nueva Ola de Música hecha en nuestras tierras, emergente aproximadamente a partir del 2015, donde el talento es innato y su actitud, la de sabios conocedores de las artes. Presentaron su nuevo y segundo álbum estrenando No me Sueltes, single promocional del álbum. ¿Qué nos pueden comentar de su material?
Muchas gracias por formarnos parte de este Movimiento, que para nosotros -la verdad- es algo muy lindo el poder formar parte de la música y aportar también con lo que amamos hacer. El segundo material que hemos lanzado es un disco totalmente En Vivo que se llama Rec Conexión. Lo lanzamos a finales del 2020.
Lo grabamos por completo en la contingencia, en momentos difíciles, y tuvimos unos planes de irlo estrenando poco a poco para que la gente lo vaya disfrutando canción por canción. Lo estrenamos el 2021 oficialmente en un concierto realizado en el Café Typica en la zona de Sopocachi de la ciudad de La Paz.
El disco Rec Conexión tiene 7 canciones, de las cuales son 4 totalmente nuevas, y las demás son del álbum Musa, esta vez en formato En Vivo, como nosotros lo tocamos en concierto. Así apreciar lo que somos también en directo, y es muy lindo mostrarlo de esta forma.
Al ser nuestros Movimientos Independientes y Autogestionados, con públicos escasos a las masas y proletariados embotados en músicas tóxicas y vanas, ¿cómo ha sorteado las vicisitudes de nuestro Estado Profundo?
Llegar -de hecho- a las personas con nuestras propias formas de mostrarnos, auto gestionándonos, buscando lugares en los cuales nosotros podríamos tocar, mostrando nuestra esencia sin romper lo que queremos decir, es y fue complicado para nosotros salir de todo ese Movimiento, en el cual -a ratos- la gente no entiende. Los lugares de difusión de música han ido perdiéndose en el tiempo. Hay muchos boliches que están tomando más en cuenta a bandas que hacen “Tributos”, y dejando a las bandas que tenemos material para mostrar, ¿no? Es un poco complicado tener que lidiar con todo eso.
Además, la cultura de nuestro país, Bolivia, conlleva a muchas personas a tener como que un acercamiento más a un tipo de música comercial. Entonces, como que hay más cosas en contra que a favor. A pesar de todo eso, si tenemos una convicción clara de lo que queremos hacer, no nos vamos a doblegar en mostrar nuestra música, en querer hacer lo que queremos hacer. En realidad nos costó mucho entender esta situación, fue difícil.
Muchos de nosotros no nos podemos dedicar al 100 % de lo que queremos hacer por esa situación, pero queremos hacerlo de todas formas porque sentimos que sin hacer lo que amamos hacer, lo nuestro, nuestras vidas e intención no tendrían sentido. Seguimos con toda la buena energía de poder seguir haciendo lo que siempre hemos amado y deseado, que es hacer nuestra música, hacer Reggae Music.
Jahlianza Reggae han estrenado en su canal YouTube el tema Hermano de Babylón, Sesiones Vibra en INNI Espacio. ¿Qué nos pueden contar de la realización y producción?
Justamente estábamos hablando del álbum Rec Conexión y de estas Sesiones Vibra Estudio, que la decidimos completar con un álbum porque prácticamente solamente teníamos que grabar unas tres canciones…
Hermano de Babylón lanzamos en un formato totalmente En Vivo, de cómo sonamos nosotros como tal. Fue un día súper hermoso de poderlo grabar y proyectar como nosotros lo deseamos. En la masterización, grabación y mezcla está Vibra Studio, de la mano de nuestro hermano Juan Carlos Rico. En las cámaras y videos estuvo Astral Records, ahí al lado -de comandante- nuestro hermano Arcil Lacunza, en la iluminación estuvo Brian De La Fuente.
Lo hicimos en el INNI Espacio, que es un lugar súper alucinante para poder hacer conciertos. Además, ahora empezando con estas sesiones que nosotros ya lo convertimos en un disco. De verdad, muy felices por el trabajo y por la realización de este hermoso material, que ya lo pueden disfrutar en nuestro canal YouTube.
Jahlianza Reggae , Esencia Roots
Luego de los encierros del 2020, donde el planeta se paralizó, y levantándose las restricciones biosanitarias, ¿cómo se han sentido Jahlianza Reggae al volver a los escenarios y tocar música en directo?
Después de mucho tiempo de estar encerrados, de no poder hacer muchas cosas en realidad, estuvimos como que tristes. A pesar de todo, seguíamos haciendo movimientos con la Tripulación Reggae Ska de Bolivia, que es un Colectivo de 11 bandas que se forma justamente para poder mostrar toda la música Reggae creada en nuestro país.
Ahí Jahlianza Reggae realizamos algunos conciertos En Vivo, tocadas acústicas, y, después de salir de estar encuarentenados, tocar En Vivo para nosotros fue un vaivén de emociones, un momento súper deli al instante de querer tocar. Fue alucinante, estuvimos muy felices de volver a tocar, y de volver a presentarnos, y de poder estar otra vez en conexión con la gente.
Dentro de la historia de nuestras músicas, y con el gran nivel que ahora emanan las tierras que nos vieron nacer y las tierras de hermanos lugares, ¿qué bandas o artistas nos recomiendan, según sus gustos, para escuchar y prestar atención / colección?
Hablando un poco de algunas bandas que nos encantan y nos transmiten esa buena vibra, para nosotros es hablar de Cultura Profética, de Golden Ganga, bandas que nos llenan de mucha buena vibra como Alborosie, Antidoping (que para nosotros son bandas emblemáticas), Soja, los hijos de Bob Marley como Damian Marley, Dread Mar I.
Todas las bandas y artistas que están haciendo Reggae tienen mucho que mostrar aún, siguen haciendo crecer este Movimiento que nos encanta. Nacionalmente hay bandas que nos dejan con mucha energía y toda la buena vibra, como Illapa, Tierra Alta o Suyana (que nos encantan), al momento de poder incluso compartir escenario con ellos. Para nosotros es un placer y un honor tenerlos de compañeros.
¿Tienen alguna frase o cábala antes de subir al escenario o entrar al Estudio?
Antes de entrar al escenario nosotros nos abrazamos, nos damos la mano y decimos: “ahora sí, con todo le vamos a dar”, y nos conectamos un momento.
Por más artista que seas, que hayas estado 40 o 50 años en el movimiento artístico en escenarios, pues entrar a uno nuevo a cualquiera le llena de nervios. ¡No sabes qué hacer ese momento! Entonces nos damos la mano, decimos: ¡ya, con fuerza!, y nos entramos a cantar, nos conectamos y empezamos con el show.
Sabiendo que hacer y ser música es alucinante cuando la magia se nos da, ¿qué aconsejan a las generaciones venideras por hacer?
El consejo, la buena vibra y la buena energía que les podríamos transmitir a los jóvenes y a las bandas que están comenzando es que sigan teniendo el sueño claro de lo que quieren hacer. Más allá del dinero y de lo que es necesario -a veces- para subsistir en esta vida, lo más importante es llenarse de energía y de experiencias. Creo que tenemos sólo una oportunidad en esta vida, y no podemos desperdiciarla lamentándonos.
Entonces, a seguir con todo, a seguir proyectando todo lo que queremos hacer, a tener los sueños claros, a buscar las formas de poderlos realizar. Yo sé que a ratos uno se sugestiona por las situaciones, pero siempre hay salida para todo. Hay que buscar una manera de poder hacer lo que amamos (hacer música) y a seguir con todo, a nunca desmoralizarse y a conectar, que es lo más importante. Tener bien claro de dónde venimos y de dónde somos, y tener nuestro Roots más conectado que nunca.
¿Qué es la música para Jahlianza Reggae?
La música para Jahlianza Reggae es todo. Creo que siempre está delante de todo, y ahí está Jah, el más alto Rey que nos guía. Creo que tenemos que poner siempre a él en primer lugar, para que todo nos pueda salir bien de la mano del más alto Rey. La música es lo que tenemos más en cuenta en nuestra vida. Creo que nada nos llena más que hacer, crear, tener y buscar música.
Hacerse planes ante tantos desbarajustes mundiales, como las guerras militares y las “plandemias”, es molesto muchas veces, pero para eso están los músicos y sus cantos. ¿Alguna primicia o proyecto que nos quieran adelantar?
Para nosotros las situaciones a veces se nos complican al momento de querer hacer música, pero aún seguimos con todo lo que queremos hacer, y planeamos muchas cosas aún. Ahora se nos vienen proyectos audiovisuales, creo que es necesario mostrar un proyecto que teníamos ahí mucho tiempo como que descansando, pero ahora lo vamos a hacer realidad.
Tenemos un plan de querer hacer videoclips, y después, a medio año, entrar otra vez al Estudio para poder grabar algunas canciones nuevas, que tenemos muchas ganas de mostrar.
Cierro la entrevista, declarando mi aprecio a su arte, y adjuntándolo a mi playlist del Spotify. Sus palabras de despedida para la gente que admira y sigue a Jahlianza Reggae, y para los lectores y lectoras de LaCarne Magazine.
Me despido con el agradecimiento a la revista LaCarne Magazine, a Pablo Alfonso por habernos encontrado, y por haber tenido el gusto de poder llegar a sus corazones con nuestra música. Agradecemos de todo corazón que se hayan podido tomar el tiempo de podernos escribir, de podernos encontrar, y de poder tener esta hermosa charla.
Muchas gracias, les deseo todo lo mejor. Seguiremos con mucha más música, aún tenemos mucho por mostrar, y aún tenemos mucho que decir a través de nuestras melodías y a través de todo lo que queremos transmitir con nuestras canciones. Gracias, y todo lo mejor para sus vidas. Acá les saluda Tony Navajas de Jahlianza Reggae.
En el ir y devenir de la conversación exclusiva, Jahlianza Reggae ha estrenado en su canal YouTube el tema La Decisión, que precisamente fue grabado en directo para su segundo álbum Rec Conexión, de tal manera van refrescando la escena Reggae desde la hoyada altiplánica para toda Latinoamérica y el planeta Azul.
Muchas bendiciones y éxitos para adelante, que Jahlianza Reggae consiga cristalizar sus objetivos.
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República Límite, Rock desde La Paz
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Mediante el arte, la banda expresa la realidad que nos toca vivir, siendo la música el canalizador de emociones y experiencias de las épocas que cursamos por la gran Escuela de la Vida. Haciendo tripas corazón hemos llegado hasta el presente, que más que un regalo es una prueba fehaciente de persistencia y dignidad, de coraje y valentía.
Cordialmente logramos conectar con la agrupación República Límite para conocer sus pasos y huellas que van dejando en su trayecto musical. Una exclusiva para LaCarne Magazine.
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República Límite, Bolivia presente en el mapa
¿Cómo y cuándo nace el proyecto musical República Límite?
El año 2007, en los pasillos de un colegio que se llamaba CISE en la ciudad de La Paz fue donde los fundadores de la banda nos encontramos esbozando composiciones de un proyecto musical. En ese momento no llevaba un nombre como tal, pero las ideas y creatividad sobre los temas que queríamos abordar eran muy claras.
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El proyecto llevó años madurando, e ingresaron grandes y talentosos músicos, con los que finalmente la banda de Rock boliviano República Límite se consolida un 28 agosto del año 2013, después de un largo proceso de emprendimiento y búsqueda de solidez.
El objetivo es mostrar mediante el Arte las diferentes realidades dadas en el cotidiano vivir, tratando de reflexionar desde una visión crítica las distintas problemáticas sociales presentes en el país y el mundo.
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¿Quiénes integran la banda y qué instrumentos interpretan?
Jhonn Jorge Guzmán García (guitarra), Erick Mauricio Peña Capellino (bajo), Diego Américo Aliaga Apaza (batería) y Sergio Federico San Miguel (voz).
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¿Qué influencias han recibido para darle personalidad y sonido a la banda?
Creo que las influencias son variadas, entre ellas podría mencionarte algunas bandas como Led Zeppelin, The Doors, Molotov, Pink Floyd, Pearl Jam, y aún habría muchas más bandas en lista.
¿Por qué del nombre de República Límite?
El nombre es una referencia a la antigua República de Bolivia, y a la identificación de toda una generación que ha vivido diferentes transformaciones en relación a la configuración del Estado y la sociedad, reflejando una lectura de la realidad contemporánea, entendiendo la misma como un punto de quiebre social.
Acaban de estrenar un nuevo sencillo intitulado Memorias, que cuenta con una llamativa portada de arte, y la producción de Álvaro Gaviota y el master de Lado b. ¿Qué nos pueden comentar de su nueva canción?
Así es, Memorias es el nuevo sencillo de República Limite. En esta oportunidad queremos retomar otro tipo de relatos retornando a las emociones y sentimientos más lindos que tiene el ser humano, como es el amor.
Memorias fue inspirado en el acompañamiento que muchas veces hacemos al comenzar una relación, ya que muchas veces podemos llegar quebrados de distintas experiencias que vivimos en el pasado, pero lo lindo es entendernos, lograr comprender al otro sin prejuicios o inseguridades, y crear algo nuevo desde el amor.
La canción fue grabada y producida en El Hombre Alado con Álvaro Gaviota, y masterizada en Lado b en manos de Marcelo Navia. La propuesta lleva un ritmo Funk bastante activo, y la fusión con instrumentos nativos. Nos muestra una historia donde los sentimientos toman el control.
La Unión es la Fuerza
Nos presentaron su EP La Unión es la Fuerza con 5 canciones que formaron su ópera prima, que ha servido para consolidar a República Límite. ¿Qué año sale editada la obra? ¿Cómo les fue con la producción?
El EP La Unión es la Fuerza sale el año 2017. Esta producción definitivamente ayudó a visibilizarnos, también nos trae un montón de recuerdos que los tendremos guardados siempre en nuestros corazones.
Nos fue bastante bien debido a que recibimos mucho apoyo de la gente, y este apoyo sirvió de combustible para seguir creando más música. Claro que siempre están las limitaciones económicas, pero intentamos mejorar la calidad de nuestra producción, y también de nuestras presentaciones cada día. Ése es nuestro horizonte.
Esta semana se presentan en la ciudad de Potosí, retomando el contacto con su público y los escenarios. ¿Qué nos pueden resumir de su actividad cultural en el presente?
Estamos muy agradecidos con Potosí, y con todos nuestros queridísimos seguidores, ya que es maravilloso encontrar un público al que le guste experimentar. Es muy lindo ver que sobre todo el público se engancha con las canciones, y se sorprende o se alegra. Ese feedback es increíble, y a quienes aún no nos han escuchado, estamos acá para conectar con ustedes, para que en nuestro show vivamos una experiencia única.
En su canal YouTube pude disfrutar de sus producciones visuales, como Callejeros, que con mucho ingenio y un espejo se logra la narrativa adecuada para acompañar a la música de la banda. ¿Qué nos pueden contar de la realización del presente video?
Callejeros fue el primer videoclip que realizamos, trabajamos con el cineasta Juan Álvarez Durán. La idea que se quería trabajar era el reflejo de la gente, como un reflejo de la sociedad ante -por ejemplo- una problemática como la de los perros callejeros, y ver cuales eran sus reacciones.
Entonces el cineasta tuvo la idea de ir por varios lugares de la ciudad con el espejo gigante, que era de 3 metros por 3 -creo-, y grabamos las reacciones, y a la vez el foco cambiaba también, haciendo una analogía de los callejeros (las personas). Fue bastante interesante el poder realizar ese proyecto.
Despertares es el segundo sencillo del EP La Unión es la Fuerza, donde el video cuenta con la participación actoral que le brinda a su narrativa una preciosa historia de amor y tiempos. ¿Qué nos pueden comentar de la dirección y producción del videoclip?
Este videoclip lo trabajamos bajo la dirección de Nadia Vega, fue muy linda experiencia. En este video intentamos narrar una historia de amor imposible, que toma dos temporalidades distintas, y donde al final muestra el paso del tiempo y el encuentro con la muerte. Éste es otro proyecto donde nos gustó dar rienda suelta a poder narrar historias.
Eternal, otro aporte importante para la historia de la música Rock hecha en Bolivia, fue su tema de participación en el álbum homenaje a K’ala Marka, la afamada agrupación folclórica que unió en el álbum Metal Marka a una importante generación de metaleros que brindaron sus honores haciendo sus propias reversiones de los temas clásicos de la agrupación. ¿Cómo les fue con la experiencia?
Creo que éste es uno de los recuerdos mas entrañables, ya que es en este tiempo que la banda comenzó su camino de una manera más sólida. Fue una gran experiencia, ya que pudimos ser parte de la Caravana del Rock por Bolivia, y, sobre todo, encontrar bandas hermanas que hasta ahora queremos mucho, y que mostraron un apoyo incondicional. Fue una etapa de mucho aprendizaje.
Versionar Eternal fue la mejor elección, ya que su letra es muy emotiva. Es una canción dedicada a los que nos esperan al otro lado.
El videoclip de su sencillo Circo T.V., además de la canción, es mi preferida de República Límite, ¿qué nos pueden comentar de la realización y producción del single?
Esta canción se escribió con mucha rabia. Es que da rabia que la gente siempre prefiera consumir contenido basura, y además que este contenido siempre genere cortinas de humo que invisibilizan lo que realmente es importante. Es una crítica a nosotros mismos porque este contenido no existiría si no hubiera gente que lo consume.
El videoclip tuvo un pequeño guiño en la estética al libro 1984 de George Orwell, y fue trabajado con Muon Imagen Integral / Oráculo Films. En la producción musical estuvo Álvaro Gaviota de El Hombre Alado y Marcelo Navía de Lado b en mastering.
República Límite, Despertares Callejeros
¿Qué es la música para República Límite?
La música es ese lugar donde uno puede transformar un montón de impulsos/pulsiones, ya sean de vida o de muerte en algo extraordinario, en historias, en críticas, en emociones. La música es libertad.
Luego de su experiencia y trayectoria, ¿qué les pueden recomendar a las nuevas generaciones que quieren incursionar en el mundo musical?
Que si les gusta, investiguen más acerca de este mundo, que no se aten cadenas o se cierren, siempre hay algo por aprender. Que no tengan miedo a preguntar o pedir ayuda, que siempre habrá músicos dispuestos a compartir su conocimiento o experiencia, y, sobre todo, que si la música es el camino que han elegido, perseveren porque no hay otra forma.
Hasta el momento, ¿algún Evento o Festival que los haya marcado en el Alma?
Hace unas semanas fuimos invitados por misión internacional de justicia al estreno de un libro que trataba sobre historias reales de violencia sexual, y fue muy duro escuchar los relatos y sobre todo escuchar las horribles experiencias con nuestro inservible sistema de justicia. Esperamos de corazón que la justicia en nuestro país pase por una verdadera transformación y mejore. ¡No a la impunidad!
¿Tienen grito de guerra o alguna cábala antes de tomar escenarios?
La verdad te cuento que no, pero podríamos tomar en cuenta la idea para futuras presentaciones.
¿Qué álbumes o artistas nos recomiendan para adjuntar al playlist ,y coleccionar como buenos melómanos?
Bruhash, Rantes, La Logia, A Pie, Akash, Nia Cole, Arkanos, Satyricon, The Bad Omens, Armadura, Crossing Portals, Richard Bona, Hans Zimmer.
Dentro del repertorio de República Límite, ¿qué temas se han convertido en sus preferidos a la hora de interpretarlos en Vivo y Directo? ¿Algunas canciones que ya formen parte de su audiencia?
Creo que los temas que ya están en las redes de distribución digital, y hay 2 temas más que no los producimos en su totalidad ni los lanzamos, pero siempre los tocamos. Uno es Pac-gados, que es una visera crítica a la corrupción en la policía, y otro tema que se llama Tu Complicidad, que narra una historia sobre la muerte.
¿Alguna primicia o proyecto que nos quieran compartir para el presente 2022?
Les invitamos a seguirnos en todas nuestras redes sociales para que puedan estar al tanto de todas nuestras presentaciones y eventos. Nos pueden encontrar como República Límite Oficial.
Esperamos este año ya comenzar a producir un single nuevo, así que atentos.
Sus palabras de despedida para los seguidores de República Límite, y para los y las lectoras de LaCarne Magazine.
En primer lugar, muchas gracias a LaCarne Magazine y a Alfonseka (¡un grande!) por la oportunidad de contarles un poquito de nuestra historia. Te invitamos a que ayudes a que la música crezca, apoya a las bandas de tu localidad. Somos República Límite y estamos acá (Facebook y YouTube) para conectar contigo. Gracias por tu tiempo.
#LaUnionEsLaFuerza
Cerrando la presente redacción, deseamos que República Límite permanezca muchos años más brindando su música y arte, resplandeciendo desde sus melodías y tonalidades con potencia y sencillez esos acordes tan necesarios para continuar por la gran aventura y escuela en el planeta Tierra.
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The Axids, Sleazy Popcorn Hardcore Punk desde Hamburgo
https://bit.ly/3xmZSBN
Colindantes con la irreverencia y rebeldía musical, desde una de las mecas europeas de las subculturas urbanas, llegan a nuestra redacción The Axids, una nueva agrupación que estrena material discográfico en formato disco de vinilo. Kids With An Axe es una honesta propuesta de Punk germano, nacido al calor de la amistad y libertad que brinda la actividad artística – creativa.
Contactamos con el portavoz de la banda para conocer los pormenores de The Axids gracias a la conexión bilateral que surge en la red social del Instagram, experimentamos relámpagos sonoros de alta envergadura, que, con sus tonalidades musicales, empalagan el alma melómana que se cristaliza en conversaciones, que en esta ocasión son de exclusiva para LaCarne Magazine.
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The Axids, Sleazy Popcorn Hardcore Punk desde Hamburgo
Foto: Felix Horstmann
Acaban de presentar su álbum debut Kids With An Axe, una excelente obra de Punk / HC desde Hamburgo, Alemania. ¿Cómo les ha ido con la producción y realización del disco?
Andreas (A): Sí, eso es genial. Muchas gracias. Me alegro mucho de que te guste. Es una auténtica locura que el álbum vaya tan bien. Todos hemos estado haciendo música durante mucho tiempo en diferentes bandas, bandas más serias.
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Con The Axids hicimos las cosas de forma diferente, lo que fue bastante nuevo para todos nosotros, esta despreocupación por la composición de canciones. Todo ocurrió de forma muy espontánea. Sin estructuras complicadas ni construcciones de pensamiento. Simplemente lo dejamos salir libremente.
Se puede oír claramente que el perfeccionismo no era la pretensión en la grabación. Grabamos sin clic, y nos basamos completamente en nuestras propias vibraciones. Puede que no sea siempre técnicamente limpio, pero se acerca más a la sensación que queremos transmitir.
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¿Cómo nace el proyecto musical The Axids?
(A): Definitivamente The Axids empezamos como un proyecto, pero hemos crecido hasta convertirnos en una verdadera banda. Al principio sólo existía la necesidad de salir de nuestros propios géneros musicales, por lo que los miembros fundadores reclutaron -una vez- a una banda de Stoner y otra de Black Metal desagradable. El concierto de Clowns fue la chispa inicial: ¡maldita sea, queremos hacer algo así! Música desagradable con una actitud positiva.
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Al principio sólo estaba yo como cantante de Hyems y el batería de Hyne. Afortunadamente, siempre conoces a algunos tipos a los que les gusta el ruido, así que rápidamente formamos una banda completa con nuestro círculo de conocidos. Así que estaba Ole, que resulta que toca la guitarra. Y luego Mario, que en realidad se disfraza de pepino, y se hace un nombre como luchador divertido. En realidad no tocaba el bajo, pero ahora lo hace.
Todo empezó increíblemente bien, por desgracia uno o dos cambios de vida se interpusieron, así que necesitábamos un nuevo batería y una nueva sala de ensayo. Así que, por el momento, todo quedó congelado. Una pena. Por suerte, gracias a buenos contactos e investigaciones, no sólo se encontró una nueva sala de ensayo, sino también a Félix. Si quisieras crear un cómic sobre una banda, seríamos el modelo ideal. O quizá seamos más bien el imitador de un cómic Punk que aún no existe.
¿Qué influencias musicales y artísticas han marcado el sonido y estilo de The Axids?
(A): Sí, definitivamente hay que mencionar a los Clowns. Lo que mola de ellos es ese Pop con agresividad y empuje simultáneos. Por lo demás, estamos fuertemente arraigados al Punk, desde las típicas bandas de Fat Records hasta las bandas de Postpunk de Alemania. Inconscientemente aquí y allá sale a relucir alguna que otra preferencia por el Metal y el Sleaze. Y por supuesto, no se puede negar que he estado gritando en el Underground del Black Metal durante décadas.
Así que ahora, cuando se trata de encasillar a los Axids, entonces yo diría que el Sleazy Popcorn Hardcore Punk.
The Axids, Niños con un hacha
Foto: Felix Horstmann
¿Por qué del nombre de la banda The Axids?
(A): Todavía recuerdo haber sugerido con entusiasmo a los chicos: «Yo, yo, yo – deberíamos llamarnos SIDA». Los demás no pensaban que fuera tan genial. Es curioso, ¿verdad? En cualquier caso, simplemente añadí una “X”, y el nombre se encontró. ¿Tiene un significado más profundo? Sin duda. Pero aún no lo sé.
He disfrutado el álbum por completo en Spotify, que tiene una característica muy genial en el título de las canciones, pues todas llevan la palabra “AXID”, haciendo de éste un disco casi conceptual, con muy buenas y potentes canciones. ¿Qué nos pueden comentar de sus temáticas?
(A): Los juegos de palabras en los títulos fueron más un accidente que una intención. Tuvimos una racha con las primeras canciones en cuanto a la búsqueda de títulos, y sólo entonces nos dimos cuenta: ¡Tío, esto será lo nuestro! Y lo bueno es que ya tenemos suficientes juegos de palabras para el próximo álbum. Sólo digo Braxid, Axidentist o Axid Rudi Pell… Hay mucho que hacer.
Pero volvamos a nuestro álbum actual, bueno, aunque escribimos las canciones bastante rápido, de repente están llenas de significados. Casi parece que estamos reviviendo nuestra adolescencia. Se trata en gran medida de afinar la identidad.
Cantamos sobre Darlene de Rosanne (AXIDQUEEN) o Theo de The Cosby Show (THEO AXIDABLE), y nos reconocemos en ellos. Los sueños y los deseos también se reflejan en las canciones. Por ejemplo, el juego mental de lo genial que sería que saliéramos en la radio (SO AXIDED). Dato curioso, en realidad ya hemos conseguido una difusión decente. Historias públicas en Berlín, pero también en la radio de Rock nacional. Una auténtica locura.
Han editado la edición limitada del álbum en vinyl, siendo una pieza de colección para los amantes de la música. ¿Qué nos pueden comentar de la presente edición?
(A): Con nuestra edición en vinilo hemos cumplido un deseo. Habría sido mucho más fácil lanzarlo simplemente a través de las plataformas de streaming. En cambio, nos hemos esforzado mucho. El color es genial, y hay trucos como la cubierta mate con la impresión de laca. Son decisiones poco acertadas en términos de costo. Pero queríamos utilizarlas para mejorar el lanzamiento físico de forma que captara la diversión que contiene musicalmente.
¿Cómo se encuentran en la actualidad, musical y personalmente hablando?
(A): No todos somos músicos. Somos fans. Y así es exactamente cómo enfocamos The Axids. Creamos música de la forma en que queremos consumirla. No sólo estilísticamente, sino también al tacto. El streaming me permite descubrir una cantidad increíble de música.
Eso es genial, y me asegura poder vivir mi vida por completo. Sin embargo, siempre tengo la sensación de que necesito uno u otro disco en disco. Como señal de respeto, pero también porque me encanta el ritual de escuchar discos. Además, tendré suficiente música para escuchar cuando un día se rompa Internet para siempre.
En abril se presentaron en vivo en el Stellwerk. ¿Cómo les fue de regreso a los escenarios en directo?
(AJ): El directo es totalmente emocionante ahora mismo, porque no es una vuelta a los escenarios para nosotros, sino las primeras veces. Empezamos justo antes de la pandemia, y desde entonces sólo conocemos el local de ensayo como The Axids.
Claro, todos hemos estado en escenarios antes, pero ahora se trata de encontrarnos a nosotros mismos en directo. Es muy divertido tocar las canciones en directo, pero también es extremadamente agotador. Creo que la gente se divertirá mucho en nuestros conciertos.
¿Qué es la música para Axids?
(A): Para nosotros, la música no es simplemente el consumo de secuencias, de tonos y sonidos melodiosos. Para nosotros, la música es una fuente evidente de identidad. Esto se aplica tanto a los aficionados como a los músicos que trabajan por su cuenta.
Por mi parte, me siento una persona impulsada. Estoy constantemente a la búsqueda de bandas de las que enamorarme. No importa si son viejos o nuevos. Tienen que hacer clic. Por eso leo tantas revistas de música, y hablo casi exclusivamente de música con mis amigos.
¿Algún grito de guerra antes de subir al Escenario?
Todavía no, pero me imagino que poco a poco irán surgiendo rituales (jaja).
La música, fuente evidente de identidad
Foto: Felix Horstmann
¿Qué álbumes o artistas recomiendan para coleccionar y adjuntar al playlist?
(A): Ja, tenemos la respuesta perfecta a esa pregunta, ¡Los Archivos The Axids!, se trata de una lista de reproducción en Spotify que actualizamos regularmente. Aquí invitamos a la gente a seguir nuestros sonidos favoritos. Desde clásicos como The Bronx, encontrarás muchas bandas más pequeñas que vale la pena descubrir.
Luego de los años recorridos, ¿qué les pueden recomendar a las nuevas generaciones que quieren incursionar en la música?
(A): Los niños de hoy tienen una cantidad increíble de opciones. Pueden escuchar cualquier cosa en cualquier momento y en cualquier lugar. Así que probablemente sea difícil desarrollar una verdadera pasión. Está la ansia por la música nueva, pero creo que todavía se puede desarrollar una fuerte pasión musical si no te conformas con una canción que te gusta.
Si vas en busca de por qué te gusta la canción, debes desarrollar la diversión para profundizar. ¿Te gusta el álbum en el que está la canción? ¿Te gusta la banda? ¿Cuáles son las bandas que sugiere el algoritmo? ¿Qué información puedo encontrar sobre las bandas, sobre el género? ¿Cuál es la Cultura y la Historia que hay detrás?
Antes de que te des cuenta, serás un Punk, un Metalero, un Border Cross, o simplemente un friki de la música. Las posibilidades están abiertas. El factor decisivo es el deseo de descubrir.
Hasta la fecha, ¿algún evento o Festival que los haya marcado en el Alma?
(A): Siempre me entusiasman los festivales que son capaces de representar varios géneros de una manera que te hace vibrar. Si un Festival consigue representar el Black Metal, el Grindcore o el Punk de tal manera que encaje, soy un fan del festival.
El Graspop en Bélgica o el With Full Force en Alemania pueden hacerlo muy bien, o el Krachstadl, un Festival en mi pueblo natal que organizamos los chavales hace 20 años sin ningún conocimiento.
Dentro de su repertorio, ¿qué canciones se han convertido en sus preferidas para interpretarlas en directo?
(A): Mencionemos el tema que da título al disco, que es perfecto para poner un signo de exclamación de inmediato. Pero también Party Time Axidlent se puede cantar perfectamente después del primer estribillo, lo cual es muy chulo y nos estimula en el escenario.
¿Cómo se encuentra la actividad cultural y musical por su área o ciudad?
(A): Hamburgo es y fue un gran lugar en términos de subcultura. Hay locales legendarios y una escena estable aquí. Ahora tenemos que ver cómo evoluciona todo mientras la pandemia sigue su curso. ¿Ha sobrevivido todo a la pandemia, qué ha cambiado, qué hay que reconstruir? Ya lo veremos. Los Axids están al menos en el comienzo, cuando se trata de patear la vida cultural en el culo.
¿Qué proyectos tienen Axids para el presente 2022?
(A): Haremos algunos conciertos este año, y escribiremos para el próximo álbum. Actualmente se han anunciado tantas bandas que tienen que ponerse al día con sus giras, que estamos contentos de dar un paso atrás y dejar que se vayan primero. Así que acumularemos experiencia este año, y luego quemaremos los escenarios de toda Europa el año que viene.
Sus palabras de despedida para los amantes de su música y para los lectores de LaCarne Magazine.
Party Time Axidlent! ¡Fiesta Axidlent!
Emotivas sensaciones se mezclan cuando cerramos la presente edición, jolgorios musicales alumbran con irreverencia el horizonte a mediados del 2022, significativos mensajes recabamos luego de la dichosa conversación junto a The Axids, quienes ya se van preparando para la segunda placa discográfica y la gira por Europa en 2023. Muchos éxitos aquí y ahora.
Más información sobre The Axids en el siguiente enlace:
Instagram
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La Otra Minina, el nuevo canto con pureza de mujer
https://bit.ly/3mkFJWo
En el recorrido peregrino de la actividad musical y cultural, enfocando las pinzas del periodismo artístico se pueden encontrar amalgamas de sobre peso, luminosas y brillantes, tal es el caso de La Otra Minina, que unifica ese sentimiento sagrado que eleva la dimensión femenina del Ser.
Gracias al acercamiento casi inmediato del Instagram, pudimos contactar y confirmar la presente exclusiva para LaCarne Magazine, conversando con la cantautora de Mariposas Mudas, nueva obra que nos presenta la urgencia del canto ante el descalabro dentro de la sociedad actual, llenando de vida y energía positiva la panorámica contractual en la que nos debatimos como humanidad.
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La Otra Minina, con la pureza de mujer
¿Cómo se encuentra personal y musicalmente en la actualidad?
Personalmente me encuentro en un momento un poco extraño de mi vida, de incertidumbre, de búsqueda de claridad, y de esconderme en el proceso de reconocer que las respuestas no llegan cuando las espero.
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La música en este momento ha sido compañía, escondite, refugio, y me ha dado sorpresas. Han aparecido oportunidades de tocar, compartir con personas, y de reconocerme en este momento un poco incómodo desde el Arte, resignificando mi vivencia y re-existiendo desde la oportunidad de comunicarlo en mis canciones.
¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento?
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Mi nombre es Mariela Ardaya Justiniano, y nací en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.
¿Cómo se da a la vida artística?
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La música siempre ha sido parte de mi vida, como expresión y también como carrera técnica. Hacer mis propias composiciones no era algo que imaginaba. En algún momento me encontré con mi guitalele, y a solas me di cuenta que tenía cosas para decir, y el componer me daba la oportunidad de transmitirlo en palabra y sonido.
Artísticamente, empecé a creer más en mi trabajo después de participar de un Concurso de Cantautores, y, esa certeza de que cantar es algo que quiero seguir haciendo, se fue acompañando con oportunidades, espacios, y personas que estaban interesadas en mi música.
¿Qué influencias y estilos han dado personalidad a la música de La Otra Minina?
La Otra Minina escucha mucha música de distintos estilos, muchos de ellos totalmente distintos a como me expreso musicalmente.
Pero si hay alguien que admiro desde cómo encara la música es Maggie Rogers, su corto documental para mí es inspiración a seguir creando y creyendo en lo que hago, a recordar que es un privilegio hacerlo a mi tiempo y a mi manera, y lo digo en las palabras que ella utiliza.
¿Cómo nace su nombre artístico de La Otra Minina?
Minina era el apodo de mi abuelo paterno. Mi padre también es conocido por ese mismo apodo, pero desde lo que él hacía, que era el fútbol.
Cuando decidí usarlo por sugerencia de una amiga, lo hice pensando en mantener ese nombre y ese legado, pero desde lo que yo hago, que es distinto al hacer de mis padres, y por eso lo de “La Otra Minina”.
La Otra Minina, Mariposas Mudas
Su nuevo sencillo, Mariposas Mudas, es una hermosa canción de mucha luz y resistencia, un tema de protesta ante estos tiempos feminicidas que atravesamos en la humanidad como sociedad. ¿Qué nos puede comentar de la obra musical junto a sus invitadas?
Mariposas Mudas es una canción que realmente me hubiera gustado no tener que escribir. La hice luego de leer una noticia sobre el tema, y ver la foto de las amigas de una víctima de feminicidio y su dolor. Me di cuenta que podrían ser mis amigas, podría ser yo, y reconocí el dolor del temor de ser mujer en una sociedad en la que los feminicidios son una realidad.
Cuando decidimos lanzarla, pensé en la importancia de que sean más voces hablando del tema, más mujeres involucradas en la realización de la misma, y pensé en el increíble talento de Mila Magal y Fiera. Mila aportando con su voz y melodía, y Fiera con sus letras y la fuerza de su Rap, dándole el peso que la canción necesitaba. Para mí la oportunidad de hacerla en colectivo y de lanzarla en el 8M es una forma de involucrarme activamente desde lo que hago en el sentir colectivo de las mujeres, de alzar la voz.
¿Cómo le fue con su primer sencillo, Andrómeda? ¿Qué nos puede comentar de la producción?
Andrómeda tiene su propia historia. La grabé inicialmente para participar de un Fondo Concursable, y la dejé reposando durante casi tres años. Disfruté el proceso de hacerla junto a Nilson Acosta, mi productor y amigo, pero tenía miedo de lanzarla, y lo pospuse hasta que él me insistió y reafirmó en lo que habíamos hecho.
Lancé la canción como una forma de demostrar que creía en mí misma, y de empezar a accionar en eso. Lo hice con dudas, pero tuvo una buena aceptación, y me ayudó a que más personas puedan conocer mi trabajo.
Este fin de semana tiene una presentación dentro del ciclo Música con M de Mujer, en una encantadora cartelera que cubre prácticamente abril-mayo con música contemporánea hecha desde Santa Cruz para el mundo. ¿Qué nos puede comentar de la experiencia?
Cantar en Música con M de Mujer de Sonidos de Acá ha sido un momento muy lindo musical y personalmente. Estaba acompañada de un músico y gran amigo en la guitarra, Diego Jhonson, y ha sido de las veces en las que he decidido disfrutar de lo que hago más que pensar en hacerlo “bien”.
Fue un lindo encuentro con las personas, verlas conectar con las canciones, disfrutar, llorar, y ser conmovidas por lo que en su momento me conmovió, y me inspiró a componer y cantar.
Volviendo a la melomanía, ¿qué álbumes o artistas nos recomienda escuchar y coleccionar?
Voy a mencionar algunos álbumes que amo: Ella and Louis de Ella Fitzgerald y Louis Armstrong, Goela Abaixo de Liniker e Os Caramelows, Marchita de Silvana Estrada, Becoming Who We Are de Kings Kaleidoscope, La Danza de Nación Ekeko.
¿En su recorrido musical, algún evento o festival que le haya marcado el Espíritu?
Creo que este último evento Música con M de mujer ha sido una noche especial de manera personal, porque ha llegado en un momento de dolerse y sanar al mismo tiempo, de poder experimentarlo y compartirlo desde las canciones.
De ser real compartiendo nuevos temas que hablan de cosas personales, de hacerlo desde el miedo de ser vulnerable, y sintiéndome privilegiada al ver que es en esa vulnerabilidad que las personas se encontraron y se vieron tocadas, y no es que el haber participado cambie la incertidumbre de mi realidad actual, pero es un momento de recordatorio de que vale la pena seguir intentando.
La música es palabra y sonido
¿Qué le puede recomendar, en especial a las mujeres que han sufrido algún tipo de violencia, y se ven afectadas en estos Estados Profundos machistas, si se quieren dedicar a la música y el arte?
La música y el arte pueden ser ese espacio para permitirnos explorar las vivencias, para pensar, preguntarnos, sentir y dejar que otros conecten con nosotros desde esa expresión artística. Cuando lo que hacemos habla de nuestras vivencias, la vulnerabilidad es necesaria, la honestidad también, y asusta porque reconocemos que las personas no sólo se van a encontrar con nuestro quehacer, sino también con nuestra persona.
No es fácil, pero, desde mi experiencia, ha sido, es y seguirá siendo una forma de ser yo misma y dejar que otras personas se encuentren conmigo y consigo mismas, conectadas en experiencias similares. En pocas palabras, es un riesgo que cuesta pero que vale la pena, es una forma de crear y construirnos en el camino.
¿Qué es la música para La Otra Minina?
Para La Otra Minina la música es palabra y sonido, un espacio para poder permitirme sentir, pensar y cuestionarme, esperando que quien escuche la música que haga tenga un encuentro también con el sentir, con el mensaje, y consigo mismo.
¿Algún proyecto para el presente 2022?
Se viene el lanzamiento de dos canciones más. Estoy en el proceso de selección para elegirlas y poder compartirlas en plataformas. Se vienen más tocadas, espero también la publicación de algún otro libro, y desde otras expresiones artísticas que me acompañan, la participación en el Colectivo Casa Pora.
Sus palabras de despedida y saludos a la gente que lee la revista, y a las y los admiradores de La Otra Minina.
Qué lindo es poder conectar con quienes siguen de cerca el trabajo de LaCarne Magazine. Es una linda oportunidad el poder, en palabras, expresar quién soy y lo que hago.
A quienes conocen mi trabajo, a quienes ahora les da curiosidad, agradecerles el poder compartir con letras y sonido, el poder seguir siendo yo y hacer lo que me gusta a mi manera. Espero que podamos seguir encontrándonos en la música, las letras y el arte.
Estaremos esperando mucha más música de La Otra Minina, esa voz femenina que nos guíe por el sentir y vivir de la mujer, esa visión que alumbra luces y vibraciones estelares en este viaje de la vida. Éxitos en el aquí y el ahora.
Más información sobre La Otra Minina en los siguientes enlaces:
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Desorvital Eyes, el equilibrio entre Energía y Metal
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«Desorvital Eyes encuentra su estilo entre lo extremo y lo racional, Metal que es capaz de canalizar la energía de sus músicos y transmitir al público una propuesta equilibrada«. Así se presenta en su red social del Facebook la agrupación boliviana que radica en la ciudad de los cuatro nombres, Sucre, la Capital del Bolivia.
Pudimos degustar de su material discográfico disponible en las plataformas digitales, y nos sorprendimos de la tenacidad y entrega del proyecto, que, detrás de sus máscaras, encara el proyecto con total entrega e irreverencia, presentando el nuevo material discográfico Quatro, y renovándose musicalmente para continuar en la faena artística.
Tomamos contacto con el portavoz de la banda para conversar de la actualidad de Desorvital Eyes en exclusiva para LaCarne Magazine.
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Desorvital Eyes, Metal Brutal
Preparando una nueva gira por Argentina, ¿cómo anda el proyecto que los llevará por el país hermano a presentar su nuevo álbum?
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Bien, todo bien, rearmando un show acorde a lo que es el nuevo Desorvital Eyes, llámese nuevos integrantes, nueva visión y alcance, renovación y evolución musical y vocal reflejada en el nuevo disco, deseosos de mostrar a nuestros hermanos argentinos en lo que nos convertimos.
Empezando el 2022 han estrenado su nuevo álbum Quatro, que nos presentó como primer single Viuda Negra. ¿Qué nos pueden comentar de la nueva producción musical?
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Viuda Negra es el primer sencillo que se despega del disco Quatro, en el cual queremos dar un atisbo de la renovación y evolución musical y vocal, introduciendo samples electrónicos, grooves trapperos y muchas más melodías vocales, contrastando con los guturales propios nuestros. En estos momentos se está por estrenar el nuevo sencillo de la banda llamado Escapar. Imagino cuando se edite esta entrevista ya estará el video subido a las plataformas.
¿Cuándo y cómo se da inicio al proyecto Desorvital Eyes? ¿Quiénes integran en la actualidad la banda?
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Desorvital Eyes se forma allá por el 2006 con otros integrantes que no llegaron a establecerse. Fue en 2010 cuando la banda decide grabar el primer álbum y empezar la carrera con la mayoría de los actuales integrantes.
Ahora Desorvital presenta en sus filas a Chito (guitarra y voces), Andrews (batería), George (bajo), Erick Deathface (voces) y Grone (guitarra).
¿Qué influencias musicales y referencias artísticas han marcado parte de su sonido e imagen como banda?
Creo que cada etapa de los discos tuvieron una influencia marcada generacional como un Metal, Heavy y tal vez algo de Funk, pero en el nuevo disco sí vamos marcados y adentrándonos en el Metal Alternativo moderno y electrónico.
El single Viuda Negra se ha posicionado en los ratings de programas especializados en Rock hecho en Bolivia. ¿Cómo les está yendo con el nuevo material?
Va bien en temas de distribución digital. Justamente empezaremos a viajar dentro del país a promocionar el nuevo disco después del retorno de Argentina. Aún estos primeros meses el virus nos mantuvo alejados, pero desde junio empezará la gira nacional e internacional.
Sueños Rotos
¿Cuál es su discografía y los años de edición?
Lift Up Thy Head (2013), Ayer…! (2015), Desorvital Eyes (2018), Quatro (2022).
En su canal YouTube pude disfrutar de su videografía, desde Séptima, Suelta el Odio, Subnormal, Delirante Amiga, Rencor hasta el videoclip de 15 Minutos. ¿Qué videos le recomiendan a la audiencia para que los puedan observar? ¿Algunas anécdotas de sus filmaciones?
Básicamente hacer un recorrido por los videos es volver a vivir las diferentes etapas y evoluciones, tanto filmográficas como musicales. Recomendaría verlas todas para entender la evolución de la que te hablo.
Dentro de su recorrido, ¿algún evento o Festival que los haya marcado hasta la fecha?
Tenemos muy grabado en el corazón un Festival llamado Enerpol, realizado en Tupiza cada año. Lastimosamente por factores de fuerza mayor se detuvo, pero sentimos que de ahí levantó vuelo el avión de Desorvital Eyes.
Pude disfrutar en el Spotify la obra in extenso de Quatro, apreciando por completo de temas como Aire, Escapar, Realidad, Noche Eterna y todo el álbum en general. ¿Qué temas se han convertido en sus preferidos a la hora de interpretarlos y tocarlos en vivo? ¿Algunas piezas que ya formen parte de su audiencia?
Escapar es una nueva canción que la venimos promocionando, aparte de Viuda Negra y Despierta, Sueños Rotos es una canción que nos gusta mucho por todo lo que conlleva esa canción melódica y líricamente. De hecho, será el siguiente sencillo a promocionar.
¿Qué es la música para Desorvital Eyes?
¡Vida! La música es vida.
¿Algunas palabras o grito de guerra antes de entrar al Escenario?
¡Diviértanse, chicos! Es vital para nosotros disfrutar lo que hacemos, sea para una o mil personas, nos ayuda a ocultar los nervios antes del show.
Despierta
¿Qué les pueden aconsejar a las nuevas generaciones que quieran ingresar al mundo musical?
Constancia y creer en sí mismos, no importa lo que les digan los demás. Si logran completar sus sueños, ¡qué bien! Y si no, lo habrán intentado, y no tendrán la espina aquella del era que lo intenté.
Nuestra actualidad llena de creatividad que hacen posible una infinidad de propuestas melódicas, ¿qué nos pueden recomendar para coleccionar como buenos melómanos?
Muy difícil, entre nosotros escuchamos de todo y para todos, la música en sí es hermosa, ¡escúchennos!
¿Qué nos pueden comentar de los proyectos que tienen para el 2022? ¿Alguna primicia?
Entre giras, nuevos videos y viajes.
Sus palabras de despedida para la gente que sigue y disfruta de la música de Desorvital Eyes, y también para los y las lectoras de LaCarne Magazine.
Gente, gracias por seguirnos y degustar de lo que hacemos. Créannos que damos todo de nosotros para que la gente que nos ve en YouTube o nos escucha en alguna plataforma se sienta conforme y disfrute de lo que hacemos, y en vivo mucho más aún. De hecho, llevar atuendo y máscara es para ustedes, no es nada fácil. Nos vemos pronto en algún show. ¡Gracias!
Al cierre de la presente edición nos mantenemos expectantes ante la nueva producción audiovisual de la banda, que viene a promocionar la flamante producción Quatro. Éxitos ahora y siempre, y a seguir volando con la música que es vida.
Más información sobre Desorvital Eyes en los siguientes enlaces:
Facebook
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18 Horas, Pop Rock Experimental desde las montañas de La Paz
https://bit.ly/399htUm
En un respetuoso diálogo -gracias a las redes sociales- conversamos con la banda paceña 18 Horas, quienes nos entregan una amalgama de sonoridades destinadas a elevarnos y musicalizarnos. Con fortuita gracia armonizamos la charla encaminada a conocer detalles del álbum debut Musicness, y la actualidad de la agrupación junto al single El Viajero.
En exclusiva para LaCarne Magazine, tomamos el hilo con Ada La Ruta (voz), Andrés Acosta (guitarra eléctrica) y Carlos Diez de Medina (guitarra acústica) sobre su propuesta musical enfocada en brillar por propias luces, y dejar una huella en la Historia del Rock hecho en Bolivia.
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18 Horas, Pop Rock Experimental desde las montañas de La Paz
¿Cómo nace el proyecto musical 18 Horas? ¿Por qué del nombre?
18 Horas nace con la unión de los tres integrantes actuales: Ada, Andrés y Carlos. Carlos y yo (Andrés) ya nos conocíamos desde la universidad, y nos juntábamos para hacer música, y años después conocimos a Ada, y tuvimos gran compatibilidad musical y ganas de iniciar un proyecto nuevo, es así que la banda se formó.
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En cuanto al porqué del nombre, 18 Horas, estábamos a punto de tener nuestra primera tocada, pero no podíamos ponernos de acuerdo en el nombre de la banda y simplemente Carlos dijo algo así como: “chicos, faltan 18 horas para la primera tocada y aún no tenemos nombre, seamos 18 Horas”, y de una forma u otra decidimos adoptar ese nombre.
En las redes sociales de 18 Horas se presentan como una banda boliviana de Pop Rock experimental con influencias de Blues, Alternativo, Art Rock, R&B y Progresivo. ¿Qué artistas o grupos han marcado su sonido y moldeado la personalidad de la banda?
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Lo más importante de mencionar es que cada uno de nosotros tiene gustos musicales diferentes, artistas que nos han marcado, y por lo tanto la música que hacemos es resultado de toda esa mezcla. Para Ada, por ejemplo, artistas que marcan su estilo son Tori Amos y Evanescence, para Carlos son Steven Wilson y Anathema, y para mí (Andrés) son John Mayer y Slash, entre muchos otros.
En los meses pasados, Andrés Acosta se fue a Irlanda, han despedido de viaje a su guitarrista. ¿Quieren mencionarnos de propia voz la actualidad 18 Horas?
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Efectivamente, Andrés se fue a Irlanda por un tiempo, sin embargo, la banda la seguimos integrando los tres. y su estructura no se ha modificado, aunque estemos en una pequeña pausa.
Como bien lo mencionan en el Facebook de 18 Horas, sus canciones enfatizan vivencias y pasiones propias, con letras metafóricas. ¿Qué nos pueden comentar al momento de componer y crear sus temas, melodías y ritmos?
Pues sí, las letras hablan de experiencias y sentimientos propios, principalmente de Ada y Carlos, que son quienes componen la mayoría de las letras y le dan cierta forma metafórica a lo que quieren expresar. Yo (Andrés) por el otro lado, soy un poco más directo con las letras, y tratamos de complementarnos un poco en ello.
En cuanto a la música y el ritmo, normalmente somos Carlos y yo quienes los creamos, y claro, en el disco Musicness también Bruno Nemer aportó en ello. Ada es quien complementa melódicamente en las voces y coros.
Mientras disfruto del álbum Musicness, aprecio su calidez musical y sonora. Bilingües a la hora de cantar sus versos. Han editado en formato físico el CD -que al parecer fue fabricado en TDV- y nos trae una linda presentación con líricos y mucha creatividad para combatir con la malsana costumbre que hay de consumir discos plagiados o pirateados, un establishment dentro nuestras regiones, desmedrando a los que trabajan en la música y el arte. ¿Cómo les fue con su ópera prima? ¿Algunas anécdotas de la producción y realización?
Estamos de acuerdo con todo lo que comentas. Es cada vez más difícil abrirse espacio y sacar este tipo de material cuando hay tanta piratería y plagios en el rubro, y pues todavía seguimos teniendo material impreso, pero tampoco podemos decir que nos ha ido mal. Quisimos hacerlo en formato físico porque era nuestro primer trabajo y deseábamos hacerlo con todo, es por eso que acudimos a TDV para tener impreso el material original.
Es una experiencia que siempre vamos a tener en nuestra memoria, desde los artes que los íbamos dibujando con nuestras propias manos, el escribir las letras para imprimirlas en la revistita, el escoger la portada, el escoger el estilo, los colores, el orden de las canciones en el disco, el arte impreso en el mismo CD y la cajita (gracias a nuestra amiga y gran diseñadora Mónica Carreño) y la frase que tiene escrita, los agradecimientos… O sea es un montón de logística y detalles que vienen detrás del disco, y esperamos que quienes lo adquieran puedan apreciarlo, disfrutarlo, palparlo, porque es muy bonito trabajo de verdad.
La grabación fue otra gran aventura, de las más memorables, junto a los amigos de Pro Audio. Fueron días de mucha entrega y arduo trabajo, escapadas de las oficinas, ensayos en casa, y escucha interminable en todo aparato de sonido que podíamos para comparar la mezcla en cada uno de ellos, e ir modificando detalles para lograr que las canciones suenen como deseábamos.
La mayoría de las bandas en la actual escena es Independiente y Autogestionada al carecer de Industria Discográfica en el Estado Profundo de Bolivia, algo inaudito que se nos hizo realidad. Los pocos Sellos disqueros han desaparecido, como Discolandia, que en su época hizo un imperio con bandas como Ícaro, a quienes, a manera de rendirles un homenaje por su aporte al Rock hecho en nuestras tierras, le hicieron un cover del tema Todo Es Por Nada, single que estrenaron el 2020. ¿Cómo surge esta reversión y su producción?
Efectivamente hicimos un cover de la canción Todo Es Por Nada de Ícaro, gracias a un proyecto que armó Pato Peters, en el que invitaba a muchas bandas a escoger y versionar una canción del Rock boliviano de los 90’s / 2000’s para hacer un Tributo por el día de Bolivia (el 2020).
Escogimos la canción porque para algunos miembros de la banda era bastante representativa de esa época, además de hermosa, y nos gustó mucho como salió, así que nos pusimos en contacto con los entonces integrantes de Ícaro, y decidimos publicarla como un cover.
En cuanto a la producción, se dio en plena pandemia. La tuvimos que hacer por videoconferencia y la fuimos armando poco a poco. La grabación y mezcla fue realizada en nuestro Home Studio.
18 Horas, Pequeña Muerte
El video de El Viajero, su último sencillo (2022), nos invita a recorrer nuestras montañas y sus valles o yungas, filmado en la preciosa Comunidad de Pongo, hermosa locación que nos brinda esa narrativa enigmática que acompaña a la canción y sus melodías. ¿Cómo les fue en la realización y producción de la obra? ¿Algunas memorias o anécdotas del rodaje?
El Viajero fue una producción completamente Independiente, así que pudimos probar todas nuestras habilidades en lo audiovisual. Así primero tuvimos una etapa de pre-producción en la que escogimos las locaciones, paseando un fin de semana por Pongo con Carlos y Ada, a ver si efectivamente se iba a poder grabar allí. También fuimos determinando las mejores horas para captar buena luz y tener espacios libres de turistas (jeje).
Después fuimos escogiendo el tipo de vestimenta y maquillaje que íbamos a usar para las caracterizaciones de los personajes, y finalmente el guion literario, acerca de la historia que queríamos contar sobre el viajero.
El día de la filmación nos lanzamos con nuestro amigo Rodrigo Salas, quien fue el productor de filmación, y realizó las tomas magníficas con un drone, y otras con la cámara.
Lo filmamos todo en un día, que fue bastante agotador, pero divertido, de 6 de la mañana a 6 de la tarde aproximadamente. Y como anécdota, siempre voy a recordar que teníamos una toma súper buena en el puente de piedra que fue borrada accidentalmente.
Lo que sucedió es que en ese momento estaba prohibido cruzar el puente porque es propiedad privada, entonces lo hicimos muy rápido y tratando de que nadie nos vea, y justo cuando Rodrigo estaba filmando la escena del drone, apareció la cuidadora y nos comenzó a gritar desde lejos, Rodrigo se puso nervioso y en ese momento borró el vídeo por equivocación. La toma que ven en el videoclip es una segunda toma.
La post producción y edición estuvo a cargo de Ada, quien hizo toda la revisión y pauteo de imágenes, escogiendo las mejores para el videoclip. Vimos un primer corte a partir del cual tuvimos un par de ideas, añadimos algunos efectos, y luego ya logramos el corte final.
Están considerados en algunos ratings locales, y haciendo contracorriente en estos tiempos globalizados, donde cuesta en demasía lograr públicos y audiencias. Un gran logro para seguir en la Escuela de la Vida Musical. ¿Cómo les ha estado yendo con sus públicos y los medios? ¿Qué tal la nueva Escena local de música contemporánea?
Bueno, creo que la clave para mantenerse dentro de toda esta movida musical es moverse, valga la redundancia, y crear contenido para las distintas redes sociales que tenemos. Es decir, editar videos cortos promocionando nuestra música, publicar fotos, hacer lives de ensayos, publicar historias con algo que llame la atención de nuestros fans, mantener contacto continuo con las personas que se encargan de llevar adelante programas de promoción de bandas, y todo lo que tenga que ver con la cultura contemporánea, y también crear lazos de amistad con músicos de bandas del género y otros para crear comunidad…
Es un trabajo fuerte y a veces, por las responsabilidades que cada uno tiene, es un poco complicado, pero dentro de ello tratamos en la medida de lo posible comunicarnos siempre con nuestro público.
Ahora bien, la magnífica iniciativa particular de algunos promotores culturales ha generado espacios bastante interesantes este tiempo. Así podemos encontrar lugares para tocar en vivo como La Feria de Arte Libre a cargo de nuestro gran amigo Genaro Bloisa, y La Feria del Fin del Mundo a cargo de Miky Lennon.
También a diferentes programas de radio en internet y podcast dedicados a la promoción de música hecha en Bolivia, que han creado lazos interesantes a nivel internacional con otras radios, como Cesar Radio Rock a cargo de nuestro amigo César Crespo (desde Cochabamba), Stereo Hits Radio, a cargo de la capísima Loyda Dávila (desde Potosí), Resistencia Rock Bolivia a cargo de nuestro amigo Patricio Ali, La Otra Vereda conducido en su momento por nuestra amiga Peggy Martínez, ambos de La Paz y Sonidos de Acá a cargo del capísimo Pato Peters, desde Santa Cruz, por nombrar algunos. Todos ellos apoyan de manera incansable a bandas, y poco a poco hacen la diferencia.
Observé y hasta me antojé para mi discoteca blindada su material en sus redes sociales, una importante actitud en mercadería para darle marca e imagen a la música, además de estima al público que debe aprender a revalorar lo que hacen sus músicos y protagonistas. ¿Cómo les ha ido con el merch y su distribución, entre poleras, barbijos y discos?
Algo que nos gusta hacer como banda es mimar a nuestros fans, y marcar etapas con el merchandising. Por ejemplo, para Musicness, otra de las razones para haber hecho el disco en físico fue para dar a los fans ese gustito que todos nosotros sentíamos al comprar un CD, que era ver la revista interna con fotos inéditas, las letras y cosas así.
También sacamos una serie de poleras con distintos diseños y barbijos en la época de cuarentena, que las hicimos junto a nuestro amigo y hermano de Ada, que es diseñador gráfico, Iván La Ruta, y, bueno, ya para la premiere de El Viajero hicimos unos llaveros súper lindos y una especie de cuadritos con el arte y el link de spotify para escanear. Parte de este merchandising lo hicimos a pedido y parte a la suerte (jeje). Es decir, esperando que los fans los adquieran y más bien tuvieron buena acogida.
Alzando Vuelo fue uno de mis temas preferidos que disfruté. También se me pegaron El Color Eres Tú y Espejismos, tema que abre el álbum Musicness, o Trascendence y Behind The Wall, que me gustó mucho. ¿Qué canciones son sus mimadas o preferidas a la fecha para interpretarlas? ¿Qué temas se han convertido en referentes para su público y audiencia?
Justo nombraste algunas de nuestras canciones preferidas, aunque cada canción es bastante especial para nosotros, pero en relación a nuestro público creo que una de las primeras que tuvo gran recibimiento, y no sólo a nivel nacional sino internacional (en México más que nada), fue Pequeña Muerte, así que la tocamos siempre, variando un poco la estructura y jugando con la pedalera de guitarra. De igual modo Alzando Vuelo fue súper bien recibida y nos encanta tocarla.
En cuanto a las favoritas de la banda, pues las predilectas de Andrés son Behind The Wall y El Viajero, las de Carlos son Transcendence y Cloudy Day P.1, y, bueno, de Ada sus favoritas son Musicness, que sigue erizando su piel cuando la canta, y El Color Eres Tú.
En su canal YouTube disfruté de sus videos y propuestas narrativas, viajando de Musicness hasta Dulce Muerte, que me maravilló, con una impecable narrativa y fotografía. ¿Qué videos nos recomiendan para prestarles atención y una buena mirada?
Realmente hacer un videoclip es de las cosas más divertidas y creativas para nosotros, y nos gusta mucho participar de todo el proceso, armando el guion narrativo, y dando ideas para el guion técnico, uso de colores, locaciones, etc.
En los videoclips que tenemos en nuestro canal de Youtube, trabajamos con distintos profesionales y también nos lanzamos a hacer producción propia, como en Todo es por Nada, hecho en cuarentena de manera casera (lo recomendamos ya que está bonito), y El Viajero, que, como contamos, fue un gran reto por todo lo que implica la pre y post producción.
Pequeña Muerte fue realizada con la productora Diferencias Creativas, y para Alzando Vuelo y Musicness trabajamos con profesionales independientes: Jairo Buchmann, Eva Pareja y Raquel Ramos.
Tenemos un video que es un mush up de imágenes de nuestro recorrido musical hecho para Eterno Olvidar, último corte del disco Musicness, otro de Espejismos del 2018, así re casero y con el audio de la primera maqueta, hecho para un concurso, y uno de un pequeño «concierto en casa» hecho para un Festival mexicano en época de cuarentena (Emergencia 2020). Los animamos a darles una miradita.
Alzando Vuelo
Luego de las cuarentenas y nuevas reglas debido a la pandemia COVID -19, ¿qué tal se han sentido de regreso a los escenarios, y a los llamados ahora shows presenciales?
Creemos que, para todos los artistas, volver a los escenarios y volver a tener ese contacto directo con la gente es una experiencia que alivia y enriquece, porque somos seres humanos y estamos hechos para el contacto, y si bien en época de cuarentena hicimos conciertos «live from home» para para tener esa sensación de contacto, creo que cantar frente a las personas, ver cómo te devuelven la mirada, cómo corean las canciones, la emoción del momento, los aplausos…, es invaluable. Entonces creo que para nosotros fue y es una satisfacción tremenda volver a los shows presenciales.
He estado reflexionando de sobremanera sobre la Cultura y el Arte en nuestro Estado Profundo, ahora Plurinacional, y me sigo resistiendo a la idea que nos quieren implantar o programar, al carecer de públicos masivos, industrias discográficas y demás, haciéndonos invisibles a los trabajadores de la música, y empujándonos a otras actividades laborales para solventar nuestras vocaciones y pasiones. ¿Cómo se han acomodado a estos avatares del sistema engañoso desde la trinchera musical?
Creemos que la pasión por la música y las ganas de decir algo al mundo, a través de nuestra música, son los principales motores, y mientras tengamos eso, todo lo que hagamos va a estar guiado a mantenernos en el camino musical.
Para nosotros, abrir un espacio especial a la música en nuestra vida ha sido algo con lo que lidiamos desde el inicio, ya que todos los integrantes de 18 Horas (antiguos y actuales) solíamos trabajar en horarios de 8 horas o más, y en trabajos bastante exigentes, entonces los ensayos, las sesiones de composición, las planificaciones, etc. siempre eran nocturnas y de fines de semana, metiéndole a full.
Asimismo, generacionalmente estamos acostumbrados a canciones que duran en el tiempo, que marcan hitos en nuestra vida, no tanto a música que sale y se descarta al tiro, y, bueno, eso también tiene su costo, porque ahora la industria musical es así, tienes que «pegar» y en un tiempo muy corto volver a sacar otro hit porque si no te olvidan. Al final, es un salir y entrar de esa movida musical, pero sin perder nuestra esencia.
Según sus gustos y estilos, ahora que tenemos un mar de opciones creativas y sonoras a la mano del Internet, ¿qué álbumes o artistas nos sugieren para adjuntar al playlist y coleccionarlos?
En la movida local podríamos proponer a Entrada de Emergencia y su álbum Flores, Isadorian y su álbum El Martillo de las Brujas, a The Cord y su álbum Reporte de Viaje, Ruido Blanco y su álbum Sinestesia, Lilah y su álbum Aurora, Godless in Grace y su canción The Shining, The Black Widow y su canción Ilussion.
Y en la escena internacional, a Tori Amos y su álbum From the Choirgirl Hotel, Antony con su versión de If It Be Your Will de Leonard Cohen, Manchester Orchestra y su canción The Silence, Kodaline y su canción All I want, Joe Bonamassa & Beth Hart y su colaboración en I’d Rather Go Blind, Gov’t Mule y su canción Soulshine, Gary Clark Jr. y su canción Pearl Cadillac, Richie Kotzen y su canción Doin’ What the Devil Says to Do, Collective Soul y su álbum Half & Half, Anathema y su canción Untouchable part 1 y part 2, Vertical Horizon y su canción True Illusion, Steve Wilson y su álbum The Raven that Refused to Sing (and Other Stories).
Aunque sea una misión imposible, muchos estamos en el arte por amor y pasión, por vocación y determinación. ¿Qué es la música para 18 Horas?
La música para cada miembro de 18 Horas es el motor, como decía antes. Justamente la canción Musicness, que es la que le dio el nombre a nuestro primer álbum, expresa ese amor. Es eso que nos recorre en las venas, ese fuego por dentro que nos enciende para expresar lo que pensamos y sentimos, traduciéndolo en letra, melodía y beats. Es lo que nos ha ayudado a encontrarnos a nosotros mismos: es refugio, es vida.
¿Algunas palabras motivacionales, en especial a las mujeres y jóvenes generaciones que quieran incursionar en el arte y la música?
Hace unos años escuché una charla motivacional de Denzel Washington (que la pueden buscar en las redes) en la que habla de los sueños y de la fe, de no tener miedo a fallar, de tener consistencia, planificación y trabajo duro, porque uno puede y debe soñar en grande, pero sueños con objetivos, explotando el talento. Y hubo una parte súper bonita en la que decía: «el verdadero deseo que tienes en el corazón, ése que te pica, sea lo que sea, pero que tú lo sientes ahí, es la prueba de Dios de que ya es tuyo, así que ve y reclámalo«.
Entonces, si uno quiere algo, si uno realmente lo desea, debe ir y luchar por ello, y en este momento, en que muchas más mujeres están siendo protagonistas en la escena musical, pues las animamos con todo, en todo género musical, ya sea en escenario, tocando o cantando o en la producción y gestión musical. Así que el cielo es el límite.
Al momento de tomar Escena o entrar e Estudio, ¿tienen alguna cábala o grito de guerra?
Grito de guerra hasta ahora no, de pronto en un tiempo más tendremos uno, pero lo que sí hacemos o hemos hecho antes de entrar Estudio, o antes de un concierto, es tener un momento entre nosotros para agradecer lo que estamos por hacer, que es disfrutar y tocar, y darnos la mejor energía entre todos, y, bueno, creo que nuestra cábala es nuestro número, 18 y múltiplos de 18, ya que en muchas ocasiones nos han tocado eventos importantes en fecha 18, a las 18 horas o algo así.
En el presente es difícil de programar y hacerse planes, ¿alguna primicia que nos quieran compartir?
Bueno, por distintas circunstancias, está siendo un poco complicado reunirnos; sin embargo, antes de la partida de Andrés, y todo el año pasado, trabajamos en nuevas composiciones. Precisamente una de ellas fue El Viajero, y tenemos programadas otras 3 aproximadamente.
Parte de la grabación de voces e instrumentos la avanzamos en nuestro Home Studio, pero todavía hay algunos detalles para terminar, así que va a tener que ser de forma remota, como lo hicimos en cuarentena con el cover de En la Ciudad de la Furia y de Todo es por Nada. En un tiempito más van estar escuchando nuevo material nuestro en las redes.
Sus palabras de despedida para los y las seguidoras de 18 Horas, también para los y las lectoras de LaCarne Magazine.
Bueno, realmente ha sido un gustazo ser parte de esta entrevista. Es un honor participar en LaCarne Magazine junto a otros artistas, ya que leímos algunas entrevistas a otras bandas, y estamos tremendamente agradecidos por todo el apoyo que realizan a la música que va surgiendo poco a poco e intenta mantenerse en el ruedo.
Y bueno, mandamos un gran saludo a todos nuestros seguidores y a todos los que nos están conociendo con esta entrevista. Los invitamos a que pasen por todas nuestras redes. Estamos en Facebook, YouTube e Instagram y en todas las plataformas de música donde pueden escuchar tanto nuestro álbum Musicness como los covers que sacamos, una versión en vivo del concierto y también nuestro último single El Viajero, así que estén conectados que vamos a ir subiendo alguna que otra cosilla nueva en este tiempo.
¡Un abrazo a todos! Sigamos adelante, sigamos haciendo música, y ¡apoyando a los artistas locales!
Cerramos la presente edición deseándoles una pronta reunión, que en un futuro cercano 18 Horas nos entregue nuevas producciones y actuaciones. Esperando alegres sus nuevas canciones y realizaciones, seguiremos sumergidos en sus temas. Les deseamos a los integrantes un excelente presente y muchas vibras musicales para continuar con el viaje.
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Golpe Justo, leyendas del Metal desde la Isla del Encanto
https://bit.ly/3avr7km
Es un orgullo lograr conversar con personalidades dentro de la Escena y el Movimiento musical contemporáneo. Gracias a las mágicas ondas que fluctúan en las redes sociales, nos contactamos con el vocalista de la agrupación Golpe Justo, que ha cumplido más de tres décadas -desde 1990- de Hard Core en Puerto Rico, y nos enorgullecemos al poder tomar contacto con sus protagonistas.
Saludos cordiales hasta la Isla del Encanto desde La Paz de Bolivia, a faldas de la Cordillera Real de Los Andes, en el corazón de Sud América. Gracias por la confianza y colaboración en exclusiva para LaCarne Magazine.
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Golpe Justo, Puerto Rico Hard Core
Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta a dos años y medio de la pandemia COVID19, personal y musicalmente, ¿cómo se encuentran actualmente?
Durante -y actualmente- la pandemia opacó los escenarios pero no las redes, y fue entonces donde nos dedicamos a grabar videos en el Estudio para Festivales En Línea como ¿Ke Futuro? y Algo de Rock Fest, entre otros podcast donde nos entrevistaron y compartieron nuestra música.
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Desde verano pasado (2021) comenzamos a hacer eventos bajo Warner Crew PR, uniéndonos a la Escena Skater. Muy buenos eventos, y venimos con más.
Una breve reseña de Golpe Justo. ¿Cuándo y dónde nace Golpe Justo? ¿Por qué del nombre?
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Nos reunimos 4 amigos del área a crear Hard Core. Sagon (guitarrista) reunió los que seríamos los primeros 4 miembros originales, de los cuales hoy día somos 2. Ahora somos un trío, porque yo Bb (vocalista) tomé el bajo a falta de uno cuando comenzábamos a tomar impulso, tocando varios eventos corridos en 2018.
Sagon quería un nombre contundente y que la música fuera como un “golpe”, a lo que le añadí instantáneamente el «justo», pues nuestras letras así se honrarían. Critica política, fuerza policial, anti colonial, que para el principio de los 90 eran vitales para una Escena en crecimiento.
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¿Qué estilos musicales han influenciado en su sonido?
Nuestro sonido actual es influenciado por bandas como Carnivore, S.O.D., Motorhead, pero con el elemento Hard Core que nos identifica, temas a lo Vieja Escuela, a lo Golpe Justo.
¿Cuáles fueron sus referentes musicales? ¿Qué bandas o artistas han marcado a Golpe Justo?
La influencia desde el comienzo fue bien marcada por Sick of It All, Killing Time, Breakdown, Sheer Terror. El NYHC y bandas como Bad Brains y Youth of Today también juegan un rol de influencias.
Golpe Justo – Cuelga al Dictador
Desde 1990, Golpe Justo vienen trabajando y produciendo material. Su debut en Computer Crime Records 1991 es un hito para la Escena de su país y la Escena Hard Core de habla hispana. ¿Qué nos pueden comentar de su trabajo discográfico? ¿Cuál es la discografía de Golpe Justo (y sus años de edición) hasta la fecha?
El sencillo de 6 canciones a través de Computer Crime fue un gran paso para nosotros como banda. Hicimos la grabación en el espacio donde ensayábamos junto a Jorge de Shampain, quien nos hizo el favor de grabarnos.
Luego, en 1994, lanzamos Seguimos Adelante en cassette, 15 temas en mi disquera Justo Records. Para 1998, Hecho en Puerto Rico, cinta de 11 temas. Un disco más experimentado pero con varios temas de Hard Core. En 2005, sacamos a través de Discos de Hoy nuestra discografía con 25 temas titulada Revolución en la Evolución.
En 2009 salió Bronka Latina, 3 WaySlipt junto a Doble D de México y La Virgen del Pozo (P.R.). En 2013 Mercenario, CD compartido con Doble D de México. 4 temas cada banda.
Para verano 2022 se pospuso el lanzamiento de Come Fuego debido a las nuevas órdenes ejecutivas ante la pandemia.
El año pasado -2021- han presentado Esto es Hard Core, estrenando en videoclip oficial para conmemorar 30 años de trayectoria, donde pudimos observar colaborando a geniales exponentes del HC de distintas partes del mundo. ¿Qué nos pueden comentar de la canción? ¿Cómo surge la iniciativa que se hizo posible durante la pandemia 2020? ¿Quiénes son los hermanos del HC que aparecen en el homenaje?
Se me ocurrió hacer el video tipo casero/pandemia, cada quien en su espacio y comodidad con el tema Esto es Hard Core, pues es la música quien nos une a todos estos países con todas sus personalidades, y, al no poder hacer un evento En Vivo para conmemorar, pues lo hicimos en video, donde muchos de nuestros amigos del Hard Core aparecen.
Aparece Jorge de Merauder (N.Y.), Venado de Ak 47 (Mex.) Cuyo de Nocaut (Mex.) Jeff Colemam (Computer Crime Rec) Santiago HC Crew, Nano y Felipe (WC Chile), Chehuan de Norte Cartel y Confronto (Brasil) El Mosca de 2 Minutos (Arg.), Joe Meca 1 de Los Gallos (PR), Hermanos C.P.P.R., David Mancilla (Connard) Mex. Vinnie Stigma (Agnostic Front), Joe Vietnom (NY) Julio y Notoken (Ecuador).
Me ha llamado la atención el merch que mantiene a la banda en contacto con su gente e hinchada, las y los seguidores de Golpe Justo parecen mantener una firmeza total con la agrupación. ¿Cómo les ha ido con las nuevas remeras, gorras, discos, velas conmemorativas y su distribución? ¿Cuál fue la respuesta de su público?
Agraciadamente muchos fans se mantienen fieles, dando su apoyo, comprando merch. Ha sido muy buena la aceptación. Estamos a punto de sacar otro diseño alusivo a Callejero.
Pude observarlos en directo en el 1er Festival Internacional Algo de Rock, junto a 10 bandas desde México, Ecuador, España, Suecia y más. ¿Cómo les resulto la experiencia de hacer un show on-line? ¿Algunas anécdotas que nos puedan compartir?
Hemos hecho 2 eventos donde los locales, y los no locales, llegaron y la pasaron muy bien. Estamos pendientes para seguir con otros eventos parecidos alrededor de la Isla, instando a otros a mantener el deporte activo con la música que lo representa.
A Palo Limpio
Volvieron a escenarios a mediados del 2021 junto a bandas locales para unificar la Escena Skater y mantener ambos Movimientos activos. ¿Cómo les fue en el show?
Los 2 eventos que se dieron con los Skaters fueron concurridos, tanto las bandas como los seguidores y skaters estuvimos bien satisfechos con el resultado. Venta de merca, y otros parques solicitando eventos similares para ponerlos al día, y así se puedan utilizar los parques para este deporte.
La Unión y Fuerza es fundamental dentro de cualquier Movida, ¿qué nos pueden comentar de Warner Crew P.R.?
Warner Crew PR comienza con los miembros de Golpe Justo luego de visitar Chile, donde nos dieron tremenda bienvenida al crew, y, en nombre de la música y la buena obra, quise dar nombre a nuestro trabajo en Puerto Rico con la escena, y qué mejor que unirse a la fuerza de la hermandad HC hispana para conseguir y honrar nuestro lema: “Unión y Fuerza”.
Vienen preparando el próximo y nuevo álbum intitulado Come Fuego. ¿Cómo anda la nueva producción? ¿Qué nos pueden comentar de su realización y lanzamiento?
El lanzamiento de Come Fuego se pospuso para verano 2022 por la situación que existe, por las alertas locales ante el COVID19. Aprovechamos este tiempo para remasterizar e incluir 2 temas creados este año (Muncies Attack y Atardecer de Venganza, homenaje a Carlitos Colon, luchador profesional boricua). El disco será lanzado por Justo Rec., nuestra propia distribuidora.
Anunciaron el rodaje del primer clip Callejero junto a un ícono del skate en su país, ¿qué nos pueden comentar de la canción y su realización en video?
Llevaba varios años meditando en este proyecto/video, hasta que por fin se dio con las personas indicadas.
Carlos Ferrer, mejor conocido como Carlos «La Jeva» y «Kelakel” en la Comunidad Skater y en la escena HC y Punk local, nos ayudó con los coros porque así decidí, también el coro ¿Qué Es la Que Hay? (saludo tradicional callejero en la isla) por eso Kelakel así saluda.
Carlitos (jaja), muy conocido entre sus colegas, que también colaboraron en la creación del video en uno de los skateparks más conocidos en la isla. Aún se está editando el video. Aunque el disco no salga ahora, el video estará listo pronto.
El 2021 han retomado escenarios, cerrando con el Navi Rock Hard Core junto a bandas colegas. ¿Cómo les fue en el show? ¿Algunas anécdotas de la actuación?
Navirock se dio muy bien, muy mal tiempo, mucha lluvia, algo de atraso, pero se dio. De ese Evento nació el próximo Festival local por parte de Metal Nation P.R.
Los políticos serviles de los Estados Profundos inspiran en demasía como el ex mandatario Donald Trump, casi un cómico amargo de presidente. ¿Qué experiencias pueden comentarnos desde su trinchera musical respecto a su activismo social y político?
Es tan absurdo el tema de Trump, que no fijé mi atención a un payaso que sólo quiere publicidad y reconocimiento, no le di importancia a él pero sí a la situación. Repudio total y A Palo Limpio también se la dedicamos a la administración de Estados Unidos y su fuerza bruta policial.
Disfruté del EP Golpe Justo (1991) y de fundamentales temas como Cuelga al Dictador dentro del material debut de la banda, ¿qué canciones se han convertido en referentes para ustedes como Golpe Justo? ¿Qué temas los identifican con su público?
Cuelga al Dictador es muy mencionada, y sé de bandas que incluyeron el tema en su repertorio, CPPR (Cabeza de Piel de PR) es un himno del Movimiento Skinhead boricua, Plakkka contra el abuso policial también es pegajosa y a muchos les gusta.
Cabeza de Piel de Puerto Rico
Cumplen 32 años desde su fundación en 1990. Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados de por vida?
La celebración del 25 aniversario de Golpe Justo junto a Sick of It All, Agnostic Front en Puerto Rico 2000, Hatebreed en Puerto Rico 2004 y Hatebreed 1993 en CBGB de Nueva York, y junto a La Armada en Chicago 2008, con 2 Minutos en Puerto Rico 2018, y el Fest Celebración 25 años Santiago Hard Core, Chile (2019) junto a Otra Salida, Social Crisis, Norte Cartel, Mano a Mano, Honorte, Dreal HC, Sin Penas ni Glorias, y más.
El Movimiento HC y la contracultura en Puerto Rico tiene firmes y profesionales representantes, ¿qué agrupaciones nos recomiendan para prestarle atención y escucharles con detenimiento?
Puya es una banda reconocida boricua, Tamb Cold Times, La Rosca, Siebenkas, THC, Fast X3, Jauría, Ignorados Comediantes, Leftovr, Por La Vena, Sabila, Juventud Crasa, Tropiezo, La Falacia, Sin Remedio, Diente Perro, Ultravivos, Vieja Estirpe.
¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento Musical? ¿Cuáles son sus palabras de experiencia luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras.
Crean en sí mismos, apoyen las demás bandas, sean persistentes y mantengan su nombre, inviertan tiempo y dinero en algo que puede durar toda una vida.
Actitud mental positiva, hagan benéficas y ayuden a quien necesita. Somos una gran familia, que con la buena obra musical podemos y estamos haciendo la diferencia.
¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla de la vida o juego de la vida?
“Vivan, beban y no olviden luchar”.
¿Qué proyectos se vienen en este 2022?
Terminar Come Fuego y hacer su presentación local y en Florida / USA, donde tenemos oportunidad de hacer varios eventos. Volver a Chile para terminar tres temas para homenajes a Luchadores Profesionales en la Isla.
Tuvimos ofrecimiento de Outcast Prod., para ir a México pero aún no sabemos con seguridad, y lo mismo para Argentina, para un proyecto de grabación en el Estudio de Fito Páez.
Sus palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue su música, y para los nuevos seguidores de Golpe Justo.
Gracias por la oportunidad y por el interés en conocer un poco más de lo que hace Golpe Justo. Estamos en tiempos difíciles, pero no vamos a dar tregua hasta volver a respirar aire fresco junto a quienes disfrutamos de la música y el Hard Core en familia y hermandad.
Hayamos sido engendrados en odio, seamos sepultados en libertad.
Paz.
Estaremos expectantes del nuevo videoclip y material de la banda legendaria Golpe Justo, quienes por más de tres décadas representan con su música la resistencia ante el Nuevo Orden Establecido. Éxitos ahora y siempre.
Más información sobre Golpe Justo en el siguiente enlace:
Instagram
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The Human League, el Synth Pop en sus orígenes
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En 1977, en la ciudad de industrial de Sheffield, al norte de Londres, dos informáticos deciden incursionar en el mundo de la música electrónica influenciados por los sonidos vanguardistas, influenciados por bandas sonoras de películas de la época como La Naranja Mecánica, compuesta por Wendy Carlos, o de la obra distópica y futurista de J.G Ballard.
Ellos eran Martyn Ware y Ian Craig Marsh, que terminaron comprando un sintetizador modular análogo Rolan System 100. Con él comenzaron a hacer sus primeras composiciones. Al proyecto lo llamaron inicialmente The Future, al cual se unió Adi Newton, que lo dejó enseguida para formar la banda de música industrial Clock DVA, junto a Steven Turner.
Como vocalista incluyen a un compañero del colegio de Ware, Philip Oakey, quien no tenía experiencia dentro de una banda hasta ese momento, y al fotógrafo Philip Wright, quien sería el encargado de las proyecciones y la puesta en escena en las presentaciones en vivo.
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The Human League, el Synth Pop en sus orígenes
Ya con el proyecto consolidado, deciden cambiar el nombre por The Human League, que provenía de un juego de computadora de la época.
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En 1978 editan el primer simple llamado Being Boiled, y tiempo después, en 1979, el segundo llamado The Dignity of Labour. Ese mismo año publican su primer disco bajo el sello Virgin Records, Reproduction, el cual no tuvo mucho éxito.
Un año más tarde, en 1980, publican su segundo disco, Travelogue, cuyas ventas no fueron buenas, ocasionando la separación del grupo a fines de ese año.
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Luego de la separación, Ware y Marsh formaron, junto a Glenn Gregory, el grupo Heaven 17, y Oakey quedó como dueño de la marca The Human League, pagándoles los derechos de autor.
Junto a Wright, el otro miembro restante, publican el simple Boys And Girls, y deciden reconstruir el grupo junto al bajista Ian Burden, el guitarrista Jo Callis, y a dos vocalistas, Susan Ann Sulley y Joanne Catherall.
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En 1981 The Human League graban el disco Dare, junto al productor de la banda The Stranglers, Martin Rushent. Como primer simple antes de la publicación de disco, lanzan The Sound of the Crowd, el cual tiene un gran éxito, y se posiciona en los primeros lugares de los rankings.
Luego lanzan dos simples de gran éxito, como Open Your Heart, Love Action (I Believe in Love), y el clásico Don’t You Want Me, que alcanzó el número uno en el Reino Unido, y más tarde en Estados Unidos.
En noviembre de 1982, The Human League editan un simple con bastante éxito, como Mirror Man, y, a principios de 1983, el simple (Keep Feeling) Fascination, el cual obtiene el segundo lugar en los charts.
Ambos simples son publicados en el EP Fascination, junto a 4 canciones más como adelanto de lo que sería su próximo álbum llamado Hysteria, publicado en 1984.
La grabación de este disco se tornó bastante caótica, ya que el productor Martin Rushent abandonó el proyecto, quedado a cargo Hugh Padgham y Chris Thomas.
El primer simple que publicaron antes de hacerlo con el disco fue The Lebanon, donde se vio un cambio en lo musical. Es una canción con letra de tono político, y el sonido hace un viraje más al Pop Rock.
Con la publicación del disco más tarde, The Human League demostró que estaba buscando un nuevo sonido basándose no tanto en los sintetizadores, y dándole más uso a las guitarras. Esto hizo que algunos seguidores del grupo dejaran de hacerlo.
El disco no tuvo el éxito esperado, aunque la canción Life On Your Own se convirtió en un clásico del grupo. Más tarde lanzaron el simple Louise, que le fue bastante bien, metiéndose en los primeros lugares en los charts.
En 1986 abandona el grupo Jo Callis, una pieza importante a nivel de composición, y se incorpora Jim Russell. Este movimiento se da justo en una época donde existía una crisis creativa dentro del grupo.
De todas formas, bajo la dirección de los productores Jimmy Jam y Terry Lewis entran al estudio a grabar lo que sería el disco Crash.
Para ese entonces, The Human League publican el simple Human, que fue un éxito, mientras que los dos simples posteriores, I Need Your Loving y Love Is All That Matters, no tuvieron mucha aceptación.
El grupo se toma un descanso, y en 1988 se publica su primera recopilación, llegando al puesto 13 en el Reino Unido.
Ya en 1990 sigue habiendo movimientos dentro de The Human League, ya que Wright, Burden y Russell abandonan el grupo, y regresa Jo Callis. Además que se incorporan Neil Sutton en teclados, y Russell Dennett en teclados y guitarras.
Es así que graban el disco Romantic?, el cual no tuvo mucho éxito, causando el término del contrato con Virgin Records.
En 1995 se publica bajo el sello East West Records el disco Octopus, bajo la producción de Ian Stanley, ex tecladista de Tears For Fears. De este disco resalta el tema lanzado como simple Tell Me When, que tuvo un gran éxito.
A fines de ese año se publica un segundo disco recopilatorio que incluye un remix de Don’t You Want Me, volviendo a aparecer en los primeros lugares en los charts.
Ya para el año 2001 graban el disco Secrets con el sello Papillion, que era una subsidiaria de Chrysalis Records, pero ocurrió que el sello cerró poco después del lanzamiento del disco, quedando éste con poca promoción, y, como resultado, con pocas ventas del mismo.
A pesar de que sus últimos discos no eran tan exitosos, The Human League seguían teniendo un público fiel que los seguía a todos lados. En 2003 se edita el DVD en vivo con la presentación en The Dome de la ciudad de Brighton.
En 2006 actúan en el mítico Hollywood Bowl de Los Ángeles ante 18.000 personas, y al año actúan en el festival internacional de Benicasim en España como parte de su gira europea de 2007.
En 2011 se edita hasta ahora el último disco llamado Credo, bajo la producción de I Monster, un equipo formado por Dean Honer y Jarrod Gosling. El primer simple que publican es Night People, el cual no tiene demasiado éxito.
En 2012 The Human League se embarca en una gira celebrando los 35 años de carrera, obteniendo muy buenas críticas por parte de la prensa especializada.
Luego, en 2016, comienzan la gira llamada A Very British Synthesizer Group aprovechando el lanzamiento del disco doble Anthology, que incluía los simples, grandes éxitos, y rarezas nunca editadas.
Con el correr de los años, The Human League tuvo una carrera con altibajos, sobre todo después de la década de los 90’s, con muchos cambios en sus integrantes. Tanto Philip Oakey como las vocalistas Joanne Catherall y Susan Ann Sulley, son los únicos miembros oficiales del grupo, y permanecen desde 1981.
Ha sido catalogada como una de las bandas pioneras y más respetadas del Synth Pop junto a otras como OMD, Depeche Mode, o New Order.
Más información sobre The Human League en los siguientes enlaces:
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Contempopránea 2022, la fiesta de bienvenida
https://bit.ly/3au8Ofq
Para los festivaleros que conocen Contempopránea, o casi cualquier festival de verano, saben que el día inaugural es el día adecuado para establecerse en el terreno festivalero.
Recordamos algunas claves:
Conocer la zona de acampada, con una buena elección de parcela con sombra, pero que tenga el suficiente atractivo alrededor en cuanto a festivaleros para pasar las veladas diurnas en buena compañía.
Huir de zonas de paso en la zona de acampada, y de aquellas tiendas que implican elementos desagradables como malos olores, ruidos innecesarios, horas excesivas de sol.
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Acomodarse en la piscina. De todos es sabido que hay que pillar el mejor sitio para que el refrigerio esté cerca, el dj a una media distancia que te permita dormir pero también bailar, unas vistas alegres, y la crema solar.
Los lugares de interés. Aprovechar que vienes el primer día para la visita cultural de la ciudad, porque además ya has consultado la guía Contempopránea 2022 – ¿Qué hacer y qué ver en Olivenza? y no te lo quieres perder.
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Y por último, la fiesta de bienvenida. Es donde se reparte el bacalao. Te haces una idea de la cantidad de personas que encontrarás en el festival, compruebas cómo andas de fuerza de cara al grosor del festi, haces amistad con otros festivaleros, aprovechas para reconocer a miembros de bandas contempopráneas para hacerte fotos, tanteas a los habitantes del pueblo de cara a las próximas horas para coger suministros, y sobre todo comienza la fiesta, y de la fiesta y sus grupos es de lo que hablamos aquí:
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Contempopránea 2022, la fiesta de bienvenida
Os presentamos a los grupos que formarán parte de la bienvenida, y los entrevistamos a ver qué sorpresas y entresijos nos deparan.
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LUA GRAMER
Con miembros de The Wish, Pequeño tío o Lich. Estamos ante una banda que ha estado desde los inicios de Contempopránea. Conocen el festival como nadie en todas sus épocas, y son músicos tan experimentados que forman parte del ideario musical extremeño.
Para quien no los conozca, estamos hablando con un grupo de culto del underground nacional. Shoegaze, Pop, Rock Indie es de lo que presume esta formación pacense perteneciente a Clifford Records. Para los más viejunos, estamos ante la mezcla entre Chucho y The Pains of Being Pure at Heart.
HOMBRE TIGRE
¿Qué os parece codearos con un Goya? Sí, esas personas de la farándula que van por la alfombra roja con vestidos y trajes que valen un pastizal, y forman parte de las pantallas de millones de personas. Pues sí, uno de los miembros de esta formación cacereña es un Sr Goya.
Pero no diremos más porque estamos ante una banda que también tiene muchísima experiencia en el underground patrio, con formaciones tan interesantes como Delrey, Kaplan, Día x menos 60, y un largo etc.
Tienen ese desparpajo del pop, la electrónica más bailable, esencia lo-fi, regusto ochentero que tantas alegrías nos han dado. Carlo di Fellino, Emilio Salgari Tigre de Bengala y Fer Tigre Toon no están en peligro de extinción, pero nos harán bailar hasta la extenuación.
MORREO
Los andaluces vienen de Madrid para que fluya el amor entre los contempopráneos. Estamos ante pop clásico, que nos hace viajar hacia los 60 o los 70. ¿Quién no recuerda ver a Marisol o a Karina en Cine de Barrio? Pues hay un regusto a aquello que ni ellos ni nosotros vivimos, pero que tiene mucho de allí.
Pop Naif, con encanto cañí sin serlo, sino más bien todo lo contrario, para reinventarlo y oscurecerlo. Se definen como Las Paquita Salas de la música, y es que cuidan mucho su producto audiovisual para recordarnos a Los Brincos en fusión perfecta con Papá Topo.
Contempopránea 2022 – Hombre Tigre, Lua Gramer y Morreo
¿Qué representa para vosotros, tras dos años de parón, volver a tocar en un gran festival y tan carismático como Contempopránea?
Hombre Tigre: Nunca hemos tocado en un festival como Contempopránea con esta formación, así que imagínate, un subidón. Nos da rabia no poder disfrutar de todo el festival, ya que tocamos el 30 en el Juli fest.
Lua Gramer: Es importante, ten en cuenta que nuestro primer LP (Destruir el pop) se publicó el 14 de febrero de 2020, justo antes de la pandemia, y apenas pudimos hacer presentación del disco. Para nosotros volver a tocar en Contempopránea es algo muy grande, y que nos emociona mucho.
Morreo: No han contestado a nuestro especial tras hacérselo llegar por varias vías.
Para quien no os conozca, ¿cómo será vuestro show?
Hombre Tigre: Es muy divertido, bailable y probablemente acabe en striptease. Siempre lo damos todo a cambio de muy poco.
Lua Gramer: MELODIAS + RUIDO, ése es el algoritmo.
Morreo: No han contestado a nuestro especial tras hacérselo llegar por varias vías.
¿Qué tiene Contempopránea que no tienen otros festivales?
Hombre Tigre: No podemos comparar, ya que no hemos ido a festivales grandes, así que, programadores, ya sabéis .
Lua Gramer: Siempre ha sido diferente, algo más íntimo, sin la masificación de otros festivales, es un ambiente muy especial. A nosotros nos gusta mucho, y lo conocemos (ya sea como público o como artistas) desde hace muchos años, algunos componentes tocamos, con nuestras respectivas bandas, en la primera edición, allá por el 96.
Morreo: No han contestado a nuestro especial tras hacérselo llegar por varias vías.
Habladnos de los trabajos que presentaréis en el festival.
Hombre Tigre: Presentamos el EP que grabamos el año pasado con Guille Mostaza, junto a algunos temas nuevos que no hemos tocado en directo.
Lua Gramer: Tocaremos material de “Destruir el pop”, porque tenemos muchas ganas de compartir con la gente estas canciones, y también presentaremos material nuevo, “La espada”, single que se publicó el pasado 10 de mayo, y alguna que otra novedad caerá seguramente.
Morreo: No han contestado a nuestro especial tras hacérselo llegar por varias vías.
¿Son los festivales un emplazamiento adecuado para establecer contacto con otros grupos, público, sellos, etc?
Hombre Tigre: Nuestra experiencia es más de estar en contacto con otras formaciones musicales, hermanarnos, cogernos un cebollón juntos, levantarle las grupis y las cervezas a los otros grupos. Ya sabes, lo típico.
Lua Gramer: Depende mucho del tipo de festival, es casi más una oportunidad para reencontrarte con gente de bandas que ya conoces, o con gente a la que le gusta la banda.
Morreo: No han contestado a nuestro especial tras hacérselo llegar por varias vías.
Más información sobre Contempopránea, Hombre Tigre, Lua Gramer y Morreo en los siguientes enlaces:
Contempopránea Facebook
Hombre Tigre Instagram
Lua Gramer Facebook
Morreo Bandcamp
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Delia Derbyshire, la pionera de la música electrónica
https://bit.ly/3mfHog8
Esta vez vamos a dedicarle este artículo a una pionera de la música electrónica y de la experimentación sonora. Su nombre es Delia Derbyshire, y nació en la ciudad de Coventry, en el Reino Unido, el 05 de mayo de 1937.
A temprana edad se graduó en matemáticas, y más tarde estudiaría música en el Girton College en Cambridge.
De niña, Delia se interesó en el violín, y más tarde comenzó a estudiar piano, y luego contrabajo en el Royal Opera House.
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Delia Derbyshire, la pionera de la música electrónica
La fascinación por la música la hizo buscar trabajo en el sello Decca Records, pero su solicitud fue rechazada porque en esa época no se contrataba mujeres para los sellos discográficos. Era el año 1959, y Delia quería trabajar en algo referido a la música o en matemáticas, que era su otra pasión.
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Pero ambas pasiones serían utilizadas más adelante a la misma vez, ya que Delia, para algunos trabajos, aplicaba el método de sucesión de Fibonacci. Este método fue utilizado por diversos artistas como pintores, arquitectos, y músicos como Bela Bartók, por ejemplo.
Fue así que poco tiempo después consiguió un puesto como profesora de matemáticas y música en la Unión Internacional de Telecomunicaciones, en la sede de la ONU en Ginebra, Suiza.
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Al año siguiente, de vuelta en Inglaterra, ingresa como asistente en el departamento de promoción en la compañía editora Bossey & Hawkes, una compañía que se dedicaba sobre todo a la promoción de música clásica.
A fines de los 60’s, se incorpora como asistente de Gerente de Estudio en la BBC, en el taller radiofónico de la compañía. Lo que se hacía en esos talleres era captar sonidos y efectos para los radio-teatros de la época. Y en el 62 comienza a trabajar como técnico de sonido.
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Delia Derbyshire trabajó durante once años en los talleres de la BBC, aunque gran parte de sus trabajos experimentales con los efectos sonoros fueron rechazados por estar considerados inapropiados e incomprensibles para el público de ese entonces.
En 1963, la BBC lanza la serie Doctor Who, que se convirtió en una serie de culto sobre todo para el público británico. El problema es que la misma no tenía todavía un tema de presentación.
Fue así que el taller radiofónico de la BBC tomó la responsabilidad de crear la presentación de la serie, quedando a cargo del compositor australiano Ron Grainer, que se desarrolló en el Reino Unido como creador de la música de varias películas y series. Delia Derbyshire quedó en el proyecto como creadora junto con Dick Mills como asistente.
El papel de Delia Derbyshire fue fundamental, creando efecto sonoros totalmente innovadores, como la creación de bucles entre las cintas magnetofónicas, la grabación del sonido de diferentes artículos hogareños, cambios de velocidad en las cintas, etc. Además, se encargó de la mezcla final del tema, resultando el primer tema electrónico para una serie de televisión.
Delia realizó varios temas para series de la BBC, como por ejemplo Science and Health, Anger of Achilles, junto con el compositor catalán Robert Gerhard, y The Dreams, para el cual creó una obra musical de cinco movimientos de base electrónica, los cuales recreaban las sensaciones que se experimentan en los sueños.
En 1966 Delia crea la Unit Delta Plus junto a Brian Hudgson y al inventor Peter Zinovief. El proyecto consistía en la creación de música electrónica para luego utilizarla en cine, televisión, teatro y publicidad.
Dos años más tarde, crea junto a Hodgson y al músico David Vorhaus el estudio de grabación Kaleidophon, y graban allí bajo el nombre de White Noise el disco An Electric Storm, que se editó bajo el sello de Island Records.
Delia Derbyshire – An Electric Storm (album)
El grupo estaba formado por Delia Derbyshire y Brian Hodgson haciendo efectos de sonido, John Withman, Anne Bird y Val Shaw a cargo de las voces, Paul Lytonn en la percusión, y David Vorhaus como productor.
Este disco está considerado como el primer disco de música electrónica. Estaba lleno de sonidos experimentales, y no vendió demasiadas copias, ya que para la época era algo muy novedoso. Hoy en día es considerado como objeto de culto.
Casi al mismo tiempo, en Alemania estaba naciendo el movimiento artístico Krautrock, donde se comenzó a usar la experimentación sonora con bandas como Kraftwerk, Can o Tangerine Dream.
En 1973 Delia deja la BBC y se une nuevamente a Brian Hodgson, y crea la banda sonora de la película The Legend of Hell House, película de terror dirigida por John Hough, que se convirtió en una película de culto entre los fanáticos de ese género.
Ése sería su último trabajo a nivel musical hasta principios de los 90’s. En el medio trabajó para la compañía del gas, en una galería de arte, y luego en una librería, aunque nunca dejó de componer.
Ya en los 90’s, algunos músicos jóvenes que respetan y aclaman el trabajo de Delia Derbyshire la alientan para que vuelva a hacer música. Comenzó algunos proyectos, pero nunca los concluyó.
En 2001 Delia Derbyshire estaba luchando contra el cáncer de mama, y fallece en julio de ese año por una insuficiencia renal.
Su trabajo fue una inspiración para varios grupos y artistas como Pink Floyd, Chemical Brothers, Peter Kember, etc. Además, sus innovadoras técnicas de grabación han sido utilizadas por varios productores tiempo después.
En 2008 fue publicada toda su obra en un catálogo por parte de la Universidad de Manchester. Y esto ayudó que las nuevas generaciones conozcan su trabajo.
Documental sobre Delia Derbyshire “The Delian Mode”
Delia Derbyshire Spotify
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Ripio, un proyecto personal de Eduardo Constanzo
https://bit.ly/3NXRFJH
Eduardo Costanzo es un músico argentino que desde hace muchos años tiene su proyecto personal llamado Ripio.
Actualmente se encuentra en la producción de su séptimo trabajo discográfico, un disco que estará en la línea del Hard Rock y el Heavy Metal tradicional.
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Ripio, un proyecto personal de Eduardo Constanzo
Hola, Eduardo, un saludo. Es para mí un placer hacerte esta entrevista. ¿Algunas palabras para ya ir comenzando?
Hola, Omar. Saludos para vos y todos los lectores. El gusto es mío.
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¿Cómo descubriste la música Rock? ¿Cómo te involucraste en este mundo de la guitarra? ¿Qué fue lo primero que escuchaste?
Lo primero que escuché fue Rock nacional argentino a través de los cassettes que tenía mi hermano. El recuerdo más lejano que tengo con el Heavy Metal es cuando iba al colegio.
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Veía la portada de un longplay en la disquería de al lado de mi casa que tenía una máscara de hierro, y, no sé porque, sabía que un tema que escuchaba a veces pertenecía a ese disco, era Come Feel the Noise, de Quiet Riot. Años más tarde me enteré que la canción era de un grupo llamado Slade.
Bueno, sería conveniente que nos comentaras de qué trata tu proyecto solista, que lleva por nombre Ripio.
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Este proyecto, Ripio, es una mezcla de todos los estilos musicales. Sin embargo, la dirección en la que desemboca es Hard Rock y Heavy Metal.
Hablemos ya sobre tu carrera musical. Cuentas con varios discos realizados, creo que son seis producciones discográficas. Sería bueno comentaras brevemente sobre estos trabajos realizados.
Ripio nació en el año 1998, en el 2001 salió el primer disco Condenado a Vivir, en 2003 Durmiendo en la Cama de los Vivos, en 2006 En Alguna Parte de este Mundo…Volveré, en 2009 Vengador de Perdedores, que salió acompañado de un DVD, en 2013 Marcado por la Locura, en 2019 La Furia que Hay en Mi, y en este momento estoy produciendo Enfrentando a un Viejo Rival.
¿Qué nos puedes decir en relación al proceso de promoción y distribución de estos trabajos dentro y fuera de Argentina?
En cuanto a la difusión, siempre traté de relacionarme con todos los medios musicales, no solo aquellos que difunden Rock pesado, si no todos. Trato de llegar a quienes pueda interesarle oír noticias del mundo de la música. Mucha gente se comunica de todas partes del mundo, con la cual estoy muy agradecido.
Hablando del contenido musical y lírico de Ripio, ¿cómo defines en tu proyecto la música que haces, y sobre qué hechos o experiencias basas las letras de tus canciones?
Yo lo defino como Rock pesado, pero no me molesta otro mote. Me gusta mezclar cosas, no está todo establecido para mí, trato de experimentar distintos sonidos, de ninguna manera quiero copiarme. Si algo me suena parecido a cosas que hice, lo descarto completamente. Las letras apuntan generalmente a vivencias personales, sentimientos, cosas profundas. También hablo de la sociedad y lo que veo en ella. Hay cosas que no me gustan, y escribo sobre eso.
Estás en preparación de tu nuevo álbum de Ripio, que llevara por nombre Enfrentando a un Viejo Rival. Quisiera hablaras sobre este álbum en cuanto a concepto musical, temática, producción…
Al nuevo disco de Ripio le estoy tratando de imprimir algo distinto. Tengo muchas melodías en la mente. A veces lo que uno piensa que es una intro, puede quedar excelente en el medio de una canción y viceversa. Para mí no hay patrones ni modelos. Eso sí, los acordes y las escalas tienen que sonar bien encajados, eso es regla.
En cuanto a la producción, va a ser enorme. Más allá de que ya no se les presta tanta atención a las ediciones físicas como el CD, a mí no me importa, sigo dándole mucha importancia a ese tema. Por eso, cuando vean la tapa del nuevo álbum, sabrán quién es el rival imaginario del cual voy a hablar en las canciones.
¿Nunca has pensado en utilizar músicos invitados y así realizar presentaciones?
Lo intenté, vaya que lo intenté, pero no pude constituir nunca una banda estable. Ya no me preocupo más por eso, es perder más tiempo del que perdí. Desde hace años hago todo, en Ripio no hay disputas de poder, de protagonismo, ni de dinero.
Trato de dar lo mejor para cada canción. Si me parece que la canción necesita que algún instrumento se destaque, lo hago, no fijo cuál es, disfruto de todo esto, no solo en el estudio, sino también todo aquello que tiene que ver con la difusión de mi trabajo. De hecho, también por estar respondiendo a esta entrevista.
Con una extensa carrera musical varios años, ¿cómo se siente Eduardo Costanzo luego de tanto tiempo de carrera artística?
Me siento muy bien, todo lo que tiene que ver con el arte me sienta bien. Con mi música trato de llegar a todas partes. Recuerdo que cuando empecé tenía muchas direcciones y contactos de medios ingleses, y dudé si enviarles mi material o no, pensando que no les podría interesar por haber estado en guerra con ellos en Las Malvinas, pero enseguida despejé esa incertidumbre. Me dije, yo no estoy tirando una bomba, sino información musical, y mandé todo mi material.
Al tiempo me empezaron a llegar muchos mensajes de radios, revistas, y otros medios en los cuales difundían mis canciones. También me di cuenta que no importa el idioma en que cantas, los sentimientos le llegan a cualquiera.
Ripio tiene muy fieles y pasionales seguidores de su música. ¿Cuál ha sido la fórmula para satisfacer el gusto de sus fans durante tanto tiempo?
Soy fiel a mi estilo. Eso no quiere decir no experimentar otras cosas, sino tocar y plasmar lo que siento. Soy puro, el tema queda terminado cuando siento escalofríos en el cuerpo al tocarlo. Eso me indica que llegué a donde quería llegar.
¿Te sientes realizado? ¿Has conseguido todos tus propósitos, o aún sientes que falta algo más por lograr?
Me siento realizado porque llegué a muchos más lugares del que llegué cuando estuve en una banda, pero no hay freno para mí, siempre sigo adelante, quiero llegar a todos lados. Me gusta sentir que la música se desparrama por el mundo, y que no tiene límites.
Bien, Eduardo, ha sido un gran placer hablar contigo. Gracias por tus respuestas y desearte todo lo mejor con este nuevo álbum Enfrentando a un Viejo Rival, y, si quieres añadir algo, pues adelante.
Solo darte las gracias, Omar. Mando un gran abrazo para toda la gente de LaCarne Magazine, y a todos sus lectores. Seguimos en contacto.
Más información sobre Ripio en los siguientes enlaces:
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Lisasinson, «Punki-Pop» con melodías chiclosas
https://bit.ly/3NWVbUJ
Con un sonido súper fresco y actual, y letras muy gamberras, llega la banda Lisasinson, una banda compuesta por dos chicas, Miriam y Paula (y dos colegas), con quienes pude charlar un poquito, y poder disfrutar de sus conciertos gratuitos que han dado en Alcalá de Henares y Loeches, gracias al festival que organiza la Comunidad de Madrid, “Sesión Vermú”.
Procedentes de Valencia, Lisasinson es una banda que en realidad es un proyecto que surge en la facultad de Bellas Artes, a finales de 2018.
Ellas definen su estilo como “Punki-Pop, con melodías chiclosas”, y sus influencias musicales vienen de bandas como Los Romeos, o Tiger Trap, pero sobretodo pude notar una fuerte influencia de Los Fresones Rebeldes (personalmente, me recordaron a esta última banda muchísimo, y eso hizo que me llamaran mucho la atención).
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Lisasinson y su álbum Perdona Mamá
Foto: Eva María Aroca
La pandemia hizo que este proyecto recién nacido tuviera que esperar hasta 2021, cuando por fin pudieron lanzar su álbum debut, bajo el título Perdona Mamá, a través del sello Elefant Records.
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Perdona Mamá es un álbum que se compone por nueve temas con letras descaradas y rebeldes, en el que básicamente hablan de ellas mismas, sus malas experiencias, el rechazo, y la falsedad, donde se mezcla la gran energía y juventud de estas chicas.
En este álbum encontramos temas tan divertidos como Barakaldo, y su “gilipollas integral”, que me hace reír, porque de verdad que me parece increíble lo mucho que te puedes llegar a identificar con letras tan crudas. Me encanta.
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También te enganchará su Todo Me Da Igual, canción que, a pesar de que habla sobre la tristeza, o un estado de depresión, te levantará el ánimo con su melodía tan noventera y esas guitarras.
Otra canción que me parece muy divertida es Tú y Yo, tema con el que yo personalmente descubrí a esta banda. Es una bonita canción para dedicar a esa persona que no sabes cómo sacar de tu vida, quizá este tema te eche un cable.
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Y, por supuesto, el tema que le da título al disco, y que es otro de mis favoritos, Perdona Mamá, con una melodía “Chiclosa”, como las define su propio sello. Esta canción tan rebelde es otro de esos temas que te transportarán a los 90.
Y lo que más me gusta de este tema en sí es la letra, y esas típicas preguntas familiares incómodas que te hacen sentir como si tuvieras que vivir tu vida basada en un guión de la película que ellos mismos se montan.
No Sé Muy Bien, el nuevo single de Lisasinson
Más tarde, ya en marzo de 2022, lanzan su single No Sé Muy Bien, con un sonido con más personalidad y contundencia, y un estribillo terriblemente pegadizo.
Este tema, acompañado por un videoclip de Miguel Yubero, con idea original de Lisasinson, en el que han querido hacer un homenaje a la “pilota valenciana”, deporte tradicional con el que quieren expresar el compañerismo entre mujeres, y, en general, la presencia de mujeres en los deportes.
Foto: Eva María Aroca
Bueno, hasta ahora qué os ha parecido la banda Lisasinson. Como indicaba al principio del artículo, pude verles en concierto, y he de decir que en directo suenan genial, con un sonido limpio y contundente, y nos hicieron bailar y cantar a todos los presentes, aunque lamentablemente todos los videos que grabé no tienen la mejor calidad de sonido, pues el concierto era al aire libre y hacía muchísimo viento.
Pero, sin duda, son una banda con una imagen fresca y con una identidad rebelde y divertida. Desde LaCarne Magazine les deseamos mucho éxito, y que nos podamos ver en más conciertos.
Como siempre os digo, si os ha gustado, que espero que sí, id corriendo a seguidlas en sus redes sociales y plataformas digitales, para no perderos ninguna novedad.
¡Hasta la próxima!
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Teresa Berganza y el adiós a la mejor mezzosoprano española
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Mes de mayo de 2022. Mes para el recuerdo de la mejor mezzosoprano española: murió Teresa Berganza. Se ha ido la gran diva.
La mezzosoprano lírica de más bello timbre, mejor escuela y mayor responsabilidad artística. Se ha ido la fuerte personalidad de una mujer llena de sensibilidad, talento y energía. Su voz ya se había ido hace catorce años, cuando se retiró de los escenarios después de más de cincuenta años de carrera.
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Teresa Berganza de cerca
En el momento de su deceso no vengo a contar aquí la biografía de la intérprete tan admirada y aplaudida, porque es fácil encontrarla en múltiples libros, entrevistas y reseñas a lo largo de su amplia trayectoria artística, a la que avalan al menos trece premios y distinciones, y un repertorio que abarcaba diecisiete óperas y múltiples canciones, oratorios, y otros géneros musicales a los que destinó tanto interés y dedicación en sus recitales.
Rica trayectoria artística y personal que han desmenuzado publicaciones de todo tipo. Su legado es sin duda maravilloso, y las grabaciones en gran número que nos deja hablarán para siempre de quien ocupó uno de los lugares más importantes en la excelencia de la interpretación.
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Yo quiero hoy recordar a la cantante, sí, pero también a la mujer que tuve el privilegio de conocer de cerca, y que añadió a mi percepción y admiración a su arte, la generosidad, la simpatía y su encantadora e inteligente conversación.
Fue en 1982, la mañana del único concierto que Teresa a lo largo de su vida dio en la ciudad de Cáceres. Era el viernes 22 de octubre. Teresa Berganza llegó a Extremadura un día antes y se instaló en un palacete de Trujillo. Solicité una entrevista en la mañana previa al recital que iba a dar en el Auditorio de San Francisco en Cáceres, en el ciclo del Otoño Musical de aquel año, segundo de los que tuvieron lugar en la década de los ochenta.
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Teresa Berganza, con atuendo deportivo, me recibió en uno de los hermosos salones del palacio trujillano, y se mostró de una amabilidad exquisita en una entrevista publicada después en el Diario Hoy. Pero la Berganza no tuvo inconveniente en dedicarme mucho más tiempo en amena conversación, fuera de micrófono, hablando de lo divino y lo humano, y ahí es donde se me mostró con una naturalidad, una diversidad de registros, una empatía que echaba por tierra su fama de exigente, de temperamental y de diva, que sin duda lo era, pero para su profesión a la que adoraba, y a la que se entregaba en cuerpo y alma.
Se interesó mucho por saber cómo era el recinto en el que aquella misma tarde iba a actuar. Le preocupaban todos los detalles. Si el tono del vestido que había elegido para su presentación, una especie de túnica roja, iba acorde en el color al gótico tardío del auditorio del Complejo Cultural San Francisco. Tal era su elegancia y su conciencia artística.
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Hablando de todo nos enzarzamos en el campo de la política. Como no tenía pelos en la lengua, pasó revista a cómo estaban funcionando las instituciones, analizando el nivel de importancia que el ejecutivo dedicaba a la cultura. En el fragor de su entusiasmo me dijo que le gustaría crear un partido político, pero que sería, en todo caso, un partido de artistas, que incluyera a los de todos los géneros, para así defender sus derechos tan desatendidos.
Su entusiasmo era contagioso. Lo era, como mi percepción de que el recital que aquella tarde iba a presenciar sería de feliz recuerdo, pero me equivoqué. La Berganza, acompañada del pianista Álvarez Parejo, estuvo magnífica, es verdad. Pasaba por un gran momento vocal.
La calidad de su voz, su exquisita dicción, su temperamento, su sensibilidad, la aureola internacional de su nombre, sorpresivamente no hizo mella en un público que a priori debiera haber llenado totalmente el aforo del auditorio. Podría decirse en términos taurinos que solo hubo media entrada.
¿Por qué su presencia en Cáceres no suscitó el entusiasmo de los melómanos? Es algo que no pude entender. Tampoco el que los asistentes no se volcaran como era de esperar ante el arte maravilloso que Teresa Berganza estaba derrochando. Ella, que se destacaba en los recitales por ser generosa en las “propinas” con que deleitaba a sus admiradores, entendió al punto que el nivel de los aplausos no merecía más de una obra añadida.
Y así fue. Yo sentí vergüenza ajena al ver que los cacereños no habían sabido corresponder a las excelencias de un arte que pocas veces se les había ofrecido con la generosidad, la altura artística, y el entusiasmo con que la diva Teresa Berganza había venido a Cáceres.
De haber encontrado lo que habitualmente hallaba en todas partes, se hubiera prodigado en un derroche de canciones para poner el punto final redondo a una actuación que debió tener ese colofón esperado.
Y es que El ARTE con mayúsculas es por lo que será por siempre recordada la gran mezzosoprano española Teresa Berganza.
Más información sobre Teresa Berganza en los siguientes enlaces:
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The Gathering y su nuevo álbum Beautiful Distorsion
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Hace unos meses os hablaba de lo feliz que me encontraba tras el regreso de la banda holandesa The Gathering, que estaban a punto de lanzar un nuevo álbum. Bien, pues Beautiful Distorsion, el nuevo álbum, salió a la luz el pasado 29 de Abril, pero justo un día antes, y gracias a una “Listening Session” que hicieron en su canal de YouTube, pudimos escuchar el álbum al completo, además de su EP Interference.
He escuchado el nuevo trabajo ya en varias ocasiones, y cuanto más lo escucho, más me recuerda a los orígenes de la banda, a esos primeros años que yo empezaba a escucharles.
Ha sido como hacer una regresión. Como el título indica, una bonita distorsión, esta vez en el tiempo.
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Beautiful Distorsion, el nuevo trabajo de The Gathering
Sólo el álbum se compone de ocho temas, y puedo asegurar que en general me ha transmitido muy buenas sensaciones. Quizá es algo más suave, no digo que le falte un poco más de guitarras, quizá, simplemente es una evolución a un estilo algo más maduro o evolucionado, pero que de igual manera sigue siendo en esencia los The Gathering de siempre, con un álbum muy esperado y, sin ninguna duda, un gran trabajo.
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Empezamos con In Colour, caracterizado por la suavidad vocal de Silje, que nos va sumergiendo poco a poco en esa especie de “psicodelia” que yo suelo encontrar en la música de esta banda holandesa. Es un tema muy interesante para abrir el álbum.
Le sigue When The Fall, que cuanto más lo escucho más me gusta, y me recuerda mucho a la voz de Annekke. De verdad, estoy muy feliz de que Silje sea la “nueva” (lleva en la banda trece años) cantante de The Gathering, ella es delicadeza y fuerza al mismo tiempo. Un tema con sonidos más electrónicos, muy ambiental, de mis favoritos.
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En tercer lugar encontramos Grounded, una maravilla de principio a fin, con un halo de misterio. Son esas cosas lo que me gusta de la música estilo doom. Con buenos cambios de ritmo, mi mente vuelve a divagar a mi adolescencia recordando a esos The Gathering que empezaba a descubrir. Quizá es un tema en el que yo habría hecho notar más las guitarras.
We Rise, cuarto tema del álbum, que tal y como empieza ya sé que va a ser uno de mis temas favoritos del álbum, aunque poco a poco se va tornando a una melodía más melalcólica… De repente, golpean con fuerza esos riffs de guitarra que yo estaba esperando. ¡Aquí sí! Es un tema para dejarse llevar.
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En una línea más suave, más Pop, podemos escuchar Black is Magnified. Es una canción más pausada, un tema ideal para viajar… En la misma sintonía, encontramos Weightless. Es sin duda toda una experiencia sensorial. Eso es, esta canción hay que escucharla con todos los sentidos. Cierra los ojos, y disfruta.
Volvemos a recuperar la energía con Pulse of Life, que viene para hacernos bailar con un toque más rockero, aunque finalmente acabe con un sonido más dramático. Al fin y al cabo es una banda de música Doom, Indie… Todo lo que sube, baja, como la vida misma.
Hasta ahora podemos escuchar un álbum muy ambiental, con un sonido más maduro, es una evolución en la música de los holandeses, pero siempre tiene unas connotaciones que me recuerdan muchísimo a sus discos de finales de los 90, principios de los 2000. Realmente estoy muy entusiasmada con este nuevo álbum, tenía muchísimas ganas de escuchar música nueva por su parte, y es un álbum que verdaderamente lo estoy disfrutando mucho.
On Delay, octavo y último tema del álbum, pegadizo, con un ritmo muy Indie y Pop, una canción con carácter propio. Me gusta.
Interference
A continuación, escuchamos Stronger, tema que ya habíamos escuchado meses antes, que lanzaron acompañado del videoclip.
Este tema en un principio se iba a publicar dentro del álbum, pero finalmente se quedó formando parte sólo del EP. Y, bueno, lo que puedo decir de este tema es que me encanta, envuelto por el misterio, tiene mucha personalidad.
Otra gran canción es Interference Disconnect, es un tema que va de menos a más intensidad, con característicos cambios de ritmo que quizá me recuerden un poco a las canciones pop de los años 60. También es de mis favoritos.
A continuación encontramos un tema en directo de los tres que componen este EP, la instrumental How to Messure a Planet? Aquí realmente se puede apreciar la buena calidad de su música en directo, en el que se escuchan muchas guitarras. ¡Bien!
Y, aunque he leído algunas otras críticas en el que parece que algunos fans no están satisfechos con este último álbum, personalmente yo, en general, estoy bastante contenta con el resultado del trabajo de esta longeva banda. Son muchos años de experiencia, y creo que han sabido dar perfectamente a su público lo que querían, pero sabiéndose adaptar a una nueva etapa, al menos ése es mi parecer.
¿Qué os parece a vosotros el nuevo trabajo de The Gathering? Si os gusta su música tanto como a mí, no olvidéis seguirles en sus redes sociales para no perderos ninguna novedad sobre ellos: YouTube, Website, Facebook, Twitter, Instagram y Spotify.
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