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El Diccionario de Monse
Monse escribe palabras inventadas por ella misma aquí.
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imágenes de la vida social y privada de las mujeres, maternidades
Cassatt era consciente de que al ser mujer, su obra no era tomada en serio. Una mujer no desarrollaba una carrera artística a menos que tuviera un amigo o protector en el jurado o coqueteara con sus miembros.
La pintora se volvió más cínica y su obra empezó a hablar de temas de actualidad. En el Salón ya no querían a “esa loca”, pero Degas la invitó a mostrar sus obras a los impresionistas, un grupo de artistas que habían comenzado a exponer de forma independiente en 1874 con mucha notoriedad y habían cosechado la ira de los críticos desde hacía varios años.
Little Girl in a Blue Armchair
Pictorial structure and clarity are the foundation of Cassatt's art. Under Edgar Degas' tutelage, she began to collect and study Japanese prints; their patterns and asymmetric designs greatly influenced her work. Here she placed the girl, the focus of the composition, off-center. The armchairs form a pattern encircling an oddly shaped patch of gray floor in the middle of the picture. As in Japanese art, the forms are tilted up, and the edge of the canvas crops the image.
Cassatt's strong colors and energetic brushwork mark her connection with the French impressionists. In style and subject matter, her art is close to that of Degas and Edouard Manet. Degas, in fact, made suggestions about the composition of this painting and reworked parts of its background.
In Cassatt's pictures, light does not dissolve form. Instead, objects retain their mass and coherence with light enhancing their physical presence.
Mary Cassatt era un poco como la niña del cuadro, despreocupada ante las miradas reprobadoras, condescendientes y sucias.
Patrones geométricos y un espacio compositivo comprimido para mostrar el tema de la maternidad. Lo hace desde un inusual punto de vista un poco elevado. Todo esto permitía al espectador una distancia respetuosa, y parece que estamos flotando como un dron en esta escena y viene por supuesto del arte japonés que volvió locos a estos modernos franceses
Cassatt no muestra ni la idealización ni el sentimentalismo en las que cayeron otros artistas al mostrar esta temática, más bien una naturalidad y una sencillez costumbrista que consiguen que el cuadro tenga una gran popularidad.
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PINTURAS
Carmelita Requeña (1969)
After completing his studies in Paris, Eakins traveled to Spain in 1869. Donde conoció el trabajo de Diego Velázquez and Jusepe de Ribera. He then settled for the winter in Seville, from where he wrote to his sister that he was painting Carmelita Requeña, the seven-year-old daughter of street performers.
Gross
quería hacer una clase de poster en donde se presentara al dr. Gross y a la comunidad de médicos y su excelencia para la exhibición "Memorial Hall Centenial Exhibition" de 1876 cuya temática de ese año era "el progreso"
eligió a Gross ya que era un innovador en la medicina quirúrgica
la cirugía era para los "pobres", pero durante el siglo xix empezó a tomar relevancia ya que esta sanaba
cosas a notar en la pintura (avances en técnicas quirúrgicas):
-anestesia
-entendimiento de la renovación ósea (solo limpiando el hueso este se "renovaría", en donde una pequeña intervención mejoraría el estado de un paciente, en vez de una extrema elección como la amputación que se hubiera hecho en el pasado)
aunque se ve que dr. Gross niega la entonces teoría de los gérmenes la cuál todavía no era totalmente aceptada
Agnew
La estirilización de los intrumentos, así como el cambio de ropa se puede ver en la Clínica Agnew, 13 años después de la pintura sobre Gross
Cuando se retiró, sus estudiantes juntaron dinero para mandar a hacer un retrato que honrara sus logros
Ahora hay luz artificial
Ahora la única mujer de la escena está viendo la escena, serena, profesional
bandeja metálica con instrumentos esterilizándose
las manos de Agnew están mojadas por el esterilizador
pinturas históricas para la edad moderna
Eakins became a drawing and painting instructor at the Pennsylvania Academy, where he encouraged his students to use the new medium of photography in order to aid their own understanding of anatomy and motion.
He worked alongside Eadweard Muybridge, famous for his sequential photos of bodies and animals, and an early developer of moving pictures.
Eakins’ particular interest in the human form, however, led the artist to go on to develop his own technique for taking multiple images of a body in motion and layering them in one single image. He felt seeing the images so close together gave a better understanding of actual movement.
It made sense for Eakins, who was an athlete himself, to marry his photographic techniques with his passion for sports in his oil paintings. He painted rowers, wrestlers, and swimmers and amassed an enormous collection of photographic studies.
bebé thomas
In 1876, Eakins joined the faculty of the Pennsylvania Academy of the Fine Arts. Painted the same year, Baby at Play depicts Ella Crowell, the artist’s two-and-one-half-year-old niece, in the side yard of his own Philadelphia home.
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thomas eakins
He was enrolled at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts from 1862 to 1866, attended anatomy lectures at Jefferson Medical College, and profited from contact with Philadelphia’s art collections, exhibitions, and artists.
Arriving in Paris for study in 1866, Eakins was in the vanguard of young painters who would shift the focus of American art from landscape to the figural subjects favored by the European academies.
After almost three years of instruction Eakins returned to Philadelphia in July 1870.
From boyhood, he had himself been athletic; as an ambitious, original young artist intent on portraying the world around him, he embraced as subjects the activities that he himself enjoyed, which provided opportunities to demonstrate his technical skill.
While Eakins was painting works that expressed his admiration of athletes and outdoor activities, he was also creating intense, brooding images of women and children in quiet, shadowed interiors.
In late March 1875, the artist wrote to a friend, “I feel to myself that I am going soon to do work so much better than anything that I have made yet.” It seems likely that the project sparking Eakins’ enthusiasm was the canvas that occupied him for almost a year—The Gross Clinic
Having begun teaching at the Pennsylvania Academy in 1876, he transformed it into the leading art school in America. However, discontent also arose concerning his teaching methods, especially his emphasis on the nude.
In January 1886, lecturing about the pelvis to a class that included female students, Eakins removed a loincloth from a male model so that he could trace the course of a muscle. Angry protests by parents and students forced him to resign at the request of the Academy board.
From 1887 until the end of his career, Eakins focused almost exclusively on portraiture. He usually worked at life scale, renouncing outdoor light and focusing on the sitter in isolation. Eakins rarely received commissions for portraits and most of his sitters were friends or conocidos.
In 1898 and 1899, for the first time since the 1870s, Eakins returned to the subject of athletics.
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Información sobre el autor.
François Truffaut fue un director y guionista francés. Nació el 6 de febrero del año 1932 en París y fue el hijo de soltera de Janine de Monferrand. Vivió en sus primeros años con una nodriza, y más tarde con su abuela Genevive en el barrio de Pigalle. Su madre, secretaria del periódico “L’Illustration”; se había casado con el arquitecto y dibujante Roland Truffaut, quien adoptó legalmente a François y le dio su apellido. Los padres se desentendieron de su hijo, permaneciendo al cuidado de Genevieve hasta su muerte en el año 1942. Es en estos momentos cuando François vivió junto a sus padres en una relación tensa. Truffaut empezó a asistir regularmente al cine a los 7 años; siendo mal alumno pero gran lector (su escritor favorito era Honoré de Balzac), abandonó sus estudios a los 14 años para poder trabajar.
En 1947 fundó un cine club en el Barrio Latino, tiempo en el que conoció a un importante crítico y teórico, André Bazin, que se convertiría en su mentor y protector, quien lo llegó a ayudar en problemas con la justicia por pequeños hurtos y, posteriormente, con la justicia militar por su deserción del ejército en 1950. El cine club le dio problemas económicos y, por no pagar las facturas, terminó encerrado en un reformatorio. Bazin logró sacarlo del centro, e impulsó su escritura de cine.
Sacó su primera crítica en la importante revista “Cahiers du Cinema” en 1953, y junto con sus artículos en “Arts and Entertainments”, en especial uno de 1954 titulado “Una Cierta Tendencia Del Cine Francés”, logró cambiar el cine de su país, el cual acusó de academicista y encorsetado, promoviendo la teoría de autor de Alexandre Astruc con la visión personal del director como base del proyecto cinematográfico (cine de autor), con formalismos menos rígidos, escaso presupuesto, mayor empleo de localizaciones naturales, retratos de emociones y situaciones íntimas, cotidianas, existenciales, etc.
Esta tendencia se asentó con la llamada “nouvelle vague”, movimiento del que François Truffaut y otros colegas de la revista como Jean-Luc Godard o Claude Chabrol fueron causantes. Este grupo de cinéfilos-cineastas admiraban el estilo del neorrealismo italiano, en especial las películas de Roberto Rossellini, el realismo poético de Jean Renoir o Jean Vigo, las películas del Hollywood clásico de autores como Alfred Hitchcock, Howard Hawks, Orson Welles o John Ford, sin olvidar el cine negro, el cine cómico mudo, o las obras de Yasujiro Ozu, Carl Theodore Dreyer, Robert Bresson, Jacques Tati, Luis Buñuel, entre otros.
Truffaut se inició como autor de cine rodando cortometrajes, que él mismo tachó décadas después como pretenciosos y sin historia, propios de un amateur.
En 1957 se casó con Madeleine Morgenstern, hija de un distribuidor de películas, el mismo año estrenó el corto “Los Mocosos” (1957). Dos años después estrenó su primer largometraje, “Los 400 Golpes” (1959), un drama que protagonizó Jean-Pierre Léaud como Antoine Doinel, un alter ego suyo que protagonizaría películas autobiográficas posteriores. “Los 400 Golpes” fue un éxito crítico y François fue galardonado en Cannes con el premio al mejor director del certamen. Tras varias películas más, en 1961 estrenó la que muchas consideran su mejor obra: Jules et Jim.
En 1983 publicó su libro de entrevistas “El Cine Según Hitchcock”; ese mismo año se le diagnosticó un tumor cerebral, del cuál murió el 21 de octubre de 1984 en Neuilly-sur-Seine a los 52 años de edad.
Introducción
En 1955, para la revista Cahiers du cinema (que posteriormente se conocería como Nouvelle Vague), François Truffaut y Claude Chabrol le hicieron una entrevista a Alfred Hitchcock mientras este rodaba su filme “Atrapa a un ladrón”. Tiempo después, Truffaut le enviaría a Hitchcock una carta en donde le declaraba su admiración y le pedía la realización de una entrevista en donde pudiese definir su obra
“Desde que me convertí en director, mi admiración por usted no ha menguado en ningún momento; al contrario, se ha hecho más fuerte y ha evolucionado. Hay muchos directores que aman el cine, pero lo que usted posee es amor al propio celuloide, y eso es de lo que me gustaría hablar con usted”.
- Carta de François Truffaut a Alfred Hitchcock, junio de 1962.
a lo que él accedió.
“Querido señor Truffaut, su carta ha hecho brotar lágrimas de mis ojos, y me siento muy agradecido de recibir semejante tributo de usted”.
Telegrama de Alfred Hitchcock a François Truffaut, junio de 1962
En 1963 se empezaron a llevar a cabo tales entrevistas, que una década más tarde se imprimirían en este libro.
Sinopsis
François Truffaut entrevista a Alfred Hitchcock, uno de los directores de cine más importantes de todos los tiempos. Van yendo cronológicamente por la filmología de Hitchcock y este va explicando lo que pasó detrás de escenas en cada una de estas películas, y su importancia dentro del cine.
¿Por qué deberías de leer este libro?
1. Hitchcock estuvo vivo entre 1899 y 1980
2. Observador
3. Maestro del suspense
Intercalar el texto con algunos elementos gráficos como infografías, imágenes del libro, subtítulos o alguna cita destacada puede ayudar a la agilidad.
El arte de crear el suspense es, a la vez, el de meterse al público <<en el bolsillo>> haciéndole participar en el film.
“… La forma aquí no adorna el contenido, lo crea.”
Hitchcock no participa en la vida, la mira.
A. H: Hice una película muda, The Farmer’s Wife, que era toda dialogada, pero traté de utilizar el menor número posible de títulos y servirme más bien de los recursos de la imagen. Creo que el único film que no tenía ningún título fue El último, con Jannings.
F.T Todo ello hace The Lodger el primer film hitchcockiano, empezando por el tema que se convertiría en el de casi todos sus films: el hombre acusado de un crimen que no ha cometido
A. H Es que el tema del hombre injustamente produce mayor sensación de peligro a los espectadores, porque se colocan más fácilmente en la situación de este hombre, que en la de un culpable que trata de escapar. Siempre tomo en consideración al público.
F.T. […] El tema de sus filmes es el hombre corriente envuelto en aventuras extraordinarias… ¿No es en The Lodger donde aparece usted por primera vez en sus films?
A.H Efectivamente. Estaba sentado en el despacho de un periódico.
F.T ¿Era un gag o una superstición, o era simplemente un recurso útil, porque no tenía suficiente figuración?
A.H Estrictamente utilitario, había que amueblar la pantalla. Más tarde se convirtió en una superstición y luego en un gag bastante embarazoso y para permitir que la gente vea el film con tranquilidad, tengo cuidado de mostrarme ostensiblemente durante los cinco primeros minutos del film.
A.H Las películas mudas son la forma más pura del cine. La única cosa que faltaba a las películas mudas era evidentemente el sonido que salía de la boca de la gente y los ruidos. Pero esta imperfección no justificaba el enorme cambio que el sonido trajo consigo. Quiero decir que al cine mudo le faltaba muy poca cosa, sólo el sonido natural. Por consiguiente, no se hubiera debido abandonar la técnica del cine puro como se hizo con el sonoro.
A.H […] Cuando se cuenta una historia en el cine, sólo se debería recurrir al diálogo cuando es imposible hacerlo de otra forma.
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Pintura
La pintura iridiscente es una combinación entre pigmentos varios con polvo de mica, también conocido como silicato de aluminio. Tiene la particularidad de que, una vez que es aplicada y que es dejada secar, consigue tener un toque reflectante o brillante.
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Tipografía
2. Tipografía experimental diseñada inicialmente como un ejercicio gráfico de geometría intervenidas por luces, colores y superficies iridiscentes.
3. ir·i·des·cent
Lettering + Sculpture + Photography
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Marcas
Black & Bone (artículos para bodas, vestidos-perfumes)
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Marketing
1. samsung galaxy s10+
2. ¡Phone XR
3. Huawei P30 and P30 Pro
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Ejemplos
Se pueden encontrar ejemplos de superficies iridiscente en las pompas de jabón, papel iridiscente como el celofán, DVD’s, o incluso en el hielo.
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También, algunos animales tienen ojos con estructuras multicapa de este tipo que ayudan a mejorar su visión nocturna, éstos producen reflejos metálicos de colores iridiscentes.
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Cloud iridescence
Una irisación es un fenómeno óptico meteorológico que se manifiesta cuando aparecen coloraciones en las nubes. Los colores observados pueden aparecer de forma desordenada en la nube o en los bordes de la misma, siendo los más habituales el verde y el rojo. Las irisaciones se producen cerca del Sol. Es dado por la interacción de la luz del sol y las gotas de agua en la atmósfera, donde las diferentes longitudes de onda corresponden a distintos colores
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Historia – religión – mesoamérica
Iridiscente deriva del griego iris, la diosa que personifica el arcoíris, considerada la mensajera de los dioses en obras como la Ilíada, aunque se le suele asignar en otras obras como la mensajera de exclusivamente Hera. Según la mitología griega, el arcoíris es el vestido de Iris, ya que representa el puente que solamente ella puede crear entre los hombres y los dioses.
Durante la Titanomaquia, Iris fue elegida para ser la mensajera de los Olímpicos mientras que su hermana gemela, Arce (que significa «veloz»), se convirtió en mensajera de los Titanes.
De la misma manera que Iris estaba asociada al arcoíris, Arce representaba al segundo arcoíris que a veces surge pálidamente como un reflejo del primero.
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Algunos creen que la mejor traducción para la palabra del texto que se traduce como ‘multiforme’ es ‘iridiscente’. Ya que la palabra griega usada originalmente se refiere a aquello que tiene color y luz, y que es precisamente lo que significa la palabra castellana ‘iridiscente’.
Este es un adjetivo que en este versículo acompaña a ‘sabiduría’, que en el cristianismo se refiere específicamente a que la sabiduría de Dios es Cristo. Cristo es la sabiduría iridiscente de Dios. Es sabido que esta Sabiduría se da a conocer por medio de la iglesia, la cual, por tanto, es el medio utilizado por Dios para expresar la iridiscencia de Cristo.
El color y la luz en la naturaleza se encuentran en las piedras que, para los cristianos, son los objetos que mejor reflejan el sentido divino y de hecho, en las Escrituras estas mismas tienen papeles interesantes también, Por ejemplo, el atuendo del sumo sacerdote tenía piedras preciosas para representar a cada una de las tribus; la nueva Jerusalén tiene en sus cimientos adornos de piedras preciosas, cada una de ellas representando a uno de los doce apóstoles, entre otros.
Las piedras preciosas son formadas en un largo proceso, mediante el cual el carbón común se convierte en una gema. Para ello se requieren dos requisitos: el calor y la presión. Altas temperaturas y un peso extraordinario por un largo tiempo, logrando así producir una piedra que puede reflejar la luz en diferentes tonalidades.
Para los cristianos, Dios ha escogido a las piedras preciosas para mostrar la belleza de cada cristiano en quien él mismo ha trabajado por largo tiempo, sometiéndolo a pruebas y aflicciones; con sus muchos miembros, diferentes entre sí, pero complementarios en sus formas y colores.
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Los censos mundiales indican que el grupo de las aves está formado por entre 9 720 a 10 550 especies, agrupadas en 29 órdenes, de las cuales en nuestro país se han registrado cerca de 1 150 especies, reunidas en 22 órdenes.
El plumaje de estas aves lo usaron, entre otras cosas, para prendas de vestir y de abrigo, como mantas.
Los análisis cualitativos indican que las plumas azules de la cotinga azuleja y las del quetzal de tonos verde dorado o iridiscente son las más empleadas.
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Color luz y color pigmento
La interferencia es un fenómeno en el que dos o más ondas se superponen para formar una sola de menor o mayor amplitud, y se da en cualquier tipo de onda Así también la interferencia puede ocurrir cuando la luz choca con ciertos materiales.
En el reino animal y vegetal, el fenómeno de la iridiscencia es producto de la coloración estructural, o sea, la “interacción de la luz con moléculas o nanoestructuras periódicas de un orden de magnitud similar a la longitud de onda de la luz visible”.
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Significado y etimología
Iridiscencia es una palabra que tiene su origen etimológico en el latín cuyos componentes léxicos son:
-El sustantivo “iris”, que significa “iris”, la parte del ojo que recibe ese nombre.
-El verbo “esse”, que es equivalente a “ser”.
-El sufijo “-encia”, que se usa para indicar “cualidad de un agente”.
Este adjetivo se usa para calificar aquello que refleja o exhibe los colores que se encuentran en el arcoíris. También puede aludir a lo que genera destellos.
Un objeto iridiscente tiene la propiedad de exhibir diferentes tonalidades de luz según el ángulo de observación, consecuencia de la interferencia de ondas de luz
Las superficies iridiscentes son dos superficies delgadas superpuestas, se caracterizan por reflejar múltiples colores debido a la mezcla de la luz reflejada en la superficie superior y la refractada en la superficie inferior, el cual crea un fenómeno óptico mostrando diferentes colores dependiendo del ángulo desde el que se mire o del cambio en la iluminación.
El grueso de las superficies del material determina el patrón de interferencia.
Esto también se le conoce como goniocromismo, palabra derivada del griego “gonia”, que significa ángulo, y croma, color.
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Scuencional
(Se dice "escuencional") Muy genial, espectacular, sensacional, algo que no se puede transmitir con palabras por lo grandioso que es. No debe de referirse a cosas buenas, un ejemplo: La historia es muy scuencional (indescriptible, genial)
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Randallastico
(Se dice "randalastico") Cuando algo es “muy”, ejemplos: Esto es randallastico (muy genial) Que randallastico (muy feo) Que persona tan randallastica (muy presumidx)
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Suenaba
Sonaba y suena como una misma palabra para no repetir estas mismas en una frase.
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Trisjado
(Esta palabra no fue inventada por ella misma) Estar triste y enojado al mismo tiempo.
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