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“El Último Apaga la Luz”

Francisca Arce

23.10.2019

Al regreso de nuestra experiencia en España, “El Arte de las Curiosidades” aterrizó casi de manera inmediata en la séptima versión del festival y feria “Charivari, la fiesta del circo”. No es de nuestro interés hacer un juicio comparativo de las diferencias en la producción de estos festivales pero a nivel artístico podemos decir que tanto en el festival Trapezi y TAC de España como en el Charivari chileno, existían variedades de propuestas circenses con diferentes niveles técnicos y estéticos algunos más tradicionales otras más contemporáneas, también intervenciones de calle, propuestas familiares y una que otra compañía extranjera.

El festival nacional este año se planteó con un enfoque familiar y una programación de un mes y muy diversa, que fue producida y organizada por Circo Chile y en cooperación con el centro cultural Matucana 100 (M100), sorprendiendo al público con un total de dieciocho propuestas artísticas distribuidas en diferentes espacios de M100.

Charivari La Fiesta del Circo

El Charivari se define no sólo como un festival para la exposición de obras si no también como una Feria Abierta, “Feria” ya que quiere rescatar el formato clásico de encuentro popular, donde los diferentes artistas se reúnen, exponen y comparten sus diferentes propuestas en torno al nuevo circo y “Abierta” porque invita a que todos puedan ser participes, tantos circenses como público general. En esta feria también pudimos ver formatos no escénicos, como proyectos de investigación, exposiciones de pinturas y afiches, emprendimiento personales de objetos y vestuarios, que además contó con una colección personal de libros de circo tradicional y contemporáneos, expuestas para la revisión del público y que sumó el proyecto de difusión de la organización Circo Chile llamado “Circoteca”

El Último Apaga la Luz

En este artículo reflexionaremos varios puntos sobre el circo, bajo la mirada de un singular e interesante espectáculo presentado en el marco de este festival. En la sala Bunster del Centro Cultural M100, fuimos testigos de “El Ultimo Apaga la luz” de la compañía “Ni Desnudo Ni Bajando la Escalera”.

Este espectáculo de circo contemporáneo marcó una diferencia importante en relación a las otras propuestas nacionales, por su originalidad alternativa, su interpretación, su propuesta escenográfica, estética y sonora, realizando un cruce de lenguajes entre el circo, la música y las artes visuales. Llamando también la atención de la prensa chilena, de cómo hoy el circo chileno esta evolucionando dentro de las artes escénicas.

“El último apaga la luz, brinda todo un hallazgo; empezando por el asombro que despierta su extraordinario despliegue de creatividad”

Crítica Pedro Labra Herrera, Diario El Mercurio

La escenografía del espectáculo con un fino acabado propone un mundo cotidiano y realista, de fácil reconocimiento para el espectador y que hasta ahora ha sido un sello muy claro de la Cía, que el año 2016 hizo su debut con la obra “Ni Desnudo Ni Bajando la Escalera” de la cual tomó su nombre, proyecto que según ellos:

“Afirma nuestras líneas creativas y el universo que nos caracterizó como grupo creador”.

Desde este punto de partida la obra propone un viaje a lo surreal, absurdo y delirante donde los elementos de este mundo cotidiano toman vida propia a través de un delicado trabajo de efectos especiales que se accionan detrás de los paneles escenográficos por otros artistas ocultos y que son efectuados en sincronía por una seguidilla de numerosos apagones de luz de extensa duración.

Con un gran cúmulo de objetos en un reducido espacio, el único artista visible en la escena, Andrés Labarca, circense chileno formado en la escuela Nacional de Artes del Circo de Rosny-sous-Bois y en el Centro Nacional de Artes del Circo de Chalons- en–Champagne, Francia, nos entregó a través de movimientos corporales con belleza plástica y muy sincera interpretación teatral, una lectura clara del síndrome de Diógenes. (trastorno del comportamiento que se caracteriza por el aislamiento social, abandono personal y acumulación de desperdicios domésticos)

Por otro lado podemos mencionar que la Cía optó por editar su propuesta mediante una sucesión de escenas cortas separadas por cortes de luz, de las cuales algunas parecían eternas, pero que permitían no solo pasar de un cuadro a otro, sino también la realización del despliegue de efectos de los cuales la obra estaba cargada y de la rápida y efectiva movilización del artista de un extremo al otro. De vez en cuando también efectos de sonido e iluminación simulaban de manera muy real, el paso de un tren a toda marcha por fuera de la confusa habitación donde el solitario actor sin palabras transitaba con comodidad y destreza, en un caótico espacio, muchas veces confundido con su otro yo, que habitaba su pequeño mundo.

La mezcla de la creativa, mágica y desorganizada escenografía diseñada por toda la compañía junto a los movimientos particulares de Labarca, nos hicieron transitar por ,50 minutos de un espectáculo de una estética ochentera con escenas poéticas otras absurdas y muchas veces delirantes y desesperadas acciones de un ser atrapado en su trastorno mental.

Mencionamos que la destreza circense clásica quedó con gusto a poco, ya que la obra carecía del riesgo acrobático latente del circo o de un gran salto mortal, pero está muy claro que el trabajo de este artista va más por una búsqueda personal muy propia y original.

“Su búsqueda personal y su identidad como artista circense han estado influenciada por el trabajo técnico circense reflexionado desde la danza, el teatro y la curiosidad por querer mezclar el circo con diferentes medios de expresión con el objetivo de abrir nuevas pistas para la creación”.

Lo interesante que propone Labarca no es solo la mezcla de disciplinas escénicas con el circo, sino también de como él aborda el circo, ya que utiliza el cuerpo acrobático al servicio de las emociones, del espacio y la materia y nunca para demostrar la habilidad y destreza del ejercicio circense clásico sino como una herramienta para caber en espacios mínimos o para moverse silenciosamente de un extremo a otro por una habitación desorganizada y oscura. Abriendo una narrativa realmente nueva, utilizando “lo circense” de una manera fuera de lo tradicional y lo visto.

Así mismo, es interesante como El último apaga la luz nos hace cuestionar aquello que sería lo propio del circo, pues en la obra no hay necesidad de utilizar grandes destrezas acrobáticas, puesto que el lenguaje corporal del intérprete, la disposición escénica y el trabajo con elementos nos sugiere que lo circense tiene que ver con una disposición del contexto y la utilización de un cuerpo activo y receptivo.

Paula Jirkal Briones, El Mostrador, 24 de Junio 2019

Es este cuestionamiento, qué es lo “Propio del Circo” el que nos hace realizar nuestra reflexión. Es que el circo de ahora al igual que todas las artes escénicas, ha tenido su propia evolución y las definiciones están quedando obsoletas y suenan ya un poco anticuadas. Es por estos días que el concepto de interdisciplinariedad cabe más en propuestas como ésta, en donde cada disciplina realiza el cruce de los límites tradicionales y se mezcla tan bien con otra que se escapa de lo ya visto.

“El resultado, más que circo contemporáneo, según se lo define, califica mejor a nuestro juicio como un estupendo exponente de teatro visual y físico teñido de surrealidad y absurdo”.

Crítica Pedro Labra Herrera, Diario El Mercurio

"El Arte de las Curiosidades” invita a los creadores y espectadores de las artes circenses a sumergirse a nuevas propuestas de circo, a no tener miedo a la constante evolución de la disciplina que sin duda mantiene una relación directa con el cuerpo y la escena.

Bibliografía

Nidesnudonibajandolaescalera.cl. (2019). EQUIPO | NI DESNUDO NI BAJANDO LA ESCALERA. [online] Available at: http://nidesnudonibajandolaescalera.cl/equipo/ [Accessed 6 Dec. 2019].

Infante, C. (2019). Teatro | El último apaga la luz, la recompensa de coleccionar soledad. [online] Arteallimite.com. Available at: https://www.arteallimite.com/2019/06/18/teatro-el-ultimo-apaga-la-luz-la-recompensa-de-coleccionar-soledad/?fbclid=IwAR1-QJbPYBNkEckRqNzJNjTSltP6s0M7qwz9Hxqm1TdNIzauD5pLFUptMDY [Accessed 17 Dec. 2019].

Mostrador, E. (2019).

Sobre las luces que se encienden en el circo contemporáneo chileno cuándo "El Último Apaga la Luz"

. [online] El Mostrador. Available at: https://m.elmostrador.cl/cultura/2019/06/24/sobre-las-luces-que-se-encienden-en-el-circo-contemporaneo-chileno-cuando-el-ultimo-apaga-la-luz/ [Accessed 17 Dec. 2019].

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Escarlata Circus

Francisca Arce

17. 12. 2019

…y lo más cojonudo de todo es soltarse en medio de la riada que te sacuda o bien lanzarse allí donde la resaca de la playa salpica, te remueve y te enrosca, te revuelca y te lleva donde ella quiere. Esta es la sensación de libertad aprisionada en este corriente imparable de la creación, de la búsqueda de no se sabe muy bien qué, de una búsqueda interna, humana, juguetona. Si hubiéramos sabido todo el nada que sabemos, seguramente estaríamos en el mismo sitio, o a lo mejor no; pero lo cierto es que pactar con el imparable aprendizaje es el trato más importante y serio de la vida

Beti i Aspa

Bajo la versión 2019 del festival de circo catalán “Trapezi” disfrutamos del espectáculo circense “Cuando los Cangrejos Llevan Tacones” de la Cía “Escarlata Circus”. Dos viejos artistas de circo (Beti i Aspa) con más de treinta años de trayectoria nos llevan a un viaje de su propia historia, usando la pista de circo como una línea de tiempo.

El espectáculo comienza en la recepción del teatro, donde Bárbara y Ángel los nombres de pila de estos dos artistas, vestidos ridículamente con cacerolas en sus cabezas son quienes nos reciben y nos guían hacía su particular escenario. Entramos por la puerta principal hacía las butacas de este hermoso teatro ubicado en el centro de la ciudad catalana, donde creemos que disfrutaremos de la función, pero estos artistas nos muestran el camino que nos dirige sobre las tablas de este teatro, que no da señales clara que el público será un protagonista más de este show y que lo que nos quieren contar es una realidad sobre su cotidiana relación, ahí sobre la misma pista.

A nuestro juicio más que una clásica función de circo es una performance teatral que cuenta una poética historia de dos artistas circenses. El pasado reflejado en el presente con intimidad y sencillez, sin escondites sobre la pista los acróbatas usan múltiples vestimentas que se van cambiando durante los 70 minutos que dura esta pieza. Dos mallas de color piel son la que nos cuentan el recorrido de esta Cía, como queriendo desnudarse ante el público sin pudor, ni miedo, mostrando dos cuerpos alejado ya de la estética acrobática, más bien cuerpos cargados de historia.

Apoyados de proyecciones audiovisuales de su pasado categóricamente circense, de entre cuchillos, equilibrios, látigos y portes realizan de manera distinta los mismos trucos de hace ya 30 años, realizando versiones cómicas con mucha libertad y juego. En esta versión “Escarlata Circus” no demuestra los riesgos propios de los ejercicios técnicos de sus disciplinas circenses, más bien trabajan la descomposición de su trayectoria circense, cuestionándose a ellos mismos y cuestionando lo establecido a través de dinámicas teatrales y con mucha comicidad.

Durante la función pudimos olfatear todo el tiempo, pues es un técnico ubicado al costado del escenario quien lanza las pistas musicales, encargado de las proyecciones audiovisuales, que representa un actor más en la propuesta, cocinó durante unos 45 minutos programados una olla de cabritas que muchos pudieron disfrutar ya que las ofrecieron al público.

Con el olor a un clásico circo toda la propuesta fue hablada en catalán, lastima no poder haber entendido el idioma, que hizo reír a gran parte de los asistentes y que nos dejó interrogantes de cuando estos parlanchines payasos, acróbatas, nos contaban sus historias con su cuerpo, con imágenes de antaño y con relatos.

CUALQUIER PARECIDO CON LA FICCIÓN ES PURA REALIDAD

Solo deseamos que entréis y juguéis. Gozad con nosotros de este aquí y ahora que juntos nos ofrecemos. Revisitamos los acontecimientos sin nostalgia. Miramos por un agujero como si fuéramos voyeurs. El amor dónde está? Ha volado alguna vez? Acudirá la libertad? Nuestra verdad está servida en bandeja de cristal, frágil y perenne, agria y dulce. Os la contaremos sin más ficción que vuestra imaginación. Nuestro circo se libera del dolor y ahuyentamos el sufrimiento con la belleza y el placer . Los objetos son el espejo de nuestro bestiario, de nuestras bestialidades como humanos. Los cuerpos son la envoltura de nuestros actos. El pensamiento corre libre por toda la sala. La proeza se disfraza de emoción y el peligro de amor. Bienvenidos a nues-vues-tro circo. Y tú, de qué te disfrazarás?

Bet Miralta y Jordi Aspa

Bibliografía

Escarlata.com. (2019). Compañía – Escarlata Circus. [online] Available at: http://escarlata.com/es/companyia/ [Accessed 17 Dec. 2019].

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Pronto Artículo de “Los Cangrejos Llevan Tacones”

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Panoramix (re-posteo)

Panoramix, en el Mercat de les Flors. Barcelona

24. 04. 2019 Francisca Arce

Hoy nos detuvimos en nuestro trabajo circense para mirar a nuestros vecinos de la danza y vivir una experiencia escénica muy distinta, un lenguaje muy desconocido para mí, que sin duda hizo despertar mucho mis sentidos y visualizar que el arte escénico no tiene limites.

Panoramix (1993-2003) interpretada por María José Ribot, una propuesta escénica de tres horas, en una sala despojada de inmobiliario cubierta por cartón, con objetos distribuidos por todo el espacio y ropa colgada en las paredes pegadas con cinta adhesiva, son toda la utilería que la propuesta usó durante la representación.

El público moviéndose por todo el escenario de manera libre, a veces de pie, otras veces sentado en el piso, algunos desde lejos y otros de muy cerca, mirando y siguiendo a la artista moverse naturalmente desnuda de un extremo a otro.

Algunas escenas que puedo describir: Un cuerpo desnudo apoyado en la pared con un cartel “Se Vende” y una silla plegable abriendo y cerrando delante de su sexo, al comienzo de manera lenta y después a gran velocidad, es un cuadro que provoca muchas sensaciones, que genera la lectura del orgasmo de un cuerpo a la venta. [Pieza distinguida Nº 14 (1996). serie mas distinguidas 1997, Propietario distinguido: Lois Keidan, Londres]

1997 mas distinguidas

Otra escena muy simple fue ver a La Ribot parada en el centro del escenario completamente desnuda bebiendo un litro y medio de agua en una botella trasparente acompañada de un tema musical de fondo. La escena termina después de unos eternos 7 minutos sincronizando su cuerpo que comenzó muy erguido y fue desplomándose poco a poco hasta beber la última gota de agua totalmente acostada y en justa sincronización con el fin de la musical. [Pieza distinguida Núm. 32 Zurratada 2000, serie Still Distinguished 2000, propietario distinguido: Arteleku, San Sebastián] Algunas piezas de 30 segundos absurdas, como llegar a la pared sacar un pollo de plástico y decir; -¿Con esto qué?, pues nada-, y lanzarlo con mucha fuerza al extremo de la sala sobre el público. Lanzar las cosas después de utilizar es algo que La Ribot hizo varias veces durante la representación, había que estar atenta por si una de esas llegaba a la cabeza. Colocarse unas alas pegadas a la pared y salir volando con ellas, diciendo muchos verbos como: correr, saltar, mamar, reir, lavar, jugar, gestar, criar, amar, odiar, mirando a los ojos de todos quienes estábamos ahí y pregunta así en voz alta -¿De que cuerpo estoy hablando?. La respuesta salió espontáneamente de alguien de los espectadores y ella lo reafirmo con voz fuerte diciendo: -¡Mujer!. [Pieza distinguida Núm 18: Angelita, 1997, serie Más Distinguidas 1997, propietario distinguido: Mal Pelo, Barcelona]. Cubriendo su cabello colorado con una peluca rubia y usando uno trozos de pelo rubio para esconder el teñido rosa de sus cabellos pélvicos la Ribot comienza a poner en el piso un sin número de objetos y ropa roja, los tacones verdes que en ese monto también se puso marcan un contraste en la escena. Cuando los elementos están ordenados según ella los determinó, se abre de piernas justo al comienzo de estos elementos rojos y cae al piso, permanece ahí durante unos 5 minutos mientras el público interpreta la imagen. [Pieza distinguida Núm. 27: Another Bloody Mary, 2000, serie Still Distinguished 2000, propietario distinguido: Frank B y Lois, Londres].

2000 still distinguished

Treinte piezas inconexas, una seguida de la otra, de entre treinte segundos ó siete minutos, algunas solo imágenes, otras acompañadas de textos, pero cada una con una provocación evidente, desafiando al espectador, de manera radical y profunda, como articula académico de performance Renate Klett :

Lo mejor de La Ribot es que desafía cualquier tabú – por eso su arte es tan subversivo y profundo como ningún otro en el mundo del teatro y la performance en Europa. Siempre ensaya sus temas en su propio cuerpo: desnuda o vestida, desenfrenada o sumisa, sale al ruedo para tomar posiciones en la batalla de los sexos y los compromisos. Estas posiciones son radicales, claro, pero sin ensañamiento, a menudo humorísticas pero nunca cómodas. (2018)

La Ribot nacida en Madrid, se conoce como coreógrafa, bailarina, realizadora y artista plástica. Es Premio Nacional de Danza de el año 2000 y Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 2016, con decoraciones otorgadas por el Ministerio de Cultura del Estado Español. Entre 1975 y 1984 estudia ballet clásico, danza moderna y contemporánea.

Panoramix un espectáculo concebido como una analogía que reúne, reorganiza y recoloca piezas creadas entre 1993 y 2003, fue presentado por primera vez en el año 2003 en le exposición Live Culture (Tate Modern, Londres), el espectáculo pudo verse después en el Museo Reina Sofía (Madrid) y el Centro Pompidou (París), entre otros espacios insólitos.

La corriente de las artes escénicas ha seguido una clara línea de descomposición a través de la historia, de lo más elegante, clásico y estilizado a lo más natural, orgánico y minimalista incluso llevándolo al otro extremo del horror. Para mi muchas veces es cosa de gustos pero no podemos dejar de abrirnos a propuesta como está e intentar descifra cual es el mensaje del autor detrás de al parecer simples y absurdas imágenes.

El circo no se ha quedado atrás buscando romper con la tradición y las normas. Ya existen muchas escuelas que dentro de sus programas académicos impulsan a sus alumnos a buscar e indagar en investigaciones escénicas, o de frontón son escuelas que buscan alumnos con sus técnicas circenses ya resultas para entrar de lleno a la exploración del circo y la mezcla con otras artes. Aunque muchos advierten que en las propuestas circenses siempre debe existir virtuosismo y riesgo o si no deja de llamarse Circo.

Bibliografía

(1). La Ribot. (2019). Retrieved from http://www.laribot.com/biography

(2). Klett, R. (2018). ¡Solo!. Theater der Zeit. Traducción, Lopez, E.

(3). Panoramix (1993-2003). (2019). Retrieved from http://mercatflors.cat/es/espectacle/panoramix-1993-2003/

(4). MARINERO, C., & HEREDIA, A. (2019). La Ribot: “Siempre estoy en el margen, en lo que no es norma.” Retrieved from https://www.elmundo.es/cultura/danza/2018/09/10/5b968fbfca47418b798b45f5.html

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OYUN

Francisca Arce (Escritura en Proceso) 05.11.2019

“OYUN”, espectáculo de circo contemporáneo que mezcla el malabarismo y manipulación de objetos, usando elementos cotidianos como; ollas, cucharas, palos y cuerdas, para construir una arquitectura siempre al límite de un precario equilibrio, que muestra habilidad técnica y una escenografía viva, que se trasforma de manera lúdica y eficaz mezclando lo visual con el circo.

Sentada en el piso en pleno sol primaveral, rodeada de una decena de niños en una plaza de la ciudad de Reus, pude ser testigo de “OYUN”, espectáculo de circo contemporáneo de unos 40 minutos, repleto de imágenes y coreografías visuales. La escenografía compuesta por palos de madera y cuerdas se conectaban entre sí, sosteniendo ollas, utensilios de cocinas y pelotas de malabares, que nos entregó una lectura dramática inmediata, de como todos estos elementos estaban en perfecta conexión al límite de mostrar un colapso. Toda está propuesta con una estética anticuada que nos situaba más en un pasado que en un presente, con un solo personaje en escena que nos hizo trasladarnos al medio oriente por su túnica en la cabeza y su larga barba.

Su único intérprete usaba el malabarismo al servicio de la exploración con objetos, este personaje en escena sin palabras nos entregó todo el tiempo tranquilidad y templanza, mientras realizaba complejas manipulaciones y equilibrios a mediana y elevada altura. Existía además investigación sobre los espacios arquitectónicos que se presentaban, creando una escenografía no solo estética, sino que también funcional, como catapultas con jarros de té, mecanismos realizados con cuerdas, palos y contrapesos que lograban múltiples efectos que denotaban una investigación profunda.

Lo que vimos en Reus fue la versión calle de “OYUN”, un escenario difícil de conquistar para una propuesta como esta, que busca mantener al público todo el tiempo al límite y atento para visualizar los múltiples detalles donde nos lleva a transitar, pero pesé a la bulla y las diferentes distracciones y estímulos del lugar, mantuvo al público conectado con la propuesta, y se notó que niños y grandes disfrutaron cada momento.

Federico Menini, de origen Argentino residente en Alicante España hace ya más de 25 años, es el pensador, creador e interprete de “OYUN”. Federico de profesión arquitecto y amante del circo, realizó el cruce de estas dos disciplinas que dió origen a este espectáculo, que tuvo gran éxito en la 23º versión del Festival Trapezi de Reus, de la cual fuimos testigos.

El mismo se describe como un viajero incansable, cruzando sus estudios de arquitectura por Chile, México, Turquía y Rusia. Apasionado de los malabares participó de innumerables congresos y convenciones de circo por el mundo y reconoce que ha se ha visto muy influenciado por maestros como: Sergei Ignatov, Ville Walo, Vincent Berhault, Sean Gandini, Antolío, Stefan Sing, Carlos Muñoz, Miguel Solano, Maksim Komaro, José Luis Belga, Jens Sisgaard, Adrián Martínez, Gökhan Nasif, Lucas Escobedo, Pablo Medina, etc. En 2016 formó su propia Compañía “El Fedito”, con la que creó varios espectáculos cortos y su último trabajo “OYUN” de largo formato.

Diez años de inspiración y creación

La primera línea, nace el año 2008 en Santiago de Chile, cuando Menini se encontraba de intercambio con sus estudios de arquitectura. Fue en nuestro país que realizó una asignatura de experimentación escultórica, donde trabajo con una cuchara de palo, elemento que dio pie a gran parte de su escenografía actual y que le hizo pensar en llevar elementos cotidianos fuera de su contexto. Aquí se encuentra el primer esbozo del cruce entre el circo y otras disciplinas visuales.

El año 2009 viaja a la ciudad de Estambul Turquía, donde realiza otro intercambio de estudios por un año. Acá se encuentra la mayor inspiración de su creación.

“Durante un año me dedique a dibujar mezquitas, mezclarme con la gente de circo de allí, y pasearme por un sinfín de mercadillos callejeros llenos de objetos y olores. Allí me fascinaron los utensilios que se utilizan para la cocina”.

“Los pescadores del puente Gálata, con los que me cruzaba cada día y están a todas horas pescando, fueron la inspiración para el vestuario y el estilo de la escenografía”.

Luego de estos dos viajes, Federico crea una pequeña parte de lo que sería su espectáculo actual y desde aquí lo llamó “OYUN” que significa juego en Turco, en esta pieza combinaba de forma escultórica una olla, un cucharón, un paraguas, y pelotas de malabares.

Esta pequeña semilla fue creciendo poco a poco a través de los años, tomando inspiraciones de diferentes experiencias tanto en México y Rusia donde adquirió conocimientos provenientes de disciplinas artísticas como; la arquitectura, escultura, teatro social, video, grabado, fotografía, dibujo, crítica de arte, diseño de escenografía y otras experiencias sobre la pista. Menini menciona en la entrevista, que Mexico le dio herramientas escenografías mientras que en Rusia se pasó meses sobre la investigación en la técnica de los malabares.

El año 2015 todas estas experiencias toman cuerpo y Federico comienza a realizar durante un año completo solo bocetos, escrituras, dibujos y anotaciones para el año 2017 dar comienzo a la creación que tuvo varias fases; la primera de ellas fue la recopilación de todas las anotaciones, dibujos y bocetos, mientras que una segunda fase dio lugar a la búsqueda de las diferentes ollas y utensilios de cocina para investigar y experimentar sobre estos elementos. En una tercera fase Menini mezcló la investigación en la técnica de los malabares y la arquitectura como elemento visual clave dentro de su propuesta, sumándole también otros elementos como la madera y cuerdas para crear equilibrios precarios. Pero fue nuevamente en la ciudad de Estambul donde terminó de encajar todas las piezas de este largo rompecabezas, para luego volver a España y limpiar y dar los últimos toques de su estreno a mediados del año 2018.

Oyun es la búsqueda de lo más difícil todavía, del equilibrio perfecto, la arquitectura de los malabares, la armonía entre todos los elementos: ollas, cucharas, cuerdas, pelotas.

En Oyun (del turco juego) todo gira en torno a las ollas y otros elementos cotidianos y a medida que va construyendo un artefacto en precario equilibrio el malabarista va creando el espacio, dibujando el aire, y sobre todo jugando y desafiando a la gravedad.

Federico Menini

Los festivales más destacados que “OYUN” ha participado desde su estreno

Çadir (Estambul, Turquía) 201

Spoffin Festival (Holanda) Año 2018

I Circored Market (España) Año 201

Festival Circarte (España) Año 2018

Noite Branca de Braga (Portugal) Año 2018

Festival Circada (España) Año 2018

De Gevleugelde Stadt (Bélgica) Año 2019

Fira Trapezi (España) Año 2019

Umore Azoka (España) Año 2019

Festival FFYS (Luxemburgo) Año 2019

Voenk Festival (Bélgica) Año 2019

Festival Trengo (Portugal) Año 2019

Festival MIT de Ribadavia (España) Año 2019

Festival Kaldearte (España) Año 2019

Festival de Rua de Fundao (Portugal) Año 2019

Festival FEX de Granada (España) Año 2019

Festival Circaire (España) Año 2019

#circocontemporaneo #circo #oyun #circus

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Pronto el articulo sobre “Oyun”

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Trailer “A Simple Space”

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Gravity & Other Myth

“A Simple Space”

Francisca Arce ( escritura en proceso)

16.10.2019

Nos fuimos a la ciudad de Valladolid, una ciudad en el centro de España al norte de Madrid, donde se desarrolló la XX versión del festival de Teatro y Artes de Calle (TAC) 2019, donde se presenció en la sala del teatro LAVA “A Simple Space”, espectáculo de la la compañía Australiana “Gravity & Other Myth” (GOM).

Fotografía por: Chris Herzfel

La misma compañía describe su espectáculo de una manera muy sincera

“A Simple Space”, es un espectáculo circense donde siete acróbatas exploran sus limites físicos sin reservas en un simple espacio, una propuesta alejada de los maquillajes, el brillo y la perfección, más bien una presentación que busca expresar la fragilidad de los cuerpos y la veracidad de sus intérpretes.

Y la palabra “sincera” la uso principalmente porque así tal cual ellos lo describen, el espectáculo no entrega ningún contenido profundo, no hay poesía, ni desborda alguna emoción que provoque algún cambio trascendental bajo ninguna mirada, “A Simple Space” es un espectáculo alejado de lo estético y glamoroso, mas bien una mirada humana y cotidiana de siete cuerpos.

Pero ¿que hace que al finalizar la función un espectáculo desprovisto de contenido profundo, el público los aplauda con tanta ovación?, de la misma forma que aplaudieron a Dany Ronaldo en el festival Trapezi en la ciudad de Reus, un espectáculo lleno de poesía e historia. Es la reflexión y el análisis que haremos de este espectáculo.

Gravity & Other Myth

Gravity & Other Myth (GOM) es una compañía de circo Australiana que se define como:

Una compañía que empuja los límites del circo contemporáneo, utilizando un rendimiento honesto para crear espectáculos con un enfoque en la conexión humana y el virtuosismo acrobático.

Fotografía por: Carnival Cinama

GOM es una compañía de circo de renombre internacional que nace en la ciudad de Adelaida Australia el año 2009. El show “A Simple Space” ha logrado un gran éxito internacional, al recibir múltiples premios y haber actuado más de 600 veces en 30 países diferentes.

A Simple Space

El escenario rectangular de 3x5 mt aproximadamente cubierto por una alfombra acolchada a ras de piso, se encontraba ubicado en el centro de la sala. El público dispuesto de una manera confrontacional, generaba una especie de ring de boxeo, mientras que las primeras filas estaban muy cercana al escenario, casi encima de los artistas. En las cuatro esquinas de este escenario existían cuatro escalerillas que recibían no más de tres focos pequeños de estilo Spin y en uno de los lados de este rectángulo se encontraba, una batería electrónica y una serie de elementos tecnológicos. Al ver todo esto ya daba señales claras de ser Un Simple Espacio.

Siete acróbatas, cinco de ellos hombres y dos mujeres nos presentaron un espectáculo de aproximadamente 60 minutos en un espacio muy reducido, entre danza, acrobacias, portes y equilibrio de manos. No había maquillaje y su vestuario se veía cómodo y cotidianos, de colores pasteles acompañados por una iluminación cálida y simple, que eran manipuladas por los propios artistas y uno que otro foco que apoyaba la luz desde arriba. La música era interpretada por un músico en escena que se encontraba en conexión con ellos, pero fuera de este rectángulo, usando muchos elementos tecnológicos y percusión de una batería electrónica. Todos estos elementos apoyaban la interpretación de sus actores, que estaba asumida por su honestidad escénica.

Fotografía por: Andy Phillipson

El calor de sus cuerpos y la respiración de estos siete acróbatas se sentía muy cercana, podíamos oler casi su transpiración, y sentir como el grupo pulsaba en sincronía todo el tiempo. Este espacio muy reducido sin duda era un mapa para ellos, nunca chocaban, nunca cometieron errores técnicos entre coreografías complejas y saltos acrobáticos de gran nivel, de esta forma el riesgo podía sentirse en el público que estaba en primera fila hasta el final de la sala.

Fotografía por: Andy Phillipson

La narración circense o la dramaturgia escénica, estaba creada entre ellos en basándose en juegos y competencias; quien realizaba el salto más largo, quien aguantaba más la respiración, quien podía sostener un equilibrio de manos más tiempo, mientras el público lanzaba cientos de pelotas sobre ellos. Todos estos eran alguno de los cuadros de la obra, de los cuales siempre destacaba la destrezas de los siete, con la naturalidad de sus personalidades y la simplicidad del espacio, donde demostraron todas sus capacidades corporales y los límites de cada uno.

Puedo decir de manera personal que es una propuesta de circo contemporáneo de gran nivel técnico y buena ejecución, sin profundizar ningún contenido narrativo, dramaturgico ni teatral, pero que asume con todas sus letras su propuesta ya que reconoce en su descripción que invita al espectador a sumergirse en un constante juego de un simple espacio. Sin duda es un muy buen espectáculo que dejará al espectador disfrutar de 60 minutos de cuerpos en constante movimiento.

Reflexión

Acá el circo se presenta en casi su estado puro, donde el virtuosismo y el riesgo son los protagonistas y el eje principal de la obra, estas características son muy fácil de reconocer para el público ya que la mayoría identifica el circo como el arte del riesgo donde los artistas demuestran en la pista sus mejores destrezas y habilidades físicas. “A Simple Space”, pone en el centro las destrezas físicas a través de una propuesta con naturalismo humano, asumiendo su propuesta con todas sus letras sin generar otras expectativas. Es por esto y por el gran nivel técnico que la compañía GOM se llevó en el teatro LAVA en Valladolid la ovación del público tras finalizar su espectáculo

El circo al igual que muchas otras artes escénicas ha tenido su evolución, a través de la historia, desde sus inicios como arte de lo curioso y horroroso, pasando por las destrezas y habilidades humanas, hasta lo que hoy conocemos como circo contemporáneo, que ha querido integrarle a estas destrezas otras artes escénicas como la danza y el teatro y además entregándole contenido a sus espectáculos y/o performance. Desde aquí que este arte se presenta en diversos formatos y/o estilos, algunos como formatos más tradicionales y otros al otro extremo en donde la destreza pasa a un segundo plano.

No podemos negar esta evolución ni decir que formato o estilo es mejor que el otro porque no se podría hacer tal comparación. Aveces el público no identifica los estilos que se le presentan pero si es capaz de reconocer cuando un espectáculo le entrega una buena propuesta, sea esta centrada en lo técnico, lo estético, o como una herramienta de comunicación.

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el-arte-de-las-curiosidades · 5 years

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Fidelis Fortibus

Escritura en proceso

27.09.2019

Francisca Arce

Retomo la escritura después de haber vivido la experiencia en tres festivales de Circo y Artes Escénicas: “Festival de Circo Trapezi” en Reus, “TAC” de Valladolid y “Charivari La Fiesta del Circo” en Santiago de Chile. La experiencia ha sido muy diversa y enriquecedora, a través del lente del “El Arte de las Curiosidades” he podido ver más de 50 espectáculos de Circo pero también algunas propuestas de Danza y Teatro. En esta segunda etapa hablaré de Fidelis Fortibus, espectáculo circense de la compañía “Circo Ronaldo” de Bélgica, presentado en la XXIII Versión del “Festival de Circo Trapezi en España.

Fidelis Fortibus

Son múltiples las observaciones que nos entrega esta propuesta, que a mi gusto ha sido el mejor espectáculo de la versión 2019 de Trapezi en Catalunya, Fidelis Fortibus es un espectáculo muy galardonado que ha recibido premios como mejor espectáculo de circo, Premios Ciutat de Barcelona 2017 y seleccionado como mejor producción del 2016 en el Theaterfestival (BE/NL).

Es un espectáculo con una línea de originalidad y comicidad en todos sus aspectos, interpretado por un solo artista en la pista. El circo y el teatro, lo tradicional y contemporáneo son algunas de las mezclas que podemos ver en esta obra interpretada por. Dany Ronaldo. Pero la propuesta no es solo circo o no es el tipo de circo que acostumbramos a clasificarlo como tal, ya que Dany Ronaldo pertenece a la sexta generación de una familia de artistas que mezcló en el pasado el circo y la comedia del arte, que hoy nos trae un circo de tradición familiar lleno de imágenes poéticas con una propuesta muy actual.

Historia del Circo Ronaldo

M.circusronaldo.be. (2019). [online] Available at: https://m.circusronaldo.be/circus_of_theater [Accessed 19 Aug. 2019].

André De Poorter, Van Theater Van den Berghe tot Circus Ronaldo (Zulte: eigen beheer, 1989)

La familia Belga- Alemana del “Circo Ronaldo” tiene sus comienzo cuando Adolfo Peter Van Berghe (1827-1880), con quince años deja su hogar y comienza una aventura embarcándose en el circo Alemán de Lorenz Wuff. Años mas tarde después de mucho entrenamiento se convertiría en un popular jinete acrobático. En sus años de viaje conoce a un grupo de artistas itinerantes con practicas de pantomima y comedia del arte, enamorándose de la joven actriz Maria Cronemberg (1834-1915) aquí nace la huella de esta familia que hasta el día de hoy mantiene y rescata esta particular mezcla. En sus inicio la compañía se llamó “El Gran Teatro Itinerante Van den Berghe” marcando un estilo más teatral con algunos momentos de valentía circense. Tras la muerte de Adolfo a los 53 años, William Van de Berghe (1858-1928) hijo de Adolfo Van de Berghe y Maria Cronemberg, toma las riendas de la compañía donde aprendió no solo a actuar sino también a pintar decorados, hacer disfraces, forjar armas de teatro e idear trucos ópticos.

La tercera generación impulsada por deslumbrar al público que involucró más el circo, en 1910 crean su propio generador eléctrico y se convierten en la primera compañía itinerante en Bélgica, dando pie a su exitoso espectáculo “La Vuelta al Mundo en 80 Dias” basada en la novela de Julio Verne e interpretada por el nieto de Adolfo, Jean Van den Berghe (1887- 1965), hijo de Adolfo Joseph Van de Berghe y sobrino de William Van de Bergehe Entre las giras de este espectáculo, en la ciudad de Malinas Bélgica, Jean Van den Berghe conoce a la que sería su esposa, Serafina de Winne, y de este amor que la ciudad es reconocida como la cuna del teatro Van den Berghe en Bélgica.

En 1914 tras estallar la segunda guerra mundial se pone fin a lo que en ese entonces se llamaba “El Tren Van den Berghe” debido a la gran cantidad de carruajes que la compañía movilizaba de ciudad en ciudad. Maria Van den Berghe, cuarta generación hija de Jean y Serafina, junto a sus hermanos se buscan la vida durante los años de guerra viajando a pie y en tren, cargados de maletas pesadas buscando salas de teatros de variedades, cantando actuando y haciendo circo.

Jan Van den Broeck (1933) junto a su hermano Harman Van de Broeck quinta generación hijo de Maria Van den Berghe y Jan Van den Broek en 1971, junto a su tío Frans Van den Berghe, construyen una carpa redonda con sede en Muizen cerca de Malinas, para crear un espectáculo de variedad el estilo de los años setenta, primero con el nombre de “Circus Ricardo” y después de unos años tras la salida de Herman, Jan Van den Broeck en honor a su nombre artístico Jonny Ronaldo crea el “Circo Ronaldo”.

La historia de Circo Ronaldo nos hacen comprender mejor de donde viene toda la propuesta de Fidelis Fortibu espectáculo marcado de historia con un estilo particular que nos hace reflexionar sobre la utilidad de clasificar o no las actuaciones de circo teatro David Ronaldo (1966) y Dany Ronaldo (1969) hijos de Jonny Ronaldo, representan la sexta generación de artistas itinerantes de una familia que mezcló el circo y la comedia del arte. Esta última generación se ha encargado de poner más énfasis en la historia de sus ancestros y de oler en el viento el presente y el futuro.

“El circo Ronaldo conecta el pasado con el futuro a través de una experiencia pura y reconocible del presente”

M.circusronaldo.be. (2019). [online] Available at: https://m.circusronaldo.be/circus_of_theater [Accessed 19 Aug. 2019].

“La Comedia del Arte” que es una forma primitiva de teatro popular que nace a principios del renacimiento en Italia, que mezcla elementos del teatro literario con tradiciones carnavalescas (máscaras y vestuario), recursos mímicos y pequeñas habilidades acrobáticas. Junto a este estilo teatral el crecimiento de la compañía y la reinvención del día a día, “Circo Ronaldo” llenan de poesía sus obras. La forma singular de sus espectáculos siempre ha madurado desde dentro y cada nuevo movimiento tiene sus raíces en el pasado de su antigua tradición familiar.

Su búsqueda continúa sin fin hacia una magia a la que las palabras no tienen más acceso. Una dinámica refrescante entre una generación joven y la caída de las generaciones mayores experimentadas. Unidos en una simbiosis natural para vivir y jugar juntos en un mundo único. El Circus Ronaldo está a la altura del ritmo, ajustado por la simplicidad y la autenticidad. Fortalecido y unido por un grupo creativo de personas singulares. en el escenario, en la pista, en los pasillos, en los talleres, en la carretera y detrás de la computadora

La Experiencia Personal

La primera apreciación comienza desde la cola antes de entrar a ver el espectáculo, una carpa de circo pequeña, con dibujos de los más clásicos artistas, en toda su fachada, algunos camiones y carruajes a su alrededor como casi cualquier circo que se monta en algún sitio eriazo de un pueblo. Hasta el momento todo apunta un tradicional espectáculo de circo, como el que ví en Sabadell al principio de mi formación en España (Circo Raluy).

La fila avanza y en la puerta con un vestuario acorde, nos recibe un personaje que nos da las indicaciones por donde ir. De una manera casi imperceptible este personaje se nota un poco distinto, medio raro y confundido. Una vez dentro de la carpa ya sabemos que nos internamos en un mundo distinto, ya que toda la pista esta repleta de tumbas.

La estética se reconoce al instante, con una luz en penumbras y un piso lleno de aserrín, sobre las tumbas cruces, algunas fotografías y objetos que representan a los artistas dibujados sobre la fachada.

Cuando las últimas personas de la fila entran al pequeño mundo, que por sí solo ya genera una atmósfera, este personaje resalta por la poco empatía que tiene hacía el público, su personalidad incomoda deja de ser imperceptible y de frontón comienza a querer que el público se vaya de su carpa. El personaje está tan bien interpretado y su rostro particular con ojos y orejas grandes nos confunde si en realidad quiere que nos vayamos y que algo ha sucedido. Dany Ronaldo a través de pocas palabras, (ya que su idioma natal es Francés y Neerlandés) nos advierte que la función no es posible ya que todos los artistas están muertos y él está de luto.

De manera casual algunas tumbas se mueven y el único vivo de esta tradicional familia comienza a interpretar cada personaje muerto, de una manera muy caótica y cómica, hasta con efectos especiales, simulando explosiones y fuego. Dany Ronaldo recorre el espectáculo como: Mago, Trapecista, Músico, Malabarista, Equilibrista y hasta Domador de una verdadera rata amaestrada, que cruza la cuerda tensa a las ordenes de su domador.

Las risas y carcajadas se escuchan desde el público todo el tiempo, pero la poesía nunca se esconde, la veracidad de su interpretación y el multivirtuosismo de su personajes en cada acción que realiza es impecable.

Los aplausos del público al finalizar la función son verdaderamente desbordantes, sin saber su historia ni de donde viene, ha llenado una pequeña carpa de poesía, humor e historia. Un espectáculo que asume su tradición familiar, que incorpora elementos de otras artes escénicas, que trabaja con equipo de profesionales que asume el presente y que mira hacia el futuro.

Reflexión

A lo largo de la historia las clasificaciones de las cosas han sido una metodología para la pedagogía de diferentes materias, al parecer esta forma de organización nos hace estructurar más todo para comprender mejor las cosas. Pero que pasa cuando hoy llevamos estas estructuras tan marcadas a una sala de teatro o aun espacio abierto a sentarnos a ver un espectáculo de circo, un arte vivo que por cientos de año ha sido clasificado en su médula como el arte del riego y de las curiosidades.

¿Estamos dispuesto nosotros como artistas de este arte vivo a cambiar las clasificaciones y conceptos? a mezclarlas con otras artes escénicas o a desclasificarlas o volver a clasificarlo.

¿Que es el circo de ahora?, - ¿Cuál fue el de antes?.

Según un Estudio Diagnostico realizado en Chile el año 2012,

El circo tradicional es la manifestación que tiene como su principal característica el estar compuesto por grandes clanes que, en forma de empresas familiares, viajan por Chile presentando sus espectáculos en grandes y pequeñas carpas. Más tardíamente, y de forma paralela, emerge hace casi dos décadas el denominado circo contemporáneo, cuya principal característica consiste en estar compuesto por artistas que en su mayoría no provienen de familias de circo, y que elaboran una propuesta de lenguaje novedosa que incorpora técnicas propiamente circenses y elementos de otras artes escénicas como el teatro o la danza.

Pero ha siete años esta clasificación en Chile ya parece un poco anticuada, ya que los circo tradicionales cada vez más incorporan nuevas tecnologías y otros elementos de otras artes escénicas intentando renovar sus espectáculo para atraer más al público, mientras que el circo contemporáneo ha veinte y cinco años de historia ya comienza a tener segundas generaciones de artistas y esta clasificación esta quedando fuera.

Existe aun una clara diferencia del circo contemporáneo y tradicional que no se discute, que es la forma de aprendizaje de las habilidades, en una dada principalmente por escuelas formales en Chile o el extranjero o aprendizajes autodidactas o menos formales como talleres en distintos espacios públicos o privados, mientras que en el tradicional se traspasa desde sus padres o familias desde muy pequeños.

Ahora lo que sigue siendo cierto en Chile que según este estudio

La diversidad entre el circo tradicional y el circo contemporáneo es reconocida con mayor nitidez por los mismos artistas del campo circense, mientras que su identificación no se manifiesta necesariamente con la misma claridad en los públicos que asisten a los espectáculos de ambas manifestaciones.

Al leer la historia de la familia Belga-Alemana Van den Berghe, desde sus inicios en 1827, donde un hombre crea una tradición familiar desde 0, me hace pensar que quizás yo Francisca Arce seré la primera generación de mi propia familia circenses. ¿Y pasaré de una clasificación a otra? o el mismo Dany Ronaldo sexta generación de artistas circenses, que incorpora en sus propuestas, directores teatrales, coreógrafos, músicos y elementos de otras artes escénicas, ¿Dejará de ser circense tradicional?. Necesitamos orden para comprender las cosas pero necesitamos apertura para comprender y entender los cambios y las evoluciones en la historia del circo en chile y el mundo.

Cuando nos sentamos como públicos a ver un espectáculo de circo necesitamos orden, estructura y entendimiento en nuestras cabezas, antes de comenzar la función. Nos sentimos más cómodos cuando el espectáculo logra entrar dentro de alguna clasificación que conocemos, o entramos con una lista de cosas que debe existir y la vamos chequeando a medida que vamos viendo el espectáculo y cuando alguna de las cosas que creemos medulares no existe, salimos frustrados y decepcionados.

-¿Pero que pasa cuando somos artistas y creamos?

Al parecer nos comportamos de la misma forma, buscamos entrar en clasificaciones, nos interesa agradar a nuestros espectadores, no sumimos lo que somos, nos cerramos al futuro y a las nuevas propuestas y nos mantenemos en la misma línea todo el tiempo, por temor a no cumplir con la lista que nos piden los espectadores, que según los estudios aún ni siquiera reconocen la diferencia

La invitación esta en dejar la hoja en blanco y desde nuestro interior intentar identificar cuales son los reales deseos de mi lenguaje, de lo que quiero comunicar, de lo que me gusta, de lo que quiero transmitir, asumirlo y desde ahí construir.

La discusión queda abierta y el análisis da para escribir otros artículos enfocado en otros espectáculos que vimos que ponen esta discusión en el centro.

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TAC Valladolid España

Festival TAC de Valladolid 22. 05. 2019 Francisca Arce

El Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC), se desarrolla cada año en el mes mayo en España, llevando espectáculos de teatro, danza, circo y música a cada rincón de esta ciudad. Este año 2019 será su versión número XX y quieren celebrarlo con una propuesta más ambiciosa que nunca, con un récord de espectáculos y compañías reconocidas tanto a nivel nacional como internacional. El festival se realizará entre los días 17 y 26 de mayo donde se presentarán más de 84 compañías, de 20 países diferentes, con un total de 272 actuaciones en 53 espacios, entre ellos: teatros, salas, plazas públicas y barrios.

Diversas son las propuestas que ofrece el TAC programadas desde muy temprano en la mañana hasta espectáculos y performance pasado la media noche, separadas por un índice de compañías según: Sección Oficial, Sección Off, Estación Norte, y Otros; como el III Encuentro Nacional de Impro y el Encuentro Europeo de Escuelas de Circo (EEEC).

El Festival de Teatro y Artes de Calle de Valladolid a través de sus XIX versiones anteriores, ha definido muy bien cuales son los criterios de su programación, que reconoce que:

-El arte es una herramienta social de poder desmontar el mundo real y volver a montarlo desde una dimensión más alta. -Que existen una serie de expresiones artísticas que se asfixian en los teatros y que traspasa sus paredes y se ubica donde las personas desarrollan su vida cotidiana. Que hablan de tiempos actuales y utilizan herramientas tecnológicas del hoy, mezclando las artes escénicas, con diversas otras artes como la pintura, la música y el cine. Aprovechando también estas como un medio, para darle un vuelco a la dramaturgia tradicional, pasando de una estructura narrativa a una asociativa, en donde cada espectáculo sugiere algo y es el espectador que desarrolla una idea y le da la forma y contenido. -Que el circo ha sido una de las formas más antiguas de intervención en espacios públicos y que en la actualidad se ha convertido en la madre que acoge a artistas multidisciplinarios dando un nuevo sentido a la carpa y a los trabajos que dentro o fuera de ella se van desarrollando. -Que entiende el festival como un único espectáculo y no como una secuencia de trabajos hasta completar el presupuesto económico planificado. Como un escaparate donde mostrar trabajos que bien están en proceso de crecimiento o bien por su carácter de investigación están fuera de los circuitos comerciales. -Que es muy importante tener un continuo feedback sobre la marcha y desarrollo del festival, por lo que siempre ha conformado un jurado internacional con una abierta actitud de escucha ante cualquier manifestación artística (1).

Algo muy interesante que estará presente y será protagonista en este festival, es la sub-sección “Performance Arte VA”, que ofrece representaciones marcadas con un componente de denuncia social, definiéndolo como un espacio: "Para alentar el arte con compromiso político, entendiendo este como un ejercicio de comunicación, que nos permita salir de la oleada de confrontación y de intolerancia que parece dominar nuestras sociedades contemporáneas" (2). El TAC programará durante el medio día compañías que profundizarán temas como la nación, el género, el cuerpo, la identidad y las fronteras, a través de diez propuestas proveniente de países como, México, España, Finlandia, Estados Unidos, Bolivia, Brasil e Italia.

La Sección Norte del TAC, esta definida como un espacio exclusivo para compañías vallisoletanas, dándole lugar a propuestas locales con el objetivo de poder fortalecer las artes escénicas en la ciudad. En esta sección podremos encontrar la compañía La Nave y su espectáculo de performance multidisciplinar “Morlokland”. La Nave es un programa de desarrollo de las artes escénicas para jóvenes del Teatro Calderón de Valladolid, un espacio de creación artística que acoge distintas disciplinas y a más de 60 jóvenes entre 16 y 26 años. Otras compañías que también son parte de esta sección son, Proyecto Tá-17 y Los Colochos (Teatro), Xtrañas Producciones (Videomapping), Compañía Lola Eiffel & RAIO (Multidisciplinar), Nuevo Fielato (Circo), Kull D'Sac (Clown) y Val Lírica en movimiento (Música).

El Circo en el TAC

Con un total de 18 compañías provenientes de 14 países diferentes; teatros, salas y espacios públicos acogerán tanto en la Sección Oficial como en la Sección Off propuestas de carácter circense. En el Teatro LAVA estará, Gravity & Other Myths (Australia) y su espectáculo “A Simple Space”, donde siete acróbatas exploran sus limites físicos sin reservas en un simple espacio, describiendo su espectáculo como una propuesta alejada de los maquillajes, el brillo y la perfección, más bien una presentación que busca expresar la fragilidad de los cuerpos y la veracidad de sus interpretes. En el Teatro Calderón con entradas ya agotadas, se presentará también la compañía Baro d'evel, (Franco-Catalana) y su espectáculo “La”, que ha puesto sus cimientos en buscar un lenguaje propio acompañado por animales amaestrados y que expone que su trabajo es un gesto bruto y desnudo que circula entre cuerpos y voces entre ritmos y portés.

Otras compañías circenses que inundarán las calles en la Sección Oficial serán; la Compañía Fiar (Portugal y Eslovenia) y su estreno “Baixos e Altos”, que nos invita a pensar en laberintos, en transitar la vida por subidas y bajadas, una propuesta que a través de su descripción, nos sugiere que es un trabajo más profundo y reflexivo. El dúo D'Irque & Fien (Bélgica) y su espectáculo “Sol Bemol” que nos presenta una propuesta de circo teatro donde el viaje y el recorrido de vida nos llevan a encuentros y experiencias donde nos cruzamos con otros y contribuimos a su travesía. Patfield & Triguero (Reino Unido) y su espectáculo “Gibbon” que es un trabajo más visual y de teatro físico, mezclado con la danza, el humor y el malabar. Y por último Kcirke (España) comediante premiado en la sección off del TAC 2018 que nos trae circo, música y comedia.

Otro espacio dentro de la Sección Oficial que da lugar a solos y dúos es, Pati Free donde se encuentran: Hanna Moisala (Filandia) y su espectáculo “Wire Do”, Tom & Ayala (Holanda) y su espectáculo “We are not a Couple” y Flying Dutchmen (Holanda) con su espectáculo “The Flying Dutchmen”.

De las propuestas circense programas en la Sección Off, encontraremos: Bambolea, (España) con su “Circus Feria”, Cía Artlequin (España -Argentina) con “Tentación Divina”, Cía Atirofijo Circ (España) y su espectáculo “A S'ombra”, Circo Deriva (España) y su espectáculo “Ya es tiempo de hablar de amor”, Dúo Papie (Italia) con “In Vago”, Escuela de Circo Carampa (España) con “Crisálida 19”, La Testa Maestra (Colombia-España) con “Hijos de Fruta”, Punto cero Company (España) con “¿Y ahorque?” y The Shester's (Brasil- España) con su espectáculo “La Chimba”.

Otra actividad importante que se desarrollará dentro del festival será el primer EEEC, organizado por la compañía vallisoletana, The Freak Cabaret Circus donde existirá charlas que articularan un espacio de encuentro para reflexionar sobre la realidad del circo europeo y espectáculos diseñados específicamente para su muestra en el TAC. En esta primera versión las escuelas que participarán serán: Die Etage (Alemania), Instituto Nacional de artes do Circo (Portugal), Escuela de Circo Carampa (Madrid, España) y Circo Vértigo (Italia).

El Arte de las Curiosidades intentará ver cada obra y realizar una descripción de las propuesta circense y algunas de otras artes escénicas presentada en el festival, con el objetivo posterior de analizar y reflexionar para construir un articulo que intente reflejar desde la mirada personal y la experiencia vivida una crítica objetiva que ayude al lector a reconocer los componentes más relevantes de la obra y el sello de su autor. La observación no solo será de las propuestas y espectáculos sino también del circo y su entorno; comparaciones entre festivales visitados, análisis y diferencias entre propuestas creativas, estilos y formas de hacer el circo, características y definiciones de lo tradicional y lo contemporáneo, análisis de espectáculos de calle y de sala, serán alguno de los temas que serán escrito en una segunda etapa del proyecto.

Bibliografía

(1). Historia del TAC - TAC. (2019). Retrieved from http://www.info.valladolid.es/web/tac/historia-del-festival

(2). Ciclo de performances ArteVA - TAC. (2019). Retrieved from http://www.info.valladolid.es/web/tac/-/ciclo-de-performances-arteva?inheritRedirect=true&redirect=%2Fweb%2Ftac%2Fseccion-oficial-2019

(3). Inicio - TAC. (2019). Retrieved from http://www.info.valladolid.es/web/tac

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