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Gilgamesh is the semi-mythical king of Uruk in Mesopotamia best known from the Epic of Gilgamesh (written c. 2150 - 1400 BC)
The great Sumerian/Babylonian poetic work that predates the writing of Homer by 1500 years and therefore stands as the oldest work of epic world literature.
It narrates the adventures of King Gilgamesh of Uruk, a semi-mythical character who seeks immortality and wisdom.
The epic is composed of twelve clay tablets that were discovered in several excavations in the region of ancient Mesopotamia. It addresses a variety of universal themes, such as the search for the meaning of life, mortality, friendship, and the power of the gods. Gilgamesh's journey includes encounters with deities, battles with monsters, and a tireless quest for immortality.
In addition to its historical and literary importance, the "Epic of Gilgamesh" also provides valuable insights into the culture, religion, and worldview of the ancient Mesopotamians. Its influence can be seen in many other ancient and modern literary works, making it a cornerstone of the world's literary tradition.
Through the adventures of Gilgamesh, we explore universal themes of the quest for immortality, friendship, power, and the inevitability of mortality, connecting deeply with the ancient roots of epic storytelling.
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https://museu2009.blogspot.com/.../gilgamesh-is-semi...
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Gilgamesh é o rei semi-mítico de Uruk na Mesopotâmia mais conhecido pela Epopeia de Gilgamesh (escrita c. 2150 - 1400 a.C.)
A grande obra poética suméria/babilônica que antecede a escrita de Homer por 1500 anos e, portanto, se destaca como a obra mais antiga da literatura mundial épica.
Ela narra as aventuras do rei Gilgamesh de Uruk, um personagem semi-mítico que busca imortalidade e sabedoria.
A epopeia é composta por doze tábuas de argila que foram descobertas em várias escavações na região da antiga Mesopotâmia. Ela aborda uma variedade de temas universais, como a busca pelo significado da vida, a mortalidade, a amizade e o poder dos deuses. A jornada de Gilgamesh inclui encontros com divindades, batalhas com monstros e uma busca incansável pela imortalidade.
Além de sua importância histórica e literária, a "Epopeia de Gilgamesh" também fornece insights valiosos sobre a cultura, religião e visão de mundo dos antigos mesopotâmicos. Sua influência pode ser vista em muitas outras obras literárias antigas e modernas, tornando-a uma pedra angular da tradição literária mundial.
Através das aventuras de Gilgamesh, exploramos temas universais de busca por imortalidade, amizade, poder e a inevitabilidade da mortalidade, conectando-nos de maneira profunda com as raízes ancestrais da narrativa épica.
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The "Winged Sphinx" is a remarkable archaeological piece that dates back to the 9th and 8th centuries BC and belongs to the Phoenician civilization.
Phoenician art lacks unique characteristics that might distinguish it from its contemporaries.
This artifact, found at Fort Shalmaneser in Nimrud (ancient Kalhu) in northern Iraq, is a stunning testament to the richness and artistic sophistication of this ancient culture.
Sphinxes, mythological creatures with the body of a lion and the head of a human (or other animal), were common in the art and mythology of several ancient cultures, including the Phoenician. However, this winged Phoenician sphinx is particularly notable for its unique combination of cultural and artistic elements.
This is due to its being highly influenced by foreign artistic cultures: primarily Egypt, Greece and Assyria.
The presence of wings on this Phoenician sphinx can be interpreted in several ways, often associated with the idea of divinity, power or protection. The technical skill required to create such an intricate and durable piece is testament to the mastery of the Phoenician artisans of the time.
In addition to its aesthetic and historical importance, this sculpture offers valuable insights into the beliefs, values, and iconography of the ancient Phoenician civilization. Its discovery at Fort Shalmaneser highlights the region's importance in the cultural and commercial interconnection of the Near East during antiquity, and its preservation serves as a tangible reminder of the rich cultural legacy of these ancient civilizations.
Phoenicians who were taught on the banks of the Nile and the Euphrates gained a wide artistic experience and finally came to create their own art, which was an amalgam of foreign models and perspectives.
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A “Esfinge Alada” é uma notável peça arqueológica que remonta aos séculos IX e VIII a.C. e pertence à civilização fenícia.
A arte fenícia carece de características únicas que a possam distinguir dos seus contemporâneos.
Este artefato, encontrado no Forte Shalmaneser em Nimrud (antiga Kalhu), no norte do Iraque, é um testemunho impressionante da riqueza e sofisticação artística desta cultura antiga.
Esfinges, criaturas mitológicas com corpo de leão e cabeça de humano (ou outro animal), eram comuns na arte e na mitologia de várias culturas antigas, incluindo a fenícia. No entanto, esta esfinge fenícia alada é particularmente notável pela sua combinação única de elementos culturais e artísticos.
Isto se deve ao fato de ser altamente influenciado por culturas artísticas estrangeiras: principalmente Egito, Grécia e Assíria.
A presença de asas nesta esfinge fenícia pode ser interpretada de diversas maneiras, muitas vezes associadas à ideia de divindade, poder ou proteção. A habilidade técnica necessária para criar uma peça tão complexa e durável é uma prova da mestria dos artesãos fenícios da época.
Além de sua importância estética e histórica, esta escultura oferece informações valiosas sobre as crenças, valores e iconografia da antiga civilização fenícia. A sua descoberta em Fort Shalmaneser destaca a importância da região na interligação cultural e comercial do Próximo Oriente durante a antiguidade, e a sua preservação serve como uma lembrança tangível do rico legado cultural destas civilizações antigas.
Os fenícios que foram ensinados nas margens do Nilo e do Eufrates adquiriram uma ampla experiência artística e finalmente criaram a sua própria arte, que era um amálgama de modelos e perspectivas estrangeiras.
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Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, was a French poet, novelist, filmmaker, designer, playwright, actor, and theater director.
Cocteau began writing at the age of ten and at sixteen he published his first poems, a year after leaving the family home. Despite distinguishing himself in virtually every literary and artistic field, Cocteau insisted that he was fundamentally a poet and that all of his work was poetry.
In 1908, at the age of nineteen, he published his first book of poetry, La lampe d'Aladin. His second book, Le prince frivole ("The frivolous prince"), published the following year, would give rise to the nickname he had in Bohemian circles and in the artistic circles that he began to frequent and in which he quickly became known.
Around this time he met the writers Marcel Proust, André Gide, and Maurice Barrès. Edith Wharton described him as a man "to whom every great verse was a sunrise, every sunset the foundation for the Celestial City..."
During the First World War, Cocteau served with the Red Cross as an ambulance driver. During this period he met the poet Guillaume Apollinaire, the painters Pablo Picasso and Amedeo Modigliani and numerous other writers and artists with whom he would later collaborate.
Russian ballet impresario Sergei Diaghilev challenged Cocteau to write a scenario for a new ballet - "It surprises me", Diaghilev was quoted as saying. The result was Parade, which would be produced by Diaghilev in 1917, with scenography by Picasso and music by Erik Satie. (Maisons-Lafitte, July 5, 1889 — Milly-la-Forêt, October 11, 1963)
Together with other Surrealists of his generation (Jean Anouilh and René Char, for example), Cocteau managed to masterfully combine the new and old verbal codes, staging language and technologies of modernism to create a paradox: a classic avant-garde. His circle of associates, friends and lovers included Jean Marais, Henri Bernstein, Édith Piaf and Raymond Radiguet.
His plays were taken to the stages of the Grand Theatres, on the Boulevards of the Parisian era in which he lived and which he helped define and create. His versatile, unconventional approach and enormous productivity brought him international fame.
He was elected member of the French Academy in 1955.
Cocteau made seven films and collaborated as a screenwriter and narrator in a few more. All rich in symbolism and surreal images. He is considered one of the most important filmmakers of all time.
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Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, foi um poeta, romancista, cineasta, designer, dramaturgo, ator, e encenador de teatro francês.
Cocteau começou a escrever aos dez anos e aos dezasseis já publicava suas primeiras poesias, um ano depois de abandonar a casa familiar. Apesar de se distinguir em virtualmente todos os campos literários e artísticos, Cocteau insistia que era fundamentalmente um poeta e que toda a sua obra era poesia.
Em 1908, com dezanove anos, publicou o seu primeiro livro de poesia, La lampe d'Aladin. O seu segundo livro, Le prince frivole ("O princípe frívolo")), editado no ano seguinte, daria origem à alcunha que tinha nos meios Boémios e nos círculos artísticos que começou a frequentar e em que rapidamente ficou conhecido.
Por esta altura conheceu os escritores Marcel Proust, André Gide, e Maurice Barrès. Edith Wharton descreveu-o como um homem "para quem todos os grandes versos eram um nascer-do-sol, todos os por-do-sol a fundação para a Cidade Celestial…"
Durante a Primeira Guerra Mundial, Cocteau prestou serviço na Cruz Vermelha como condutor de ambulâncias. Neste período conheceu o poeta Guillaume Apollinaire, os pintores Pablo Picasso e Amedeo Modigliani e numerosos outros escritores e artistas com quem mais tarde viria a colaborar.
O empresário russo de ballet, Sergei Diaghilev, desafiou Cocteau a escrever um cenário para um novo bailado - "Surpreende-me", teria dito Diaghilev. O resultado foi Parade, que seria produzido por Diaghilev em 1917, com cenografia de Picasso e música de Erik Satie. (Maisons-Lafitte, 5 de julho de 1889 — Milly-la-Forêt, 11 de outubro de 1963)
Em conjunto com outros Surrealistas da sua geração (Jean Anouilh e René Char, por exemplo), Cocteau conseguiu conjugar com mestria os novos e velhos códigos verbais, linguagem de encenação e tecnologias do modernismo para criar um paradoxo: um avant-garde clássico. O seu círculo de associados, amigos e amantes incluiu Jean Marais, Henri Bernstein, Édith Piaf e Raymond Radiguet.
As suas peças foram levadas aos palcos dos Grandes Teatros, nos Boulevards da época parisiense em que ele viveu e que ajudou a definir e criar. A sua abordagem versátil e nada convencional e a sua enorme produtividade trouxeram-lhe fama internacional.
Foi eleito membro da Academia Francesa em 1955.
Cocteau realizou sete filmes e colaborou enquanto argumentista, narrador em mais alguns. Todos ricos em simbolismos e imagens surreais. É considerado um dos mais importantes cineastas de todos os tempos.
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Avant-Garde - Artistic Movement.
The vanguard (from the French avant-garde) literally means the advance guard or the front part of an army. Its metaphorical use dates back to the beginning of the 20th century, referring to sectors of greater pioneering, awareness or combativeness within a given social, political, scientific or artistic movement. In the arts, the avant-garde disrupts pre-established models, defending anti-traditional forms of art and the new on the frontiers of experimentalism.
Several writers have attempted, with limited success, to map the parameters of avant-garde activity. The Italian essayist Renato Poggioli provides one of the best-known analyzes of avant-garde as a cultural phenomenon in his 1962 book, Theory dell'arte d'Avanguardia (Theory of Avant-Garde Art). Surveying historical, social, psychological and philosophical aspects of avant-garde, Poggioli goes beyond individual instances of art, poetry and music to show that avant-gardists can share certain ideals and values that manifest themselves in the adoption of a non-conformist lifestyle. He sees avant-garde culture as a variety or subcategory of bohemia.
Other authors have sought to both clarify and expand Poggioli's study. Literary critic Peter Bürger wrote Theory of the Avant-Garde (1974) looking at the Establishment's embrace of socially critical works of art and suggests that, in complicity with capitalism, "art as an institution neutralizes the political content of individual work".
Bürger's essay also influenced the work of historians of contemporary American art such as the German Benjamin H.D. Buchloh (born 1941), while older critics such as Bürger continue to see the post-war neo-avant-garde as an empty recycling of the forms and strategies of the first two decades of the 20th century. Others, such as Clement Greenberg (1909-1994), saw it more positively, as a new articulation of the specific conditions of cultural production in the post-war period. Buchloh, in the collection of essays The neo-avantgarde and the Cultural Industry, (2000) critically argues a dialectical approach to these positions. Later criticism has theorized the limitations of these approaches, noting their circumscribed areas of analysis, including Eurocentrism, machismo, and specific definitions of gender.
According to researcher Otília Arantes, the Brazilian avant-garde went through three different moments: the modernity of the 20s and 30s, the concretism and neoconcretism of the 50s and the production of the 60s. The exhibitions "Opinião 65", "Propostas 65", " New Brazilian Objectivity" and "Do corpo à terra" formalized the possibility of experimental art through debate, with works and text.
Hélio Oiticica seeks to define a specificity for the Brazilian avant-garde, placing it in the wake of the "New Objectivity" exhibition. From then on, he claims, the structure of the work changed (it is no longer "painting" or "sculpture") to "environmental orders".
In Why the Brazilian avant-garde is carioca, from 1966, Frederico Morais already defends the idea of a constructive vocation for Brazilian art and also places architecture and the concrete movement as an example of this. The concrete movement contributed to a characterization of Brazilian culture, however, it was more linked to industrialization, since the works of this period were extremely rational and mathematical.
image: Avant-Garde - Mikhail Larionov - 1915
This is a part of the Wikipedia article used under CC-BY-SA license. The full text of the article is here →
Wikipedia: https://pt.wikipedia.org/wiki/Vanguarda
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Avant-Garde - Movimento Artístico.
A vanguarda (do francês avant-garde) significa, literalmente, a guarda avançada ou a parte frontal de um exército. Seu uso metafórico data de inícios do século XX, se referindo a setores de maior pioneirismo, consciência ou combatividade dentro de um determinado movimento social, político, científico ou artístico. Nas artes, a vanguarda produz a ruptura de modelos preestabelecidos, defendendo formas antitradicionais de arte e o novo nas fronteiras do experimentalismo.
Vários escritores têm tentado, com sucesso limitado, mapear os parâmetros da atividade avant-garde. O ensaísta italiano Renato Poggioli proporciona uma das mais conhecidas análises de vanguardismo como um fenômeno cultural em seu livro de 1962, Teoria dell'arte d'Avanguardia (Teoria da arte de vanguarda). Levantando aspectos históricos, sociais, psicológicos e filosóficos do vanguardismo, Poggioli ultrapassa instâncias individuais da arte, poesia e música para mostrar que os vanguardistas podem compartilhar certos ideais e valores que se manifestam na adoção de um estilo de vida não conformista. Ele vê a cultura de vanguarda como uma variedade ou subcategoria de boêmia.
Outros autores têm procurado tanto esclarecer quanto ampliar o estudo de Poggioli. O crítico literário Peter Bürger escreveu Teoria do Avant-Garde (1974) olhando para a adesão do Establishment às obras de arte socialmente críticas e sugere que, em cumplicidade com o capitalismo, "a arte como instituição neutraliza o conteúdo político do trabalho individual".
O ensaio de Bürger também influenciou o trabalho de historiadores da arte contemporânea americana como o alemão Benjamin H.D. Buchloh (nascido em 1941), enquanto os críticos mais antigos, como Bürger, continuam a ver o neo-avant-garde do pós-guerra como uma reciclagem vazia de formas e as estratégias das duas primeiras décadas do século XX. Outros, como Clement Greenberg (1909-1994), viram de forma mais positiva, como uma nova articulação das condições específicas da produção cultural no período do pós-guerra. Buchloh, na coletânea de ensaios O neo-avantgarde e a Indústria Cultural, (2000) argumenta criticamente uma abordagem dialética para essas posições. A crítica posterior teorizou as limitações dessas abordagens, observando suas áreas circunscritas de análise, incluindo o eurocentrismo, machismo e definições específicas de gênero.
Segundo a pesquisadora Otília Arantes, a vanguarda brasileira atravessou três momentos diferentes: a modernidade dos anos 20 e 30, o concretismo e o neoconcretismo dos anos 50 e a produção dos anos 60. As exposições "Opinião 65", "Propostas 65", "Nova Objetividade brasileira" e "Do corpo à terra" formalizaram a possibilidade de uma arte experimental através do debate, com obras e texto.
Hélio Oiticica busca definir uma especificidade para a vanguarda brasileira, situando-a na esteira da exposição da "Nova Objetividade". A partir daí, afirma, a estrutura da obra mudou (não é mais "pintura" ou "escultura") para "ordens ambientais".
Em Por que a vanguarda brasileira é carioca, de 1966, Frederico Morais já defende a ideia de uma vocação construtiva para a arte brasileira e também coloca a arquitetura e o movimento concreto como exemplo desta. O movimento concreto colaborou para uma caracterização da cultura brasileira, porém, era mais ligado à industrialização, já que as obras deste período eram extremamente racionais e matemáticas.
image: Avant-Garde - Mikhail Larionov - 1915
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"Kouros of Miletus" - archaic sculpture of a young male nude, dating from the 6th century BC.
It exemplifies the aesthetics and ideals of ancient Greek art common in Archaic Greece in sanctuaries or cemeteries.
It is a classic representation of the ideal of beauty and physical perfection of male youth in Ancient Greece. The sculpture presents a young man with harmonious proportions, well-defined muscles and a rigid, hieratic pose. His facial expression is serene and impassive, reflecting the idealized conception of the Greek hero or athlete.
The style is marked by the influence of Egypt and Mesopotamia, as well as a concern to represent the human body in an idealized and symmetrical way. The sculpture is carved from marble, which highlights the artist's technical skill in working with this challenging material.
In addition to its aesthetic importance, it also has cultural and religious significance. Like many sculptures of this type, it probably served as a votive representation of a young man who had reached maturity, or as a tribute to a deceased hero or athlete. Its presence in sanctuaries and places of worship suggests an association with religious rituals and practices of veneration of the gods.
It is an emblematic piece, which illustrates the ideals of beauty, perfection and youth that were valued in ancient Greek culture. His influence can be seen in many other later Greek sculptures and artworks, and his presence continues to fascinate and inspire art admirers to this day.
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"Kouros de Mileto" - escultura arcaica de um jovem masculino nua, datada do século VI a.C.
Exemplifica a estética e os ideais da arte grega antiga comuns na Grécia Arcaica em santuários ou cemitérios.
É uma representação clássica do ideal de beleza e perfeição física da juventude masculina na Grécia Antiga. A escultura apresenta um jovem com proporções harmoniosas, musculatura bem definida e uma pose rígida e hierática. Sua expressão facial é serena e impassível, refletindo a concepção idealizada do herói ou atleta grego.
O estilo é, marcado pela influência do Egito e da Mesopotâmia, bem como por uma preocupação em representar o corpo humano de maneira idealizada e simétrica. A escultura é esculpida em mármore, o que evidencia a habilidade técnica do artista em trabalhar com este material desafiador.
Além de sua importância estética, também tem significado cultural e religioso. Como muitas esculturas desse tipo, ele provavelmente servia como uma representação votiva de um jovem que havia alcançado a maturidade, ou como um tributo a um herói ou atleta falecido. Sua presença em santuários e locais de culto sugere uma associação com rituais religiosos e práticas de veneração aos deuses.
É uma peça emblemática, que ilustra os ideais de beleza, perfeição e juventude que eram valorizados na cultura grega antiga. Sua influência pode ser vista em muitas outras esculturas e obras de arte gregas posteriores, e sua presença continua a fascinar e inspirar admiradores da arte até os dias de hoje.
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The work of renowned British archaeologist Woolley, and the excavations at the Royal Cemetery of Ur.
The discovery of the Royal Cemetery of Ur by Leonard Woolley in the years 1922 to 1934, is a significant milestone in the history of archeology and the understanding of Mesopotamian civilization.
Woolley, a renowned British archaeologist, led excavations of the ancient city of Ur, located in southern Mesopotamia (present-day Iraq), under the auspices of the British Museum and the University of Pennsylvania.
During his excavations, Woolley unearthed an impressive series of royal tombs dating back to the third millennium BC.
These tombs, richly ornamented and containing priceless artifacts, revealed an unprecedented insight into the culture and society of ancient Sumer.
Among the most notable discoveries were the tombs of Sumerian kings, such as the famous "Royal Tomb of Ur", which contained the remains of a queen known as Puabi, along with a treasure trove of jewels, gold and silver objects, and a series of human and animal sacrifices.
Woolley's excavations at the Royal Cemetery of Ur not only provided valuable insights into the religion, art, and funerary rituals of the ancient Sumerians, but also redefined our understanding of the complexity and sophistication of Mesopotamian civilization.
His discoveries contributed significantly to the study of ancient history and inspired later generations of archaeologists to continue exploring and unraveling the mysteries of the past.
Furthermore, Woolley's work at the Royal Cemetery of Ur also had a lasting impact on the development of archeology as a discipline, setting new standards for scientific research and the preservation of cultural heritage.
His legacy as a pioneering and visionary archaeologist continues to be celebrated today, and the discoveries he made at Ur remain eloquent testaments to the richness and complexity of Mesopotamian civilization.
image - detail:
Depth and with the presence of several stairs in which the dead were buried with their special jewelry and belongings.
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O trabalho renomado arqueólogo britânico Woolley, e as escavações no Cemitério Real de Ur.
A descoberta do Cemitério Real de Ur por Leonard Woolley nos anos 1922 a 1934, é um marco significativo na história da arqueologia e na compreensão da civilização mesopotâmica.
Woolley, um renomado arqueólogo britânico, liderou escavações antiga cidade de Ur, localizada no sul da Mesopotâmia (atual Iraque), sob os auspícios do Museu Britânico e da Universidade da Pensilvânia.
Durante suas escavações, Woolley desenterrou uma série impressionante de túmulos reais que datavam do terceiro milênio a.C.
Esses túmulos, ricamente ornamentados e contendo artefatos de valor inestimável, revelaram uma visão sem precedentes da cultura e da sociedade da Suméria antiga.
Entre as descobertas mais notáveis estavam os túmulos dos reis sumérios, como o famoso "Túmulo Real de Ur", que continha os restos mortais de uma rainha conhecida como Puabi, juntamente com um tesouro de joias, objetos de ouro e prata, e uma série de sacrifícios humanos e animais.
As escavações de Woolley no Cemitério Real de Ur não apenas forneceram insights valiosos sobre a religião, arte e rituais funerários dos antigos sumérios, mas também redefiniram nossa compreensão da complexidade e sofisticação da civilização mesopotâmica.
Suas descobertas contribuíram significativamente para o estudo da história antiga e inspiraram gerações posteriores de arqueólogos a continuar explorando e desvendando os mistérios do passado.
Além disso, o trabalho de Woolley no Cemitério Real de Ur também teve um impacto duradouro no desenvolvimento da arqueologia como disciplina, estabelecendo novos padrões para a pesquisa científica e a preservação do patrimônio cultural.
Seu legado como arqueólogo pioneiro e visionário continua a ser celebrado até hoje, e as descobertas que ele fez em Ur permanecem como testemunhos eloquentes da riqueza e complexidade da civilização mesopotâmica.
imagem - detalhe:
Aprofundidade e com a presença de várias escadas em que os mortos foram enterrados com suas joias especiais e seus pertences.
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Vladimir Vladimirovich Mayakovsky was one of Russia's most influential poets of the 20th century.
collaboration: Νεκτάριος Ζαρκαδούλας - https://www.facebook.com/profile.php?id=100043058602364
Born in 1893 to a working-class family in Georgia, Mayakovsky grew up amid the political turmoil and cultural transformations that marked pre-revolutionary Russia.
His poetry was marked by audacious and experimental language, which defied literary conventions. He was one of the main exponents of Russian Futurism, an artistic and literary movement that sought to break with the traditions of the past.
Throughout his career, Mayakovsky produced a wide variety of works, including poetry, plays, essays, and political manifestos. His best-known works include "Ode to the Revolution", "The Nape of a Woman", "Afflicted", among others.
His poems often addressed themes such as love, politics, revolution, and were characterized by a strong sense of passion and commitment to his convictions.
He struggled with the tension between his art and the need to align with the demands of the communist regime.
His poetry has influenced generations of writers and artists, and his voice continues to resonate as a symbol of artistic courage and commitment to social change. His work remains a powerful testimony to Russian literature.
The poem:
"The boat of love broke apart in the routine", written by Vladimir Vladimirovich Mayakovsky, is a poetic expression of the disappointment and loss that accompanies the end of a romantic relationship.
Mayakovsky describes the breakdown of love as something that occurs not only because of conflicts or disagreements, but also because of the lack of vitality and novelty that routine brings.
The image of the broken boat can be interpreted as a symbol of the fragility of human bonds and the vulnerability of human emotions in the face of the pressures of everyday life.
image source: Νεκτάριος Ζαρκαδούλας
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Vladimir Vladimirovich Mayakovsky foi um dos mais influentes poetas da Rússia do século XX.
colaboração: Νεκτάριος Ζαρκαδούλας
Nascido em 1893 em uma família trabalhadora na Geórgia, Mayakovsky cresceu em meio à agitação política e às transformações culturais que marcaram a Rússia pré-revolucionária.
Sua poesia era marcada por uma linguagem audaciosa e experimental, que desafiava as convenções literárias. Ele foi um dos principais expoentes do Futurismo Russo, um movimento artístico e literário que buscava romper com as tradições do passado.
Ao longo de sua carreira, Mayakovsky produziu uma grande variedade de obras, incluindo poesia, peças de teatro, ensaios e manifestos políticos. Suas obras mais conhecidas incluem "Ode à Revolução", "A Nuca da Mulher", "Aflitos", entre outras.
Seus poemas frequentemente abordavam temas como amor, política, revolução, e eram caracterizados por um forte senso de paixão e compromisso com suas convicções.
Ele lutou com a tensão entre sua arte e a necessidade de se alinhar com as exigências do regime comunista.
Sua poesia influenciou gerações de escritores e artistas, e sua voz continua a ressoar como um símbolo da coragem artística e do compromisso com a mudança social. Sua obra permanece como um testemunho poderoso para a literatura russa.
O poema:
"A barca do amor se despedaçou na rotina", escrito por Vladimir Vladimirovich Mayakovsky, é uma expressão poética da desilusão e da perda que acompanham o fim de um relacionamento amoroso.
Mayakovsky descreve o colapso do amor como algo que ocorre não apenas por causa de conflitos ou desavenças, mas também devido à falta de vitalidade e novidade que a rotina traz.
A imagem da barca quebrada pode ser interpretada como um símbolo da fragilidade dos laços humanos e da vulnerabilidade das emoções humanas diante das pressões da vida cotidiana.
fonte da imagem: Νεκτάριος Ζαρκαδούλας @edisonblog
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Portugal Fashion (PF) is in the midst of a significant transformation of its concept and format, adopting the approach of an annual "fashion festival" that will extend across the entire northern region of Portugal.
This strategic change, announced to take place between the 1st and 6th of July, seeks not only to redefine the event's identity, but also to expand its connections with various creative areas, promoting synergies between fashion, art, architecture, gastronomy and much more, marked due to increasing globalization and changes in consumption and production dynamics.
With the COVID-19 pandemic further accelerating these transformations, it has become imperative to rethink business models and positioning strategies.
In this sense, the initiative to decentralize the event from Porto and take it to different locations in the northern region reflects not only an adaptation to current circumstances, but also a search for greater inclusion and diversity.
By adopting a more comprehensive and multidisciplinary approach, Portugal Fashion opens up space for the exploration of new forms of creative expression and collaboration between different areas of knowledge.
The integration of elements such as architecture, ceramics, painting and gastronomy in the festival events promotes a broader and enriching interaction between participants, encouraging dialogue and the exchange of ideas.
This diversity of perspectives not only enriches the audience's experience, but also encourages innovation and experimentation within the field of fashion.
Furthermore, the commitment to a stronger and more persistent internationalization of Portuguese talents represents a unique opportunity to promote national fashion on a global scale.
By focusing efforts on the commercial area of brands and companies, Portugal Fashion seeks not only to increase its international visibility, but also to open new business opportunities and partnerships.
The strategy of transforming the event into an annual festival also has significant implications for young fashion talent and the development of emerging designers, offering them support and visibility in the market.
However, this transition to an annual festival format also presents challenges and issues to consider.
The geographical dispersion of events can create logistical and organizational challenges, requiring careful coordination between the different locations and partners involved.
Furthermore, expanding the scope of the festival to include diverse creative areas may require more rigorous planning and curation to ensure the cohesion and relevance of the program as a whole.
In short, Portugal Fashion is embarking on a new and exciting phase of its journey, reinventing itself as an annual festival open to diverse creative aspects and with a strong emphasis on internationalization.
This paradigm shift reflects not only market demands and fashion industry trends, but also the event's ongoing commitment to promoting excellence and innovation within the Portuguese fashion scene.
With a diverse and engaging program, Portugal Fashion is prepared to consolidate itself as one of the main fashion events in the country and an essential meeting point for creatives from all over the world.
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This book discusses the evolution of Nubian culture and history through the Bronze Age and the Napatan-Meroitic Period.
It was written to coincide with an exhibition at the University Museum at Pennsylvania, and the unrivalled Nubian collection of that museum and of the Museum of Fine Arts in Boston, provides some striking illustrations.
Maps, chronological tables and a clearly-written text make this an excellent introduction to Nubian civilisation, while well-illustrated discussions of Nubian art and architecture will make this catalogue a valuable source for Egyptian scholars.
"The Nubian and Egyptian civilizations are the two oldest known in Africa.
They shared the same river, the Nile, and a common border over which contact and interaction ebbed and flowed for thousands of years. Inevitably, Nubian and Egyptian history Egyptian civilizations are closely intertwined, but ultimately the two civilizations were very different from each other.
Both the Nubian worldview and modes of cultural expression have always been unique, even as Egyptian art, language, and concepts became part of the cultural vocabulary used by the Nubians.
Furthermore, Nubia was typically rival, not dependent, on Egypt, as the two powers incessantly competed for territory and trade routes in the… 'Lower Nile' river system."
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Este livro discute a evolução da cultura e da história núbia durante a Idade do Bronze e o Período Napatano-Meroítico.
Foi escrito para coincidir com uma exposição no Museu Universitário da Pensilvânia, e a incomparável coleção núbia desse museu e do Museu de Belas Artes de Boston oferece algumas ilustrações impressionantes.
Mapas, tabelas cronológicas e um texto claramente escrito fazem deste catálogo uma excelente introdução à civilização núbia, enquanto discussões bem ilustradas sobre a arte e a arquitetura núbia farão deste catálogo uma fonte valiosa para estudiosos egípcios.
“As civilizações núbia e egípcia são as duas mais antigas conhecidas na África.
Eles compartilharam o mesmo rio, o Nilo, e uma fronteira comum através da qual o contato e a interação fluíram e refluíram durante milhares de anos. Inevitavelmente, na história núbia e egípcia, as civilizações egípcias estão intimamente interligadas, mas, em última análise, as duas civilizações eram muito diferentes uma da outra.
Tanto a visão de mundo núbia quanto os modos de expressão cultural sempre foram únicos, mesmo quando a arte, a linguagem e os conceitos egípcios se tornaram parte do vocabulário cultural usado pelos núbios.
Além disso, a Núbia era tipicamente rival, e não dependente, do Egito, já que as duas potências competiam incessantemente por território e rotas comerciais no… sistema fluvial do 'Baixo Nilo'."
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Cao Xueqin (1715 – 1763)
A Qing dynasty writer, Cao Xueqin (1715–12 February 1763), courtesy name Mengruan, alternate name Cao Zhan, was born into a Han Chinese clan that was brought into service to the Manchu royalty in the late 1610s.
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His ancestors distinguished themselves through military service in the White Banner of the Eight Banners military divisions and subsequently held posts as officials, which brought both prestige and wealth.
During the reign of Emperor Kangxi, the clan’s prestige and power reached its height.
Emperor Kangxi appointed Cao’s great-grandfather, Cao Xi, as the commissioner of imperial textile affairs in Jiangning, and the family relocated there for three generations, becoming quite rich and influential.
After the ascension of Emperor Yongzheng to the throne, because of political motivations, the new emperor attacked the family, confiscated their properties, and later they became completely impoverished.
Cao lived in poverty with his family in his early childhood, and in his old age settled in the western suburbs of Beijing in such poverty that he sold off his paintings.
In 1762, his youngest son died, and he fell ill with grief. The following year, he died, not able to afford medical treatment.
As an intelligent, highly talented man, Cao was both a great poet with originality, likened to Li He of the Tang dynasty, and a painter with a stylish technique, particularly with cliffs and rocks.
Only a few of his poems and paintings have survived.
Cao achieved posthumous fame through his life’s diligent work, the novel Dream of the Red Chamber, known as one of the four great classical novels of Chinese literature, written “in blood and tears,” and in which he vividly recreated an illustrious family, like his own, at its height and subsequent downfall.
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Cao Xueqin (1715 – 1763)
Um escritor da dinastia Qing, Cao Xueqin (1715–12 de fevereiro de 1763), nome de cortesia Mengruan, nome alternativo Cao Zhan, nasceu em um clã chinês Han que foi colocado ao serviço da realeza Manchu no final da década de 1610.
Seus ancestrais se distinguiram pelo serviço militar nas divisões militares da Bandeira Branca das Oito Bandeiras e posteriormente ocuparam cargos de oficiais, o que trouxe prestígio e riqueza.
Durante o reinado do Imperador Kangxi, o prestígio e o poder do clã atingiram o seu apogeu.
O Imperador Kangxi nomeou o bisavô de Cao, Cao Xi, como comissário dos assuntos têxteis imperiais em Jiangning, e a família mudou-se para lá durante três gerações, tornando-se bastante rica e influente.
Após a ascensão do imperador Yongzheng ao trono, por motivações políticas, o novo imperador atacou a família, confiscou suas propriedades e posteriormente empobreceu completamente.
Cao viveu na pobreza com sua família na primeira infância e, na velhice, estabeleceu-se nos subúrbios ocidentais de Pequim, em tal pobreza que vendeu suas pinturas.
Em 1762, seu filho mais novo morreu e ele adoeceu de tristeza. No ano seguinte, ele morreu, sem condições de pagar tratamento médico.
Homem inteligente e altamente talentoso, Cao foi ao mesmo tempo um grande poeta com originalidade, comparado a Li He da dinastia Tang, e um pintor com uma técnica elegante, especialmente com falésias e rochas.
Apenas alguns de seus poemas e pinturas sobreviveram.
Cao alcançou fama póstuma através do trabalho diligente de sua vida, o romance Sonho da Câmara Vermelha, conhecido como um dos quatro grandes romances clássicos da literatura chinesa, escrito “com sangue e lágrimas”, e no qual recriou vividamente uma família ilustre, como o seu próprio, no seu auge e subsequente queda.
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The Nimrud ivories: forgotten treasures
Most were made by master craftsmen in the northeastern Mediterranean, then abandoned as surplus booty in the storerooms of Kalhu. Some were carved in Assyria itself and were an important element of luxury court living. In modern times, some have been plundered or forgotten again, while others are cherished as exquisite examples of ancient art.
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Qin Shi Huang is best known for unifying the diverse states of China, which he ruled from 221 BC to 210 BC.
This unification brought political and administrative stability to the region, laying the foundations for what would become the Chinese Empire.
Qin Shi Huang is remembered for his administrative and political reforms. He standardized coins, measurements, and writing across China, which contributed to the country's cultural unification. He is also known for initiating the construction of the Great Wall of China as a defense against invasions from the north.
He promoted the burning of books with the aim of eliminating texts that contradicted the government's ideology or that could challenge the emperor's authority. Furthermore, intellectuals who were considered a threat to the regime were persecuted and, in some cases, buried alive, in order to consolidate their power and promote a centralized ideology.
Qin Shi Huang is often portrayed as a controversial ruler whose reign was characterized by a balance between greatness and tyranny. His lasting influence on Chinese history and culture is undeniable, and his figure continues to fascinate scholars and admirers to this day.-On March 29, 1974, one of the most extraordinary archaeological treasures in history was discovered: the Terracotta Army. These impressive terracotta sculptures represent the armies of China's first emperor, Qin Shi Huang, and date back to the late 3rd century BC.
The discovery of the Terracotta Army was a historic milestone that revealed the grandeur and sophistication of ancient Chinese civilization. These meticulously hand-carved sculptures depict life-size soldiers, horses, chariots, and weapons, testifying to the magnitude of Qin Shi Huang's imperial power.
Over the years, the Terracotta Army has become not only an archaeological marvel, but also a symbol of national pride and a world-renowned tourist attraction. Its discovery continues to fascinate and inspire people around the world, offering an extraordinary glimpse into the rich history and culture of ancient China.
I
image:
Pit one, which is 230 metres (750 ft) long and 62 metres (203 ft) wide, contains the main army of more than 6,000 figures.
Pit one has 11 corridors, most of which are more than 3 metres (9.8 ft) wide and paved with small bricks with a wooden ceiling supported by large beams and posts.
This design was also used for the tombs of nobles and would have resembled palace hallways when built. The wooden ceilings were covered with reed mats and layers of clay for waterproofing, and then mounded with more soil raising them about 2 to 3 metres (6 ft 7 in to 9 ft 10 in) above the surrounding ground level when completed. (cc) Wikipedia
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Qin Shi Huang é mais conhecido por unificar os diversos estados da China, que governou de 221 a.C. até 210 a.C.
Essa unificação trouxe estabilidade política e administrativa à região, estabelecendo as bases para o que viria a ser o Império Chinês.
Qin Shi Huang é lembrado por suas reformas administrativas e políticas. Ele padronizou moedas, medidas e escrita em toda a China, o que contribuiu para a unificação cultural do país. Ele também é conhecido por ter iniciado a construção da Grande Muralha da China como uma defesa contra invasões do norte.
Ele promoveu a queima de livros tinha como objetivo eliminar textos que contradiziam a ideologia do governo ou que poderiam desafiar a autoridade do imperador. Além disso, os intelectuais que eram considerados uma ameaça ao regime eram perseguidos e, em alguns casos, enterrados vivos, a fim de consolidar seu poder e promover uma ideologia centralizada.
Qin Shi Huang é frequentemente retratado como um governante controverso, cujo reinado foi caracterizado por um equilíbrio entre grandeza e tirania. Sua influência duradoura na história e cultura chinesas é inegável, e sua figura continua a fascinar estudiosos e admiradores até os dias de hoje.-Em 29 de março de 1974, um dos mais extraordinários tesouros arqueológicos da história foi descoberto: o Exército de Terracota. Essas impressionantes esculturas de terracota representam os exércitos do primeiro imperador da China, Qin Shi Huang, e remontam ao final do século III a.C.
A descoberta do Exército de Terracota foi um marco histórico que revelou a grandiosidade e a sofisticação da antiga civilização chinesa. Essas esculturas, meticulosamente esculpidas à mão, retratam soldados, cavalos, carruagens e armas em tamanho real, testemunhando a magnitude do poder imperial de Qin Shi Huang.
Ao longo dos anos, o Exército de Terracota tornou-se não apenas uma maravilha arqueológica, mas também um símbolo de orgulho nacional e uma atração turística de renome mundial. Sua descoberta continua a fascinar e inspirar pessoas de todo o mundo, oferecendo um vislumbre extraordinário da rica história e cultura da China antiga.
Imagem:
O primeiro poço, com 230 metros (750 pés) de comprimento e 62 metros (203 pés) de largura, contém o exército principal de mais de 6.000 figuras.
O poço um tem 11 corredores, a maioria dos quais com mais de 3 metros (9,8 pés) de largura e pavimentados com pequenos tijolos com teto de madeira sustentado por grandes vigas e postes.
Este projeto também foi usado para tumbas de nobres e teria se assemelhado aos corredores do palácio quando construído. Os tetos de madeira foram cobertos com esteiras de junco e camadas de argila para impermeabilização e, em seguida, amontoados com mais terra, elevando-os cerca de 2 a 3 metros (6 pés 7 pol. a 9 pés 10 pol.) acima do nível do solo circundante quando concluídos. (cc) Wikipédia
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"Today, we celebrate the World Theatre Day! "
Let's celebrate the power of theater to connect us deeply with ourselves and the world around us.
The statements you provide highlight the importance of theater as a means of expression and harmonization of the human experience. Charles Koun attributes to art the quality of divinity, portraying it as a source of inspiration and flourishing expression for the artist. With this perspective, theater becomes a field of creative liberation and projection of the human soul.
On the other hand, Mojtina Jurcer's statement attributes a different dimension to theater. Here, theater is not merely a superficial experience, but a means for self-deepening and enrichment of the audience. It is a process of evolution and enrichment, aimed at creating a rich and integral culture.
Both statements capture the uniqueness of theater as a medium, connecting human experience with expression, richness, and development.
"Both statements beautifully encapsulate the essence of theater as more than just a form of entertainment. They highlight its role as a profound medium that intertwines human experience with expression, richness, and personal development. Theater isn't just about watching; it's about experiencing, feeling, and growing. Let's celebrate the power of theater to connect us deeply with ourselves and the world around us.
"Today, we celebrate the World Theatre Day! " It's a time to honor the magic of the stage, the power of storytelling, and the transformative impact of theater in our lives. Whether as actors, directors, playwrights, or audience members, we're all connected by the shared experience of theater. Let's cherish this vibrant art form that brings us joy, provokes thought, and fosters empathy. Happy World Theatre Day to all theatre lovers around the globe!
colaboração: Νεκτάριος Ζαρκαδούλας
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“Hoje celebramos o Dia Mundial do Teatro!”
Vamos celebrar o poder do teatro para nos conectar profundamente com nós mesmos e com o mundo que nos rodeia.
As declarações que você fornece destacam a importância do teatro como meio de expressão e harmonização da experiência humana. Charles Koun atribui à arte a qualidade da divindade, retratando-a como fonte de inspiração e expressão florescente para o artista. Com esta perspectiva, o teatro torna-se um campo de libertação criativa e de projeção da alma humana.
Por outro lado, a afirmação de Mojtina Jurcer atribui uma dimensão diferente ao teatro. Aqui, o teatro não é apenas uma experiência superficial, mas um meio de autoaprofundamento e enriquecimento do público. É um processo de evolução e enriquecimento, que visa a criação de uma cultura rica e integral.
Ambas as declarações captam a singularidade do teatro como meio, conectando a experiência humana com expressão, riqueza e desenvolvimento.
"Ambas as declarações resumem lindamente a essência do teatro como mais do que apenas uma forma de entretenimento. Elas destacam seu papel como um meio profundo que entrelaça a experiência humana com expressão, riqueza e desenvolvimento pessoal. Teatro não é apenas assistir; é experimentar , sentindo e crescendo. Vamos celebrar o poder do teatro em nos conectar profundamente com nós mesmos e com o mundo ao nosso redor.
“Hoje celebramos o Dia Mundial do Teatro!” É um momento para homenagear a magia do palco, o poder da narrativa e o impacto transformador do teatro em nossas vidas. Seja como atores, diretores, dramaturgos ou membros do público, estamos todos conectados pela experiência compartilhada do teatro. Vamos valorizar esta forma de arte vibrante que nos traz alegria, provoca reflexão e estimula a empatia. Feliz Dia Mundial do Teatro para todos os amantes do teatro ao redor do mundo!
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The stone relief of a man holding an ibex, dating from 713–706 BC, is a fascinating work of art dating back to the period of ancient Assyria.
It is part of the cultural heritage of the Palace of the Assyrian King Sargon II, located in Dur Sharrukin, in the current northern region of Iraq, close to the city of Khorsabad.
This stone relief is a stunning representation of the artistic skill and iconography of the time. It depicts a man standing, holding an ibex in his hands. The ibex is a species of antelope from the region, and its representation in this relief probably has specific symbolic and cultural meanings within the Assyrian context.
The precision of the details and the artistic expression captured in the relief reveal not only the talent of the sculptor, but also the importance of animals in the iconography and everyday life of ancient civilizations. Furthermore, this relief serves as a valuable testimony to the rich history and artistic sophistication of the Assyrian civilization.
However, it is important to recognize that works of art like this can also raise questions about the provenance and context of their acquisition. With growing awareness about the protection of cultural heritage and the need to repatriate historical artifacts to their countries of origin, it is important to consider the ethical and legal significance behind the display and study of such works of art.
by: Eliza Mota source: https://encurtador.com.br/dlwIX
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O relevo em pedra de um homem segurando um íbex, datado de 713–706 a.C., é uma obra de arte fascinante que remonta ao período da antiga Assíria.
Ele faz parte do patrimônio cultural do Palácio do Rei Assírio Sargão II, localizado em Dur Sharrukin, na atual região norte do Iraque, próximo à cidade de Khorsabad.
Este relevo em pedra é uma representação impressionante da habilidade artística e da iconografia da época. Ele retrata um homem em pé, segurando um íbex com suas mãos. O íbex é uma espécie de antílope da região, e sua representação neste relevo provavelmente tem significados simbólicos e culturais específicos dentro do contexto assírio.
A precisão dos detalhes e a expressão artística capturada no relevo revelam não apenas o talento do escultor, mas também a importância dos animais na iconografia e na vida cotidiana das civilizações antigas. Além disso, este relevo serve como um testemunho valioso da rica história e da sofisticação artística da civilização assíria.
No entanto, é importante reconhecer que obras de arte como esta também podem levantar questões sobre a proveniência e o contexto de sua aquisição. Com a crescente conscientização sobre a proteção do patrimônio cultural e a necessidade de repatriar artefatos históricos aos seus países de origem, é importante considerar o significado ético e legal por trás da exibição e do estudo de tais obras de arte.
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Bukhara is a historic city located in Central Asia, in present-day Uzbekistan, known for its rich cultural and architectural heritage. The "Beauty of Bukhara" is an expression that captures the extraordinary atmosphere of this city, full of historical monuments, narrow alleys and traditional markets dating back centuries of history.
Bukhara's beauty lies in its stunning architecture, with majestic minarets, ornate madrassas (Islamic religious schools), ancient mosques, and ornate palaces. Many of these buildings date back to the Middle Ages and reflect the splendor of the Silk Road, an ancient trade route that passed through the region and brought cultural richness and diversity to Bukhara.
In addition to its magnificent architecture, Bukhara's beauty also lies in its unique and enchanting atmosphere. The bustling markets, traditional cafes and local artisans contribute to the city's vitality and authenticity. Visitors are captivated by the sounds, smells and vibrant colors that permeate the streets of Bukhara, providing a truly immersive experience into the region's culture and history.
Furthermore, the beauty of Bukhara also lies in its rich cultural heritage, which is reflected in its traditions, customs, music and cuisine. Locals are known for their warm hospitality and preserving the city's ancient traditions, making Bukhara a truly captivating destination for travelers looking for a unique and enriching experience.
In short, the "Beauty of Bukhara" is a combination of its stunning architecture, enchanting atmosphere and rich cultural heritage, which makes this city a precious jewel in the heart of Central Asia.
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"Gernica" 1937 - Pablo Picasso
"Gernica" is one of Spanish painter Pablo Picasso's most famous works of art, created in 1937 in response to the bombing of the Basque city of Gernica during the Spanish Civil War.
This monumental black and white mural painting is a powerful and moving representation of the horrors of war and the suffering inflicted on civilian victims.
The work is characterized by its chaotic and symbolic composition, in which human figures, animals and objects are distorted and fragmented, conveying a feeling of despair and anguish. The bull, the horse and the mother with her dead son are some of the central figures that have become icons of human suffering in times of war.
The limited color palette of black, white and gray adds additional impact to the work, emphasizing the dark and tragic nature of the event depicted. Furthermore, Picasso's cubist style, characterized by the representation of objects and shapes from multiple simultaneous points of view, contributes to the feeling of chaos and disorder in the painting.
"Gernica" became an enduring symbol of the brutality of war and the need for peace and reconciliation. After the conclusion of the Spanish Civil War, the painting toured the world in traveling exhibitions, helping to raise awareness of the horrors of the conflict and inspiring pacifist movements.
Today, "Gernica" is permanently displayed at the Reina Sofía Museum in Madrid, where it continues to attract visitors from around the world and provoke reflections on the devastating impacts of war on humanity.
Oil on canvas
Movement
Cubism, Surrealism
Dimensions
349.3 cm × 776.6 cm (137.4 inches × 305.5 inches
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"Gernica" 1937 - Pablo Picasso
"Gernica" é uma das obras de arte mais famosas do pintor espanhol Pablo Picasso, criada em 1937 em resposta ao bombardeio da cidade basca de Gernica durante a Guerra Civil Espanhola.
Esta monumental pintura mural em preto e branco é uma representação poderosa e comovente dos horrores da guerra e dos sofrimentos infligidos às vítimas civis.
A obra é caracterizada por sua composição caótica e simbólica, na qual figuras humanas, animais e objetos são distorcidos e fragmentados, transmitindo uma sensação de desespero e angústia. O touro, o cavalo e a mãe com seu filho morto são algumas das figuras centrais que se tornaram ícones do sofrimento humano em tempos de guerra.
A paleta de cores limitada a preto, branco e cinza adiciona um impacto adicional à obra, enfatizando a natureza sombria e trágica do evento retratado. Além disso, o estilo cubista de Picasso, caracterizado pela representação de objetos e formas a partir de múltiplos pontos de vista simultâneos, contribui para a sensação de caos e desordem na pintura.
"Gernica" tornou-se um símbolo duradouro da brutalidade da guerra e da necessidade de paz e reconciliação. Após a conclusão da Guerra Civil Espanhola, a pintura percorreu o mundo em exposições itinerantes, ajudando a conscientizar sobre os horrores do conflito e inspirando movimentos pacifistas.
Hoje, "Gernica" é exibida permanentemente no Museu Reina Sofía, em Madrid, onde continua a atrair visitantes de todo o mundo e a provocar reflexões sobre os impactos devastadores da guerra na humanidade.
Óleo sobre tela
Movimento
Cubismo, Surrealismo
Dimensões
349,3 cm × 776,6 cm (137,4 polegadas × 305,5 polegadas
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Norwegian Aviation Museum.
Norsk Luftfartsmuseum is the Norwegian national museum of aviation. The museum is located in Bodø in the North of Norway in a building shaped like a giant propeller, and covers military and civil aviation history.
The museum is spread over roughly 10,000 square metres of floor space.
The Norwegian Aviation Museum was opened by King Harald on 15 May 1994. The museum was established thanks to the tireless dedication of a group of aviation enthusiasts in Bodø, who, over many years, had collected and restored old historical aircraft.
Following a political tug-of-war concerning the location and scope of a national aviation museum, a decision was finally made to establish the museum in Bodø, the city of flight.
In addition to exhibits, the museum also has a library, archives, photographs, artefact magazines and a workshop for aircraft restoration.
THE EXHIBITIONS WERE REALIZED THROUGH A COLLABORATION BETWEEN THE NORWEGIAN AVIATION MUSEUM, THE NORWEGIAN AIR FORCE MUSEUM AND AVINOR MUSEUM.
Three museums in one
The Norwegian Air Force Museum has its primary exhibits of aircraft and military aviation history at the Norwegian Aviation Museum.
The building has two separate sections, where one showcases civil aviation history and the other military.
AVINOR Museum also has a separate division and exhibit here.
Together, these three museums represent the history of aviation from its very beginning, with the first pioneer aviators and their achievements, to today’s jet aircraft.
source: www.luftfartsmuseum.no/
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Museu da Aviação Norueguesa.
Norsk Luftfartsmuseum é o museu nacional norueguês da aviação.
O museu está localizado em Bodø, no norte da Noruega, num edifício em forma de hélice gigante, e abrange a história da aviação militar e civil.
O museu está distribuído por cerca de 10.000 metros quadrados de área útil. O Museu da Aviação Norueguesa foi inaugurado pelo Rei Harald em 15 de maio de 1994.
O museu foi criado graças à dedicação incansável de um grupo de entusiastas da aviação em Bodø, que, ao longo de muitos anos, colecionaram e restauraram antigas aeronaves históricas.
Após um cabo de guerra político relativamente à localização e âmbito de um museu nacional de aviação, foi finalmente tomada a decisão de estabelecer o museu em Bodø, a cidade do voo.
Além das exposições, o museu conta ainda com biblioteca, arquivo, fotografias, revistas de artefatos e oficina de restauração de aeronaves.
AS EXPOSIÇÕES FORAM REALIZADAS ATRAVÉS DE UMA COLABORAÇÃO ENTRE O MUSEU DA AVIAÇÃO NORUEGUESA, O MUSEU DA FORÇA AÉREA NORUEGUESA E O MUSEU AVINOR.
Três museus em um O Museu da Força Aérea Norueguesa tem suas principais exposições de história de aeronaves e aviação militar no Museu da Aviação Norueguesa.
O edifício tem duas seções separadas, onde uma mostra a história da aviação civil e a outra militar.
O Museu AVINOR também tem uma divisão e exposição separada aqui. Juntos, esses três museus representam a história da aviação desde o seu início, com os primeiros aviadores pioneiros e suas conquistas, até os aviões a jato de hoje.
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