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Diego Ricol
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Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol recomienda: Spectre, una nueva aplicación para hacer largas exposiciones con el teléfono móvil
La fotografía de larga exposición es uno de los hitos fotográficos más perseguidos. Todos queremos conseguir estelas de estrellas como las de la fotografía que abre el artículo, de coches por la noche o conseguir que las ciudades parezcan fantasmas. Hasta ahora solo era posible con cámaras con control manual. Pero acaban de presentar Spectre, una aplicación para iPhone que permite hacer largas exposiciones incluso sin trípode.
Uno de los grandes placeres que tenemos los fotógrafos es montar nuestra querida cámara en el trípode, calcular la exposición, cerrar el diafragma y dejar que se grabe en el sensor el paso del tiempo. Y si deja rastros mucho mejor. Ahora incluso se ha puesto de moda el uso de los filtros de densidad neutra para hacer largas exposiciones incluso a las 12 del mediodía.
Por este motivo seguro que va a tener gran éxito la nueva aplicación Spectre, de los mismos autores que la popular aplicación Halide. Según promete en la publicidad permite recrear, gracias a la inteligencia artificial (IA), el aspecto de las fotografías de larga exposición. ¿Cómo lo hace? Pues como lo hacemos los que algunas veces no tenemos a mano un trípode o no compramos un equipo completo de filtros de densidad neutra: activamos el motor de la cámara y tomamos decenas de fotografías en un lapso de tiempo corto.
Y luego las montamos con ayuda de Adobe Photoshop y sus famosos modos de apilamiento.
Lo bueno es que Spectre lo hace por nosotros automáticamente. Y sin trípode. Si utiliza el método que hemos señalado con Photoshop, incluso podría eliminar el ruido automáticamente, lo que convertiría a esta aplicación en algo muy interesante y podría acercarse a la calidad que tiene el famoso Google Pixel.
Una aplicación para conseguir fotografías de larga exposición
Las posibilidades son infinitas. Desde eliminar a los turistas de las calles, conseguir el efectos seda en el agua o registrar el paso de los aviones, por ejemplo. Si lees la publicidad parece poco menos que una herramienta mágica:
El obturador computacional inteligente de Spectre toma cientos de disparos en un lapso de varios segundos, optimizando constantemente la exposición para evitar subexponerlas.
Calcula una exposición, imagino que evitando que las luces altas se quemen, y toma tantas fotografías como sean necesarias para hacer desaparecer los objetos o aumentar el tamaño de las estelas, según estemos trabajando de día o de noche. El misterio es cómo compensa la trepidación. Y por qué se queda en los 9 segundos como máximo.
Según hemos podido leer en los comentarios de la App Store no es oro todo lo que reluce. Y los propios creadores de la aplicación reconocen que es así. De hecho ya han presentado una actualización que corrige los problemas de estabilización. Y es normal. Imagino que si colocamos el teléfono en una superficie estable los resultado serán mucho mejores.
En principio es compatible con iOS 12 y compatible con todas estas versiones del popular teléfono: iPhone SE, iPhone 6s, iPhone 7 iPhone 8, iPhone 8 Plus, iPhone X, iPhone XS, iPhone XS Max y iPhone XR. Eso sí, con el iPhone 6 parece que la resolución es mucho menor.
La aplicación cuesta 2,29€ y por ahora no está previsto que sea compatible para los usuarios de Android. Así que nos toca esperar o sacar del armario a nuestro trípode para colocar una cámara y disfrutar con las largas exposiciones.
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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol recomienda: Spectre, una nueva aplicación para hacer largas exposiciones con el teléfono móvil
La fotografía de larga exposición es uno de los hitos fotográficos más perseguidos. Todos queremos conseguir estelas de estrellas como las de la fotografía que abre el artículo, de coches por la noche o conseguir que las ciudades parezcan fantasmas. Hasta ahora solo era posible con cámaras con control manual. Pero acaban de presentar Spectre, una aplicación para iPhone que permite hacer largas exposiciones incluso sin trípode.
Uno de los grandes placeres que tenemos los fotógrafos es montar nuestra querida cámara en el trípode, calcular la exposición, cerrar el diafragma y dejar que se grabe en el sensor el paso del tiempo. Y si deja rastros mucho mejor. Ahora incluso se ha puesto de moda el uso de los filtros de densidad neutra para hacer largas exposiciones incluso a las 12 del mediodía.
Por este motivo seguro que va a tener gran éxito la nueva aplicación Spectre, de los mismos autores que la popular aplicación Halide. Según promete en la publicidad permite recrear, gracias a la inteligencia artificial (IA), el aspecto de las fotografías de larga exposición. ¿Cómo lo hace? Pues como lo hacemos los que algunas veces no tenemos a mano un trípode o no compramos un equipo completo de filtros de densidad neutra: activamos el motor de la cámara y tomamos decenas de fotografías en un lapso de tiempo corto.
Y luego las montamos con ayuda de Adobe Photoshop y sus famosos modos de apilamiento.
Lo bueno es que Spectre lo hace por nosotros automáticamente. Y sin trípode. Si utiliza el método que hemos señalado con Photoshop, incluso podría eliminar el ruido automáticamente, lo que convertiría a esta aplicación en algo muy interesante y podría acercarse a la calidad que tiene el famoso Google Pixel.
Una aplicación para conseguir fotografías de larga exposición
Las posibilidades son infinitas. Desde eliminar a los turistas de las calles, conseguir el efectos seda en el agua o registrar el paso de los aviones, por ejemplo. Si lees la publicidad parece poco menos que una herramienta mágica:
El obturador computacional inteligente de Spectre toma cientos de disparos en un lapso de varios segundos, optimizando constantemente la exposición para evitar subexponerlas.
Calcula una exposición, imagino que evitando que las luces altas se quemen, y toma tantas fotografías como sean necesarias para hacer desaparecer los objetos o aumentar el tamaño de las estelas, según estemos trabajando de día o de noche. El misterio es cómo compensa la trepidación. Y por qué se queda en los 9 segundos como máximo.
Según hemos podido leer en los comentarios de la App Store no es oro todo lo que reluce. Y los propios creadores de la aplicación reconocen que es así. De hecho ya han presentado una actualización que corrige los problemas de estabilización. Y es normal. Imagino que si colocamos el teléfono en una superficie estable los resultado serán mucho mejores.
En principio es compatible con iOS 12 y compatible con todas estas versiones del popular teléfono: iPhone SE, iPhone 6s, iPhone 7 iPhone 8, iPhone 8 Plus, iPhone X, iPhone XS, iPhone XS Max y iPhone XR. Eso sí, con el iPhone 6 parece que la resolución es mucho menor.
La aplicación cuesta 2,29€ y por ahora no está previsto que sea compatible para los usuarios de Android. Así que nos toca esperar o sacar del armario a nuestro trípode para colocar una cámara y disfrutar con las largas exposiciones.
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Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol recomienda: Ganadores Premios UnionWep 2019 concurso fotografía bodas
En varias ocasiones os hemos hablado de UnionWep, una plataforma nacida en 2009 para dignificar el sector de la fotografía de bodas y que agrupa a los mejores fotógrafos y videógrafos del ramo. También os contamos que todos los años celebran su propio concurso, los Premios UnionWep, cuyos galardones acaban de ser entregados en el marco del festival de fotografía social Photo Forum Barcelona 2019.
Se trata de unos premios que suponen “el sello de calidad que certifica a fotógrafos y videógrafos de bodas bajo criterios de seriedad y profesionalidad”. Unos galardones que, siempre según sus organizadores, tienen “una gran relevancia tanto nacional como internacional que pone de manifiesto la enorme calidad del trabajo que videógrafos y fotógrafos realizan, premiando su trayectoria y proyectos” y suponiendo “un trampolín para darse a conocer entre los futuros novios”.
Foto de Valentín Gamiz, finalista en los los Premios UnionWep 2019
El premio principal es el de “Fotógrafo del Año UnionWep 2019” y cuyo ganador fue elegido de entre una lista con 15 finalistas “entre los que figuraban grandísimos profesionales de la fotografía”. El ganador en este caso ha sido Daniel Alonso de People Truelove Tellers que también se llevó el título de la “Boda Mejor Contada”.
Por su parte, Víctor Lax (de quien os hablamos hace muy poco) se hizo con el segundo puesto general e Iñaki Lungaran quedó en tercera posición. Además, hubo un premio especial de reconocimiento a la trayectoria de Mary Guillén.
Os dejamos con las imágenes ganadoras más una selección de finalistas de las seis categorías a concurso (‘Blanco y Negro’, ‘Preparativos’, ‘Ceremonia’, ‘Estilo fotoperiodista’, ‘Sesión de pareja’, ‘Detalles y bellos momentos’, ‘Celebración’ y ‘Retratos’) para que os deleitéis la vista y, como siempre, recomendamos la visita a la web para ver más estupendas fotos.
Fotógrafo del Año UnionWep 2019 y ‘Boda Mejor Contada’
Daniel Alonso (de People Truelove Tellers):
Subcampeón: Víctor Lax:
Tercer puesto: Iñaki Lungaran:
Finalistas en los Premios UnionWep:
Miguel Gil
José Ignacio (Fotoinstantes)
Dani Mantis
Rocío Vega
Gabriel Monsa
Dave Casanova
Alejandro Mármol
José Mosquera
Gorka (Pixelart)
Cesareo Larrosa
Pepe Faraldo
Alfonso Novo (Emoverestudios)
Reyes (Júpiter Fotografía)
Tony Limeres
Noelia Jiménez
Víctor (El Marco rojo)
Más información y fotos | UnionWep
Foto de portada | De Keko Ranel, finalista en los Premios UnionWep 2019
Compartir Estas son los mejores fotos de boda del último año según los premios UnionWep 2019
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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol recomienda: Ganadores Premios UnionWep 2019 concurso fotografía bodas
En varias ocasiones os hemos hablado de UnionWep, una plataforma nacida en 2009 para dignificar el sector de la fotografía de bodas y que agrupa a los mejores fotógrafos y videógrafos del ramo. También os contamos que todos los años celebran su propio concurso, los Premios UnionWep, cuyos galardones acaban de ser entregados en el marco del festival de fotografía social Photo Forum Barcelona 2019.
Se trata de unos premios que suponen “el sello de calidad que certifica a fotógrafos y videógrafos de bodas bajo criterios de seriedad y profesionalidad”. Unos galardones que, siempre según sus organizadores, tienen “una gran relevancia tanto nacional como internacional que pone de manifiesto la enorme calidad del trabajo que videógrafos y fotógrafos realizan, premiando su trayectoria y proyectos” y suponiendo “un trampolín para darse a conocer entre los futuros novios”.
Foto de Valentín Gamiz, finalista en los los Premios UnionWep 2019
El premio principal es el de “Fotógrafo del Año UnionWep 2019” y cuyo ganador fue elegido de entre una lista con 15 finalistas “entre los que figuraban grandísimos profesionales de la fotografía”. El ganador en este caso ha sido Daniel Alonso de People Truelove Tellers que también se llevó el título de la “Boda Mejor Contada”.
Por su parte, Víctor Lax (de quien os hablamos hace muy poco) se hizo con el segundo puesto general e Iñaki Lungaran quedó en tercera posición. Además, hubo un premio especial de reconocimiento a la trayectoria de Mary Guillén.
Os dejamos con las imágenes ganadoras más una selección de finalistas de las seis categorías a concurso (‘Blanco y Negro’, ‘Preparativos’, ‘Ceremonia’, ‘Estilo fotoperiodista’, ‘Sesión de pareja’, ‘Detalles y bellos momentos’, ‘Celebración’ y ‘Retratos’) para que os deleitéis la vista y, como siempre, recomendamos la visita a la web para ver más estupendas fotos.
Fotógrafo del Año UnionWep 2019 y ‘Boda Mejor Contada’
Daniel Alonso (de People Truelove Tellers):
Subcampeón: Víctor Lax:
Tercer puesto: Iñaki Lungaran:
Finalistas en los Premios UnionWep:
Miguel Gil
José Ignacio (Fotoinstantes)
Dani Mantis
Rocío Vega
Gabriel Monsa
Dave Casanova
Alejandro Mármol
José Mosquera
Gorka (Pixelart)
Cesareo Larrosa
Pepe Faraldo
Alfonso Novo (Emoverestudios)
Reyes (Júpiter Fotografía)
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Noelia Jiménez
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Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol recomienda: 3 Consejos Para Que El Protagonista De Tus Imágenes Destaque Sobre El Fondo
La composición es un apartado que puede resultar muy sencillo y al mismo tiempo tremendamente complejo, sobre todo si nos encontramos ante una escena en la que existen múltiples elementos que pueden robar protagonismo al actor principal de la imagen.
En estas condiciones, para centrar la atención sobre un determinado elemento, una de los primeros consejos que suelo dar y que constituye también una de las máximas fotográficas es la de “rellenar el encuadre” con el sujeto deseado.
Sin embargo, a veces es difícil rellenar el encuadre, o puede no interesarnos. En esas ocasiones, existen otras armas que poder utilizar para destacar al sujeto de tus fotografías. En el artículo de hoy voy a hablarte de 3 consejos muy útiles para este fin.
#1 Consigue Que Fondo Y Sujeto Tengan Una Diferencia Lumínica Amplia
Cuando encuentras un fondo oscuro y ajustas tu cámara para que el sujeto quede bien expuesto, el resultado suele ser muy atractivo y resulta fácil dirigir la mirada de quien observa la fotografía hacia el sujeto.
Esta técnica -la de conseguir fondos oscuros-, es muy potente y, cuando además buscamos retratos en blanco y negro, permite que las imágenes cobren gran fuerza.
Fotografía en clave baja.
Si dispones ya de un fondo oscuro, zonas amplias en sombra, o espacios en los que no haya incidencia de luz, perfecto. Sólo necesitarás que haya un poco de luz sobre tu sujeto para acrecentar aún más la oscuridad del fondo.
Aunque si no tienes una escena muy propicia, recuerda que tú puedes crear tu fondo oscuro con los ajustes adecuados en tu cámara –medición puntual sobre el rostro, básicamente- y utilizando fuentes de luz que sólo, o principalmente, actúen sobre el sujeto. ¿No sabes cómo conseguirlo? Tranquilo, aquí puedes aprender a lograr fondos oscuros para tus composiciones.
¡Ojo! Un Fondo Claro También Funciona de Fábula
Siguiendo el mismo método descrito anteriormente, esto es, exponer sobre nuestro sujeto mediante medición puntual, también podemos lograr magníficos resultados cuando contemos con un fondo que esté mucho más iluminado que nuestro protagonista.
Eso sí, es muy importante que el sujeto esté suficientemente retirado del fondo y no haya demasiada incidencia directa de luz sobre él, puesto que si no es así, la medición sería mucho más complicada y podría ser difícil que no apareciesen zonas de su rostro sobreexpuesta, del mismo modo que lo estará el fondo.
<![CDATA[.dzsense img.dz-dzsense-vert { display:none; } @media only screen and (max-width: 500px) { .dzsense img.dz-dzsense-hor { display:none; } .dzsense img.dz-dzsense-vert { display:block; } }]]>
#2 Utiliza Una Profundidad De Campo Reducida Para Destacar A Tu Sujeto
Si cuentas con un objetivo luminoso, este consejo te resultará muy fácil de aplicar, porque basta con conocer los parámetros de los que depende la profundidad de campo y utilizarlos según tus necesidades.
Todavía recuerdo cuando compré mi Nikon 50mm f/1.4, el primer focal fija con que hice crecer mi equipo, y las posibilidades en términos de reducción de profundidad de campo que me ofrecía esta lente. Si no tienes un 50mm, aquí tienes 10 razones por las que deberías hacerte con uno.
Fotografía de retrato realizada con un objetivo Nikon 50mm f/1.4, sobre una cámara Nikon D7000 (DX) y con una apertura de f/2.8. La suma de focal larga (teniendo en cuenta el factor de recorte), más apertura amplia, más cercanía al sujeto y distancia entre éste y el fondo, hacen que el fondo aparezca completamente desenfocado.
Gracias al uso de profundidades de campo tan limitadas, es fácil aislar al sujeto y destacarlo del fondo, incluso en fondos en los que hay múltiples elementos. Para ello, basta con emplear una apertura amplia.
No obstante, recuerda que además de la apertura, puedes también utilizar una focal larga, o bien reducir la distancia entre la cámara y el plano de enfoque para conseguir limitar la profundidad de campo.
En lo que respecta a la separación entre plano de enfoque y fondo, cuanta mayor sea la distancia entre el sujeto principal y los elementos del fondo, mayor será el nivel de desenfoque que éstos últimos presenten y, por tanto, menor será la distracción que originen sobre quien observa la imagen.
Fotografía de retrato realizada con un Nikon 50mm f/1.4, sobre Nikon D750 (FX) y con una apertura de f/4. En este caso, el desenfoque del fondo se debe en mayor medida a la distancia entre éste y el plano de enfoque.
Eso sí, utilizar una profundidad de campo reducida puede originarte problemas si no eres preciso en la definición del plano de enfoque, así que a veces es preferible utilizar una profundidad no tan limitada y, sobre todo, ser muy cuidadoso a la hora de enfocar.
#3 Varía La Toma Desplazándote En Torno Al Sujeto
Si no es posible destacar a tu sujeto con ninguno de los consejos anteriores, o aplicándolos crees que no es suficiente, es momento de moverse e intentar otra cosa.
Desplázate alrededor de tu protagonista y presta atención a cómo cambia el fondo de la fotografía. Este movimiento puede venir acompañado de un cambio de plano, o un ángulo diferente.
Fotografía de retrato realizada con un ángulo picado, a través del que se presenta un fondo poco habitual de hierba, pero que ofrece un magnífico contraste con el sujeto.
Al buscar un cambio, no pienses sólo en tu sujeto, también es fundamental que observes y trabajes el fondo y te cerciores de que no distraerá al espectador y de que ayudará a centrar la atención sobre el sujeto y a complementarlo.
Existen Otras Alternativas
Aunque te he presentado las tres principales vías para lograr que tu sujeto domine tus fotografías, existen otros métodos que también pueden ayudarte en esta meta: busca el contraste cromático o en términos de saturación, rompe patrones, etc.
¿Y tú cómo lo consigues?, ¿cómo haces que tu sujeto destaque? Seguro que tienes algún consejo que darnos a este respecto y que podamos contar con otras alternativas además de las descritas.
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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol recomienda: 3 Consejos Para Que El Protagonista De Tus Imágenes Destaque Sobre El Fondo
La composición es un apartado que puede resultar muy sencillo y al mismo tiempo tremendamente complejo, sobre todo si nos encontramos ante una escena en la que existen múltiples elementos que pueden robar protagonismo al actor principal de la imagen.
En estas condiciones, para centrar la atención sobre un determinado elemento, una de los primeros consejos que suelo dar y que constituye también una de las máximas fotográficas es la de “rellenar el encuadre” con el sujeto deseado.
Sin embargo, a veces es difícil rellenar el encuadre, o puede no interesarnos. En esas ocasiones, existen otras armas que poder utilizar para destacar al sujeto de tus fotografías. En el artículo de hoy voy a hablarte de 3 consejos muy útiles para este fin.
#1 Consigue Que Fondo Y Sujeto Tengan Una Diferencia Lumínica Amplia
Cuando encuentras un fondo oscuro y ajustas tu cámara para que el sujeto quede bien expuesto, el resultado suele ser muy atractivo y resulta fácil dirigir la mirada de quien observa la fotografía hacia el sujeto.
Esta técnica -la de conseguir fondos oscuros-, es muy potente y, cuando además buscamos retratos en blanco y negro, permite que las imágenes cobren gran fuerza.
Fotografía en clave baja.
Si dispones ya de un fondo oscuro, zonas amplias en sombra, o espacios en los que no haya incidencia de luz, perfecto. Sólo necesitarás que haya un poco de luz sobre tu sujeto para acrecentar aún más la oscuridad del fondo.
Aunque si no tienes una escena muy propicia, recuerda que tú puedes crear tu fondo oscuro con los ajustes adecuados en tu cámara –medición puntual sobre el rostro, básicamente- y utilizando fuentes de luz que sólo, o principalmente, actúen sobre el sujeto. ¿No sabes cómo conseguirlo? Tranquilo, aquí puedes aprender a lograr fondos oscuros para tus composiciones.
¡Ojo! Un Fondo Claro También Funciona de Fábula
Siguiendo el mismo método descrito anteriormente, esto es, exponer sobre nuestro sujeto mediante medición puntual, también podemos lograr magníficos resultados cuando contemos con un fondo que esté mucho más iluminado que nuestro protagonista.
Eso sí, es muy importante que el sujeto esté suficientemente retirado del fondo y no haya demasiada incidencia directa de luz sobre él, puesto que si no es así, la medición sería mucho más complicada y podría ser difícil que no apareciesen zonas de su rostro sobreexpuesta, del mismo modo que lo estará el fondo.
<![CDATA[.dzsense img.dz-dzsense-vert { display:none; } @media only screen and (max-width: 500px) { .dzsense img.dz-dzsense-hor { display:none; } .dzsense img.dz-dzsense-vert { display:block; } }]]>
#2 Utiliza Una Profundidad De Campo Reducida Para Destacar A Tu Sujeto
Si cuentas con un objetivo luminoso, este consejo te resultará muy fácil de aplicar, porque basta con conocer los parámetros de los que depende la profundidad de campo y utilizarlos según tus necesidades.
Todavía recuerdo cuando compré mi Nikon 50mm f/1.4, el primer focal fija con que hice crecer mi equipo, y las posibilidades en términos de reducción de profundidad de campo que me ofrecía esta lente. Si no tienes un 50mm, aquí tienes 10 razones por las que deberías hacerte con uno.
Fotografía de retrato realizada con un objetivo Nikon 50mm f/1.4, sobre una cámara Nikon D7000 (DX) y con una apertura de f/2.8. La suma de focal larga (teniendo en cuenta el factor de recorte), más apertura amplia, más cercanía al sujeto y distancia entre éste y el fondo, hacen que el fondo aparezca completamente desenfocado.
Gracias al uso de profundidades de campo tan limitadas, es fácil aislar al sujeto y destacarlo del fondo, incluso en fondos en los que hay múltiples elementos. Para ello, basta con emplear una apertura amplia.
No obstante, recuerda que además de la apertura, puedes también utilizar una focal larga, o bien reducir la distancia entre la cámara y el plano de enfoque para conseguir limitar la profundidad de campo.
En lo que respecta a la separación entre plano de enfoque y fondo, cuanta mayor sea la distancia entre el sujeto principal y los elementos del fondo, mayor será el nivel de desenfoque que éstos últimos presenten y, por tanto, menor será la distracción que originen sobre quien observa la imagen.
Fotografía de retrato realizada con un Nikon 50mm f/1.4, sobre Nikon D750 (FX) y con una apertura de f/4. En este caso, el desenfoque del fondo se debe en mayor medida a la distancia entre éste y el plano de enfoque.
Eso sí, utilizar una profundidad de campo reducida puede originarte problemas si no eres preciso en la definición del plano de enfoque, así que a veces es preferible utilizar una profundidad no tan limitada y, sobre todo, ser muy cuidadoso a la hora de enfocar.
#3 Varía La Toma Desplazándote En Torno Al Sujeto
Si no es posible destacar a tu sujeto con ninguno de los consejos anteriores, o aplicándolos crees que no es suficiente, es momento de moverse e intentar otra cosa.
Desplázate alrededor de tu protagonista y presta atención a cómo cambia el fondo de la fotografía. Este movimiento puede venir acompañado de un cambio de plano, o un ángulo diferente.
Fotografía de retrato realizada con un ángulo picado, a través del que se presenta un fondo poco habitual de hierba, pero que ofrece un magnífico contraste con el sujeto.
Al buscar un cambio, no pienses sólo en tu sujeto, también es fundamental que observes y trabajes el fondo y te cerciores de que no distraerá al espectador y de que ayudará a centrar la atención sobre el sujeto y a complementarlo.
Existen Otras Alternativas
Aunque te he presentado las tres principales vías para lograr que tu sujeto domine tus fotografías, existen otros métodos que también pueden ayudarte en esta meta: busca el contraste cromático o en términos de saturación, rompe patrones, etc.
¿Y tú cómo lo consigues?, ¿cómo haces que tu sujeto destaque? Seguro que tienes algún consejo que darnos a este respecto y que podamos contar con otras alternativas además de las descritas.
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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol recomienda: Un nuevo objetivo de efecto descentrable para cambiar el foco al mundo
Los objetivos y accesorios de efectos pueden generar elementos sobre nuestras fotografías que las hacen especiales y llamativas. Los objetivos descentrables tienen la especialidad de jugar con el punto de enfoque de la imagen. En esta ocasión, Lensbaby presentó un nuevo kit de su sistema de ópticas intercambiables: Lensbaby Composer Pro II con óptica Edge 35.
Lensbaby Composer Pro II with Edge 35 Optic
El sistema Composer Pro II está disponible para las monturas principales: Canon EF, Nikon F, Sony E, Fuji X y Micro 4/3. Esta base de óptica permite a los fotógrafos intercambiar objetivos de Lensbaby tanto de la línea Edge y Sweet o sus objetivos especiales Twist 60 y Creative Bokeh.
En esta ocasión el kit Composer Pro viene con el nuevo Edge 35 F3.5. Esta línea de objetivos es caracterizada por tener un desenfoque similar al de un efecto tilt-shift, creando una franja de enfoque que se acentúa o disminuye más dependiendo de la inclinación generada a través de los 15° de movimiento del Composer Pro II.
Este objetivo cuenta con un diafragma de ocho palas con un rango de apertura manual de F3.5 a F22. Su construcción es de nueve elementos divididos en seis grupos, con capas ópticas para reducir la refracción interna y mejorar el contraste y el color. Su distancia mínima de enfoque es de 17.8 cm. Cuenta con un diámetro de 63.5 mm, una longitud de 78 mm y un peso de 385 g.
Como reporta PhotoRumors, la compañía anunció que el objetivo solo o en kit será lanzado a comienzos de abril de este año. En España será posible conseguirlo a través de distribuidores oficiales. En la página estadounidense el objetivo se encuentra en preventa por un precio de 249.95 (~221€) solo el objetivo o 449.95 (~398€) con el Lensbaby Composer Pro II. Podéis ver fotografías realizadas con el Edge 35 en la página oficial del producto.
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Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol recomienda: Un nuevo objetivo de efecto descentrable para cambiar el foco al mundo
Los objetivos y accesorios de efectos pueden generar elementos sobre nuestras fotografías que las hacen especiales y llamativas. Los objetivos descentrables tienen la especialidad de jugar con el punto de enfoque de la imagen. En esta ocasión, Lensbaby presentó un nuevo kit de su sistema de ópticas intercambiables: Lensbaby Composer Pro II con óptica Edge 35.
Lensbaby Composer Pro II with Edge 35 Optic
El sistema Composer Pro II está disponible para las monturas principales: Canon EF, Nikon F, Sony E, Fuji X y Micro 4/3. Esta base de óptica permite a los fotógrafos intercambiar objetivos de Lensbaby tanto de la línea Edge y Sweet o sus objetivos especiales Twist 60 y Creative Bokeh.
En esta ocasión el kit Composer Pro viene con el nuevo Edge 35 F3.5. Esta línea de objetivos es caracterizada por tener un desenfoque similar al de un efecto tilt-shift, creando una franja de enfoque que se acentúa o disminuye más dependiendo de la inclinación generada a través de los 15° de movimiento del Composer Pro II.
Este objetivo cuenta con un diafragma de ocho palas con un rango de apertura manual de F3.5 a F22. Su construcción es de nueve elementos divididos en seis grupos, con capas ópticas para reducir la refracción interna y mejorar el contraste y el color. Su distancia mínima de enfoque es de 17.8 cm. Cuenta con un diámetro de 63.5 mm, una longitud de 78 mm y un peso de 385 g.
Como reporta PhotoRumors, la compañía anunció que el objetivo solo o en kit será lanzado a comienzos de abril de este año. En España será posible conseguirlo a través de distribuidores oficiales. En la página estadounidense el objetivo se encuentra en preventa por un precio de 249.95 (~221€) solo el objetivo o 449.95 (~398€) con el Lensbaby Composer Pro II. Podéis ver fotografías realizadas con el Edge 35 en la página oficial del producto.
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Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol recomienda: William Klein fotógrafo inconformista maestro de la fotografía de moda y callejera
Hace poco le incluíamos en nuestro listado de los (probablemente) 50 mejores fotógrafos de la historia y, sin embargo, no le habíamos dedicado ningún artículo específico. Estamos hablando del franco-norteamericano William Klein, un artista multidisciplinar (además de fotógrafo ha sido dibujante, pintor y cineasta) que ha dejado su impronta especialmente en dos campos del arte fotográfico.
Por eso hace ya tiempo le incluimos en un artículo sobre fotógrafos históricos de moda, ya que su trabajo influyó notablemente a renovar esta disciplina. Sin embargo, además de un maestro de la fotografía de moda, Klein también es considerado uno de los mejores fotógrafos callejeros de la historia, con una aportación destacada en este campo.
William Klein (1928)
Norteamericano de origen judío, nació en Nueva York en el seno de una familia de emigrantes húngaros justo un año antes de que comenzara la Gran Depresión, un hecho que marcó la primera parte de su vida (como la de tantos norteamericanos). En concreto, el boyante negocio de ropa familiar tuvo que cerrar por culpa de las deudas y tuvieron que mudarse a uno de los barrios más pobres de la ciudad, un lugar donde además los judíos estaban muy mal vistos.
Por eso, durante su infancia el pequeño William tuvo que sobrevivir en una ambiente hostil que marcaría su personalidad, y en donde el arte se convirtió en su principal tabla de salvación. Así, desde los doce años siempre que podía se escapaba para visitar el MOMA (el Museo de Arte Moderno) donde se despertó la vena artística de un muchacho que resultó ser un joven brillante. De hecho, con catorce años (tres antes de lo normal) ya entró en la Universidad para estudiar sociología, aunque ya tenía claro que lo que quería era ser artista.
Al acabar la carrera, ya en 1945, se alistó en el ejército gracias a lo cual viajó a Alemania y Francia, país que a la postre sería crucial en su vida. Tras dos años sirviendo a la patria, se quedó en París aprovechando una beca para militares estadounidenses que le permitió matricularse en La Sorbona.
Allí, además de conocer a quien sería su esposa, comenzó a trabajar como ayudante de un famoso pintor cubista francés de la época, Fernand Léger, quien también sería una importante influencia en Klein. Así, comenzó a desarrollar su talento en los campos de la pintura y la escultura con una actitud de rebeldía contra lo establecido y un estilo abstracto, siguiendo lo aprendido del maestro.
Sin embargo, pronto encontró su propio estilo y empezó a destacar por sus murales abstractos que le llevaron a colaborar con el arquitecto Angelo Mangiarotti y también a experimentar con la fotografía (de la que no tuvo ningún tipo de formación) como medio de capturar sus propios murales de una forma distinta. Esto le descubrió un nuevo mundo de posibilidades expresivas, en el que destacaban todo tipo de técnicas (desenfoques, trepidaciones…) y el uso de teleobjetivos y grandes angulares que le servían para alterar la realidad.
Sobre 1955 su trabajo, que ya le había reportado una considerable fama en el mundillo artístico parisino, fue visto por Alexander Liberman, el director artístico de Vogue, quien le ofreció regresar a Nueva York para trabajar en esta prestigiosa revista. Klein no lo tuvo muy claro, sobre todo porque el mundo de la moda no le interesaba mucho, pero la promesa de un buen sueldo y de sufragarle todo lo que necesitara para hacer fotos le acabó de convencer.
Regreso a Nueva York
Así, volvió a la ciudad de los rascacielos donde inicialmente se pasó varios meses recorriendo sus calles sin hacer una foto que Vogue pudiera publicar. Sin embargo, finalmente, y tras recibir un ultimátum por parte de Liberman, comenzó a hacer fotos de moda pero con su propio estilo.
En concreto, Klein decidió sacar las modelos a la calle y fotografiarlas mezclándose con el bullicio, en ocasiones utilizando teleobjetivos o introduciendo espejos en la escena que le daban a las imágenes un aspecto original y sorprendente. Una suerte de ejercicios visuales que encantaron al director de arte de Vogue, que sólo había visto algo parecido de la mano de Richard Avedon (que por aquel entonces trabajaba para la competencia).
Aquello marcó el inicio de una larga etapa (unos diez años) en esta publicación, aunque a Klein siguió sin interesarle realmente la fotografía de moda que continuó realizando para ganarse la vida mientras se dedicada siempre que podía a su disciplina favorita, la fotografía de calle.
Ya desde que había regresado se dedicó a redescubrir las calles de su ciudad tratando de retratar a sus habitantes con su nueva mirada de fotógrafo. Una forma que mezclaba la experimentación que ya había marcado su obra fotográfica con un carácter documental, acercándose mucho a la gente que retrataba y entablando relación con ellos.
Todo ello daba lugar a unas imágenes (plasmadas inicialmente en la serie ‘Life is Good and Good for You In New York’ de 1957) que se alejaban mucho de lo establecido hasta entonces, ya que imperaba una forma académica de hacer fotos marcada por nombres como Ansel Adams y Edward Weston. Esto se rompió con la llegada de una corriente más humanista, una manera más fresca de hacer fotos que llegó de la mano de artistas como Robert Fank, William Eggleston, Garry Winorand y el propio Klein.
Por todo ello, William Klein pasó a formar parte del elenco de los considerados “padres de la fotografía callejera”, dejando para el recuerdo unas imágenes muy potentes como la de ese niño que nos apunta directamente con una pistola. Fotos que, por cierto, no fueron especialmente bien recibidas en su momento.
Al trabajo sobre Nueva York le siguieron otros sobre otras ciudades como Moscú, Tokio y Roma que retrató con el mismo estilo inconformista. Sin embargo, en 1965 Klein dejó Vogue, y eso supuso aparcar su carrera como fotógrafo. Así, en 1966 empezó a trabajar en el mundo del cine con una película satírica sobre el mundo de la moda: ‘Who Are You, Polly Maggoo??’. A esta le siguieron otros dos largometrajes, aunque finalmente se prodigó más en el mundo de la publicidad como productor de anuncios y en el documental, donde siguió trabajando hasta bien entrados los años ochenta.
Tras aquella época volvió a la fotografía y esto le valió sobre todo recibir todo tipo de premios y homenajes como el premio Hasselblad en 1990 y el de PhotoEspaña en 2005. Actualmente reside en París (país del que obtuvo la nacionalidad) y, a pesar de su edad avanzada, sigue trabajando.
Todas las fotografías de William Klein capturadas del vídeo Grandes miradas de la fotografía: William Klein
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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol recomienda: William Klein fotógrafo inconformista maestro de la fotografía de moda y callejera
Hace poco le incluíamos en nuestro listado de los (probablemente) 50 mejores fotógrafos de la historia y, sin embargo, no le habíamos dedicado ningún artículo específico. Estamos hablando del franco-norteamericano William Klein, un artista multidisciplinar (además de fotógrafo ha sido dibujante, pintor y cineasta) que ha dejado su impronta especialmente en dos campos del arte fotográfico.
Por eso hace ya tiempo le incluimos en un artículo sobre fotógrafos históricos de moda, ya que su trabajo influyó notablemente a renovar esta disciplina. Sin embargo, además de un maestro de la fotografía de moda, Klein también es considerado uno de los mejores fotógrafos callejeros de la historia, con una aportación destacada en este campo.
William Klein (1928)
Norteamericano de origen judío, nació en Nueva York en el seno de una familia de emigrantes húngaros justo un año antes de que comenzara la Gran Depresión, un hecho que marcó la primera parte de su vida (como la de tantos norteamericanos). En concreto, el boyante negocio de ropa familiar tuvo que cerrar por culpa de las deudas y tuvieron que mudarse a uno de los barrios más pobres de la ciudad, un lugar donde además los judíos estaban muy mal vistos.
Por eso, durante su infancia el pequeño William tuvo que sobrevivir en una ambiente hostil que marcaría su personalidad, y en donde el arte se convirtió en su principal tabla de salvación. Así, desde los doce años siempre que podía se escapaba para visitar el MOMA (el Museo de Arte Moderno) donde se despertó la vena artística de un muchacho que resultó ser un joven brillante. De hecho, con catorce años (tres antes de lo normal) ya entró en la Universidad para estudiar sociología, aunque ya tenía claro que lo que quería era ser artista.
Al acabar la carrera, ya en 1945, se alistó en el ejército gracias a lo cual viajó a Alemania y Francia, país que a la postre sería crucial en su vida. Tras dos años sirviendo a la patria, se quedó en París aprovechando una beca para militares estadounidenses que le permitió matricularse en La Sorbona.
Allí, además de conocer a quien sería su esposa, comenzó a trabajar como ayudante de un famoso pintor cubista francés de la época, Fernand Léger, quien también sería una importante influencia en Klein. Así, comenzó a desarrollar su talento en los campos de la pintura y la escultura con una actitud de rebeldía contra lo establecido y un estilo abstracto, siguiendo lo aprendido del maestro.
Sin embargo, pronto encontró su propio estilo y empezó a destacar por sus murales abstractos que le llevaron a colaborar con el arquitecto Angelo Mangiarotti y también a experimentar con la fotografía (de la que no tuvo ningún tipo de formación) como medio de capturar sus propios murales de una forma distinta. Esto le descubrió un nuevo mundo de posibilidades expresivas, en el que destacaban todo tipo de técnicas (desenfoques, trepidaciones…) y el uso de teleobjetivos y grandes angulares que le servían para alterar la realidad.
Sobre 1955 su trabajo, que ya le había reportado una considerable fama en el mundillo artístico parisino, fue visto por Alexander Liberman, el director artístico de Vogue, quien le ofreció regresar a Nueva York para trabajar en esta prestigiosa revista. Klein no lo tuvo muy claro, sobre todo porque el mundo de la moda no le interesaba mucho, pero la promesa de un buen sueldo y de sufragarle todo lo que necesitara para hacer fotos le acabó de convencer.
Regreso a Nueva York
Así, volvió a la ciudad de los rascacielos donde inicialmente se pasó varios meses recorriendo sus calles sin hacer una foto que Vogue pudiera publicar. Sin embargo, finalmente, y tras recibir un ultimátum por parte de Liberman, comenzó a hacer fotos de moda pero con su propio estilo.
En concreto, Klein decidió sacar las modelos a la calle y fotografiarlas mezclándose con el bullicio, en ocasiones utilizando teleobjetivos o introduciendo espejos en la escena que le daban a las imágenes un aspecto original y sorprendente. Una suerte de ejercicios visuales que encantaron al director de arte de Vogue, que sólo había visto algo parecido de la mano de Richard Avedon (que por aquel entonces trabajaba para la competencia).
Aquello marcó el inicio de una larga etapa (unos diez años) en esta publicación, aunque a Klein siguió sin interesarle realmente la fotografía de moda que continuó realizando para ganarse la vida mientras se dedicada siempre que podía a su disciplina favorita, la fotografía de calle.
Ya desde que había regresado se dedicó a redescubrir las calles de su ciudad tratando de retratar a sus habitantes con su nueva mirada de fotógrafo. Una forma que mezclaba la experimentación que ya había marcado su obra fotográfica con un carácter documental, acercándose mucho a la gente que retrataba y entablando relación con ellos.
Todo ello daba lugar a unas imágenes (plasmadas inicialmente en la serie ‘Life is Good and Good for You In New York’ de 1957) que se alejaban mucho de lo establecido hasta entonces, ya que imperaba una forma académica de hacer fotos marcada por nombres como Ansel Adams y Edward Weston. Esto se rompió con la llegada de una corriente más humanista, una manera más fresca de hacer fotos que llegó de la mano de artistas como Robert Fank, William Eggleston, Garry Winorand y el propio Klein.
Por todo ello, William Klein pasó a formar parte del elenco de los considerados “padres de la fotografía callejera”, dejando para el recuerdo unas imágenes muy potentes como la de ese niño que nos apunta directamente con una pistola. Fotos que, por cierto, no fueron especialmente bien recibidas en su momento.
Al trabajo sobre Nueva York le siguieron otros sobre otras ciudades como Moscú, Tokio y Roma que retrató con el mismo estilo inconformista. Sin embargo, en 1965 Klein dejó Vogue, y eso supuso aparcar su carrera como fotógrafo. Así, en 1966 empezó a trabajar en el mundo del cine con una película satírica sobre el mundo de la moda: ‘Who Are You, Polly Maggoo??’. A esta le siguieron otros dos largometrajes, aunque finalmente se prodigó más en el mundo de la publicidad como productor de anuncios y en el documental, donde siguió trabajando hasta bien entrados los años ochenta.
Tras aquella época volvió a la fotografía y esto le valió sobre todo recibir todo tipo de premios y homenajes como el premio Hasselblad en 1990 y el de PhotoEspaña en 2005. Actualmente reside en París (país del que obtuvo la nacionalidad) y, a pesar de su edad avanzada, sigue trabajando.
Todas las fotografías de William Klein capturadas del vídeo Grandes miradas de la fotografía: William Klein
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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol Freyre recomienda: Llega el Festichonga Mimosa – Rock.com.ar
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Llega el Festichonga Mimosa
17/03/2019
por Lucas Seoane
En abril se realizará la primera edición de este nuevo encuentro de música arte y cultura transfeminista.
El festival se realizará el viernes 5 de abril, a las 23, en el porteño Galpón B (Cochabamba 2536) y contará con stand up a cargo de Michele Lacroix, shows musicales de las bandas de cumbia Cachitas Now y Rebelión en la Zanja, musicalización a cargo de DJ Mutante y una amplia feria con puestos de tatuajes, indumentaria, peluquería, bebidas y comidas. Las entradas en puerta costarán 150 pesos.
El ciclo será bimestral y tiene como principal objetivo fomentar la autogestión transfeminista.
youtube
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Llega el Festichonga Mimosa
17/03/2019
por Lucas Seoane
En abril se realizará la primera edición de este nuevo encuentro de música arte y cultura transfeminista.
El festival se realizará el viernes 5 de abril, a las 23, en el porteño Galpón B (Cochabamba 2536) y contará con stand up a cargo de Michele Lacroix, shows musicales de las bandas de cumbia Cachitas Now y Rebelión en la Zanja, musicalización a cargo de DJ Mutante y una amplia feria con puestos de tatuajes, indumentaria, peluquería, bebidas y comidas. Las entradas en puerta costarán 150 pesos.
El ciclo será bimestral y tiene como principal objetivo fomentar la autogestión transfeminista.
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Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol recomienda: La fotografía de vacaciones personalizada como fuente de ingresos adicionales
Hace un tiempo os contamos sobre las diferencias entre los fotógrafos de viaje, turismo y paisaje. En el apartado de turismo hablamos sobre el posible mercado que viene a través de la venta de imagenes de stock, las editoriales y las agencias de turismo. Pero, en esta categoría, hay un mercado importante que vale la pena mencionar: ser el fotógrafo personal de vacaciones de los viajeros.
Hay muchas personas que desean conseguir recuerdos de sus viajes. Muchas de ellas no cuentan con el conocimiento de realizar fotografías y, a veces, las selfies y las fotos de móvil no suplen esa necesidad del turista. Por este motivo, algunos viajeros apartan algo de presupuesto para conseguir fotógrafos locales que acompañen a la familia, pareja o grupo de viajeros para sus expediciones y recorridos en el extranjero.
Este mercado pide que seamos más detallistas con el momento capturado, que seamos rápidos y estemos a favor del cliente. Ellos quieren recuerdos bien capturados, lo que puede incluir una foto típica familiar, los momentos desapercibidos y aquellos instantes que pueden ser banales para nosotros pero significativos para ellos. También hay que ser receptivos a lo que nos puedan pedir, y si no podemos cumplir con alguna de sus peticiones, explicar qué limitación hay; por ejemplo, una persona que vea un pájaro llamativo y nosotros no tengamos un teleobjetivo para capturarlo con detalle.
En este mercado no podemos esperar que alguien pague muchísimo por tener un fotógrafo personalizado (salvo que sean la familia que ofreció 100.000 dólares para tener un fotógrafo personal de vacaciones, como reportó el New York Post hace unos meses). Sin embargo una temporada de trabajo puede generar un promedio de 150 – 600 euros de ganancia por proyecto.
Lo que destaca en este tipo de trabajo es la posibilidad de trabajar con cubrimiento de los recorridos, comida y, cuando se necesita, hospedaje. Por lo cual los gastos se reducen, haciendo que la ganancia sea más alta para nosotros. Además, terminamos con una experiencia adicional de visitar lugares interesantes y generar conexiones con personas que promueven el turismo de la región a través de nuestro trabajo.
Para acceder a este mercado se pueden poner publicaciones en páginas de internet como Reddit, revisar apps como Couchsurfing, ofrecer el servicio directamente a los viajeros o agencias de turismo, crear este servicio directamente en nuestra página web o inscribirse en agencias como Localgrapher. Con tantas opciones para promocionar este mercado es interesante poder contar con ingresos extras mientras se visitan distintas localizaciones cerca de nuestra ciudad.
Así que si buscáis ingresos adicionales, salir de la rutina un tiempo y cambiar perspectivas fotográficas, no dudéis en explorar un nuevo mercado.
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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol recomienda: La fotografía de vacaciones personalizada como fuente de ingresos adicionales
Hace un tiempo os contamos sobre las diferencias entre los fotógrafos de viaje, turismo y paisaje. En el apartado de turismo hablamos sobre el posible mercado que viene a través de la venta de imagenes de stock, las editoriales y las agencias de turismo. Pero, en esta categoría, hay un mercado importante que vale la pena mencionar: ser el fotógrafo personal de vacaciones de los viajeros.
Hay muchas personas que desean conseguir recuerdos de sus viajes. Muchas de ellas no cuentan con el conocimiento de realizar fotografías y, a veces, las selfies y las fotos de móvil no suplen esa necesidad del turista. Por este motivo, algunos viajeros apartan algo de presupuesto para conseguir fotógrafos locales que acompañen a la familia, pareja o grupo de viajeros para sus expediciones y recorridos en el extranjero.
Este mercado pide que seamos más detallistas con el momento capturado, que seamos rápidos y estemos a favor del cliente. Ellos quieren recuerdos bien capturados, lo que puede incluir una foto típica familiar, los momentos desapercibidos y aquellos instantes que pueden ser banales para nosotros pero significativos para ellos. También hay que ser receptivos a lo que nos puedan pedir, y si no podemos cumplir con alguna de sus peticiones, explicar qué limitación hay; por ejemplo, una persona que vea un pájaro llamativo y nosotros no tengamos un teleobjetivo para capturarlo con detalle.
En este mercado no podemos esperar que alguien pague muchísimo por tener un fotógrafo personalizado (salvo que sean la familia que ofreció 100.000 dólares para tener un fotógrafo personal de vacaciones, como reportó el New York Post hace unos meses). Sin embargo una temporada de trabajo puede generar un promedio de 150 – 600 euros de ganancia por proyecto.
Lo que destaca en este tipo de trabajo es la posibilidad de trabajar con cubrimiento de los recorridos, comida y, cuando se necesita, hospedaje. Por lo cual los gastos se reducen, haciendo que la ganancia sea más alta para nosotros. Además, terminamos con una experiencia adicional de visitar lugares interesantes y generar conexiones con personas que promueven el turismo de la región a través de nuestro trabajo.
Para acceder a este mercado se pueden poner publicaciones en páginas de internet como Reddit, revisar apps como Couchsurfing, ofrecer el servicio directamente a los viajeros o agencias de turismo, crear este servicio directamente en nuestra página web o inscribirse en agencias como Localgrapher. Con tantas opciones para promocionar este mercado es interesante poder contar con ingresos extras mientras se visitan distintas localizaciones cerca de nuestra ciudad.
Así que si buscáis ingresos adicionales, salir de la rutina un tiempo y cambiar perspectivas fotográficas, no dudéis en explorar un nuevo mercado.
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Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol recomienda: El fotógrafo como un jugador de ajedrez
Si queremos hacer buenas fotografías tenemos que plantar batalla. No es dar un botón y olvidarse o sentarse delante del ordenador confiando en nuestra pericia con el programa de turno. La fotografía es un trabajo que exige esfuerzo. Y una de nuestras obligaciones es saber cómo encontrar buenas imágenes.
Una de las funciones del fotógrafo es encontrar un estilo propio para mostrar su realidad. Esto exige, como dice Cristina García Rodero, pelear contra el tiempo. Es un combate de boxeo. Algunos prefieren dar el golpe, otros cansar al rival y todos, deberíamos ser capaces de ver el futuro, como un jugador de ajedrez.
El fotógrafo debe adelantarse al tiempo, lograr ese estado del que ya habló Ansel Adams en su mítica trilogía. Me estoy refiriendo a la visualización. Es una de las funciones del fotógrafo. Me da igual por supuesto que sea aficionado o profesional. Tenemos que ser capaces, desde que pensamos en accionar el disparador, saber cómo va a quedar la fotografía cuando la demos por terminada en una hoja de papel fotográfico o en las redes sociales.
Otro punto de vista
La visualización solo se consigue con esfuerzo, con práctica y con mucho tiempo invertido. Y dará igual la cámara que tengamos. Solo es una herramienta más que nos permite dar forma a nuestra manera de ver las cosas.
Adelantarse al tiempo
La visualización hay que ejercitarla. Hay que disparar con un sentido. El acto del disparo fotográfico en sí es totalmente irracional, como bien explica José Manuel Navia en sus talleres pero después de pasar por el filtro de la preparación.
Para ser fotógrafo hay que entrenarse. Ejercitar la mirada y agilizar el pensamiento. Educarse formal y culturalmente. Así seremos capaces de disparar por intuición. Parecerá que no nos cuesta pero todo el trabajo está detrás. Horas de lecturas, de observación, de vida más allá de las cámaras.
Para ser fotógrafo hay que entrenarse. Ejercitar la mirada y agilizar el pensamiento. Educarse formal y culturalmente.
La experiencia en este mundo es un grado. Hay que conocer tan bien la cámara que seas capaz de ponerla en marcha con los ojos cerrados. Y tener tan interiorizado lo que quieres sacar que no tengas ni que pensar el encuadre. Solo tienes que saber cómo encuadrar lo que estás viendo para que al final quede como tú quieres.
Y es ahí donde entra la filosofía del jugador de ajedrez. Los que jugáis sabéis con seguridad a lo que me refiero. Los grandes maestros son capaces de adelantarse al tiempo. Los que después de echar una mirada al tablero pueden decir con seguridad lo que va a pasar diez jugadas después.
El fotógrafo como jugador de ajedrez
El fotógrafo experimentado debería ser capaz de jugar con la misma profundidad. Después de entrenar la mirada, con solo ver una realidad debería adivinar el encuadre, medir la luz y ver el resultado final para comunicar al espectador cómo ha visto el mundo.
No es fácil. E igual muchos fotógrafos no sienten la necesidad de ejercitarse de tal forma. Puede parecer sobrehumano pero no es más que una forma de hacer las cosas. Es una de las formas de salir del hoyo que supone quedarse en la fotografía postalera, la fotografía bonita más que la buena fotografía.
La luz cambia todo
No todos queremos hacer las mismas cosas. Cada uno es libre de enfrentarse a la fotografía como quiera. Puede que haya muchos caminos, muchas rutas posibles. Algunos prefieren llegar a su lugar destino por una cómoda autopista, sin riesgos, a una velocidad de crucero constante.
Otros disfrutamos más en las carreteras de montaña, en las comarcales que cruzan los páramos… Al final puede que lleguemos al mismo sitio. Y hasta puede que disfrutemos exactamente igual. Pero las emociones serán distintas. Ahora toca elegir.
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Diego Ricol Freyre recomienda:Diego Ricol recomienda: El fotógrafo como un jugador de ajedrez
Si queremos hacer buenas fotografías tenemos que plantar batalla. No es dar un botón y olvidarse o sentarse delante del ordenador confiando en nuestra pericia con el programa de turno. La fotografía es un trabajo que exige esfuerzo. Y una de nuestras obligaciones es saber cómo encontrar buenas imágenes.
Una de las funciones del fotógrafo es encontrar un estilo propio para mostrar su realidad. Esto exige, como dice Cristina García Rodero, pelear contra el tiempo. Es un combate de boxeo. Algunos prefieren dar el golpe, otros cansar al rival y todos, deberíamos ser capaces de ver el futuro, como un jugador de ajedrez.
El fotógrafo debe adelantarse al tiempo, lograr ese estado del que ya habló Ansel Adams en su mítica trilogía. Me estoy refiriendo a la visualización. Es una de las funciones del fotógrafo. Me da igual por supuesto que sea aficionado o profesional. Tenemos que ser capaces, desde que pensamos en accionar el disparador, saber cómo va a quedar la fotografía cuando la demos por terminada en una hoja de papel fotográfico o en las redes sociales.
Otro punto de vista
La visualización solo se consigue con esfuerzo, con práctica y con mucho tiempo invertido. Y dará igual la cámara que tengamos. Solo es una herramienta más que nos permite dar forma a nuestra manera de ver las cosas.
Adelantarse al tiempo
La visualización hay que ejercitarla. Hay que disparar con un sentido. El acto del disparo fotográfico en sí es totalmente irracional, como bien explica José Manuel Navia en sus talleres pero después de pasar por el filtro de la preparación.
Para ser fotógrafo hay que entrenarse. Ejercitar la mirada y agilizar el pensamiento. Educarse formal y culturalmente. Así seremos capaces de disparar por intuición. Parecerá que no nos cuesta pero todo el trabajo está detrás. Horas de lecturas, de observación, de vida más allá de las cámaras.
Para ser fotógrafo hay que entrenarse. Ejercitar la mirada y agilizar el pensamiento. Educarse formal y culturalmente.
La experiencia en este mundo es un grado. Hay que conocer tan bien la cámara que seas capaz de ponerla en marcha con los ojos cerrados. Y tener tan interiorizado lo que quieres sacar que no tengas ni que pensar el encuadre. Solo tienes que saber cómo encuadrar lo que estás viendo para que al final quede como tú quieres.
Y es ahí donde entra la filosofía del jugador de ajedrez. Los que jugáis sabéis con seguridad a lo que me refiero. Los grandes maestros son capaces de adelantarse al tiempo. Los que después de echar una mirada al tablero pueden decir con seguridad lo que va a pasar diez jugadas después.
El fotógrafo como jugador de ajedrez
El fotógrafo experimentado debería ser capaz de jugar con la misma profundidad. Después de entrenar la mirada, con solo ver una realidad debería adivinar el encuadre, medir la luz y ver el resultado final para comunicar al espectador cómo ha visto el mundo.
No es fácil. E igual muchos fotógrafos no sienten la necesidad de ejercitarse de tal forma. Puede parecer sobrehumano pero no es más que una forma de hacer las cosas. Es una de las formas de salir del hoyo que supone quedarse en la fotografía postalera, la fotografía bonita más que la buena fotografía.
La luz cambia todo
No todos queremos hacer las mismas cosas. Cada uno es libre de enfrentarse a la fotografía como quiera. Puede que haya muchos caminos, muchas rutas posibles. Algunos prefieren llegar a su lugar destino por una cómoda autopista, sin riesgos, a una velocidad de crucero constante.
Otros disfrutamos más en las carreteras de montaña, en las comarcales que cruzan los páramos… Al final puede que lleguemos al mismo sitio. Y hasta puede que disfrutemos exactamente igual. Pero las emociones serán distintas. Ahora toca elegir.
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Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol recomienda: una cámara de acción 360 que permite capturar imágenes estereoscópicas
Hay un crecimiento de cámaras 360 en el mercado, el reciente lanzamiento llamativo fue el de la Ricoh Theta Z1. En esta ocasión, Insta360 ha presentado un nuevo modelo para esta categoría con características llamativas: Insta360 EVO 3D/2D.
La cámara de acción cuenta con un diseño único que permite desplegar las cámaras frontal y trasera dejándolas lado a lado; lo que permite obtener una vista 180° estereoscópica y grabar vídeo o capturar fotografías 3D. Además, cuenta con el mismo sistema de estabilización de la Insta 360 One X, que maravillosamente parece que las grabaciones se hicieran con un estabilizador gimbal.
Este modelo cuenta con una apertura de F2.2. Tiene estabilización giroscópica de seis ejes. Para conectividad está adaptado con Bluetooth BLE 4.0 y WiFi 5G con rango de hasta 20 metros. Su almacenamiento es a través de memorias microSD hasta de 128GB. Cuenta con un peso de 113 gramos. Sus dimensiones al estar plegado el sistema son de 50.3 mm de largo, 49 cm de alto y 52.54 mm de ancho. Al desplegarse estas dimensiones cambian a 98.4 mm de largo, 49 mm de alto y 26.27 mm de ancho.
Cuenta con modo de exposición automático, manual, prioridad de velocidad y prioridad de ISO. Las fotografías capturadas cuentan con una resolución máxima de 18 MP (6080 x 3040); pueden ser tomadas en formato .jpg, INSP y RAW .DNG. En vídeo, la grabación permite grabar en 5760 x 2880 px a 30 cuadros por segundo e ir disminuyendo resolución para llegar a una captura de 3008 x 1504 px a 100 fps. El formato de grabación de video está disponible como INSV, mp4 o LOG; todos codificados en h.264.
Como reporta DIYPhotography, la cámara ya está disponible en preventa a través de la página de Insta360. El precio para España es de 469.99 euros, con precio de envío internacional e impuestos incluidos. Aún no hay fecha oficial de lanzamiento y envío, pero Insta360 anunció que será muy pronto.
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