Gracias por compartir ese material, Liz. Me parece que diáloga bien con propuestas como Permanente obra negra de Abenshushan. Exploración de la vida más allá de los individual (indivisible) y de lo totalizable. Trabajar con fragmentos como forma de trabajar con la multiplicidad de lo existente, con la multiplicidad de toda vida.

Hallar: Un audiovisual en forma de memoria.

Por Lizle Martínez

En esta entrada un poco extemporánea escribiré sobre una de las aulas que más dialogó con algunos de mis intereses y traeré como ejemplo el Ensayo Documental llamado Hallar. La temática fue dada por el profesor Gastón Cosentino sobre escritura, publicación y edición de texto. El debate fue inducido a través de los textos propuestos de Ulises Carrión y Eric Schierloh, entre otros trabajos artísticos recordados en clase por el profesor y les colegas que fueron desde Burroughs a Spinetta, pasando por diversas expresiones artísticas. 

Dear reader. Don´t Read. Esta frase de Ulises Carrión nos acompañó en esa clase, pegada en la pared. ¿Cómo? “Querido lector. No lea.” ¿Es posible leer sin leer? ¿Cómo desautomatizar la lectura? ¿Cómo desautamatizarnos ante la vida? ¿Qué se puede hacer desde el arte para gestionar nuevas formas de relación con las cosas? Estas cuestiones traen una provocación sobre el rol de quien trabaja con arte, sobre la necesidad de tomar conciencia ante la posibilidad de crear para generar contenido desde la forma, así el arte adquiere una capacidad desautomatizante, en la medida en que pueda proponer posibilidades diferentes a las habituales en la relación del “espectador” con el "objeto/obra", generando a través del asombro búsquedas antes no pensadas. Lector, no lea, lea sin leer, desde otro lugar, desde otras formas. 

Este debate fue interesante para mi, en esa época del año conocí a una persona que trabaja con diseño de sonido e imagen, hace carrera dentro del audiovisual, su nombre es Sara Quintana. Sara es paraguaye, nació en la ciudad de Caacupé y es residente en Buenos Aires. Es una persona trans no binarie/cuir, que decidió migrar de su ciudad por su condición de género y sexualidad, cómo no habría de tocarme su trabajo que cuenta con una sensibilidad que me pareció hermosa y en dónde también me encontré un poco. Entre asombro y admiración por este contacto quise compartir en este blog algunos aspectos de sus procesos porque considero que tiene que ver con las cuestiones de esta clase que tuvimos y otras que debatimos en otros momentos. 

Hallar es un trabajo en proceso que actualmente continúa siendo repensado, audiovisual autobiográfico, con una intersección entre el documental y los medios interactivos cómo los videojuegos. Hallar es una palabra que además de significar encontrar, que es su acepción más común, en Paraguay se usa para expresar que se está feliz, les paraguayes usamos la palabra hallar para expresar que nos sentimos en plenitud en el momento y lugar en el que nos encontramos, así “nos hallamos”.  

Link para ver Hallar https://hallar.netlify.app

Como un archivo de memorias Sara trae piezas audiovisuales cortas con la posibilidad de que el espectador pueda acceder a estas “fichas” en el orden que prefiera. Partes de su vida son relatadas, la experiencia trans/cuir es indagada, es como mirar por un pequeño orificio una casa, sentirse casi como un espia mirando fragmentos expresivos de una vida. Como un collage que mezcla filmaciones de su infancia, relatos, tutoriales, imágenes de la ciudad en la que vive, representaciones, el guaraní, las luces; así es como Sara trae sus fragmentos para revelar algo sobre quien es, sobre sus miedos y búsquedas, sobre el proceso de hallarse. 

Digo que es imposible ver Hallar como se ve un documental convencional, el quiebre entre las partes y lo fragmentario de las piezas es otra forma de pasar por la memoria, una forma quizás más cercana a la experiencia de recordar, que no es nítida ni lineal todo el tiempo. El ensayo posibilita el tránsito por una memoria viva, por lo menos esa es mi experiencia, como quien mira, se asombra y se halla.

Hallar: Un audiovisual en forma de memoria.

Por Lizle Martínez

En esta entrada un poco extemporánea escribiré sobre una de las aulas que más dialogó con algunos de mis intereses y traeré como ejemplo el Ensayo Documental llamado Hallar. La temática fue dada por el profesor Gastón Cosentino sobre escritura, publicación y edición de texto. El debate fue inducido a través de los textos propuestos de Ulises Carrión y Eric Schierloh, entre otros trabajos artísticos recordados en clase por el profesor y les colegas que fueron desde Burroughs a Spinetta, pasando por diversas expresiones artísticas. 

Dear reader. Don´t Read. Esta frase de Ulises Carrión nos acompañó en esa clase, pegada en la pared. ¿Cómo? “Querido lector. No lea.” ¿Es posible leer sin leer? ¿Cómo desautomatizar la lectura? ¿Cómo desautamatizarnos ante la vida? ¿Qué se puede hacer desde el arte para gestionar nuevas formas de relación con las cosas? Estas cuestiones traen una provocación sobre el rol de quien trabaja con arte, sobre la necesidad de tomar conciencia ante la posibilidad de crear para generar contenido desde la forma, así el arte adquiere una capacidad desautomatizante, en la medida en que pueda proponer posibilidades diferentes a las habituales en la relación del “espectador” con el "objeto/obra", generando a través del asombro búsquedas antes no pensadas. Lector, no lea, lea sin leer, desde otro lugar, desde otras formas. 

Este debate fue interesante para mi, en esa época del año conocí a una persona que trabaja con diseño de sonido e imagen, hace carrera dentro del audiovisual, su nombre es Sara Quintana. Sara es paraguaye, nació en la ciudad de Caacupé y es residente en Buenos Aires. Es una persona trans no binarie/cuir, que decidió migrar de su ciudad por su condición de género y sexualidad, cómo no habría de tocarme su trabajo que cuenta con una sensibilidad que me pareció hermosa y en dónde también me encontré un poco. Entre asombro y admiración por este contacto quise compartir en este blog algunos aspectos de sus procesos porque considero que tiene que ver con las cuestiones de esta clase que tuvimos y otras que debatimos en otros momentos. 

Hallar es un trabajo en proceso que actualmente continúa siendo repensado, audiovisual autobiográfico, con una intersección entre el documental y los medios interactivos cómo los videojuegos. Hallar es una palabra que además de significar encontrar, que es su acepción más común, en Paraguay se usa para expresar que se está feliz, les paraguayes usamos la palabra hallar para expresar que nos sentimos en plenitud en el momento y lugar en el que nos encontramos, así “nos hallamos”.  

Link para ver Hallar https://hallar.netlify.app

Como un archivo de memorias Sara trae piezas audiovisuales cortas con la posibilidad de que el espectador pueda acceder a estas “fichas” en el orden que prefiera. Partes de su vida son relatadas, la experiencia trans/cuir es indagada, es como mirar por un pequeño orificio una casa, sentirse casi como un espia mirando fragmentos expresivos de una vida. Como un collage que mezcla filmaciones de su infancia, relatos, tutoriales, imágenes de la ciudad en la que vive, representaciones, el guaraní, las luces; así es como Sara trae sus fragmentos para revelar algo sobre quien es, sobre sus miedos y búsquedas, sobre el proceso de hallarse. 

Digo que es imposible ver Hallar como se ve un documental convencional, el quiebre entre las partes y lo fragmentario de las piezas es otra forma de pasar por la memoria, una forma quizás más cercana a la experiencia de recordar, que no es nítida ni lineal todo el tiempo. El ensayo posibilita el tránsito por una memoria viva, por lo menos esa es mi experiencia, como quien mira, se asombra y se halla.

Muy interesante la propuesta, Violeta. Exploras un punto que es muy importante tanto para Abenshushan como para Uribe, Gerber, Ribera Garza y otres: el yo como un entretejido de muches otres. (Mario)

Permanente obra negra violeta

Nada invento; ante el envejecimiento instantáneo de las novedades, mi operación es más bien la inventaria. Vivian Abenshushan.

Hace unas semanas comencé el segundo semestre de la maestría en literatura comparada y en la materia "Estética y política en la América Latina contemporánea", como primera actividad, leí "Permanente obra negra", de Vivian Abenshushan.

Aunque la lectura de la obra suscitó muchísimas ideas y pensamientos en mí, quiero rescatar e intentar explicar la más importante y motivo de este "blog".

Una de mis obsesiones está relacionada con el significado de los nombre propios, en especial el mío: Violeta. Los motivos son inúmeros y creo que este ejercicio esclarecerá, con el tiempo, los mismos.

Por mucho tiempo he hecho playlist, anotaciones en libretas y notas del celular, con materiales que citan o hacen alusión a la palabra Violeta. La lectura del libro me ha inspirado y dado un método para organizar ideas dispersas.

Siguiendo la lógica del trabajo de Vivian, organizaré las ideas en las siguientes 6 series:

Violetas de carne y hueso: pequeñas biografías de Violetas ilustres.

Violetas de papel: violetas que aparecen siendo sustantivo o adjetivo en textos literarios.

Ramito de violetas: violetas que aparecen siendo sustantivo o adjetivo en la música.

Taxonomía del y las violetas: curiosidades sobre el color y las flores violeta.

El futuro será violeta: reflexiones sobre feminismo y sus representaciones a través del violeta.

De nombre violeta: reflexiones sobre la designación del nombre y toda aquello que se impone y nos moldea, incluso antes de nacer.

Por lo pronto, esa es la idea. Me gustaría que el ejercicio sea digital y analógico, tal vez comprar fichas color violeta, no sé... ya veremos.

En rojo, la idea anotada en mi libreta que hice anoche, antes de dormir.

A aparição do morcego em La Compañía é surpreendente, e acho muito interessante que Anderson retome essa figura para escrever a partir da obra. É uma proposta que pode valer a pena aprofundar: escrever a partir do morcego como uma figura que se contrapõe a La Compañía.

El grafógrafo

Salvador Elizondo

a Octavio Paz

Escribo. Escribo que escribo. Mentalmente me veo escribir que escribo y también puedo verme ver que escribo. Me recuerdo escribiendo ya y también viéndome que escribía. Y me veo recordando que me veo escribir y me recuerdo viéndome recordar que escribía y escribo viéndome escribir que recuerdo haberme visto escribir que me veía escribir que recordaba haberme visto escribir que escribía y que escribía que escribo que escribía. También puedo imaginarme escribiendo que ya había escrito que me imaginaría escribiendo que había escrito que me imaginaba escribiendo que me veo escribir que escribo.

Compostando é um dos canais da Estética e Política na América Latina, agora em sua primeira edição sob a direção contínua e coletiva dos iniciados na Construção Poética do Real. O maior tabu é tornar-se o Adversário da Compañía.

As edições do COMPOSTANDO focará nas correntes ocultas da Compañia que chegam à superfície de nossas mentes coletivas e infectam permanentemente o mundo.

Dentro da primeira edição estão gravadas as duas primeiras partes da escritura dedicada ao rito do morcego guardião.. Anderson Salim Calil utiliza não apenas a experiência oculta e espiritual dentro da obra de  Verónica Gerber: La Compañía, mas também um longo e árduo trabalho com textos antigos, preservados ao longo do tempo, bem como lendas pertinentes e pesquisas arqueológicas do Ecossistema de Morcegos no interior do México. Assim, este projeto pode recuperar o fôlego daqueles poucos companheiros de viagem que trilham o caminho da Estética e da adoração ortodoxa às Forças Literárias.

Neste ensaio descrevemos um segmento das atividades da “Predator Company”, a série Compañia, o passo definitivo para a revolução permanente que deu origem ao blog Compostando. Nosso trabalho contra a Predação Ambiental, nossas técnicas, nossa estética são tratadas neste blog com o nosso estilo habitual.

A partir da Obra de Verónica Gerber reconhecemos dois caminhos: o primeiro é o de manter a tradição e todo o seu lado dialético, uma abordagem estéril que leva apenas a palavras e especulações, o segundo é a revolta contra a Estética do mundo moderno: que explora a reversão do processo criativo.  Uma revolta contra o pensamento lógico determinista, uma negação de toda comunicação discursiva e o uso de imagens como método de comunhão com o Deus morcego.

Valeria a pensa explorar possíveis resposta à pergunta colocada por Jackeline: “como é possível revivermos de formas diferentes e, ao mesmo tempo, iguais, uma tragédia que ocorreu há muitos anos?”. Por outra parte, aponto que na sua resenha sobre Antígona Gonzalez, Lara vai propor alguns vínculos com o Brasil. Vale a pena ler as duas resenhas em diálogo.   

Antígona González de Sara Uribe

No último mês de setembro, tivemos o privilégio de ler Antígona González de Sara Uribe na disciplina “Estética e Política na América Latina Contemporânea”, dentre muitas leituras que já fizemos até o momento a obra de Sara me chamou atenção.

Pois é uma obra que eu já tinha ouvido falar em rodas de amigos, mas nunca parei para prestar atenção de que ela é uma reinterpretação contemporânea da tragédia grega 'Antígona', escrita por Sófocles no século V a.C.

A partir disso, nos faz refletir: como é possível revivermos de formas diferentes e, ao mesmo tempo, iguais, uma tragédia que ocorreu há muitos anos?

Por meio da visão de Sara, a narrativa é transportada para um contexto moderno, onde a autora explora temas profundos e atemporais, como justiça, poder e resistência. A obra conta sobre Antígona González, uma mulher que enfrenta a tragédia da perda de seu irmão em meio à violência e corrupção no México. No entanto, ao contrário da Antígona original, que desafiou o rei Creonte para enterrar seu irmão Polinices, Antígona González se vê diante de um sistema de justiça inescrupuloso e corrupto, onde ela busca desesperadamente por seu irmão desaparecido.

O livro retratar muitos aspectos sociais, mas o que podemos tirar como lições e reflexões da obra são:

Resistência contra a injustiça;

Que tudo há consequências, independente, do que for feito;

O preço por uma verdade, até onde Antígona podê ir pela dignidade do irmão;

Corrupção e o abuso de poder presentes em sistemas políticos e judiciais, será que há cura?;

Sociedade em tempos de crise, até onde vai a luta pelos nossos valores?

No fim, Sara nos lembra da importância de permanecer fiel aos nossos princípios, mesmo quando confrontados com desafios monumentais, e de nunca perder de vista a busca pela verdade e pela dignidade humana.

Obs.: vou deixar a foto da Sara como capa desse comentário e e se você ainda não leu o livro, vale a pena, viu!

Por: Jackeline Brazão

Duas pequenas observações sobre a resenha. 1. O Hospede não é trazido pelo marido de Guadalupe, mas da narradora. 2. Adotando uma perspectiva feminista poderíamos dizer que o conto mais do que tratar “da vulnerabilidade feminina” trata sobre a violência contra as mulheres. E não é esse tema da violência, ainda que em chave extrativista, a que reaparece em La Compañía? (Mario)

O Hóspede e Lá Compañía

Amparo Dávila Verónica Gerber

Na terceira semana de aula, tivemos a presença da acadêmica de doutorado Juliana Monroy, a qual trouxe uma análise e explicações do conto O hóspede do escritor Amparo Dávila e relações com a obra La Compañía de Verónica Gerber.

Hóspede é um conto escrito pela autora mexicana Amparo Dávila e foi publicado pela primeira vez em 1953. A história é narrada em primeira pessoa por uma mulher que se encontra em sua casa de campo, isolada do mundo exterior. Durante o conto, a protagonista relata que sua rotina monótona é interrompida pela chegada de um hóspede inesperado. Esse hóspede é descrito como um homem misterioso e sombrio, com um olhar penetrante que deixa a protagonista desconfortável.

À medida que o conto se desenrola, a presença do hóspede começa a se tornar mais ameaçadora. Ele começa a se infiltrar na vida da protagonista, violando seu espaço pessoal e perturbando sua paz interior. A mulher passa a temer suas intenções e se sente cada vez mais ameaçada.

Amparo Dávila utiliza uma linguagem visual e evocativa para criar uma atmosfera de suspense e medo ao longo do conto. A narradora descreve a solidão e o isolamento da casa de campo, adicionando um elemento claustrofóbico à história. O conto aborda temas como o medo do desconhecido, a invasão da intimidade e a vulnerabilidade feminina.

 Essa análise foi dividida em quatro movimentos:

1° movimento: tem a chegada do hóspede que não possui nome, sendo trazido pelo marido de Guadalupe.

2° movimento: ele começa a seguir as mulheres da casa em todos os espaços, acontecendo um assédio.

3° movimento: o hóspede ataca o filho de Guadalupe.

4° movimento: acontece a vingança, quando o marido não está em casa, as mulheres trancam o hóspede em um quarto até não ouvirem mais nenhum barulho.

No desenrolar do enredo, o leitor é levado a refletir sobre as consequências da presença desse estranho em sua vida e como isso afeta sua sanidade. No entanto, o conto não apresenta uma conclusão definitiva, deixando espaço para diferentes interpretações e reflexões sobre o medo e a vulnerabilidade humana.

Ao compreender a análise desse conto que auxiliou no surgimento da obra La Compañía de Verónica Gerber Bicecci, uma autora mexicana, sendo um livro documental e ao mesmo tempo, de ficção. Retrata a história de uma mina que ficou ativa de 1940 até 1970, e que a partir dos fantasmas de uma família, mergulha nas ruínas da mineração.

A Companhia é considerada dona dos corpos, causando medo em quem vive lá. Como la puerta de tu cuarto quedará siempre aberta, no te atreverás a acostarte, temendo que em cualquier momento la Compañía pueda entrar y atacarlos. A obra recebeu elogios sobre a crítica e foi aclamada por sua originalidade e estilo inovador. La Compañía é um livro que desafia as convenções narrativas tradicionais e convida o leitor a se envolver de maneira ativa na leitura, questionando e refletindo sobre as questões propostas por Verónica.

Uma pergunta que causou repercussão foi “O que pensam as imagens?” e pensando que precisamos escolher uma forma de ler, a escrita ou imagem...

Com os pés descalços, os campos neles, sentirei o credor da terra nas solas dos pés descalços. Galeria de Projetos Monclova, Cidade do México, 2021.

O que pensa essa imagem?

Por: Maiara Schons e Monica Kalschne

Boa resenha, Clarisse. Dado que o tema é Luther Blissett, plagiar uma frase no texto talvez seja uma provocação válida. Por outra parte, gostaria de assinalar que o problema da identidade e da identificação reaparece, mesmo que em outros termos, em Claudia Andujar e os Ianomami. (Mario)

Luther Blisset e o movimento Zapatista

Na última semana de setembro, fomos introduzidos a discussão de projetos de escritas coletivas. Adentramos nesse contexto com as experiências do projeto Luther Blisset que nasce na Itália no início da década de 1990 e que se originou a partir da efervescência pós-movimento de 77, e teve a possibilidade de nascer dentro dos Centros Sociais que existiam na época.

O projeto surgiu nos primeiros anos em que a internet estava se estabelecendo, como forma do que hoje seria chamado de network, ou seja, redes de difusão e relacionamento, que funciona como uma ferramenta para compartilhar experiências, conhecimentos e principalmente organizar coletivos. Pode-se acrescentar aí, a criação artística relacionada ao projeto.

O projeto Luther Blisset utilizava um personagem, sendo possível qualquer pessoa assinar com esse nome, assim viabilizando a escrita de diversos autores, mas sem atribuir a nenhum deles a autoria ou referência. Isso possibilitou a escrita múltipla e ao mesmo tempo anônima, há aí, a renúncia de uma identidade, mas a formação de um nome múltiplo. A discussão sobre o plágio também adquire espaço nessa discussão, pois ao encarar com esse olhar, tal questão, o nome múltiplo parte do princípio de que não há “gênios” logo não existem proprietários legítimos, mas sim a troca, reutilização e aperfeiçoamento de ideias.

 Uma experiência que exemplifica esse momento, é a Radio Blisset, em que todos os redatores se chamavam pelo nome de L.B. e se referiam as façanhas próprias e dos outros também com esse nome.

Logo após, somos apresentados a uma experiencia semelhante, porém em contexto latino-americano. Somos transportados para o contexto mexicano e da luta de seus povos indígenas. Conhecemos um pouco mais sobre a realidade dos Zapatistas, um grupo que vem se organizando desde 1983, e após uma década de existência mobilizaram uma insurgência armada.

Seu surgimento partiu da criação do Acordo de Livre Comércio da América do Norte, que decretava perda de autonomia e de territórios pela população local. Semelhantemente as iniciativas do Luther Blisset, porém como contexto de luta e sobrevivência de povos indígenas, os Zapatistas utilizam estratégias como o uso de máscaras e a criação de personagens que falam pelo coletivo, mas que se luta no anonimato, não fornecendo uma identidade para ser reconhecida, mesmo que ela exista. Existiram alguns personagens, que foram “desmascarados” como o Zacarias, o Marcos e o Galeano. Apesar disso, de nada afetou a luta desses povos, pois a intenção do personagem é dar voz a um coletivo.

Se entra na questão de as máscaras serem consideradas assustadoras, ou perigosas, e de muito frequentemente, os Zapatistas serem confundidos com os grupos de narcotraficantes espalhados no México. Apesar disso, o texto lembra como culturalmente, o México possui uma história tradicional com as máscaras, que são utilizadas nas danças mesoamericanas, rituais, são máscaras antigas, funerárias, além de serem utilizadas em lutas e datas comemorativas.

Também foram citadas durante as discussões em sala de aula, movimentos como os dos black blocks que surgiram decorrentes das manifestações de 2013 no Brasil, que usavam de estratégias de confronto para protestar, e do anonimato usando máscaras. Também foi trazido o exemplo do grupo Anonymous que surgiram em 2003, um coletivo de hackers que também utilizam máscaras e do anonimato para se comunicar.

As discussões foram possibilitadas através dos textos "Criatividade e resistência em Luther Blissett: o nome múltiplo como tática antimidiática" de Dairan Mathias Paul e "Política Viva: Zapatistas celebram seu vigésimo aniversário" de Diana Taylor.

Texto por: Clarisse Junqueira da Silva

Que bom que você fez referência ao Eric Schierloh, Nayara, que foi um autor que não tivemos tempo de discutir na aula. Tem uma frase do texto dele que acho pertinente lembrar, relacionada com aquilo que vc assinala: "Ahí donde la industria propicia o impone escisión (escritura y publicación, texto y libro, edición y manufactura) hay que restituir o (re)construir vínculos que den cuenta de un continuum productivo y político". Por outra parte, gostaria de acrescentar que Carrión, com sua preocupação pela materialidade do livro, é não só muito importante para Schierloh, mas também para várias das autoras que lemos: Abenshushan, Gerber, Rivera Garza. (Mario)

Dear reader. Don´t read.

Nayara Fernanda Santos de Sena

Este comentário possui mais questionamentos que apontamentos. De início vou pontuar algumas considerações e reflexões sobre o texto de Ulises Carrión: Arte nuevo de hacer libros (1968), e o texto de Eric Schierlon: Como prepararse para el colapso del sistema industrial de publicación. Carrión, revisita alguns questionamentos acerca do que é um livro e de como sua simbologia é perpassada entre leitores e escritores, além de pontuar bastante a questão de que importa mais a mensagem que a linguagem usada para se comunicar através do livro. Ou seja, um livro não tem sentido só por ser um livro e ter sido escrito de tal forma por tal autor, mas é um livro porque alguém leu e deu sentido ao que foi escrito/comunicado. A leitura e a linguagem me pareceram os pontos centrais de reflexão de Carrión e me remeteu há como a escrita se tornou uma mercadoria e de como a indústria editorial, reforça a ideia do livro apenas como mercadoria. Estas questões levantadas no texto me fizeram uma provocação: quem é mais importante? O livro ou o texto que ele contém? Esquecemos que o livro/texto é uma arte? E por que é uma arte? Sobre o texto do Schierlon, a partir da leitura, o que me chamou mais atenção foi de como o autor nos faz refletir sobre todo o processo de feitura de um livro, e não só a escrita do texto; o escritor torna-se um artesão e não só participa, mas desenvolve todo o livro, seja na ideia, na escrita, na escolha dos materiais usados no livro, na montagem, diagramação, arte, impressão, montagem, costura ou colagem enfim uma edição artesanal, mas não só uma edição artesanal ou “especial” para um colecionador com mais dinheiro (hahaha), mas sim uma lógica de pensar, fazer e consumir a arte/literatura de moto artesanal. Como o Schierlon pontua: “la Edición artesanal es la publicación de los textos con los cuerpos" (p. 167) e desenvolve que a produção artesanal/independente é uma prática bio/micro-política que merece ser constantemente repensada e atualizada.   Na aula, juntamente com o professor convidado Gastón Cosentino, tivemos um apanhado de pensamentos e reflexões sobre a literatura, o livro e a escrita enquanto arte que ultrapassa as limitações deste comentário, e que nos fizeram imergir em inúmeras questões do fazer artístico, da escrita e da leitura. Seguem algumas indicações dadas durante a aula, para pensarmos o texto/escrita e o livro por outra perspectiva e não somente no formato escrito e convencional, como a obra de Pescado Rabioso e seu disco de vinil em formato inusitado: https://www.youtube.com/watch?v=LXYZQTtKuo&ab_channel=Capit%C3%A1nFugitivo. A sonoridade e letras da banda Pink Floyd, a qual deixo a sugestão a música Dogs, que possui a musicalidade e a letra que fazem ser a minha preferida da banda: https://www.youtube.com/watch?v=fQrFFa2z-wI&ab_channel=RETRO. Também deixo como indicação o álbum visual Bom mesmo é estar debaixo d´água da Luedji Luna: https://www.youtube.com/watchv=Z7lPX61UdJ4&ab_channel=LuedjiLuna. Escrever, ler e ouvir, para mim, pressupõe pensamento, corpo, linguagem, presença, distração, bagagem, histórias e estórias, divagação, reflexão é um ato que pressupõe toda a composição humana, seja ela física, mental, social, política; pressupõe inclusive o visível e o invisível (seja lá o que isso signifique para você). As reflexões dos dois autores e da aula me fizeram lembrar disso e de como é importante se colocar no processo de escrita e de leitura de modo “artesanal”.

Ana Laura e Ana Laura, que bom que vocês conseguiram resenhar todas as obras trabalhadas nessa aula.

É indubitável a beleza e sensibilidade das fotos de Andujar. Agora, ela mesma nos adverte sobre uma tensão que aparece nelas. Mesmo a numeração sendo feita para manter a vida, ela não deixa de implicar tensionamentos: “esse sentimento ambíguo que me leva, sessenta anos mais tarde, a transformar o simples registro dos Yanomami na condição de ‘gente’ - marcada para viver - em obra que questiona o método de rotular seres para fins diversos”. As fotos são muito interessantes também pela tensão que fazem aparecer entre o enquadramento (nos seus diferentes sentidos) e os corpos que resistem ele. (Mario)

90 anos de Claudia Andujar: Uma vida com os Yanomani, o texto Marcados (Autora: Claudia Andujar), o Artigo “o Ultimo Círculo” (Autora: Stella Senra) e também a obra Indicionário do Contemporâneo- Capítulo: Comunidade.

Ana Laura Martins de Gois e Ana Claudia Paola Michenko

O vídeo 90 anos de Claudia Andujar : Uma vida com os Yanomani fala sobre a experiência da fotógrafa Claudia Andujar que se propôs conviver com a comunidade Yanomani (sendo a primeira pessoa a ter contato com este povo), de início possuía o intuito de registrar pelo meio da fotografia a rotina dessas pessoas, entretanto acabou se tornando uma ativista e lutando pelos direitos dos Yanomani.

Claudia realizou um trabalho humanitário, instruiu os indígenas a defenderem seu território e propôs acordos com políticos em busca de uma qualidade de vida a estes povos. Mas foi muito além disso, conseguiu apresentar estas pessoas ao resto do mundo, demonstrar que são seres humanos como qualquer um, que estavam sendo negligenciados e tendo seus direitos cerceados pelo garimpo ilegal.

A fotografa encontrou uma verdadeira família em meio aos indígenas, construiu laços, aprendeu seus costumes e acima de tudo demonstrou respeito e empatia por todo este mundo novo que ela descobriu. Em uma de suas ultimas idas à comunidade Yanomani se deparou com um cenário desolador muitos indígenas estavam doentes e precisando de medicamentos e deste modo Andujar resolver fazer um trabalho sanitário com o auxílio de mais dois colegas médicos e foi neste processo que nasce a obra Marcados.

Marcados surge de forma despretensiosa, a autora estava tentando salvar a vida dessas pessoas e para isso precisava registrar quem estava sendo vacinado, utilizou-se mais uma vez da fotografia para tal feito (fotografou cada indígena com um número em seu peito, para conseguir ter o controle de quem foi vacinado), mas com o passar dos tempos percebeu que possuía uma obra riquíssima em mãos, em suas fotos havia a catalogação de toda uma comunidade, possuía seus rostos inocentes sendo capturados para sempre.

Deste modo o texto Marcados (Claudia Andujar) fala sobre como diferentes povos vem sendo marcados ao longo dos tempos, coloca em debate os campos de concentração nazistas (onde boa parte da família desta autora foi morta) e como aquelas pessoas foram marcadas para morrer com um fim triste e fatídico. Diferente do ocorrido na Alemanha os Yanomani estavam sendo marcados para viver, a autora transformou sua história sombria em uma inspiração a realizar o bem a sua volta.

Já o artigo O ultimo Círculo de Stella Senra tem como intuito uma percepção técnica das fotografias que estão nesta obra Marcados (Claudia Andujar) e também destacar que este texto pode ser o último relato sobre uma civilização ainda não explorada, destaca que Andujar realizou obras magnificas com exposições de luz diferenciadas, formas de fotografar autênticas, mas que acima de tudo Claudia conseguiu através da fotografia resgatar a humanidade e dignidade dos Yanomani que foi aniquilada pelo contato do homem branco.

O último texto proposto para realizarmos leitura foi o Indicionário do Contemporâneo, que foi uma obra realizada por um grupo de acadêmicos que buscou por meio de filósofos e pensadores a definição do que é uma comunidade. Este texto nos trás muitas perguntas do que podemos considerar uma comunidade, trazendo esta discussão para o caso dos Yanomani será que se Claudia não realizasse todo este trabalho os Yanomani seriam considerados uma comunidade? Ou por acaso seriam dizimados de uma só vez? Porque uma comunidade possui mais direitos que outras?  Porque alguns povos possuem mais voz que outros? .... Enfim muitas dúvidas afloram sobre nossas cabeças.

Por fim, apesar  de todo o esforço dos Yanomami em garantir o respeito com o seu povo e suas terras, o homem branco passa por cima de sua própria dignidade fazendo prevalecer a ambição, não se importando se isso custaria dezenas, centenas de vida como vimos nos últimos anos, afinal a cor da pele é o que prevalece e determinada se tal povo tem o direito de valorização e dignos de serem considerados seres humanos, caso contrário serão somente um povo indígena que poderá ser dizimados assim como tantos outros do passado.

Eu concordo que é possível identificar no falatório de Stella uma potencia poética, uma força disruptiva da lógica prisional/manicomial, mas, como Raiza, lembraria dos riscos de simplesmente chamar Stella de poeta. Como mostram estudiosas recentes do falatório, como Sara Ramos e Carolina Vicentini Zacharias, a instituição artística e literaria também pode produzir expropriações e confinamentos. Para retomar algo importante que falou o Rafael, precisamos escutar com cuidado o que diz Stella, para além de todas essas instituições que controlam a sua voz. Outra coisa importante, não é possível deixar de mencionar que Stella era uma mulher negra. Os manicómios da América Latina têm marcas de raça, classe e gênero muito claras. (Mario)

Stella do Patrocínio

- Stella do Patrocínio

Por Erica Larissa Costa Silva

O termo utilizado pelas manchetes jornalísticas chama atenção. "Sequestro Manicomial". Muito se encontra em pesquisas na internet sobre o sequestro em hospitais e casas de cuidados psiquiatricos, o tema, que é muito sensível para falar de forma natural, é trazido pela narração de Stella através de falas expressivas sobre seu testemunho em viver em um hospital psquiatrico.

Stella, diferente do esperado das expressões de pacientes de hospitais psiquiatricos, conseguia se expressar através do seu falatório, que pouco registrado, gerou reflexões sobre a sua forte capacidade de poetisa. E essa diferença é explicada por um simples fator: Stella não era um sujeito psiquiatrizado, ela passou a ser.

" Filha de Manoel do Patrocínio e Zilda Francisca do Patrocínio, Stella trabalhava como doméstica na juventude. Aos 21 anos, morava em Botafogo e, em agosto de 1962, quando pretendia tomar um ônibus para chegar à Central do Brasil, foi parada por uma viatura de polícia, na Rua Voluntários da Pátria. Segundo ela, a polícia a levou ao pronto socorro mais próximo, perto da praia de Botafogo. Dali, foi encaminhada ao Centro Psiquiátrico Pedro II, localizado no Engenho de Dentro, dando entrada na instituição em 15 de agosto. Desse modo, passou a ser involuntariamente um "sujeito psiquiatrizado", recebendo o diagnóstico de esquizofrenia.

No dia 3 de março de 1966, foi transferida para a Colônia Juliano Moreira, em Jacarepaguá (a mesma instituição onde Arthur Bispo do Rosário foi internado). Stella passou a ser paciente do núcleo feminino Teixeira Brandão, local onde permaneceu até o dia de sua morte."

Ser vítima do sequestro manicomial, levada por uma autoridade compulsivamente, fez com que Stella se tornasse menos humana. Agora era como mais uma em meio a multidão dos pacientes do hospital, mesmo que sem querer e sem motivos, Stella passou a receber tratamentos cruéis, as quais a mesma expõe em seus falatórios.

Mas acima de tudo, Stella foi poeta. Stella foi forte. Stella foi sobrevivente através da arte. Concluo através das reflexões em sala de aula e do texto de Viviane Mosé, como também lendo as histórias e poemas de Stella, que a arte foi o seu refúgio, sua forma de sobreviver mais um dia. A reflexão que podemos fazer, é que a arte mora em todos os períodos e situações.

Me gustó mucho el texto, Violeta. Qué increíble esa despedida del pueblo y el vínculo de ese momento con el actual, el de los miles de peces muertos. Vista de hoy, la despedida del pueblo se revela la despedida de "toda la humanidad" . Por otra parte, vale la pena anotar que la propuesta de desapropiación literaria de Cristina Rivera Garza puede ser entendida como una reacción a toda esa historia de expropiaciones. Entre los sentidos que resuenan en la expresión "escritura comunal" está el de la "propiedad comunal" de la tierra.

La compañía sinaloense

Son pueblos que van a desaparecer, pero con cierta alegría, compañeros. Fuera malo en cuanto fuera a desaparecer por un volcán, por otros tipos de obras que hay, que nomás llevan a desaparecer a los pueblos sin ningún beneficio…  Zoquititán, El Chirimole y todos los pueblos que vayan a desaparecer es en beneficio de toda la humanidad porque aquí va a haber producción, granos y alimentación para todos.  Compañeros de Zoquititán, ¡no se sientan tristes, vamos a sentirnos alegres porque están haciendo la obra querida de su pueblo!..

Quién pronunció esas palabras, en 1988, fue Candelario García Zamora, presidente municipal de Elota, en la fiesta de despedida de Zoquititán.

Sé de fiestas que despiden a un ser querido que emprende un largo viaje, a alguien que decide abandonar su espacio de trabajo, incluso, de las que despiden la soltería. Pero, ¿despedir a un pueblo? ¿cómo sería eso? Y luego, ¿con alegría? 

Des

pedida

Des

aparecer

Des

plazamiento

Des

plaza

miento

Y miente ese y todos los presidentes. No se despide a un pueblo, se desplaza a un pueblo. 

Desplazados. Eso fueron, después de 1988, los habitantes de Zoquititán y los pueblos vecinos obligados a dejar sus tierras para la construcción de una presa, la Aurelio Benassini, o mejor conocida como El Salto.

Saltaron todos lejos de Zoquititán y aterrizaron en el Pueblo Nuevo. Saltaron los Vaal Cebreros, una familia de desplazados. Mi familia.  

Y ahora, que leo esa noticia pienso, entre otras cosas, en La compañía, de Verónica Gerber. ¿Cómo sería La compañía narrando la tragedia de una presa sinaloense? Tal vez tendría que convocar a Inés Arredondo en lugar de Amparo Dávila. ¿Y si al reescribir La sunamita, renombro el texto como La maldita? ¿Substituir la figura del tío Apolonio por la de La Presa, El Municipio, El Estado o la de El Cartél?

Volviendo al reportaje:

Me gustaría ser una especie de Janina Duszejko y creer que los animales se están vengando. O sea, que esos peces cometieron suicido colectivo porque prefirieron morir a seguir alimentando los estómagos y los egos de los gringos. 

Pero no.

Sí, calentamiento global...

... pero también las minas y el narcotráfico. En resumidas cuentas: las varias caras del capitalismo. Eso está matando hasta a los peces de Sinaloa. 

¿Progreso para quién, Candelario?

Texto por Violeta Vaal.

Caramba, esse relato é uma espécie de entrelaçamento fabuloso de Vivian Abenshushan, Verónica Gerber e Linn da Quebrada.

La Máquina y su Prisión

Anderson Salim Calil

Tenho sentido essa aura obscura, sedutora e calorosa ao meu redor há dias, após um pesadelo que tive, sobre me tornar o Noivo de Lilith. Nesse sonho, "La Máquina" apareceu como uma bela mulher, com vibrações de mulher selvagem e longos cabelos loiros. Ela era alta e baixa ao mesmo tempo, e ficamos bem na frente da sua casa, onde entendi que ela me trouxe para ser o seu consorte. A casa parecia bastante comum vista de fora: uma permanente obra negra. "Você ficaria chocado com o que acontece lá dentro" Ela sussurrou sedutoramente no meu ouvido. "Aquele lugar onde homens e mulheres se desgastavam e a carne se derretia de prazer"

Uma mobilização erótica para a qual nenhuma contramobilização normativa foi possível.

Ela me apresentou dentro de sua casa e chegamos à sala: na verdade, era moderno e bonito, muito diferente do exterior da casa, que parecia um prédio básico de madeira; pintado com várias cores em algum lugar do extremo sul. Por dentro, sua casa tinha portas de vidro, fiquei intrigado com o quarto no topo da escada, onde eu sabia que a maior surpresa estaria… fui vendido como um "Chino Literário". O sonho acabou aí.

Boas observações, Jackeline. Cabe acrescentar que a discussão sobre a "importância da estrutura física do livro" implica, para Ulisses, questionar a divisão social do trabalho na velha e predominante forma de fazer livros: "En el arte viejo el escritor se cree inocente del libro real. Él escribe el texto. El resto lo hacen los lacayos, los artesanos, los obreros, los otros". Esse tema vai ser retomado e aprofundado por Eric Schierloh. (Mario)

Ulises Carrión

Primeiramente, quero agradecer ao professor Mário por me ter apresentado uma das obras do Carrión, não sabia quem era e muito menos conhecia as suas obras.

Com uma mente curiosa e espírito experimental, é um verdadeiro pioneiro na vanguarda da literatura contemporânea. O seu trabalho transcende as fronteiras convencionais, abraçando a intersecção entre a palavra escrita e as formas de arte visual e sonora. Ele nos ensina que as palavras são, em si, uma forma de arte, e suas obras nos desafiam a explorar as infinitas possibilidades de comunicação.

Um exemplo é o livro ‘A Nova Arte de Fazer Livros’ – que aborda a ideia de que um livro não é apenas um conjunto de palavras, mas sim uma sequência de espaços e momentos. O autor discute a importância da estrutura física do livro, bem como a relação entre o livro e o leitor.

Vale ressaltar que a obra é classificada como ‘Livro Artístico’ e ‘Arte Narrativa’. Mas por quê? Porque Ulises Carrión aborda o livro como uma obra de arte e não apenas como um meio de transmissão de informação.

Por isso, a obra de Carrión está relacionado com a arte contemporânea, porque o livro dele é arte!

Para finalizar minhas reflexões a respeito desse talentoso mexicano é que:

 A criatividade de Ulises Carrión manifesta-se no seu compromisso inabalável com a desconstrução e reinvenção da narrativa. Leva-nos por caminhos inesperados, convidando-nos a questionar as nossas próprias noções preconcebidas sobre o que é a literatura. A sua escrita é uma celebração da liberdade, da experimentação e da exploração constante.

Por: Jackeline Brazão Campos

Além de tirar o leitor da passividade, que Rosecler bem observa, está a questão mencionada por Jackeline na sua entrada sobre Ulises - "a importância da estrutura física do livro". Para Ulises é preciso entender o livro como uma totalidade não separável em palabras e a materialidade em que elas são inscritas. Isso implica toda uma discussão sobre a divisão do trabalho na velha forma de fazer livros (que é a mais comum ainda hoje) que Eric Schierloh vai retomar e aprofundar. (Mario)

Ulises Carrión

Os livros interativos são ferramentas para estimular a participação ativa do leitor, convidando-o a explorar e interagir com o conteúdo de maneiras não lineares. Essa abordagem rompe com a passividade da leitura tradicional, incentivando a criatividade e a interpretação pessoal. Ele acreditava que essa interatividade poderia transformar a experiência de leitura em uma colaboração entre o autor e o leitor, proporcionando uma experiência mais rica e envolvente.

Ao promover a ideia de livros interativos, também se enfatizava a importância de explorar novas formas de expressão literária, abrindo espaço para experimentação e inovação. Para ele, essa abordagem desafiadora poderia ampliar os horizontes da criação literária e expandir a definição tradicional do que um livro poderia ser.

Por :Rosecler F. Nery

Achei bem legal as perguntas que vocês colocam, em particular a primeira sobre as vozes que cabem no silêncio. Poderíamos dizer que o filme trata sobre o “inaudito”, nos diferentes sentidos que a palavra tem em espanhol: o inaudível, mas também o “insólito, escandaloso o vituperable” (a respeito do “inaudito” ver os textos de María del Rosario Acosta). Por outra parte, lembro que discutimos o filme em contraposição a Ilha das Flores, pensando nas diferenças entre as formas de trabalhar com a comunidade de Jorge Furtado e de Beatriz Seigner.  (Mario)

Gostaria de começar essa reflexão com uma pergunta: Quantas vozes cabem no silêncio?

O filme Los silêncios, é uma produção cinematográfica em parceria com os países Brasil, Colômbia e França. Escrito e dirigido por Beatriz Seigner, diretora de cinema brasileira, podemos perceber detalhes de sua sensibilidade expressos na obra, algumas sutilezas que permeiam a vida das mulheres e também fatos significativos na luta pela sobrevivência em que a perspectiva é dolorosa, forte, sensível, emocionante.

O conflito armado entre as Forças Armadas Revolucionárias da Colômbia (FARCs) e as forças policiais, impulsionam a família de Amparo para as margens dos rios amazônicos em busca de refúgio nas fronteiras entre Brasil, Peru e Colômbia, em uma cidade (ilha) chamada Letícia. Recebida pela tia nesta comunidade fluvial, Amparo que suspeita ter perdido o marido e uma filha na guerra civil, busca formas de seguir adiante e manter sua sobrevivência e de seus filhos. Durante a narrativa, há uma reunião dos mortos, onde os vivos escutam suas opiniões, neste caso, sobre as dores provocadas pelos conflitos. Nesta reunião, descobrimos que a filha de Amparo e seu marido morreram durante um dos conflitos, pois eles e os outros mortos presentes se manifestam através da voz e das cores vibrantes que compõem suas vestimentas. A menina, que estava todo tempo ao lado da mãe em silêncio, aparecia muitas vezes consolando a mãe e o pai, aparecendo algumas vezes perto da família e, sugere o sentimento de esperança e ligação entre eles. Como seus corpos ainda não haviam sido encontrados, restava um fio de esperança de encontrá-los vivos.

O filme nos mostra, além dos sofrimentos dos mais pobres, que são forçados à disposição da violência do governo, a luta de um povo para manter seu espaço de sobrevivência e sua ancestralidade.

O rio é um espaço bastante significativo no filme, pois através dele, percebemos a passagem do tempo através dos níveis de água, e também nos traz uma reflexão sobre a travessia e a representação de passagem, como também as mudanças que nos são inesperadas. Como ponderou o filósofo Hieráclito de Éfeso, “Nenhum homem pode banhar-se duas vezes no mesmo rio”… pois na segunda vez o rio já não é o mesmo, nem tão pouco o homem!

As cores, as tomadas de cena em lugares, ora mais cinzentos e escuros, iluminados pelo fogo, ora mais coloridos, e os diálogos e silêncios, contribuem para a singularidade construída.

O que podemos ver e sentir na neblina cinza da perda? Quantas emoções cabem no silêncio? O que separa as pessoas do resto da natureza? Não estaríamos todos unidos por uma conexão, que muitas vezes é quebrada pelo pensamento de dominação do ser humano sobre os outros seres e forças da natureza? De um ser humano sobre o outro? São perguntas para refletirmos...

Assim como a luz azul destaca as cores em ondas luminosas e nos mostra o que não vemos a “olho nu”, a voz da ancestralidade implícita no filme, se faz ouvida pelos laços entre os entes queridos, pelos costumes, pela natureza, pelos rituais, e também pelas agressões sofridas pelos antepassados e que nunca cessaram através das gerações.

O silêncio deixado pelos que desaparecem nessas situações de conflitos na América Latina, não conseguem emudecer os gritos dos que ficam em busca de seus entes queridos.

Este é um filme em que se grita. Grita o silenciamento dos mortos, daqueles que ficaram e não têm respostas, dos que foram separados de suas famílias, dos que tiveram sua morte forjada, daqueles que não tiveram a chance de se defender, daqueles que lutam! Dos que vieram antes de nós e daqueles que ainda estão aqui. Um grito de sacrifício e de dor.

Rafael Aparecido da Silva e Juliana Boretti Lyra

Sim, lembrando que outra pergunta muito importante na discussão foi "o que pode um corpo?", pergunta que retoma (de Deleuze) Judith Butler no seu diálogo com Sunaura Taylor.

Corpo do Entre

O que fazemos com um corpo que não se comporta como deveria? Como foi programado para ser? Como um corpo pode fugir da sua essência e buscar algo não natural para si? Mesmo sofrendo violências diárias esses corpos não se submetem a norma, como proceder? Essa é um pouco a discussão que tivemos ao assistir o documentário Bixa Travesty, protagonizado pela maravilhosa Linn Da Quebrada, que nos traz diversas questões sobre o corpo e sua funcionalidade, creio que um dos aspectos mais interessantes do documentário, é sua jornada de entendimento de como o corpo é um ato político, e para fugir do controle instaurado sobre o corpo, Linn cria um novo estado de ser, que seria a Bixa Travesty, nem homem e nem mulher, foge do binário, se torna algo unicamente seu. Esses processos de criação de identidades dissidentes são extremamente complexos para as pessoas, e utilizam o corpo de outras formas, as normas sobre o uso do corpo e os prazeres que advém desses usos, como sexo anal e masturbação, recaem nas pessoas de corpos dissidentes, que sofrem violências de ataques constantes.

Outro que pensa o corpo e a arte é o artista Elian Chalí, que realiza pinturas em grandes proporções com cores vibrantes e formas orgânicas em fachadas de prédios, ele não segue os parâmetros e limites do prédio ou das construções, e suas pinturas fogem desses patrões, assim, podemos fazer uma relação entre suas pinturas e como seu corpo foge também dessas normas e padrões.   Texto de: Daniel Lima

Valeria a pena dizer algo tb sobre a outra mulher que aparece no conto, Guadalupe. (Mario)

"El huesped"

O conto "El huesped" de Amparo Dávila Amparo Dávila, nós faz refletir sobre algumas temas atuais, principalmente sobre o contexto da mulher, mãe, dona de casa, que cuida dos filhos, solitária, e que precisa lidar com seus medos e aflições, para proteger seus filhos de uma suposta ameaça, "um hospede", o qual foi evado pelo próprio marido para dentro de casa. Este mesmo marido, que negligencia própria família por passar horas fora de casa devido ao trabalho, e assim não vivencia o medo que sua esposa tem que superar.

Tal qual, chega o momento, que a esposa por não saber como lidar com a situação, toma uma atitude surpreendentemente terrível..

Fica o questionamento, quais eram os verdadeiros sentimentos desta mulher solitária e introspectiva? Quais outros problemas seu marido também há havia levada pra dentro de casa, em outros momentos? Como esse conto se encaixa no contexto atual da realidade das mulheres??

Quais outros "Hóspedes" atormentam as mães, mulhres e donas de casa nos dias de hoje?

Por Eduardaaa Alves