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Anne Ma Mboy
Blog traitant différents sujets en lien avec le design graphique
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Si personne ne déteste votre travail, personne ne l'aime vraiment non plus.
Jessica Walsh
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Il y a trois réactions possibles à tout design : oui, non, et WAHOU ! La troisième est celle que je vise.
Milton Glaser
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Le Bad Painting
Littéralement, "mauvaise peinture", le terme désigne un style de peinture qui apparaît aux Etats-Unis à partir de 1978 et qui se développe au début des années quatre-vingt. Le Bad Painting s'imprègne des mouvements marginaux de l'époque. Il s’inspire de la rue et de ses modes d'expression artistique ou publicitaire comme les dessins réalisés au pochoir, le graffiti ou encore les affiches.
Ces artistes pratiquent une peinture figurative. Ils effectuent des surcharges de couleur, ne respectent aucune des règles classiques de la composition et utilisent des matériaux divers et hétérogènes collés sur toile ou sur bois.
‘Air Power’ de Jean-Michel Basquiat, 1984
Ce retour expressionniste à la peinture s’impose face aux canons de l’époque et permet de critiquer le politiquement correct de l'art intellectuel comme le conceptualisme et le minimalisme. Les artistes donnent l'impression de bâcler leurs représentations graphiques et revendiquent le mauvais goût de leurs œuvres.
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L'information n'est utile que lorsqu'elle peut être comprise.
Muriel Cooper
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Ludwig Hohlwein
Ludwig Hohlwein fait parti des affichistes et graphistes les plus inventifs du début du XXème siècle.
Né en 1874 à Wiesbaden et mort en 1949 à Berchtesgaden, il étudie à l’université technique de Munich. Il réalise ses premières illustrations pour le journal de l’association “Akademische Architektenverein”. Il devient dessinateur technique pour des revues spécialisées. L'Allemagne est alors en plein mouvement Jugendstil, équivalent en Allemagne de l'Art nouveau. C’est un mouvement artistique moderniste international embrassant toutes les disciplines.
A la fin du XIXe siècle. Le jeune Ludwig Hohlwein décide de voyager à Londres, où il voit les travaux des Beggarstaffs, connus pour leur technique de collage originale. Il revient s'installer à Munich en tant qu'architecte pour des particuliers ou sur de gros chantiers.
L’année 1905 marque un tournant dans la vie d’Hohlwein : après avoir exposé quelques travaux personnels, il remporte différents concours publicitaires. Il reçoit ses premières commande d'affiches. Bon cavalier et féru de chasse, il conçoit en 1906 l'affiche Ausstellung für Jagd und Schiesswesen.
Ausstellung für Jagd und Schiesswesen, 1906, Ludwig Hohlwein
En 1924 il a déjà produit plus de trois mille affiches et a une influence au-delà des frontières allemandes !
Hohlwein développe un style qui lui ai propre et qui rejoint le Plakatstil ou Sah Plakat propre à des artistes comme Lucian Bernhard ou Julius Klinger. Ce mouvement correspond à l’âge d’or de l’affiche allemande presque vingt ans après l'apparition des premières affiches lithographiées artistiques en couleurs dont Jules Chéret fut l'un des grands promoteurs.
Hohlwein est aussi connu pour avoir participer activement à la propagande nazi. En 1931, il décline l'offre qui lui est faite de venir travailler aux États-Unis et adhère au NSDAP en 1933, pour lequel il a déjà exécuté de nombreuses commandes juste avant l'accession au pouvoir du parti nazi. Il conçoit avec le photographe Heinrich Hoffmann l'identité visuelle des Jeux Olympiques de 1936. Après 1945, il fut interdit d'exercer jusqu'en février 1946.
Olympic Games, Berlin, 1936, Ludwig Hohlwein
Le « style Hohlwein » se reconnaît par son utilisation, autour d'un objet simple (animal, chaussure, etc.), de clairs-obscurs francs et de contrastes affirmés façon « pochoir ». Il a recours à des aplats de couleurs vives, parfois au détourage, et imite la technique du découpage. On pense que la plupart de ses affiches étaient basé sur des photographie ce qui lui permettait de capturer la complexité des ombres et lumières.
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PES et le stop motion
Dans ce post nous allons voir en quoi consiste le stop motion pour nous intéresser ensuite à PES.
Le stop motion est une technique d'animation utilisée avec des objets réels, dotés de volume. Alors que les objets sont immobiles en eux-mêmes, cette technique permet de créer l'illusion qu'ils sont dotés d'un mouvement naturel. Les scènes sont animées image par image. Différents types d'objets sont utilisés à cette fin comme des figurines articulées, des maquettes articulées, du papier plié ou encore de la pâte à modeler. De nombreux films d’animation utilisent cette technique comme Wallace et Gromit ou encore Robot Chicken.
PES, quand à lui, est le créateur de plusieurs court-métrage réalisés en stop motion. Il a réalisé des vidéos très connues comme “Western Spaghetti” (2008) “Fresh Guacamole” (2012) nominée aux Oscars en 2013 ou encore “Submarine Sandwich” (2014). Ces trois vidéos revisitent des recettes de cuisine connues avec comme aliments des objets du quotidien. Ce concept, très apprécié par le public s’est vu repris par bon nombre de personne, si bien que l’on peut parler d’un nouveau genre, appelé le “stop motion cooking”.
youtube
Fresh Guacamole, réalisé par PES, 2012
Le style unique de substitution d'objets de PES, combiné à une animation en stop-motion, est immédiatement reconnaissable. On peut le voir dans ses premières œuvres comme Roof Sex (2001), son premier court métrage d'animation, dans lequel deux chaises grandeur nature s'échappent sur un toit de New York pour avoir des relations sexuelles ou encore KaBoom! (2004), dans lequel un bombardier jouet de la Seconde Guerre mondiale transportant une grosse "bombe" d'arachide laisse tomber sa charge sur une ville miniature.
En 2016, PES a reçu une nomination aux Emmy® Award pour sa publicité “Honda "Paper"”, un tour de force en stop motion présentant les 50 ans d'histoire de la Honda Motor Company. Le spot a remporté de nombreux prix de l'industrie de la publicité, y compris le "Prix de la publicité automobile de l'année" du One Show. Il a également été récemment ajouté à la collection permanente du Musée de la publicité du Louvre et du Musée d'art moderne.
youtube
Honda “Paper”, réalisé par PES, 2015
Le plus récent film de PES est “The Fish”. Il a été lancé le Jour de la Terre et aborde le problème de la pollution des océans.
youtube
The Fish, réalisé par PES, 2019
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Motion design
Le motion design est une forme d'art visuel consistant à créer des œuvres animées. Il implique d'utiliser le mouvement comme principal outil graphique et artistique.
La pratique du motion design implique généralement plusieurs domaines de création comme l'écriture, la conception, la direction artistique, le tournage, la création et l'animation d'objets graphiques variés.
N'ayant pas de définition universellement acceptée, l'éventail de disciplines couvertes par le motion design est parfois controversé. Certaines personnes résument le motion design seulement au graphisme animé (motion graphics), alors que d'autres sont en faveur d'un sens plus large qui englobe toutes les techniques animées, comme la prise de vue, le dessin animé, l'animation 3D, les effets spéciaux, le montage et la post-production.
Le graphiste américain Saul Bass est souvent considéré comme le pionnier du motion design. Il a révolutionné l'identité visuelle au cinéma et les génériques de film avec une approche graphique basée sur le mouvement, conférant ainsi une dimension narrative et artistique à un support autrefois purement informatif et légal. Son œuvre inclut des génériques de films comme L'Homme au bras d'or (1955), Sueurs froides (1958) ou encore Psychose (1960).
youtube
Générique du film “L’Homme au bras d’or” d'Otto Preminger - 1955
Quelques années plus tard, un autre américain, Maurice Binder, devient une référence internationale dans la création de génériques de films. On le connaît surtout pour ses séquences d'ouverture des James Bond, créées en 1962 pour James Bond 007 contre Dr No.
Avec internet, l'amélioration des bandes passantes, l'explosion du numérique et la création d'agences spécialisées, de nouveaux métiers et de nouveaux outils ont vu le jour.
Au milieu des années 2000, les principales agences de publicité françaises (TBWA, Publicis, EuroRSCG) ont reconnu l'intérêt des motion designers en montant des « pôles motion » pour répondre à la demande grandissante de créations d'animations (Flash) et de vidéos (YouTube, publicités...) à fortes contraintes (poids, ambitions, durée, format). Le motion designer est censé prendre en compte ces contraintes techniques pour trouver une solution adaptée.
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Evolution du graphisme dans le jeu vidéo
Les graphismes de jeu vidéo représentent l'ensemble des formes sous lesquelles les jeux vidéo sont représentés à l'écran.
Les nombreuses techniques utilisées évoluent depuis les premiers jeux vidéos. Cette évolution est directement liée à la progression des capacités matérielles informatiques et celles des logiciels.
Dans ce billet, nous n’allons pas parler de toute les évolutions du graphisme dans le jeu vidéo. C’est un sujet trop vaste pour être traité en un seul post ! Je vais donc parler des plus importantes en détails.
Les graphismes utilisés dans la genèse du jeu vidéo ne sont composés que de texte. Les joueurs lisent donc les représentations de salles, objets ou actions réalisées dans ces jeux appelés jeu textuel. Les Multi-user dungeon aussi appelés MUD sont des jeux d’aventure textuels. Certains des premiers jeux textuel ont été développés pour les systèmes informatiques qui n'avaient aucun affichage vidéo. Ainsi, beaucoup de programmeurs commencent à créer des jeux de ce type afin de se familiariser avec un langage de programmation.
LostSoul, un MUD, scène de combat contre un ennemi
Les jeux vidéos à graphiques vectoriels désignent ceux utilisant un écran d’affichage vectoriel. Ce dernier est capable de projeter des images à l'aide d'un faisceau d'électrons afin de dessiner des images plutôt que des pixels. De nombreux jeux d’arcade anciens utilisent cette technique et ces écrans, car les jeux et le matériel sont capables d'afficher plus de détails sous cette forme. Des calques de couleurs étaient souvent utilisés pour compléter les images vectorielles. Après 1985, l'utilisation de graphiques vectoriels a considérablement diminué en raison de l'amélioration de la technologie et des techniques d'affichage.
Ainsi, les jeux vidéo utilisent de plus en plus les graphismes matriciels. On retrouve dans cette catégorie les graphismes 2D et 3D. Il existe plusieurs points de vue dans ces deux graphismes notamment pour la 2D. La perspective en vue du dessus et les jeux à défilement latéral sont les points de vue les plus utilisés.
La perspective en vue du dessus se réfère à un angle de caméra qui montre le joueur et la zone autour de celui-ci d'en haut. On la retrouve dans les wargame, les jeux de simulation, de gestion tel que SimCity, mais aussi dans des jeux d'action ou d'action-aventure comme The Legend of Zelda et Grand Theft Auto.
2006-2007, Pokemon Diamant
Dans un jeu à défilement latéral, le point de vue est pris de côté. Les personnages à l'écran se déplacent généralement du côté gauche de l'écran vers la droite. Les jeux de ce type utilisent la technologie d'affichage par ordinateur appelée scrolling, et parfois le défilement parallaxe pour suggérer une certaine profondeur.
Dans de nombreux jeux, l'écran suit le personnage du joueur de sorte que le personnage du joueur soit toujours positionné près du centre de l'écran. Mais le personnage du joueur peut aussi être décentré si la position de l'écran change en fonction du mouvement du personnage.
Dans les jeux tels que les shoot 'em up comme R-Type, l'écran défile vers l'avant seul à une vitesse régulière, et le joueur doit suivre l'écran, tenter d'éviter les obstacles et de collecter les objets avant qu'ils disparaissent. D’autres exemples de jeux à défilement latéral sont les jeux de plate-forme tels que Sonic the Hedgehog mais aussi les beat them all comme Double Dragon et Battletoads.
1991, Sonic The Hedgehog, Green Hill Zone
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Margaret Calvert
Margaret Calvert née en 1936 est une typographe et graphiste britannique. Avec son collègue Jock Kinneir, elle a conçu de nombreux panneaux routiers utilisés dans tout le Royaume-Uni, ainsi que la police Transport utilisée sur ces panneaux, la police Rail Alphabet utilisée pour le système ferroviaire britannique et une première version des panneaux utilisés dans les aéroports.
Dans les années 60, l'augmentation des richesses va amener de plus en plus de trafic sur les routes. Pour y faire face, le gouvernement entreprend donc d’importants travaux autoroutiers. Les voitures devenant de plus en plus rapide, toute la signalétique des routes doit être revue pour la rendre lisible même à grande vitesse.
C'est donc à Margaret Calvert et Jock Kinneir, que reviennent la mission de recréer la signalétique routières entre 1957 et 1967. Leur travail deviendra ensuite un modèle de signalisation routière moderne, repris dans le monde entier. Des milliers de personnes voient chaque jour leur travail et prennent ces panneaux de signalisation comme acquis, sans réaliser l'ampleur et le caractère révolutionnaire qu'avait ce projet à l'époque !
Margaret a dessiné la plupart des pictogrammes, dont plusieurs étaient basés sur sa propre vie. Le panneau "Enfants qui traversent" est ainsi basé sur une image d'elle-même enfant tandis que le panneau d'avertissement du bétail est basé sur une vache appelée "Patience", qui vivait dans la ferme de son cousin.
Margaret Calvert, panneau de signalisation UK “ Cattle likely to be in road ahead “ basé sur son enfance ; UK Traffic signs image database
Margaret Calvert est aujourd'hui reconnue comme une icône du design en Grande Bretagne, et comme la femme qui créa les panneaux routiers du Royaume-Uni. En passant devant son travail, et ce même après 50 ans, elle ne peut s'empêcher d'y repérer la moindre irrégularité !
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Jean Widmer
Jean Widmer, né en 1929, est un graphiste suisse. Il est le concepteur de nombreux programmes d'identités visuelles.
Arrivé en France dans les années 1950, il a marqué le graphisme français en revisitant notamment la signalétique des lieux publics et des infrastructures routières dans un but à la fois pratique (grand progrès en lisibilité) et esthétique. C'est un précurseur, un des premiers en France à faire de la typographie un élément central de ses compositions.
De 1946 à 1950, Jean Widmer fait des études, avec Peter Knapp et Adrian Frutiger, à l'école des arts appliqués de Zurich, sous la direction de Johannes Itten, un membre important du mouvement Bauhaus. Il y décroche un diplôme de décorateur de vitrines, puis poursuit ses études de graphisme. Dans le but de se perfectionner, il vient à Paris et suit des cours de lithographie aux Beaux-Arts où il rencontre Fernand Mourlot, un maître lithographe.
En 1969, il ouvre l'agence Jean Widmer qui deviendra Visuel Design par la suite. C’est là qu’il conçoit de nombreuses identités visuelles comme celle du Centre de création industrielle, du Centre Georges-Pompidou ou du Musée d'Orsay.
Jean Widmer, 1983-1987, logotype du musée d’Orsay
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Maximilien Vox et la nouvelle classification
Maximilien Vox, né en 1894 et mort en 1974 à Lurs est un écrivain, journaliste, graveur mais aussi illustrateur. Il est très connu dans le milieu de la typographie pour avoir notamment crée une nouvelle classification en 1952 nommée Vox-ATypI permettant de catégoriser les polices de caractères plus précisément.
Maximilien Vox commence à travailler en s’appuyant sur la classification établie par Thibaudeau. Mais il trouve que celle-ci, basée sur la forme des empattements, est quelque peu limitée et il s’emploie à créer une nouvelle classification davantage basée sur l’histoire et les grandes familles de caractères. Cette classification tend à regrouper les polices de caractères selon de grandes tendances, souvent typiques d'une époque.
Classification Thibaudeau
Elle permet ainsi de classer les polices de caractères en onze grandes familles contrairement à la classification de Thibaudeau crée en 1921 qui ne possède que quatre familles distinctes. Ces onze familles peuvent elles même se regrouper pour former trois familles différentes : la familles de caractères classiques, modernes et d’inspiration calligraphique.
La classification de Maximilien Vox est adoptée en 1962 par l'Association typographique internationale (ATypI). Quelques années plus tard, elle est aussi adoptée, avec quelques modifications, comme norme allemande, britannique et française.
Classification Vox-ATypI
Cependant et malgré son caractère international, la classification Vox-ATypI ne permet pas de catégoriser toute les polices de caractères. En effet elle ne peut pas s’appliquer à des caractères non latins laissant ainsi de nombreuses polices de caractères sur le côté.
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Le style typographique international
Ce style est un courant du design graphique développé en Suisse dans les années 50 par Max Miedinger, un créateur de caractères, et ses collègues Armin Hofmann et Emil Ruder.
Les éléments distinctifs des polices du style international sont une mise en page asymétrique, l’utilisation de grilles, de polices de caractères sans-serif, c’est à dire sans empattement et l’alignement à gauche du texte, dont le bord droit est laissé irrégulier. De plus, les photographies sont préférées aux illustrations dessinées et sont souvent en noir et blanc.
Max Miedinger, 1957; Helvetica une des polices de style international
L’année 1958 marque une étape importante dans la définition du style suisse. En effet plusieurs événements vont permettre de définir et surtout de formaliser ce style nouveau pour une audience internationale : la revue ‘Neue Grafik’ (graphisme actuel) est fondée, l’exposition ‘Konstruktive Grafik’ (graphisme constructif) a lieu au Musée d’arts appliqués de Zurich et l’article ‘De l’ordre typographique’ d’Emil Ruder est publié en trois langues dans la revue Graphis.
La période allant des années 50 à 80 va aussi permettre de diffuser ce style, notamment en France. Beaucoup de typographes suisses vont pratiquer leur métier à Paris et apportent leur style aux revues ou aux édifices publics comme le Métro parisien, le Centre Pompidou ou encore l’aéroport de Roissy-Charles de Gaulle. Ces typographes suisses vont également influencer l’enseignement artistique français. Ils contribuent ainsi à l’essor international de ce langage visuel et typographique.
Jean Widmer, 1977, logo du Centre Pompidou
Adrien Frutiger, panneau de la station de Pantin de la ligne 5 du métro de Paris, France
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Pour s'imposer, une publicité doit sortir des sentiers battus en utilisant un dispositif particulier: le symbole abstrait, mais en prenant garde toutefois, s'il est trop obscur, de le corriger par des formes universellement identifiables.
Paul Rand
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Paul Rand
Si vous ne connaissez pas Paul Rand, il s’agit tout simplement d’un des plus célèbres graphistes américains !
Né à New York en 1914 et mort dans le Connecticut en 96, il est encore considéré par certains comme le meilleur designer graphique de tout les temps. On lui doit notamment de nombreux logo d’entreprise comme celui d’ABC ou d’IBM mais aussi des affiches pour enfants.
Paul Rand
Le travail de Rand dans les années 1930 modernisa la création publicitaire américaine. Peu considéré jusqu'alors, le travail de création publicitaire fut reconsidéré en tant qu'oeuvre par Paul Rand. En effet, l'ensemble de processus (titraille, image, mise en page) requiert une vision esthétique particulière et mérite d'être signé selon lui.
La publicité et l'édition occupent une place importante dans la carrière professionnelle de Rand, mais ce qui fit réellement sa renommée fut son travail dans la communication d'entreprise. En 1956, il fut engagé comme conseiller en communication visuelle de IBM et créa le logo de IBM, qui resta inchangé jusqu'à aujourd'hui. IBM fut alors devenu un modèle de l'identité d'entreprise.
Logo d’IBM crée par Paul Rand en 1956
Paul Rand a par la suite enchaîné les entreprises, en travaillant les logos de Westinghouse Electric, d’United Parcel Service, d’ABC, de Cummins Engine, mais aussi de NeXT et de Ford.
Il fut aussi le principal promoteur du “style suisse”, aussi appelé “style typographique international”, un courant du design graphique mettant l’accent sur le dépouillement, la lisibilité et l’objectivité.
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Bauhaus
La Staatliches Bauhaus est une école d’architecture et d’arts appliqués, fondée en 1919 à Weimar par Walter Gropius, un architecte et designer allemand.
Logo du Bauhaus, créé en 1922 par Oskar Schlemmer
Le Bauhaus désigne aussi un courant artistique de l’architecture et du design. Ce mouvement pose les bases de la réflexion sur l’architecte moderne et notamment du style internationale.
Si l'école du Bauhaus est surtout connue pour ses réalisations en matière d'architecture, elle a aussi exercé une forte influence dans le domaine des arts appliqués, à travers les objets usuels qu'elle a façonnés. Elle est aussi le précurseur du design contemporain, et de l'art de la performance.
Chaise B3 ou Wassily, de Marcel Breuer, 1925
Lorsque Walter Gropius crée cette école, il souhaite faire renaître une communauté de travail ressemblant aux loges médiévales qui réunissaient les artistes de toutes spécialités (architecte, sculpteurs...). L’école possède donc plusieurs atelier s’axant sur différents domaines comme la poterie, le théâtre, le textile, menuiserie ou encore le métal. L'autre objectif est de briser la dichotomie entre art et industrie en créant en série des objets et des logements fonctionnels accessibles au plus grand nombre.
Le Bauhaus se délocalise plusieurs fois en fonction des événements politiques survenant en Allemagne. Ainsi en 1924, le Bauhaus déménage à Dessau. Le directeur du Bauhaus change et réforme le renseignement. Il demande aux ateliers d'être plus rentables et de travailler à des créations répondant aux besoins populaires. Il privilégie aussi une approche scientifique au détriment de l'esthétisme.
Finalement le Bauhaus ferme dans les années 30 à cause du nazisme qui considère l’école comme enseignant un art dégénéré après avoir déménagé a Berlin.
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