§ 3.382. Mujer sin pasado (Ronald Neame, 1964)

Tiene un formato clásico, tanto en la forma como en el fondo, en una cinta muy británica. Tanto en el lugar de desarrollo de la historia como en el tratamiento del espacio físico en el que se desarrolla: las casas, los coches, la ropa y el atrezo.

Es estimulante en el desarrollo, suave en las formas y con un cierto mensaje. Difícil de rodar y de plantear: pocos personajes, un espacio muy cerrado, una niña adolescente (las películas de niños no suelen gustarme) y un pasado que lucha por salir a la luz y, a la vez, por permanecer escondido, porque su revelación supondrá, sin más, la terminación del misterio y el empleo.

Me encanta Kerr, tiene un donaire y una apostura clásica, una sensualidad pausada y una feminidad rotunda.

La película tiene un propósito educativo en el sentido más amplio de la palabra. La niña es, verdaderamente, odiosa, insoportable, repulsiva, repugnante.

Solo son seis actores los que intervienen: Deborah Kerr, Hayley Mills, John Mills, Edith Evans, Felix Aylmer y Elizabeth Sellars.

Me ha gustado mucho, es suave, tierna pero dura a la vez, interesante.

§ 3.381. La llave secreta (Tinto Brass, 1983)

Drama erótico es el género de Brass. El vouyerismo, el erotismo visual, el sexo como una manifestación del poder. La Italia fascistas es e lugar elegido para esta nueva historia, que es siempre, más o menos la misma. Exposición temática pobre, a diferencia de otras historias suyas en las que la complejidad es mayor, decorados menos brillantes e incluso el erotismo está filmado con menos gracia.

Pretende que el erotismo funcione como catalizador de la historia, pero en este caso no lo consigue del todo. 

La actriz es Stefania Sandrelli, prestigiosa y muy conocida. Su marido es Frank Finlay, también un actor interesante y el chico es Franco Branciaroli, que ha trabajado en varias películas del director.

Se puede ver, pero ni es representativa del género, ni es la mejor de Brass.

§ 3.380. El gran duelo (Lamont Johnson, 1970)

 

La idea es brillante, interesante y está bien narrada. Kirk Douglas

Johnny Cash son dos pistoleros entrados en años, desencantados con la vida y con necesidad de dinero. Y deciden solucionar dos problemas al mismo tiempo, descubrir quién es más rápido con el revolver y ganar algo de dinero de una vez. La solución es ingeniosa.

Me gusa mucho Kirk, naturalmente, pero Cash me ha sorprendido. Me ha gustado, le va bien el papel, no actúa mal y tiene garbo y presencia.

El tono ligero que marca el principio no parece ir demasiado acorde a lo que se espera de una película del oeste. Me gustan más los Western dramáticos, desgarradores, solemnes. Aunque va variando con el caminar de la cinta, no creo que consiga el tono adecuado.

El tratamiento del color es demasiado pálido, no parece el adecuado a la cinta. Y otra cosa que no acompaña bien a la cinta es la música. Aunque por momentos tiene composiciones que creo que pueden ser de Cash, en otros momentos es demasiado 'ligera'.

El guión es interesante, los diálogos están bien diseñados y las actuaciones no defraudas. Incluso el duelo interpretativo directo entre los dos protagonistas no desmerece en contra de Cash. Bien es cierto que es un papel casi para él. Pero me ha gustado verle.

§ 3.379. Dies irae (Carl Theodor Dreyer, 1943)

El sentimiento religioso inspira toda la obra de Dreyer. La culpa, los remordimientos, el pecado, la expiación. No es que sea una película oscura, porque no lo es. Es que es de temática cerrada, interior, del yo. Ortega y Gasset decía que la filosofía alemana era la filosofía del yo, mientras que la meridional era la del tú. Pues bien, esta es una película introspectiva, reflexiva, del yo, de la vida interior. Pero también lo es de la mentira, del encubrimiento, de la delación, de la religión y sus excesos. La brujería y sus insidias y sus maledicencias.

La preeminencia de la religión en la vida social y política. La hoguera como método de expiación.

El tratamiento de la luz es extraordinario, las sombras, las luces, los claros y la expresividad de los rostros es peculiar, propio, suyo, característico. Puedes ver un fotograma de Ordet, o de Gertrud y reconocer a Dreyer.

La noche oscura del alma retratada desde el prisma de uno de sus protagonistas. El estilismo tranquilo, neutro, pausado, sereno como vehículo para contar una historia cruenta, salvaje e inhumana.

Las películas de Dreyer son inolvidables. Hay que verlas con una cierta predisposición a contemplar una obra de arte, a disfrutar de un evento artístico. No se puede ver para entretenerse, hay que verla para aprender. Es un cine difícil, berroqueño, rocoso, pétreo, cerrado, introspectivo. 

Me ha encantado.

 3.378. Los ojos de la noche (Jesús Franco, 1970)

Algo hay que reconocerle a Jesús Franco, la capacidad de montar proyectos, películas, y lanzarlas al mercado. Le tengo fichadas 156 películas, seguramente tenga a su nombre algunas más. Ésta en concreto la montó en Liechtenstein, nacionalidad a la que pertenece. Pero además de en España ha rodado bajo bandera italiana, francesa, portuguesa, alemana, seguramente británica, etc.

¿La calidad? Bueno, cada uno tiene su cine, y seguro qeu hay aficionados que valoran mucho este tipo de obra, Serie B, destape, erotismo light, vampirismo, desviaciones sexuales, etc.  

Todo envuelto en un aire vaporoso en donde las piezas encajas a veces de manera un tanto forzada. Mujeres guapas, ligeras de ropa, que mantienen una relación sexual mantienen su vivencia por el dominio de una sobre la otra para que ésta última realice asesinatos por ella bajo una especie de coacción psíquica parecida a la hipnosis.

Su temática suele ser avanzada a su época, ésta es de 1970, y esto tiene un valor, claro. Pero, en general, aporta poco al cine. Sus cintas suelen ser repetitivas, por momentos obsesivas, siempre como vehículo de canalización de una exposición erótica que la mayoría de las veces no tiene sentido ni lugar. No es Tinto Brass, que sí rueda películas eróticas en donde los desnudos, las escenas de sexo y erotismo tienen un papel fundamental en la historia porque forman parte de ella. Aquí esos momentos están 'pagados' a la historia, podían ser intercambiables con otros películas sin problemas.

Mujeres pérfidas, malvadas, con evidentes frustraciones sexuales, que se empoderan mediante la maldad, el sexo y el crimen.

La verdad, no me parece nada edificante. 

Una más de Franco, que la verdad, no se salva de la quema. Habré visto unas 20 suyas, sólo dos las considero medianamente interesantes: Justine, y Cartas de amor de una monja portuguesa. Todas las demás son parecidas a ésta, baratas, incoherentes, recurrentes y obsesivas y con poca calidad. Supongo, sólo lo supongo lo tengo pruebas ni indicios, que conseguía que sus producciones no perdieran dinero, por eso rodó tanto.

§ 3.377. Los cien caballeros (Vittorio Cottafavi, 1964)

Pues un 'peplum' peculiar, con temática española. Es la adaptación de un texto teatral de Lope de Vega. El texto es "Las famosas asturianas" y narra las desavenencias entre los lugareños, hispánicos de cepa buena y los árabes que quieren conquistar la zona. 

Si me dicen que se rodó en el Parador de Oropesa me lo creo perfectamente, aunque en algunas otras escenas parece la plaza de Chinchón. 

La música no pega ni con cola, parece la propia de un Spaghetti Western, con una trompeta un pelín histriónica y una repetición temática que recuerda a 'el degüello' de El Álamo.

Actores españoles y seguramente italianos en una rara mezcla que me la imagino un fracaso rotundo en taquilla. No tiene demasiado tirón ni la temática, ni los actores -ninguno especialmente conocido- ni el director. Un proyecto más, supongo, de la industria italiana en los años de fabricación de cine a 'punta pala'.

Director del que sólo he visto otra película, normalita; "Messalina", que la recuerdo vagamente.

Aburre por momentos, se hace demasiado larga y no consigue que mantengas la atención todo el rato.

§ 3.376. El relojero de Saint-Paul (Bertrand Tavernier, 1973)

Debut cinematográfico de Tavernier, después de dos cosas en colaboración con varios directores. Novela de George Simenon. Intriga, remordimientos y suspense. 

Me ha gustado mucho la fotografía, el tratamiento del color, su temperatura y el granulado algo 'gordo' que difumina las sombras y evita los contrastes de color, de los personajes con el entorno y de los personajes entre sí.

La trama es interesante, esconde cosas, a veces más que las que muestra y pretende que el espectador descubra cosas del pasado del protagonista. 

Me ha gustado. De hecho es la cinta que más me ha gustado de él, aunque sólo he visto cuatro películas suya. Me recuerda a Chabrol. Si la viera sin saber de quién es, diría que de Claude Chabrol.

Avanza como un thriller convencional, pero funciona perfectamente. Tiene algo de Polar, aunque no sé si podría catalogarse así realmente, pues el término parece reservado para las historias de policías, no tanto crímenes o de asesinatos. Es el tempo con el que avanza la película el que define el término.

Gran debut de un director conocido, famoso y con estilo.

§ 3.375. Un lugar llamado milagro (Robert Redford, 1988)

Segunda película dirigida por Redford, después de la absolutamente maravillosa "Gente Corriente" (1980) que verdaderamente es una grandísima obra. He visto todas las suyas como director, y, en líneas generales, me parece un gran director, que no se ha prodigado tanto como debiera.

Esta cinta no es de las mejores. Es buena, más que interesante. Se puede ver y no desmerece su filmografía. Pero no me ha llegado como otras. 

El agua y sus problemas en un pueblo que pretende su proyección en la industria del ocio. Todo parece mejorar cuando se pretende construir una urbanización cerca del pueblo. Pero un paisano decide regar con agua que no le pertenece los campos que pertenecían a su padre. Eso supone prosperidad y un futuro para él y para todos.

Expone con cierta pericia los entresijos del poder y las reacciones ante el ejercicio del poder. 

Es un tema difícil de tratar. No lo aborda desde la sensiblería, ni desde el heroísmo, sino desde la normalidad, desde la naturalidad.

Algunas imágenes son potentes, muy potentes. La guión es bueno, se ve con ganas y tiene una extraña ternura. No de añoranza por lo que fue, ni siquiera por lo que podría haber sido. Si no añoranza por lo que debía haber sido. La forma de viene determinada por las relaciones con la tierra y entre los lugareños. Es un axioma. Forzar una cosa u otra sólo genera discordancias con uno mismo.

Es bonita, se puede ver, pero no es de lo mejor de Redford.

§ 3.374. Policía, adjetivo (Corneliu Porumboiu, 2009)

Hay que ver de todo. Eso para alguien a quien le gusta el cine tiene que ser una premisa. El director es rumano, no había visto nada suyo, naturalmente. Película seleccionada en Cannes, pasa por ser una obra importante. Bien valorada por público y sobre todo, por la crítica. Es de esas que gustan a los sesudos críticos de gafas de pasta negra que mantienen erecciones consolidadas con las de Bergman. La película fue galardonada con el Premio de Jurado en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes.

Puede verse la pulsión aperturista del policía 'bueno', frente al inmovilismo del Comisario. En realidad de la ley frente a las nuevas perspectivas sociales y políticas.

Es, lo que se dice, un coñazo. Un rollo para estetas. Neorealismo rumano, en formato de dos horas que pretende mostrarte las dudas e incertibumbres de un policía al que no le gusta detener a los que infringen las leyes que él considera que son incorrectas. Pero lo que podría ser un drama moral, incluso la justificación de una nueva realidad, se queda en un proceso de onanismo autoreferencial que no va a ninguna parte. Pretender leer aquí una crítica al ejercicio autoritario del poder es, sencillamente, abracadabrante, ridículo y sumamente arriesgado. Es, lo que se dice, una sucesión de planos que no nos dicen nada. No importa qué pasa, porque no pasa nada. No importa el cómo pasa, porque tampoco es noticiable. Parece que lo importante es lo que crees que pasa, o más difícil aún, cómo crees que está pasando. Sucesión de planos mantenidos, por donde circula la gente, como si fuese un lienzo de un cuadro famoso, escasos diálogos, siempre sobre temas absolutamente intrascendentes y fútiles. 

Lo que se dice un rollo. A los 30 minutos ya estás mirando el reloj para ver cuándo queda por sufrir. 

Hay dos movimientos del cine que no soporto. El neorealismo italiano, y la Nouvelle Vague. No he visto todavía suficiente cine 'dogma' para aburrirme con conocimiento de causa. 

No me ha gustado, y no creo que la vuelva a ver en la vida.

§ 3.373. Cara a cara (Sergio Sollima, 1967)

Un papel peculiar el de Gian Maria Volonté, interesante, creciendo desde el victimismo e incluso la culpa por enfermar. Y un Tomás Millán, que desconocía su valía y su empaque más que interesante. Volonté juega un papel un poco como los personajes de Ford, un hombre normal sometido a circunstancias excepcionales reacciona con gran valentía. El ser un héroe no es una cuestión de carácter, de preparación o de valía, sino de circunstancias, que conducen a la persona con determinación hacia la realización de acciones que no hubiera hecho de no estar sometidos a presión.

Y la película va de esto, de cómo un hombre puede realizar actuaciones inauditas cuando se ve constreñido y empujado hacia caminos por los que no ha transitado con anterioridad.

El cruce de personalidades entre el intelectual preparado en los libros y el matón malsano es más que interesante. Uno se vuelve malo siendo bueno y el otro descubre que es mejor de lo que cree.

§ 3.372. El lago de las vírgenes (Jesús Franco, 1981)

Una especie de cuento onírico, que pretende reflejar el bien y el mal. El sexo y el no sexo. Con un guión pobre y una fotografía pésima. Tiene, como todas las de Franco, el erotismo como reclamo, el desnudo como gancho y el morbo como vehículo expresivo. Todavía no he visto una cinta suya que  verdaderamente me ha haya encantado. No he visto una cinta suya que diga: es una buena película. Se le ven las 'clacas', los desfases, problemas de continuidad, guión. Es rodar por rodar. 

En esta, realmente no sabes qué pasa. Viendo películas de Tinto Brass, por ejemplo, se aprecia que están mucho más cuidadas, con mejor tratamiento, decorados, guión, música y fotografía. 

Hay que verlas sabiendo qué ves, no esperando lo que no puedes esperar. Me gusta ver sus películas porque es como entrenarte pare ver otras cosas mejores. Sólo dos cintas suyas me han merecido la pena. Justine y Cartas de amor de una monja portuguesa. El resto me han parecido banales, zafias, totalmente prescindibles y en algunos casos, las de vampiros por ejemplo, totalmente prescindibles. Como esta. No se sabe si está viendo una especie de adaptación de la Isla del Tesoro, o de El lago azul, o sencillamente, un disparatado divertimento de un director prolífico donde los haya. No sé si algún alemán de esos que hacen películas para la televisión tendrá más películas, pero Franco tiene a su nombre más de 150 cintas. Una autentica barbaridad. Dicen que Ford tiene unas 115, algunas perdidas, pero muchas de esas son mudas y de una duración muy escasa. Las de Franco son a color, habladas, con guión, atrezo, personajes, etc. 

§ 3.371. Black Angel (Tinto Brass, 2002)

 Hay que tener valor, mucho valor, para llamar a una película como otra italiana clásica de un monstruo del cine, de Luchino Visconti de 1954. Aquí le añade un número, el 45 con algo de pudor. Es una historia similar, aunque aquí en medio de la IIGM y en un tono erótico. De hecho ambas están inspiradas en el mismo relato de Camillo Boito.Por momentos recuerda a 'La caída de los Dioses(, de 1969. La morbosidad, los trajes nazis, la ambigüedad sexual del protagonista masculino, la estética y la total falta de moral.Los protagonistas principales son Anna Galiena (Jamón Jamón, y El marido de la peluquera) y Gabriel Garko.Quizá pretendiera ser para Brass su película más película, junto con la complicadísima Calígula. Una cinta con la que se considerado algo más que el director de picaronas cintas semipornográficas. Me la imagino con presupuesto, medios y personal suficiente como para hacer una gran cinta. Se ve perfectamente, tiene un diseño de vestuario más que correcto y algo que he notado en todas sus películas, una especie de simetría en los encuadres. Si hay una ventana a la derecha a media algura, la hay también a la izquierda, si hay un mueble, un mueble, las escenas siempre se producen en el centro de la pantalla.Quizá por eso la presencia de la música de Morricone. Aunque la verdad, ha sido tan prolífico, construye la banda sonora de más de 400 películas, que no se sabe si lo hizo por verdadera dedicación o por continuar en la rueda de los trabajos alimenticios.Pretende ser una gran cinta, incluso de las que trascienden el género (El imperio de los sentidos, Justine, etc.), pero no lo logra. Es algo larga, sólo tiene interés al principio, en el enamoramiento, y en la caída, pero ambos momentos son resueltos de manera rápida, como si ya se supiera qué pasa y por qué. El resto no deja de ser una sucesión de escenas semi-eróticas que ni siquiera tienen buen gusto.

§ 3.370. Monamour (Tinto Brass, 2005)

La historia esperada de Brass. Esperada pero lo hace bien. Un erotismo sofisticado, nada palurdo, nada romántico, fuera de los cánones explícitos actuales. 

Me gusta mucho la fotografía, un color cálido, suave, con tonos ocres que otorgan una sensualidad a la cinta apropiada. Un clasicismo en los decorados, unos escenarios cerrados muy italianos: frescos, papel pintado, etc.

Una chica guapísima, Anna Jimskaia, que sólo ha rodado otras dos cosas más. Un guión bastante intuitivo, encuadres, planos y escenas bien trazadas, correcta programación de la intensidad erótica y un resultado decente. Último largometraje de Brass, que luego hizo un mediometraje, Kick the Cock, de 16 minutos, que no creo que pueda ser considerado para valorar su obra.

Además creo que aparece como personaje en una escena.

No es que su cine sea especialmente brillante, pero en este subgénero parece el rey. No hay otro director que sepa llevar estas historias con este nivel de realización. Jesús Franco es otra cosa, y en España no conozco a realizador alguno que camino por estos derroteros.

§ 3.369. Duelo en el barro (Richard Fleischer, 1959)

 

Un Western de factura clásica. Vaquero recién llegado de no se sabe dónde que se hace imprescindible para el patrón, se enamora de la chica guapa y comienzan a surgir los problemas. Música impecable, exteriores dignos de una gran clásico. Funciona por momentos, sobre todos los iniciales, naufraga en el enamoramiento, pero es interesante. Bien rodada, con la solidez que un gran director imprime a sus obras. Es un director cuya filmografía tengo que terminar. Tengo 27, de 49 que rodó. Algunas son verdaderas obras maestras del séptimo arte. Sin ninguna duda. 

§ 3.368. El especialista (Sergio Corbucci, 1969)

 Una cinta al servicio del actor. Algo muy habitual y que en esta película tiene su historia. Un guión hecho para Lee Van Clilf reconvertido años más tarde en un guión para un productor francés que quería hacer una cinta para Johnny Hallyday. Lo llena la pantalla, nada que ver con otros clásico del Spaguetti Western. Para empezar es flaco, barbilampiño y con cara de niño. No tiene esa planta, entre salvaje y violenta, que provoca admiración y miedo. Juega el rol de un pistolero pero no infunde sensación de peligro. Además es, más o menos, un ligón con mucho éxito entre el público femenino. Amanerado y poco en su papel.  El Shreriff es Gastone Moschin, un actor muy conocido en este tipo de producciones baratas de Serie B.

La cinta es interesante, pero demasiado larga. Carece de interés la mayoría de las veces y nada tiene que ver con El Gran Silencio, una cinta que sí me llegó, verdaderamente buena. Más que buena, magistral. Magistral comparándola con ésta, que sí, que tiene algunas escenas, pero poco más.

§ 3.367. La máscara de la muerte roja (Roger Corman, 1964)

 Ocho películas de Corman se rodaron sobre relatos de Poe. Ésta película es la penúltima. Sus protagonistas son: Vincent Price, Hazel Court, Jane Asher, y Patrick Magee. Bien rodada, a todo color (a cargo de Nicolas Roeg, luego excelente director de películas que me han gustado mucho), formato amplio, escenarios medievales, muchos extras, todos los ingredientes para ser un clásico del género. Del subgénero de aventuras épicas medievales. O incluso del subgénero de películas basadas en relatos de Poe, que son muchísimos: 128 según Filaffinity.Tiene un punto de crítica social interesante. La nobleza y todos sus excesos se ponen al descubierto. Algo similar a lo hecho por Buñuel en una de las películas que más me gustan: El ángel exterminador (1962). No se puede extraer una lectura social, pero tiene esa fascinación, parte al menos, de las cintas que recrean textos bien escritos. Recuerdo con verdadera pasión la lectura de las obras completas de Poe, la sensación de relato acabado, bien hecho, cerrado, centrado, completo, profundo y ligero a la vez, trascendente y fútil. Todo un clásico que alguna vez, antes o después, tendré que volver a leer.La lucha entre el bien (Dios) y el mal (el diablo) al servicio de cultos propios y entretenimientos ajenos. Además de tener alguna relación temática (y, hasta cierto punto, estética) con la de Buñuel, puede apreciarse alguna relación con Saló, o los 120 días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, 1975), aunque esta última es posterior.La idea de una "fiesta" cerrada en un recintos asfixiante, el errático comportamiento de los protagonistas, los cambios de carácter que experimentan, etc. Es un argumento recurrente, pero que une temáticamente las tres cintas.

§ 3.366. Cuenta atrás (Fred Cavayé, 2010)

Un thriller bastante previsible, e incluso creíble. Bien narrado, bien seguido y con sentido. Una guión ortodoxo, metraje civilizado y una fotografía más que buena.

La música se entromete demasiado, pero es comprensible: hay que rellenar huecos de alguna manera cuando se carece de otros recursos fílmicos.

Un poco fría, sin llegar a ser un Polar ni mucho menos. Algo feminista -las mujeres ocupan un lugar especial, inspectora mediante- y resultona. Pero tiene algo que no funciona, y la sucesión de tópicos no ayuda. Las escenas son recurrentes, los peligros conocidos, el desenlace altamente previsible. Por momentos de deja ver, sin más. 

Director para mi desconocido. Frances, ha rodado 13 películas (esta es la segunda) y tiene pinta de pertenecer a la nueva ornada de cineastas franceses de nuevo cuño.