El Guggenheim y el Kursaal: Dos proyectos destacados en el mundo de arquitectos

En el mundo arquitectura hay muchos monumentos históricos cuál dan mucha importancia a cómo fueron construidos y para que sean usados estos proyectos. Los museos son un gran ejemplo de no mencionado. Los edificios de museos diseñados expertamente no solo sirven como estructuras funcionales para albergar obras de arte, sino que también encarnan la belleza, la creatividad y la innovación tanto del arte como de la arquitectura. hablaremos en este blog sobre el museo Guggenheim Bilbao. Y durante el último cuarto de siglo, el Guggenheim se ha convertido en un importante centro de arte moderno, con obras de artistas de su región (el País Vasco), así como de gigantes internacionales como Andy Warhol, Jackson Pollock y Alberto Giacometti. Junto a este proyecto también hablaremos de el Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal. Ambos estos edificios traen relevancia cultural históricamente han marcado impacto grande en la arquitectura. 

El Guggenheim se describe como el edificio más grande del siglo. Diseñado por Frank Gehry, uno de los arquitectos más importantes e influyentes del mundo, el Museo Guggenheim de Bilbao se convirtió en uno de los grandes puntos de referencia de la arquitectura de vanguardia; una obra de arte que cambió el diseño de una ciudad industrial para siempre. Frank Gehry demostró su experiencia en el diseño de proyectos a gran escala con el Guggenheim Bilbao, un juego morfológico a través del volumen que se puede ver a través de los diferentes proyectos arquitectónicos de Gehry. El proyecto está hecho de titanio como visualmente impresiona al público ya que consiste mucho espacio amplio y se distingue con el titanio. Inicialmente, eligieron acero para el material que cubre la estructura móvil. Sin embargo, el acero carecía de las cualidades oníricas impregnadas de la reflexión, es decir, no concordaba bien con la idea que Gehry tenía. El aluminio se probó para un efecto visual que mejorara el espacio en la ubicación del proyecto. Sin embargo, después de varias pruebas, Gehry tropezó con el titanio. El proyecto es grandioso en complejidad estructural con sus paredes y techos de carga. Estos se crean con una serie de rejillas metálicas y triangulaciones. Como tales, forman un solo cuerpo estructural desprovisto de superficies planas. Además, el conjunto está cubierto con una imponente piel de titanio y vidrio. no sólo coge atención por ser un museo tan fino y de gran importancia con sus obras artísticas pero también se destaca con como los materiales se entrelazan con diferentes lenguajes visuales, proporcionando una composición cuidadosamente pensada que evoca emociones muy diferentes en cada una de sus superficies. Este proyecto considerado como uno de los más importantes de Gehry y cuáles tienen mayor relevancia hoy en día donde el turismo visita diariamente pra ver el impresionante interior.

Rafael Moneo no se queda atrás con su obra de el Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal, cual tiene al público en estrangulamiento. es dicho que en esta obra Rafael rompió de la estética tradicional a algo más único. El cierre y la posterior demolición del antiguo Casino del Kursaal en 1972 dejaron una gran parcela vacía en una de las zonas más preciadas de la ciudad. Aquí es donde Moneo entra a diseñar donde ganó la propuesta de rediseñar el proyecto de Kursaal. Moneo quería mantener las características geográficas del sitio en el proyecto y no seguir la cuadrícula de la ciudad. Las paredes exteriores son muros cortina hechos de vidrio laminado curvo con una estructura de aluminio. Esta estructura de pared proporciona cambios en la apariencia de los volúmenes. Por la noche se convierten en cajas de luz. Luego en el interior, las paredes de doble voussoir tienen vidrio plano en el interior. Junto con el vidrio curvo en el exterior, las paredes se convierten en aislantes de sonido supremos. Esto también da idea que hay mucha iluminación natural de afuera y le da personalidad al interior.

Con su geometría inspirada en los bloques de piedra de la pared costera, los volúmenes translúcidos del centro de congresos parecen rocas varadas a lo largo del río, que pertenecen más al paisaje que al entorno urbano.

Concluyo que estos dos arquitectos, cual sabían discutido en blogs anteriores, son masivos genios. Cojo grande inspiración de sus obras por la creatividad y individualidad que tienen en su talento. El Kursaal debe ser uno de mis favoritos por la localización que tiene, adicionalmente su diseño distintivo. pienso que Rafael Móneome llama mucho la atención por como su arquitectura se caracteriza por con lo contemporáneo, la conciencia contextual y una profunda apreciación de los contextos culturales e históricos en los que trabaja.

Gehry vs. Moneo

Hoy en día, el modernismo se ha popularizado en la arquitectura, queriendo lo más funcional y simplificador en los edificios. Pero a través de este estilo cotidiano moderno, todavía hay otros arquitectos que van por lo tradicional y contemporáneo. La arquitectura contemporánea es el conjunto de estilos arquitectónicos actuales, esto es, de los últimos 30 años. Así, encontramos edificios que rompen con la arquitectura tradicional. La arquitectura contemporánea es el conjunto de estilos arquitectónicos actuales, esto es, de los últimos 30 años. Así, encontramos edificios que rompen con la arquitectura vieja tradicional. El objetivo de este estilo es diferirse en la tecnología, sea mucho más avanzada e integrada en la arquitectura contemporánea, buscando apuesta por la sostenibilidad. algunas características de esta arquitectura contemporánea es lo minimalista, mayor libertad en forma y el diseño, viviendas sostenibles, elegancia y sencillez, etc. Rafael Moneo, arquitecto español que trabaja en la arquitectura española contemporánea, y Frank Gehry, otro arquitecto que trabajaba en lo posmoderno, pensaban muy similar pero se destacaban con estilos muy diferentes.

Vamos empezar primero con Rafael Moneo, un arquitecto español reconocido por toda España. Dicho arquitecto estudió en la escuela de arquitectura de Madrid donde se licenció en el 1961. El arquitecto tiene mucho reconocimiento internacional donde ha ganado por su contribución a la arquitectura contemporánea como en el 1996 recibió el premio Pritzker cuál es uno de los honores más grande en el campo de la arquitectura trayectoria. Moneo tiene muchos reconocimiento por enfoque contextual en sus proyectos donde busca integrar sus diseños con el entorno circundante. El contextualismo lo ayuda a saber dónde ponen la sencillas y claridad de sus diseños. Su edificio a menudo presentan forma geométricas simple y lineal limpia cual aquí se presenta la elegancia. Su variedad arquitectónica se debe al estudio de la Historia y el urbanismo: cada obra es inimaginable fuera de su emplazamiento original, entendiendo la arquitectura como un elemento más de la naturaleza, “una actividad necesaria y poco menos que inevitable”, en sus propias palabras. Una de sus obras más destacadas son las torres blancas en Madrid, España. Es un edificio de viviendas cual se destaca por la forma peculiar redonda que tiene cada cuarto. Sus características formas cilíndricas de hormigón no dejan que el Edificio Torres Blancas pase desapercibido.

Por segundo, Frank Gehry es conocido por sus elementos atrevidos y formas inusuales, los diseños de Gehry trascienden los edificios ordinarios para convertirse en verdaderas obras de arte monumentales. En 1949, se mudó a Los Ángeles para asistir a la Escuela de Arquitectura de la Universidad del Sur de California. Una características distintiva de muchos diseños de Gary en la aparente falta de alineación y la disposición no convencional de los volúmenes cual se diferencian mucho a la arquitectura de Moneo. Muchos de sus proyectos parecen estar dispuestos de manera aleatoria, creando una sensación de movimiento y dinamismo. Gehry trata de desafiar las reglas tradicionales de la arquitectura, buscando descomponer y cómo reorganizar las formas para crear sus proyectos visualmente impactantes y a menudos abstractas. Unos tipos de estilos que contienen la obras de Gehry son: el cubismo, el expresionismo y escultura contemporánea. La primera oportunidad para trabajar como arquitecto para Gehry fue rediseñar su casa. 

Esto es unas de las obras más destacadas donde puedes ver la gran creatividad de cada uno de sus diseños y como el arquitecto trata de trabajar con lo abstracto y lo no-cotidiano en sus proyectos. Rodeó el búngalo con acero corrugado y lo “abrió” con un tragaluz en ángulo.

En conclusión, los dos arquitectos no sólo son reconocidos por su habilidad técnica pero también por el enfoque de creatividad y expresión que contiene cada una de sus obras. Me encanta como sus trabajos reflejan una combinación única de modernidad y respeto a la tradición entiendo que lo hace resaltar más. Creo que prefiero más las obras de Gehry, la razón que cada una de ellas tienen un cierto aspecto que resalta con el cubismo y lo abstracto implementado en su arquitectura. Esta característica es algo que se ve en todo tipo de arquitectura y es muy impresionante en cuantas obras numeradas Gehry pudo involucrar su innovación estructural.

Frank Lloyd Wright: el arquitecto armónico

Frank Lloyd Wright, arquitecto americano, logró a trabajar en sus estructuras por un periodo de 70 años. No es común ver un arquitecto tan dedicado y memorable por un periodo tan largo, más el impacto que dejó en sus obras arquitectónicas se considera algo estremecedor. Hoy en día existe el “Frank Lloyd Wright Foundation” cual se dedica a involucrar, educar e inspirar al público a través de la interpretación del legado de diseño de Frank Lloyd Wright y la preservación de sus sitios originales para las generaciones futuras. Al observar la arquitectura de hoy en día, es fácil detectar e identificar las formas en que los principios de diseño y el trabajo de Frank Lloyd Wright pueden haber inspirado las estructuras. Los materiales utilizados, los sistemas unitarios y la armonía entre las estructuras y el entorno que se ven en estos ejemplos establecen una clara conexión con los principios de diseño de Wright. Esta influencia siempre presente en la arquitectura décadas después de la muerte de Wright también es un testimonio de la atemporalidad de sus diseños e ideas. ¿Qué aspectos específicamente destacan el estilo de Wright comparado a otros?

Frank alteraba la arquitectura cotidiana a algo más personal y siempre quería poder conectar la estructura con el cliente. Creía en el poder de conectar la arquitectura con sus habitantes, afirmando una vez que “la arquitectura es la madre de todas las artes. Sin una arquitectura propia no tenemos alma de nuestra propia civilización.”. Lloyd tuvo dos tipos de métodos en su arquitectura: Que sea funcional moderno o su “arquitectura orgánica.” El primer método, Frank siempre buscaba solucionar la necesidad en viviendas cual logró un acto arquitectónico en el tiempo de la gran depresión. El arquitecto se dio de cuenta de la necesidad de viviendas asequibles y desarrollo su propio diseño para solucionar este problema con una casa usoniana. este proyecto se llama la casa Herbert Jacobs en Madison, contiene las propiedades que son racionalizadas, con un enfoque muy simplista en la construcción cual demuestra que una arquitectura bellamente minimalista funciona como hace asequible. Wright desarrolló lo que se conoció como el estilo Prairie, caracterizado por líneas horizontales, espacios abiertos y una integración perfecta entre el interior y el exterior. Se puede considerar algo filosófico por la simple razón que Wright usaba mucha geometría en sus proyectos, siendo uno de sus principales.

Su otro método, la arquitectura orgánica, se enfoca en la relación entre el entorno natural y la arquitectura, así como su pasión por la geometría, fue evidente en numerosas obras en las que trató de crear una experiencia arquitectónica holística. Aunque la palabra "orgánico" de uso común se refiere a algo que tiene las características de animales o plantas, la arquitectura orgánica de Frank Lloyd Wright adquiere un nuevo significado. Estas obras llevaban interiores y exteriores en armonía equilibrada con una filosofía de “ una casa podría compararse con un organismo vivo con todas las partes relacionadas con el todo, haciendo que la forma y la función esté en total totalmente entrelazadas”. “Para él, la arquitectura orgánica era una interpretación de los principios de la naturaleza que se manifestaban en edificios que estaban en armonía con el mundo que los rodeaba. Wright sostuvo que un edificio debe ser un producto de su lugar y su tiempo, íntimamente conectado con un momento y sitio en particular, nunca el resultado de un estilo impuesto.” (https://www.guggenheim.org/teaching-materials/the-architecture-of-the-solomon-r-guggenheim-museum/organic-architecture). Uno de sus proyectos más extraordinarios en este campo es “Fallingwater” en Pennsylvania, completado en 1937.

En Fallingwater, Wright ancló una serie de "bandes" de hormigón armado a la roca natural. Las terrazas en voladizo de piedra arenisca local se mezclan armoniosamente con las formaciones rocosas, y parecen flotar sobre el arroyo de abajo. Esta obra se presenta como una idea genia, cual unen al modernismo y la naturaleza a un nuevo nivel.

En conclusión, opino que su enfoque innovador junto a su capacidad para incorporar la naturaleza en sus diseños y su énfasis en la funcionalidad lo llevaron a ser reconocido como uno de los arquitectos más influyentes de la historia. Todas sus obras logran a impresionar al público de diferente manera desde varias percepciones. Es también dicho que a lo largo de sus 70 años de carrera, Frank Lloyd Wright publicó artículos, dio conferencias y escribió muchos libros sobre su pensamiento y filosofía en el campo de arquitectura. Esto lo encuentro como un beneficio muy útil para la generación nueva de arquitectos hoy en día. Sus proyectos se merecen el reconocimiento ganado desde que Wright empezó su carrera el presente y espero ver más de este tipo de arquitectura en un futuro inspirado por Wright.

El hombre que ayudó a moldear la arquitectura moderna: Le Corbusier

En muchos casos un arquitecto va a obtener su bachillerato y maestría concentrado en arquitectura. Muy pocos se dedicaban a bastantes formas artisticas antes de meterse en la arquitectura como Charles-Édouard Jeanneret o conocido como Le Corbusier. Ya en los 1900s late estaba enfocándose en lo analítico y funcional del diseño de edificios, cual contribuye mucho el trabajo de dicho arquitecto. Entonces, ¿cuál es la importancia de este arquitecto y que lo destaca a los demás? Le Corbusier extiende su impacto más allá de Europa donde también pudo trabajar con un diseño de una planificación urbana en India y su paisaje arquitectónico de Chandigarh También dejo una huella en prácticas arquitectónicas de dicho país. Corbusier fue conocido como un pintor primero que todo pero después logró a trabajar en proyectos como arquitecto, diseñador, planeador urbano y escritor.

En sus años tempranos, como había mencionado previamente, estudió educación en arte en La Chaux de Fonds en Suiza. su faceta de comal artista plástico no es muy reconocida, su nombre más bien se rodea de sus aportes arquitectónicos. El bregaba con pintura y esculturas empecinado en plasmar sus ideas en un lienzo o arcilla durante estos años. El arquitecto usaba pintar como un pasatiempo y su forma de pintar era inspirado mucho por el cubismo. Llegó a conocer Ozenfant, un pintor representativo del cubismo en su estancia en París. Este evento lo impulsó a desarrollar su talento y en conjunto sentaron las bases del purismo en el cubismo, cuál adicionalmente estaba influido por varios otros artistas. Luego en la década de los 30 llego a coger interés a una diferente técnica, se inició a trabajar en esculturas cuál su técnica cambió también a collage con sus obras plásticas. Ya que Cobussier se ganó su reconocimiento como artista, se le hizo fácil ganar exposición con sus trabajos arquitectónicos después.

Le Corbusier es considero como uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Él aportó mucho la arquitectura moderna por su filosofía renovadora y sus famosos cinco puntos de la nueva arquitectura. Utilizó las matemáticas y la geometría como pilares de su carrera cual los hizo resaltar mucho con sus diseños y planillas. El arquitecto nunca tuvo formación académica con la arquitectura, refiriéndose que nunca estudió una concentración en arquitectura. Le Corbusier empezó a trabajar en un proyecto luego de haber trabajado por años en artes plásticas. El admiraba mucho la importancia de la geometría y las relacionaba con otros proyectos arquitectónicos como la catedral de Notre Dame de París cuál su cuya fachada principal son los círculos y cuadrados. Era el arquitecto se consideraba como escritor y filósofo cuál creó esta siguiente regla: “En 1926, Le Corbusier daría una vuelta de tuerca a los cánones establecidos con sus famosos cinco puntos de una nueva arquitectura. Según su filosofía, las construcciones debían diseñarse con una planta baja sobre pilotes, una planta y una fachada libres, una ventana alargada y una terraza-jardín.”. (Laura Chaparro, https://www.bbvaopenmind.com/ciencia/grandes-personajes/le-corbusier-arquitectura-geometrica-a-la-medida-humana/#:~:text=Su%20predilección%20por%20el%20hormigón,más%20influyentes%20del%20siglo%20XX.) Su tipo de arquitectura empezando fue siempre estructuras lisas de hormigón blanco y vidrio elevadas por encima del suelo. Estos trabajos fueron llamados “pure prisms”. También contenía unas mismas ideas modernistas en la arquitectura de Corbisier dónde se expresaron en sus diseños de muebles simples y aerodinámicos. No sólo trabajaba con arquitectura paisajista pero también con materiales y en decour.

Unité d’habitation by Le Corbusier

Pienso que su talento fue lo más destacado en sus trabajos como arquitecto y como teorista que involucraba su manera de pensar en sus obras. Uno de sus edificios más destacados, Unité d’habitation en Francia, Se admira por el tipo de diseño como ciudad jardín vertical y sus colores llamativos. Este edificio tiene espacios muy funcionales y fue su primera oportunidad de poner en práctica su teoría de proporción escala quedarían origen al Modulor. Admiro mucho a este arquitecto no sólo por sus obra arquitectónica pero también todo lo que ha aportado en el mundo del arte como sus pinturas, sus diseños de interior, sus trabajos en artes plásticas, etc. me sorprende que llegó a trabajar en lugares como Japón, India, Francia, Argentina y otras partes absurdas por el mundo. Ahora su trabajo se reconoce mundialmente con el tema del modernismo y es muy impresionante cuánto aportó con sólo haber trabajado años en la arquitectura.

Dos arquitectos revolucionarios en Barcelona: Mies van der Rohe y Gaudi

Barcelona es una ciudad que contiene una arquitectura muy distinguida a otras partes del mundo. Su arquitectura aguanta mucha historia y es muy influenciada por como la moda arquitectónica se percibía en el pasado. Mundialmente es reconocida como la capital del modernismo por la gran influencia y cantidad de obras que marcó el arquitecto Antoni Gaudí, adicionalmente siendo destacada por su diseño medieval que no sólo contiene sus propias obras de esta figura pero si no también la ciudad entera. Mies van der Rohe, otra de las influencias que mayor desarrollaron a Barcelona, llegó a diseñar pilares cual fueron canónicos para el movimiento moderno. generalmente por estos arquitectos Barcelona se destaca por ser una ciudad sumamente reconocida con estilos de arquitectura gótico, moderno o renacentista cual atrae mucho turista para ver su belleza arquitectónica.

Ludwing Mies van der Rohe, un arquitecto alemán, jugó un rol gigante en lo que es la modernización arquitectónica. Dedicó su tiempo a formarse como colaborador en los estudios del arquitecto y logró ser el representante del racionalismo arquitectónico. Las características de su arquitectura, es decir su estilo, consiste en sencillez de elementos estructurales y contiene mucha simetría geométrica (dado a trabajar con el modernismo) cuál se basan en proporciones. Mies van der Rohe tenderá cada vez más a la simplicidad, a la abstracción de elementos y búsqueda de plantas racionales que formen un todo continuo. Uno de sus trabajos más destacados en Barcelona fue ‘El Pabellón Alemán’. “Originalmente llamado Pabellón Alemán, posteriormente renombrado Pabellón de Barcelona, fue la tarjeta de presentación de Alemania después de la Primera Guerra Mundial, emulando el progreso dentro de la cultura moderna de una nación que todavía tenía sus raíces en la historia clásica. Su diseño elegante combinado con ricos materiales naturales sirvió a Mies como un puente hacia su futuro profesional, dentro del modernismo arquitectónico.” (https://es.wikiarquitectura.com/edificio/pabellon-aleman-en-barcelona/). Mies se enfocó más más historia a esta obra en vez de relacionar con arte o esculturas, sólo lo clasificaba como un edificio. Esta obra solamente fue hecha para exposición limitada y en el 1930 al finalizar esa exposición fue desmontada. Al pasar el tiempo esta obra convirtió en un referente clave para la historia de la arquitectura del siglo XX y ya para el 1980, se empezó a gestar la idea dereconstruir el edificio en su localización original.

Antoni Gaudi se diferencia un poco más en su estilo más maximalista con estilo único y diferenciador inspirado por lo gótico. Antonio Gaudí, un arquitecto español, enormemente le pudo traer conocimiento a España gracias a su arquitectura. Sus obras son influenciadas y reflejadas en el uso de piedras de construcción curvadas, esculturas de hierro retorcidas y un estilo con formas de naturaleza. Adicionalmente utilizaba mucho la cerámica coloreadas como si fueran patrones mosaicos para darle el toque antiguo y único. “Para el arquitecto, la realidad era geométrica: concebía la naturaleza como formas racionales, un equilibrio de constantes; belleza alcanzada en su máxima expresión.” (Santiago Alfonso, Ethic Cultura). Su obra más destacada se reconoce como la Basílica de la Sagrada Familia, una obra incompleta pero la más famosa del mundo. El arquitecto concibió esta obra como la estructura de un bosque pero le dio su propio toque coloridos que contienen su complejísimo sistema estructural y decorativo. La gloriosa arquitectura de la Sagrada Familia tiene influencias de los estilos gótico español europeo, modernismo catalán y art nouveau. este tipo de estilo aparece como enormemente inspiración para varios arquitectos hoy en día. hoy en día aparece como uno de las basílicas más prestigiosas y elegantes del mundo, diferenciada con su tipo de construcción elegante al igual mantenerse colorida de forma naturalista. Los colores de cada una de las ventanas tienen representaciones sagradas: el amarillo, el verde y el azul del portal del Nacimiento simbolizan la pobreza, la luz y el nacimiento de Cristo; mientras que el rojo, el amarillo y el naranja del portal de la Pasión aluden al agua, la resurrección y la luz.

En conclusión, España contiene un tipo de arquitectura muy prestigioso por la historia que cada edificio contiene y la construcción detallista moderna o antigua que atrae el ojo. Gaudí y Mies van der Rohe se pueden considerar como grandes aportaciones a la belleza que España tiene. hasta hoy en día mucho turista viene a ver estas obras únicas a ningún otro país tener basílicas como las que fueron construidas acá. pienso que Gaudí mayormente se destaca mucho con su arte y tipo de estilo naturalista moderno en su arquitectura cual no falla en fascinarme.

Reflexión de mis compañeros

Este curso de introducción de arquitectura me ha ayudado sumamente mucho en desarrollar una perspectiva de arquitecto y entender la historia de tipos de arquitecturas. Entiendo que mis compañeros han aprendido al hacer estos blogs tanto como yo misma. Los blogs que más me llamaron la atención fueron los de Gabriel R Reyes Rivera (https://introarquireyes.blogspot.com), Luis F. Velázquez Sosa (https://sites.google.com/upr.edu/arquitectura-blog/inicio) y Scarlett Basurto Ruiz (https://scarlettbasurto.blogspot.com/2023/10/reflexion-10-recopilacion-3-blogs.html). Mi tema seleccionado fue el estilo y ornamento.

El blog de Gabriel se presenta muy organizado. Me gusta que su blog incluye “previews” de los temas de cual va a hablar. Su blog habló inicialmente de cómo las construcciones incluyen cada una una identidad detallada y codificada. Nos educa que la arquitectura sirve como forma de expresión cual conlleva mensajes por el arquitecto. Es decir que sirve como una forma artística comparado con poesía o arte, siendo algo similar. El estilo y ornamento se explica de buena manera y llega a expresar que “sugieren una fuerza continua, viva y en movimiento, capaz de ocupar todo el campo visual”. Blogspot se ve que facilita el proceso de organizar su propio blog y se presenta muy coordinado.

El blog de Luis me pareció muy formal y profesional. La información que contiene su blog de estilo y ornamento es fácil de entender. menciona la derivación de la palabras estilo y decoración junto a su origen. Pienso que saber de dónde vienen estos términos nos ayuda a entender lo que la palabra ha significado a través de los años pasar y cómo impacto la definición en arquitectura. El compañero nos ayuda a entender cómo estos aspectos han fundamentado la arquitectura y cuán importante es el rol de decoración y ornamentos. me encanta el layout de su blog y la mecánica a través de ella.

Por último, el blog de Scarlet satisface mucho el ojo y se muestra como muy creativo. Me encanta el comienzo de sus párrafos cual aparecen como el estilo de periódico con la tradición cotidiana de poner una letra más grande que el “font” de el párrafo. Ella procede hablar de las variables importantes incluidas en el proceso de diseñar cuáles son la decoración y el estilo. esto no se enseña poder aprender y conocer alguno de los pasos con los arquitectos deben pensar para sus proyectos. La creatividad es algo necesario para poder decorar, según su blog. En conclusión, este blog nos trae mucho conocimiento de los pasos y cualidades que debemos considerar en el proceso de hacer un proyecto. También se menciona las cualidades más importantes y aprendemos como con uno al otro se complementan. El formato de cómo el blog está compuesto fue uno de mis favoritos por lo colorido y creativo que es.

El expresionismo abstracto: Jackson Pollock

Los expresionistas abstractos mantienen el precepto de la sola pintura, de un mandato de absoluta sinceridad y de la creencia en el artista como individuo que se expresa a través del plano pictórico, el gesto y la acción física. Entienden la pintura como fruto de una experiencia dramática en la que el artista, desencantado por su contexto e inspirado por el Existencialismo, se refugia en su interior y abandona referencias. Se rechaza la forma y se habla de mancha, textura, arenas y goteos. Uno de los artistas que trabajaba por el expresionismo abstracto más grandes fue Jackson Pollock. Sus trabajos se destacaban por cuán visualmente satisfecho eran. El Expresionismo Abstracto se desarrolló conforme a dos tendencias: Action Painting (enérgica y gestual, sus representantes son Pollock, Kline y De Kooning) y Colour Field Painting (más puramente abstracta, reposada, mística para Rosenberg. La representa Rothko).

El estadounidense Jackson Pollock es uno de los pintores más representativos del expresionismo abstracto con sus pinturas de goteo. Sin embargo, su vida no fue nada fácil. No fue fácil obtener el reconocimiento mundial que Pollock logró obtener. Es mencionado en el documental que todos los artistas mundiales eran de regiones de Francia, Italia, Rusia, etc. Pollock raramente fue uno de los primeros artistas estadounidenses al ser popularizado por su arte. El único otro artista que la gente tendía a compararlo antes de sus años famosos era el famoso “Picasso”. Pollock nació en Wyoming, un estado fantasma cual se le complicaba obtener atención desde sus años tempraneros. Con 16 años, Jackson dejó el instituto y se trasladó a Los Ángeles con su madre para estudiar en la Manual Arts High School, una escuela dedicada a las artes. Pocos meses después de graduarse, en 1927, se trasladó a Nueva York para vivir con sus hermanos. Lo que hizo pollock fue desplegar lo que siempre había estado ahí desde las pinturas rupestres, el goteo. Pero, ¿era ya el expresionismo abstracto algo querido por el público? ¿Cómo Pollock logró traerle relevancia a este tipo de arte?

El expresionismo abstracto fue un movimiento pictórico que se dio en el siglo XX, cuya principal característica es la afirmación de forma espontánea que tiene el individuo por medio de la pintura. Es un arte no figurativo que no se ajusta a los límites de la representación convencional. Las obras innovadoras de Pollock allanaron el camino para el desarrollo de varios movimientos artísticos, como el expresionismo abstracto, la pintura de acción y la pintura de campos de color. Se describía como una manera inusual de hacer pinturas por la razón que el pincel nunca tocaba el canvas, era algo que la gente nunca había visto. Comparado con el arte cotidiana de ese tiempo, el expresionismo abstracto no mantiene narrativa ni perspectiva, su singular enfoque de la pintura se basaba en su deseo de liberarse de las convenciones artísticas tradicionales y explorar nuevas posibilidades en el campo de la abstracción. El impacto del arte de Jackson Pollock en el mundo del arte moderno es inmenso. Su revolucionario enfoque de la pintura, que priorizaba el proceso y la espontaneidad sobre la composición tradicional, cambió la forma en que los artistas abordaban su trabajo y abrió nuevas posibilidades en el ámbito de la abstracción.

Número 1A, 1948

En conclusión, es impresionante ver como la fama de Pollock creció al crear una técnica de pintura completamente nueva y desconocida. No sólo trajo gran influencia a los artistas de su tiempo hasta el presente pero también logrado destacarse por ser diferente y querer ir contra las normas de el arte normal. El propio Pollock describió su proceso creativo con estas palabras: “Mi pintura no sale del caballete. Prefiero fijar el lienzo sin estirar a una pared o al suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más cómodo. Me siento más cerca, más parte del cuadro, ya que así puedo caminar alrededor de él, trabajar desde los cuatro lados y estar literalmente en el cuadro.” Pollock se merece todo el reconocimiento que obtiene hoy en día ya que logró traer inspiración a todo tipo de arte abstracto cual no era reconocido en esos tiempos.

La invención de lo clásico

Las catedrales desde temprano siempre cargaron un impacto inmenso en la arquitectura y lo que se hace de hoy. Desde los patrones simétricos, ventanas de cristales coloridos y de detalles arquitectónicos antiguos se puede decir que fueron un movimiento revolucionario para la arquitectura en general. Ahora, ¿Qué hacen estos detalles a una catedral tan única? ¿Cómo se compara estos antiguos proyectos a los proyectos modernizados de hoy en día? La arquitectura clásica se refiere a la arquitectura de la antigüedad clásica, específicamente la arquitectura griega y de alguna manera el conjunto inspirado y basado en él, tales como la arquitectura romana, el Renacimiento o neoclasicismo. No sólo la arquitectura de lo clásico fue creada para espacios humanos pero también contienen muchos simbolismo y creencias por los eventos históricos que tomaron tiempo en esas décadas.

Empezando con el Partenón de Grecia, simboliza su poder y cultura. El Partenón es un antiguo templo dedicado a la diosa griega Atenea en Atenas, Grecia y fue diseñado de una manera muy fina para honorar las creencias griegas. Este proyecto arquitectónico mantuvo su relevancia con la cultura y su historia, no sólo los griegos hoy en día valoran este monumento pero también el público a través de todo el mundo. Ha inspirado a generaciones de arquitectos y artistas con su geometría precisa y patrones con diseños innovadores que se destacan únicamente. El Partenón está hecho de Mármol, desde las tejas hasta las columnas fueron realizadas con este materia cuál causa que el monumento sea más resistente que cualquiera normal. Este se distinguen fácilmente entre sí por sus proporciones y capiteles (la parte superior de las columnas, esculpida).

Las catedrales se distinguen más por su arquitectura destacada y única. Algunas de las cualidades que distinguen este tipo de monumento son elementos góticos, innovaciones arquitectónicas, altura en estos proyectos y sus ventanas de cristales coloridas cuál dejaba la luz del sol alumbrar el complejo completo. Las catedrales contienen mucha significancia como en sus tiempos se usaban para ceremonias religiosas, actividades educacionales y era central para las comunidades medievales. La forma arquitectónica que tomaron las catedrales dependió en gran parte de su función ritual como sede obispal. En el documental de NOVA el equipo nos logra a explicar el simbolismo y secretos ocultos sobre la arquitectura gótica y más bien la religión detrás de los catedrales. este punto de vista de el documental nos ayuda a realizar más hondo lo que significa cada parte de una catedral para el público se los tiempos de ahora o los tiempos antiguos.

Y por último, el Duomo de Florencia, formalmente conocido como la catedral de Santa María del Fiore, es una de las obras maestras más destacadas de la arquitectura renacentista italiana. Diseñada por el arquitecto Filippo Brunelleschi, esta catedral está ubicada en el corazón de Florencia y la cual durante los años ha dejado una huella indeleble en la historia de la arquitectura, adicionalmente es un símbolo cultural de la ciudad. Este monumento se distingue por su estilo renacentista, su elegante fachada de mármol blanco y su influencia del antiguo arquitectura romana griega cayéndose en las características clásicas y proporciones armónicas del renacimiento. esta catedral resultó ser la catedral más grande de Europa con una capacidad para 30,000 personas. Esta fachada neo-gótica en mármoles blancos, verdes y rosas forma una unidad en armonía con la catedral, el campanario de Giotto y el Baptisterio, pero está excesivamente decorada.

En conclusión, la arquitectura clásica ha tenido impacto de largo alcance en los estilos de construcción occidentales. Aunque su impacto no se recrea hoy en día, sigue teniendo tremenda popularidad significativa y trae gran inspiración arquitectos de esta generación. Esta tipo de arquitectura consiste de iluminación e inspiración para los proyectos en el presente y no sólo trae planillas creativas pero también incluyen simbolismo y información histórica cuál ayuda percibir estas horas de cierta manera.



Arquitectura antigua: La influencia de Bramante a Pallardo

En esta etapa de el siglo XV, la arquitectura empezó a impactar a Italia inmensamente. En este tiempo ya que por el renacimiento iba cambiando la manera de las cosas, adicionalmente cambiando el pensamiento de la gente, incluyendo los arquitectos. El descubrimiento de la perspectiva es un aspecto importante para entender el periodo y mejorar las construcciones. La perspectiva representó una nueva forma de entender el espacio como algo universal, comprensible y controlable mediante la razón. El dibujo se hizo el principal medio de diseño y es así como surge la figura del arquitecto singular. Los siguientes arquitectos que se mencionarán usan estas técnicas inicialmente. Otra de las notas que caracteriza este movimiento es la nueva actitud de los arquitectos, que pasaron del anonimato del artesano a una nueva concepción de la profesionalidad, marcando en cada obra su estilo personal.

Donato Bramante fue un arquitecto italiano del Renacimiento, cuyo proyecto más famoso fue el diseño de la nueva Basílica de San Pedro en Roma. El primer proyecto arquitectónico conocido de Bramante fue la iglesia de Santa Maria Presso San Satiro, destacada por su coro ilusionista, lo que hace que el interior de la iglesia parezca mucho más amplio de lo que es en realidad. La parte exterior al este aporta otra ilusión óptica y así, toda la iglesia ya indica la forma en que Bramante hizo uso de su aprendizaje como pintor y así difiere de sus predecesores. Sus trabajos son muy reconocidos por el talento de poder producir ilusiones ópticas en una arquitectura tan delicada y fina. Muchos arquitectos hoy en día favorecen sus trabajos por la elegancia y monumentalidad incluida en sus famosos proyectos.

Andrea Palladio fue otro arquitecto italiano nacido en el 1508 que se destacó al final del período renacentista, cuyo estilo se basaba en reglas de proporción y simetría, siendo mayormente sobrio en los exteriores y muy decorado en los interiores. Palladio introdujo el concepto de que la arquitectura romana podía adaptarse para beneficiar a todas las clases sociales y por eso su influencia sigue siendo mayor que la de cualquier otro arquitecto. La Basílica, que tiene dos pisos, muestra una fachada compuesta por arcos de medio punto y columnas dobles a los lados de cada arco. Tiene elementos que diferencian un nivel del otro. Como ejemplo, el primer piso tiene columnas toscanas para inspirar fuerza y rigidez de la edificación y el segundo nivel, columnas corintias para transmitir cierta ligereza. Palladio fue sumamente reconocido por destacar sus obras con su creatividad única con su estilo de neoclasicismo. Al fin, Palladio logró adicionalmente escribir libros sobres sus técnicas de la arquitectura cual los publicó para brindarles a otros arquitectos más conocimiento.

En conclusión, estos arquitectos todavía crearon obras que siguen en pie hasta el día de hoy. Trajeron gran influencia al estilo de arquitectura de el Siglo XV junto al de ahora. Aunque el neoclasicismo no se ve casi hoy en día, Bramante y Palladio pudieron mantener relevancia con las técnicas tradicionales que inventaron en sus años. El análisis de la innovación y la ingeniería del pasado, así como los retos a los que se enfrentaron, resultan de gran valor para los desafíos del presente. El mejor ejemplo de este tipo de arquitectura innovadora y de superación de los límites se desarrolló hace un par de siglos. Estamos hablando de la arquitectura del Renacimiento.

Estilo y ornamento: El efecto que le trae a proyectos arquitectónicos

La arquitectura la mayoría de las veces se basa en dos aspectos: la utilidad para el habitante y cuán atractivo es para el ojo de alguien. Por decir cuan atractivo es hacia el ojo, se habla de la atracción que cause que atraiga los más gente posible a su exposición. Aquí vienen los roles de el estilo y la ornamentación. ¿Qué exactamente significan estas palabras en el campo de arquitectura? El estilo trae ritmo, memoria, rima, métrica y otros recursos formales que se familiarizan con repeticiones y redundancia de estructuras. El ornamento al contrario es lo que le trae la estética y vibra al arte de el proyecto. Son aspectos completamente diferentes que se necesitan junto uno al otro.

El estilo puede exponer de donde se origina el proyecto, es decir, de dónde es el arquitecto. El estilo puede ser aprendido, igualmente como otro, o puede ser inspirado de otros, a lo que construyes uno único. Los estilos, por lo tanto, surgen de la historia de una sociedad. En cualquier momento, varios estilos pueden estar a la moda, y cuando un estilo cambia, generalmente lo hace gradualmente, a medida que los arquitectos aprenden y se adaptan a las nuevas ideas. Constantemente el estilo cambia, a lo que todo se va modernizando y cambiando. Es importante tener en mente que esta de moda y que no, por lo que la moda tiene un gran impacto en el estilo. Un estilo puede incluir elementos tales como forma, método de construcción, materiales de construcción y carácter regional cual se relacionan a todo de la moda.

La ornamentación en la arquitectura es un motivo o composición que sirve para embellecer elementos o espacios arquitectónicos. El variado conjunto de adornos utilizados por los artistas son para embellecer objetos u obras arquitectónicas. No es necesario traer decoraciones y ornamentos a los espacios, sin embrago, estos aspectos traen interpretaciones diferentes a los proyectos. Afectan la vibra de el ambiente y como el público interpretan el cierto espacio. El simbolismo es lo que influencia la decoración del espacio, se refiere a la expresión de una obra arquitectónica, en el sentido de que representan un tiempo, lugar, brindándole un carácter que lo personifica y lo hace único.

Se puede concluir que el estilo y ornamentación son más bien una forma de expresarse para el arquitecto. Se le puede referir a como un lenguaje completamente nuevo. Estos temas concluyen el sentido de moda que tiene un arquitecto. También determina cuán único es el trabajo de la persona. Estos pasos son una disciplina que busca embellecer y transformar los espacios a través de la selección y disposición de elementos decorativos. Con estos estilos y ornamentos se logra crear no solo un espacio funcionable pero sino también expresivo.

¿Qué propósitos traen el sistema espacial y el sistema material?

El proceso de diseñar en la arquitectura contienen dos fundamentos extremadamente necesarias y importante: el sistema material y sistema espacial. Las dos son importantes por la razón que tienen propósito a implementar ideas y utilizaciones a estos proyectos. Ahora, ¿qué son estos sistemas? La arquitectura espacial es aquella que se centra en diseñar y construir espacios habitables fuera de la Tierra, ya sea en forma de naves y estaciones espaciales o de construcciones en otros planetas y satélites. En cambio, el sistema material esta basado en la estructura, superficie donde se va a construir y en el entorno, por ejemplo: luz y tiempo. Estos dos se complementan uno al otro, porque sin espacio no puede ver arquitectura pero sin material no tendrá función el proyecto.

¿Qué aporta el sistema espacial en estos proyectos? Las formas de los espacios afectan las características de percibir el lugar. Dependiendo si hay un cierto ritmo, patrón o dirección, ayuda con la percepción junto a sus volúmenes al establecer relaciones composicionales. La simetría en edificios es uno de los aspectos más comunes usados en el proceso de crear edificios. El espacio no se interpreta como la estructura del edificio, sino lo que hay adentro para inhabilitar. Luego de calcular el sistema espacial para construir, entra el diseño de el sistema material.

El sistema material provee más creatividad y visualización arquitectónica. Este sistema se involucra con los aspectos de la agua, luz solar, controlar la ventilación, la transferencia de energía y la transmisión de sonido entre otras cosas. Con este tema hay que trabajar y planear con precaución porque cualquier error podrá afectar el proyecto completo de forma negativa. Es importante tener en cuenta cómo la estructura podría ser afectada por la gran influencia que traen estas necesidades en un edificio. ¿Tendrá un propósito más o menos importante que el sistema espacial? Claramente se piensa que no, cualidades como la iluminación o tuberías de agua se usan diariamente 24/7, y si hay una colocación incomoda, eso afectaría el valor completo del proyecto no importa el tamaño o construcción de la área. Además, se juega con los niveles del suelo, lo cual lleva a una expresión significativa del lugar (no todo se construye en un lugar plano).

En conclusión, estos dos temas se deberían entender claramente para poder brindar un buen servicio como arquitecto. Se tiene que saber la relación entre los sistemas mismos y como suelen a trabajar uno con otro. Con estos temas básicos se puede interpretar la función, interpretación y uso de un edificio. Yo pienso que son temas muy importantes en lo que es ser arquitecto, porque traen gran impacto al conocimiento arquitectónico y a los proyectos en general.

El gesto arquitectónico: ¿Se puede considerar la arquitectura como forma de expresión?

El mundo constituye de la arquitectura sea ambiental o tecnológica. Una persona normal lo ve como espacios necesarios que nos permiten vivir, ocupar o simplemente relajar. Sin embargo, hay gestos que podrían enseñar en como una persona se expresa, su estilo, forma de ser, etc. Esto se nombra como funcionalidad vs la expresividad en estos proyectos. “Seguramente la arquitectura puede reflejar momentos de guerra y opresión, y también momentos de tregua y de paz. En Colombia y México es un poco pronto para describirlo. Sin embargo, más que reflejarlo, de manera formal, creo que lo hace a través de los recursos y las soluciones y en cómo se están o no ejecutando ciertos proyectos” Mónica María Vásquez Arroyave, 2017.

El uso de la arquitectura nos trae varios beneficios para vivir, hacer espacio utilitarios pero también adicionalmente espacios simbólicos. A través de estas expresiones arquitectónicas se puede determinar de donde se origina un edificio, cuando se construyó, qué sentido de estilo tuvo el arquitecto y mucho más. ¿Qué es el gesto arquitectónico? ¿Cómo se relaciona? El gesto arquitectónico es una forma clara de ver aquellos espacios con el que se puede crear, construir o modificar ideas que surgen con un propósito. Por otro lado en el gesto arquitectónico busca resolver varios elementos arquitectónicos en un espacio. Elementos como visualizar la percepción de el ambiente cuando se visite el espacio, ¿cómo va a persivir un visitante el ambiento por la forma que se construyó el proyecto?

Monumentos y edificios históricos son un gran ejemplo de el gesto arquitectónico y su expresión. Por ejemplo, la arquitectura de Italia y sus museos antiguos no tendrán la misma visión que unos de China antiguo. Estos tipos de arquitectura antiguo dicen mucho sobre sus tiempos, utilitarios para las guerras que ocurrían consecutivamente en esos timepos pero adicionalmente el arte siendo fino y antiguo como forma de expresión. “La historia de la arquitectura es muy importante en distintos momentos del desarrollo y proceso proyectual como directriz de composición, como lenguaje-discurso o como instrumento proyectual.” Lenin John Meléndez-Rodríguez, Universidad Peruana de Ciencias e Informática, Huancayo - Perú. El gesto arquitectónico también se trata sobre cómo habita el humano ciertos espacios, sea antiguos o modernos.

En conclusión, el arquitecto no solo brega con diseñar sino, también la estética y simbolismo del proyecto en el area. Es un proyecto que se deber diseñar y no solo pensar en los resultados pero también que impacto tendrá de aquí a 20 años. ¿Seguiría útil? El sentido de gesto arquitectónico siempre estará presente tanto como los arquitectos mencionados que se basaron en estos gestos para lograr obras famosas y se seguirá usando con la arquitectura moderna hoy en día.

El reconocimiento de un diseñador: Los Eames

El diseñar mantiene un rol muy importante en nuestro mundo. Dentro de lo que es arquitectura, ingeniería, emprendedores, etc. todo involucra el arte de diseñar en un punto dado. Dado a esto, un punto muy culminante para el campo de diseñar fue cuando los Eames, Charles y Ray Eames, surgieron con sus diseños avanzados y impresionantes para la sociedad. ¿Que cosas aportaron los Eames? “Entre la gran diversidad de diseños que los Eames crearon a lo largo de su vida, existen piezas icónicas que muchos de ustedes seguramente han visto, comprado o usado. De las primeras, es la Silla Plywood presentada en 1945 en la exposición del MoMa Nuevo mobiliario por Charles Eames; a la cual le siguieron La Chaise, las sillas Aluminium Group, la famosa silla Shell, fabricada con plástico y fibra de vidrio, así como la Lounge Chair, tapizada en piel y diseñada para el director y amigo de la pareja, Billy Wilder.” AD Latinoamérica, octubre 2020. Una silla tan simple, que solo tiene un uso para el humano cual es sentarse se convierte en un estudio y diseño más complejo, cual loa Eames logran a diseñar una mejor silla adecuada para la comodidad de la gente, un diseño extravagante que alcanzó la atención de miles. Charles Eames obtuvo mucho reconocimiento por este proyecto, pero entonces, ¿qué pasa con el reconocimiento Ray Eames?

En el documental “Eames- The Architect and The Painter, 2011” el tema del reconocimiento surge por la razón que Charles y Ray no reciben el mismo conocimiento. Es mencionado que Ray era el motor de la mente de Charles y mucha de las ideas del matrimonio fueron iniciadas por la mente artística de Ray, sin embargo, en ese tiempo Charles fue la imagen y voz de las creaciones de los Eames. Mucho trabajador de las oficinas de Eames, adicionalmente, se quejaron que no recibían el crédito adecuado respecto a todo el trabajo que aportaban en estas creaciones. El documental cita “Almost always, when there a successful man, there is a very interesting and able woman behind him.” Esta cita resalta el esfuerzo de la mujer, en este caso, Ray Eames que trabaja en las sombras de Charles. Ella habla del sobre ser diseñadora, no es solamente dibujar, sino es tener la idea original junto con planillas, examinar y hacer pruebas con el diseño, etc. y con todo este proceso, Ray se encargaba de ayudar a Charles y lograr sus metas.

Ya que en ese tiempo era la etapa de los 1950s, era muy difícil como mujer recibir la misma atención que un hombre. No había la misma igualdad que hay hoy en día, ni se consideraba un problema grande. “The feminist conscious had not been raised yet. Ray would always stand behind Charles. And on camera or interview, she hardly ever said anything.” Ray luego llega expresar cuanto le afecta que no recibe el reconocimiento de su trabajo, porque el público solo veía estos proyectos como negocio de Charles. Es bueno que ahora Ray llega a recibir su reconocimiento necesario y todo lo que aportó en el trabajo de diseñadora con su matrimonio, Charles. El documental habla de su perspectiva y los procesos que ella enfrentó como la genia detrás de todas estas ideas.

En conclusion, Ray Eames es muy admirada por tener la iniciativa de trabajar en lo que es el diseño en este tiempo que veía a la mujeres como inferior. Los Eames son una gran influencia a lo que es la industria de diseñar en general. “El trabajo de los Eames en la industria del diseño sigue vigente hoy en día ya que es su legado nos permite reflexionar acerca de la importancia que tiene el trabajo interdisciplinario. Las creaciones de Charles y Ray involucran al diseño industrial, gráfico, arquitectura, fotografía y cinematografía, entre otras” Rebeca Vaisman, octubre 2020. Pienso que así debería ser la expectativa de todo diseñador que quiere cumplir lo grande, empezando con gran esfuerzo y ideas.

La vida a través de BARAKA

A través del documental “Baraka” se enseña los diferentes estilos de vidas de diferentes regiones, pero ¿Cuál de los expuestos realmente es un estilo de vida mejor para el humano, el antiguo o el moderno? Baraka logra a enseñar la diversidad en la que vivimos y dentro de esa diversidad se encuentra muchas costumbres extranjeras cual se diferencian una a la otra. En este argumento solo se comparan dos maneras de vivir en las cuales pudimos ver en el documental: lo antiguo y lo moderno. Lo antiguo se compone desde los indios, egipcios, africanos viviendo desarrollado completamente en sus culturas y creencias. Es establecido que la importancia de ellos depende en la religión de sus culturas y dedican bailes, rituales, ejercicios, etc hacías sus dioses. Ahora, lo moderno, quiere decir la vida “cotidiana” para nosotros, es completamente lo contrario. En lo moderno ya entramos en un mundo asolado de lo mecánico, donde vivimos en la ciudad lleno de negocios, carros, fábricas y el estatus social de una persona es realmente lo más importante. Tan diferentes que suenen estos ciertos estilos de vidas, se relacionan uno al otro con el relato de sobrevivir, simplemente el documental comparte los dos lados de nuestro mundo, sea o no sea lo más lindo. Pero al fin, todo tiene su propia belleza admirable, cual son unos de los objetivos de Fricke cual logró captar.

El documental empieza con capturar estilos de vidas antiguos, relacionado mucho con la naturaleza. El estilo de vida antiguo tiene mucho beneficio al cuerpo humano ya que es muy dependiente de la naturaleza y los recursos que nos brindan. Esta gente sobrevive de cosechas orgánicas crecidas por ellos mismos por lo tanto tienden a ser más saludables. Es decir, la vida de estos individuos no gira alrededor de la tecnología como nosotros, su cultura depende de plantas y tribus. Además de esto, se educan sobre su cultura todos los días como costumbre, según la documentación. En nuestros ojos no es algo cotidiano vivir como ellos, pero desde mi punto de vista me da pensar que no es un estilo de vida malo y que de hecho, es más saludable y armoniosa que el de nuestros. Es una discusión interesante saber cuales otras costumbres ellos tienen en su vivienda, ya que el documental nos enseña solo minutos de su vida diaria.

Ahora, la vida cotidiana se empieza a exponer ya media hora del documental. Nuestra vida se proyecta de una forma negativa en la película, cual demuestran los asuntos de sobrepoblación, el contraste de el pobre y rico, lo cuan desconectados estamos de nuestra cultura, etc. Nosotros mismos nos estamos esclavizando al ayudar a construir una sociedad egoísta y con mucha desigualdad. Pero junto a estas desventajas nace lo positivo, cual muchos de nosotros buscamos cambio constante en la que usamos como inspiración. La vida civilizada junto a sus puntos negativos pues tiene puntos positivos, como tener acceso fácil en ciudades, ya que muchos negocios están alrededor de nosotros. Con estar alrededor de mucha gente, desarrollamos buena comunicación y conectividad por tener una vida social más activa. Usualmente las tribus están solo rodeados de ellos mismos, pero nuestro estilo de vida contiene mucha más exposición a la diversidad.

Realmente no hay una vida “mejor” porque estos dos estilos de vidas ya tienen sus ventajas y desventajas. Fricke solo nos logró enseñar dos puntos de vistas completamente incomparables, pero es interesante realizar cuan diferente un individuo puede vivir a nosotros. Cada uno esta acostumbrado a una vivencia sea contrastada con la de nosotros.

BARAKA: Diferentes expresiones culturales bajo un mismo mundo

Una película que nos enseña las maneras que el ser humano interactúa y se familiariza con su ambiente a través de sus culturas y creencias, de acuerdo con las diferentes civilizaciones, culturas y tipos de sociedades que ha ido desarrollando en su denominado “progreso”. Dicha película se encarga en enseñar el punto de vista de el estilo de vida de otros países, incluyendo Africa, Asia, Latinoamérica, Egipcio, Nueva York, India, etc. Es decir, muchos de nosotros que nos derivamos de diferentes regiones tenemos varias semejanzas y desemejanzas la cual nos distinguen pero al igual nos unen como seres humanos. En los próximos párrafos se discutirán estos datos mencionados:

Las desemejanzas son enseñadas a través de las culturas, prácticas espirituales, actos, igualmente a los ambientes en donde ellos pertenecen. “La aparente fragilidad del ser humano es contrastada con su gran poder, tanto creador como destructor, quedando patente la asimétrica relación homo-natura. Dos mundos contrapuestos pero obligados a coexistir.” (Ricardo Pascual 2012) Por dar ejemplo, el mundo de los Africanos no se puede comparar al mundo de los Coreanos, donde uno habilitan en el bosque sobreviviendo de sus cosechas naturales y usan sus cualidades de supervivencia mientras el otro está establecido en pura ciudad asoladas por tecnología y trenes donde se enseña que hay sobrepoblación y los estatuses relevantes son la gente que vive de la riqueza. La cultura como tal, no es bastante agradecida como otros países, es decir, mientras se vayan “modernizando” algunos países, más pierden su identidad de cultura. Otros países, al contrario, viven de su identidad y cultura cual son descritos como “los de manera antigua” o en simple frase, “menos modernos”. Es difícil identificar un problema en general con dicho asunto, porque beneficios y desventajas lo adquiere todo. Pero aún estas maneras de vivir se destacan unas a otras ayudando a entender porqué el mundo está lleno de diversidad, y qué es lo que distingue un país al otro.

Al contrario, las similitudes demostradas en esta película fueron varias. “BARAKA nos hace reflexionar sobre el origen espiritual del hombre y su unión con Dios. Sobre cómo puede vivir en paz consigo mismo, con sus semejantes, con la Naturaleza y con el Universo y cómo, olvidándose de todo ello, crea algo que llama “civilización” y en nombre del “progreso” permite que le vaya deshumanizando y destruyendo.” (Ricardo Pascual 2012) No importa le región de la cual seamos, todo humano que fue enseñado aquí pertenece a una cultura donde el Dios es el divino guia de ellos, la cual se le dedica tiempo y practica al orar y bendecir. Es normal en el ambiente del humano no saber que hay más allá en los espiritual, cual resulta en adorar la creencia y espiritualismo de sus decencias. "BARAKA", en árabe significa “bendición divina” y en sufí, "aliento de vida". No es por decirque esto fue una pelicula mayormente religiosa pero la espiritualidad es uno de los elementos más importantes que se enseña aquí.

En conclusión, el director, Ron Fricke, tuvo el propósito de enseñarnos la diversidad ambiental y humana junto a nuestras funciones. El documental fue grabado en sobre 152 localizaciones de 24 países. Nos trae perspectivas cultural de diferentes regiones. La película nos permite ver la interconexión real de todas las cosas en el mundo y apreciar sus patrones y simetrías y su sentido innato de equilibrio y proporción. Fricke ha dicho que "Baraka" pretendía ser "un viaje de redescubrimiento que se sumerge en la naturaleza, en la historia, en el espíritu humano y finalmente en el reino del infinito". Y milagrosamente, sus audaces intenciones se hicieron realidad.