Tumgik
#cine surrealista
La Web de surrealismo Vu Huyen Thuong (1982-)
Tumblr media
Vu Huyen Thuong-Nacida en 1982,  vive  en Ha Noi, Vietnam.-2006 : Graduado de la Academia de Teatro y Cine de Ha Noi - Facultad de Diseño Artístico-Título en Bellas Artes/ Diseño para la película).-Sigue el arte surrealista.-2007-2008 : Academia de Periodismo y Comunicaciones de Ha Noi - Facultad de Periodismo
5 notes · View notes
notasfilosoficas · 10 months
Text
“El verdadero infiel es el que hace el amor sólo a una fracción de ti. Y niega el resto”
Anaïs Nin
Tumblr media
Anaïs Nin Culmell fue una escritora francesa de padres cubano-españoles nacida en Neully-Sur_Seine en febrero de 1903. Fue autora de novelas vanguardistas en el estilo surrealista francés, y principalmente conocida por sus escritos sobre la vida y su tiempo, recopilados en los llamados Diarios de Anaïs Nin.
Sus padres fueron, la cantante cubana de origen francés y danés Rosa Culmell y el compositor y pianista cubano de ascendencia española Joaquín Nin, quien la abandona cuando Anaïs tenia 11 años, hecho que la marcó durante gran parte de su vida.
A los 19 años, Anaïs consigue trabajo como modelo y bailarina de flamenco, y se casa en La Habana Cuba con el banquero Hugh Guiler, con quien se marcha a vivir a Paris para estudiar danza española. Durante este tiempo, su vida aburrida y la lectura de D.H. Lawrence la motivan a convertirse en escritora.
En 1930, publica un ensayo sobre Lawrence, y un año después conoce a Henry Miller, el novelista estadounidense de quien tiempo después se convertiría en su amante. Durante este tiempo se convirtió en la amante de la mujer de Miller, June, con quien practicó el vouyerismo.
En 1939, emigra a Estados Unidos y allí se convierte en la primera mujer que publica relatos eróticos. “Delta de Venus” denota una fuerte influenza del Kamasutra.
Enfrentada con una necesidad desesperada por conseguir dinero, Nin y Miller comenzaron a escribir narrativas eróticas y pornográficas en la década de los 40 para un coleccionista anónimo.
En 1955, se casa por segunda vez con Rupert Pole, quien fuera su agente literario sin divorciarse de su primer esposo Hugh Guiler y sin que este último lo supiera. 
Por años, Nin mantuvo una doble vida dividiendo su tiempo en la modesta casa de Rupert Pole en California y el opulento apartamento de Hugh Guiler en Nueva York. 
Guiler toleraba los affairs de su esposa incluido el romance con Rupert Pole, aunque nunca supo de su matrimonio con él.
En 1966 cuando Anaïs Nin entró en la notoriedad pública por el éxito de sus diarios, hizo anular su matrimonio con Pole.
De los Diarios de Anaïs Nin, existen en la actualidad dos versiones publicadas en sus diarios debido a que mucha gente a la que Anais menciona aun vivían cuando el primer volumen fue publicado en la década de 1960.
Nin ha sido aclamada por muchos críticos como una de las más destacadas escritoras de la literatura erótica femenina. Antes de ella la literatura erótica era muy escasa con algunas pocas excepciones.
Su obra a sido llevada al cine en “Henry y June” del director Philip Kaufman, y al teatro con La casa del incesto.
En 1973 recibió un doctorado Honoris Causa del Philadelphia College of Art. 
Anaïs Nin murió en enero de 1977 a la edad de 73 años en Los Angeles California y sus cenizas fueron esparcidas sobre la Bahia de Santa Mónica.
Fuente Wikipedia
39 notes · View notes
tengomilpalabrasparati · 11 months
Text
Buenas Noches 💤💤
youtube
'Destino', el cortometraje que Disney realizó con Salvador Dalí
Destino es un cortometraje de culto, pero que, probablemente, no suena muy familiar. Esta pieza fílmica estuvo guardada muchos años, pero sus creadores Salvador Dalí y Walt Disney, hablaron de ella hasta sus últimos días. Entonces, ¿por qué casi nadie la conoce?
No es sorpresa que un corto creado por estos dos genios del arte sea incomprensible para muchas personas; sin embargo, la forma en que nació es tan surreal como ambos artistas lo fueron. Se dice que en una fiesta dada por Jack Warner, en Hollywood, cerca de 1945, los dos coincidieron en un saludo y unas copas compartidas. Dalí, con su enigmático estilo empapaba a los invitados de risa, gracias a sus ocurrencias y excentricismo. Por otra parte, Walt Disney y su genialidad o empatía para con los demás, destacaba entre lo invitados.
Se encontraron y entre tragos y charlas incomprensibles, nació una idea esperanzadora, pero poco probable: un cortometraje surrealista con tintes infantiles. De este modo, el español contactó a Armando Domínguez, compositor mexicano, para usar “Destino”, una pieza musical de su autoría que escribía perfectamente la historia que el pintor tenía en mente. Mientras tanto, Disney reclutó al mejor de sus animadores, John Hench para darle imagen a las ideas de su amigo. El cortometraje no era una simple charla de fiesta, era un proyecto prometedor, grande y, sobre todo, único.
Pero no todo fue tan bello como ellos imaginaron. Disney estaba pasando por un momento económico bastante crítico. La Segunda Guerra Mundial iba terminando y la economía no fluía como antes. Dalí, no creía en el dinero —al menos no en esos años— y metía muchas ideas nada fáciles de realizar. Así, con 70 mil dólares gastados, más de 200 storyboards y la canción adaptada, el proyecto se detuvo sin previo aviso. Las diferencias creativas se enfatizaron. Dalí insistía en incluir jugadores de baseball en la trama y Disney ya no le encontraba forma. Dalí quería agregar minutos y Disney no contaba con los recursos. Dalí modificaba la historia y Disney la mantenía.
Fue hasta 2003 que el sobrino de Walt Disney lo desempolvó y lo estrenó como habrían querido los viejos amigos. Lo terminaron algunos animadores del equipo y se rehicieron partes que estaban maltratadas. Cabe señalar, que sí se incluye a los jugadores de baseball y la esencia Disney prevalece en toda la historia. 
 Es probable que los niños no comprendan del todo el grandioso mensaje de los artistas, pero es sin duda, una pieza de colección —virtual— a la que todo fan del cine, del arte y de la cultura pop, puede acceder.
ടҽԋ𝓬σƝ ടɒɳҽᥙẞ
Os quiero 😘
ℜ𝔬𝔰𝔞🖤
10 notes · View notes
blogdojuanesteves · 9 months
Text
FORMA REFORMA > Fernando Santos
Tumblr media
O fotógrafo paulista Fernando Santos, após experiências passadas com pintura, marchetaria, cerâmica, escultura, conservação e restauro de obras de arte, como escreve o editor e curador paulista Eder Chiodetto "segue criando instâncias de reflexão sobre a faculdade do olhar, desta vez centrado na forma como deciframos a ilusão construtiva das imagens pelos aparatos fotográficos." É o que ele mostra em seu primeiro livro Forma Reforma (Fotô Editoral, 2022). Explica também o curador, que o artista busca fundar novas percepções visuais ao rearranjar a lógica que move objetos ordinários e suas representações performativas.
Forma Reforma é uma síntese de imagens que nos levam diretamente ao corolário modernista brasileiro, com certa dose construtivista, entre outros movimentos, onde podemos encontrar filigranas de autores como o carioca José Oiticica Filho (1906-1964) entomólogo e fotógrafo, Geraldo de Barros (1923-1998), fotógrafo, pintor e designer paulista ( a nos lembrar de sua série Formas e Fotoformas. leia aqui review  https://blogdojuanesteves.tumblr.com/post/150170667411/geraldo-de-barros-fotoformas-e-sobras) igualmente nos aproximando dos clássicos surrealistas como o americano Man Ray (1890- 1976) com suas experiências sem câmara e arranhando as projeções e sombras da artista gaúcha Regina Silveira, além do húngaro László Moholy-Nagy (1895-1946), mestre da Bauhaus  e também construtivista, artista ao qual Chiodetto faz referência em seu texto.
Tumblr media
Na perspectiva do curador, esmiuçando alguns de seus detalhes:  " Uma apara de papel fina, longa e com dobraduras imprecisas, interceptada a caminho do lixo pelo artista, ganha o protagonismo num plano horizontal monocromático - esse local inerte, o ponto zero a partir do qual espocam os gatilhos criativos de Santos. A apara, amparada pelo plano, vê seu corpo esguio e desleixado sensualizar-se. Formas rebeldes que ora tocam, ora se distanciam do plano reto, ganham volume e volúpia. Figura e fundo criam artífices e segredam deleites formais. O artista entra em jogo e habilmente lança um foco de luz."
Tumblr media
Fernando Santos com seu belo livro consegue manter um perfil autoral, ainda que identifiquemos estas inúmeras referências, o que é intrínseco à boa arte fotográfica. Em seu progresso enxergamos uma função ontológica calcada nos metadados que insere em suas imagens, ora com papéis cortados em formas geométricas, esculturas de arame, certas assemblages ou fusões quiméricas.
É preciso lembrar que a retomada mais ampla dos modernos  dá-se a partir de 2006, com a exposição Fotoclubismo Brasileiro, no Museu da Imagem e do Som (MIS) de São Paulo, que mostrou recortes como a Retrospectiva Fotoclubistas Brasileiros dos anos 1940 a 1970, a exposição do acervo do Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB) no Museu de Arte de São Paulo (MASP) em 2016 com curadoria da artista mineira Rosângela Rennó e seu respectivo livro; o aumento da coleção Moderna para sempre do  Itaú Cultural, depositados no livro Foto Cine Clube Bandeirante: Itinerários globais, estéticas em transformação publicado pela Almeida & Dale Galeria de Arte,em 2022,  com curadoria do paulistano Iatã Cannabrava e o curador cubano José Antonio Navarrete, fundamentais para a legitimação da fotografia mais abstrata, distante dos perfis mais convencionais e essencialmente como prática artística. 
Tumblr media
Neste sentido o trabalho de Santos dá continuidade a este movimento adicionando outras interpretações de sua lavra trabalhando com suas próprias referências e mantendo sua independência autoral, "investigando as fissuras das representações imagéticas visando desconstruir um jogo ilusório" como bem escreve Chiodetto em seu texto no livro. Uma busca por novas percepções visuais que rearranja a lógica que move objetos ordinários e suas representações performativas.
Tumblr media
Na sua performatividade enxergamos o mover e ser movido por pulsões espaciais, entre matéria em movimento e imobilidade, amoldando-se a  princípios somáticos, uma espécie de alegoria quando o autor cria suas abstrações primárias, como a formatação da escultura de arame para depois ser fotografada. O elemento estático destes que ganham movimento em suas estruturas, refletidas nas fotografias ou nas inúmeras representações gráficas que compõem o livro, onde vemos certo pluralismo proposto pelo autor.
Tumblr media
Para Santos, escreve o editor,  a fotografia é um veículo paralisante que visa cristalizar os movimentos que ele impulsiona entre eventos escultóricos e gestos performáticos. Por meio do jogo fotográfico, o artista gera mutações que impactam e problematizam ao mesmo tempo três linguagens com as hipóteses que ele propõe em seu palco de representações: aplaina a tridimensionalidade do objeto-escultura, furta o movimento coreográfico e performático que anima seus personagens ordinários (aparas de papel, arames, pedaços de vidro etc.) e, por fim, o processo finaliza-se com a criação de fotografias que se esgueiram entre ser um documento da experiência ou obras acabadas que encapsulam todos esses movimentos. Movimentos esses que surgem na ressurreição dos objetos já cancelados em seus usos na sociedade e findam, sem acabar, no momento em que são iluminados na ribalta planificada do artista para, assim, saltarem do ordinário para o extraordinário."
Mesmo não sendo mais possível considerar a natureza em si como um objeto da fotografia, a necessidade de discuti-la e manuseá-la engendra o caminho do autor. O que nos leva a pensar no livro Ponto e linha sobre o plano (WMF Martins Fontes, 2012)  publicado em 1926 pelo artista moscovita Wassily Kandinsky (1866-1944) não somente por algumas imagens de Fernando Santos serem assemelhadas a do autor russo, mas porque está conectado a sua teoria da Forma, que concebia, como necessidade, a elaboração de uma estrutura lógica para atingir a ressonância interior na construção da abstração. Embora o genial artista não tenha pensado exatamente na fotografia, podemos fazer esse paralelo com a pintura e suas referências que deságuam nas suas significâncias subjetivas.
Tumblr media
Voltando a Chiodetto, "Ainda que as câmeras fotográficas tenham desde sua origem adotado os parâmetros da perspectiva renascentista e com isso criando ilusões especulares que nos levam a intuir distâncias entre planos e pontos de fuga em um suporte bidimensional, as fotografias são um constructo que tentam em vão mimetizar a experiência do olhar." Entretanto é notável que o autor subverte essa ordem ao propor uma diferente ótica em suas construções, como suas figuras que formatam camadas óticas sustentadas por um diacronismo expresso em suas tessituras cujos elementos plásticos são o resultado mais evidente.
Por meio do jogo fotográfico, escreve o curador, "o artista gera mutações que impactam e problematizam ao mesmo tempo três linguagens com as hipóteses que ele propõe em seu palco de representações: aplaina a tridimensionalidade do objeto-escultura, furta o movimento coreográfico e performático que anima seus personagens ordinários (aparas de papel, arames, pedaços de vidro etc. e, por fim, o processo finaliza-se com a criação de fotografias que se esgueiram entre ser um documento da experiência ou obras acabadas que encapsulam todos esses movimentos."
Tumblr media
Mas, estas experiências mais do que interessantes, ainda assim propõem ao leitor o lugar do fotógrafo: testemunhar suas cenas ou ceder à ilusão de contemplar a proposta do autor e seus efeitos. Se no conceito abstrato a representação das imagens é distanciada da realidade, interpretamos aqui a "forma" como a capacidade da obra permitir observações diversas em relação a sentimentos e emoções. Vemos no livro elementos cuja formatação é regida pela figuração, com objetos reconhecíveis e uma proposta mais objetiva, que paradoxalmente nos levam ao modelo renascentista ressignificado por artistas na vanguarda de escolas como Vkhutemas e Bauhaus, com artistas que reconhecemos neste livro, como o russo Aleksandr Rodchenko (1891-1956) ou na obra do já citado Moholy-Nagy.
Imagens © Fernando Santos.   © Juan Esteves
Infos básicas:
Concepção e fotografias: Fernando Santos
Edição: Eder Chiodetto e Fabiana Bruno
Coordenação: Elaine Pessoa
Projeto gráfico; Rafael Simões
Tratamento de imagens: José Fujocka
Impressão: Ipsis Gráfica e Editora
Edição de 500 exemplares
como adquirir: https://fotoeditorial.com/produto/forma-reforma/
9 notes · View notes
jartitameteneis · 1 year
Text
Tumblr media Tumblr media
El Gordo de la lotería de Navidad de 1932 financió el rodaje del documental 'Las Hurdes. Tierra sin pan' de Luis Buñuel
La fundación Ramón Acín donó 50.000 pesetas para el rodaje.
El documental sobre Las Hurdes extremeñas, donde en 52 pueblos aislados del exterior vivían en la miseria más extrema 8.000 personas, colocó a Luís Buñuel en un lugar preferencial en la historia del cine documental. De 27 minutos de duración, fue la tercera película del cineasta turolense. Las dos primeras, 'Un perro andaluz' y 'La Edad de Oro' las había rodado en París.
“A Buñuel se le habían cerrado todas las puertas por el escándalo que provocó 'Un perro andaluz'. Nadie quería sufragar la producción del documental de 'Las Hurdes' ”, ha afirmado Víctor Juan, director del Museo Pedagógico de Huesca, y miembro del patronato de la Fundación Ramón Acin.
Acín, también aragonés, esta vez de Huesca, era un intelectual, ilustrador, escultor, articulista, profesor de dibujo de la Escuela de Magisterio de Huesca, y destacado militante anarcosindicalista. “Pudiendo estar del lado de los poderosos, se sumó a las causas de los humildes”, ha relatado Victor Juan, en su libro “Ramón Acin. En cualquiera de nosotros un pedazo tuyo”, editado durante esta pandemia. Se comprometió con Luis Buñuel a, si le tocaba el Gordo de la Lotería de Navidad, dedicar parte del premio a costear el documental. La película de animación “Buñuel en el laberinto de las tortugas” de Salvador Simò recrea este momento.
El décimo premiado viajó desde Doña Manolita a Huesca FUNDACIÓN RAMÓN ACÍN
Un premio que viajó hasta Huesca desde Doña Manolita
La serie del 29.757 del Sorteo del 22 de diciembre de 1932, llegó hasta la ciudad de Huesca desde Madrid, de la administración de Doña Manolita a través del habilitado de la Audiencia Provincial José María Sanagustín. Se repartió en el ámbito judicial, entre abogados, jueces, y se fue distribuyendo entre funcionarios de prisiones, y de la administración.
“Fue una lotería muy repartida, pero entre una clase social concreta, realmente privilegiada” ha afirmado Víctor Pardo, estudioso del legado, y comisario de varias exposiciones sobre Ramón Acin. Entre los agraciados, el alcalde de la ciudad entonces, Manuel Sender, hermano del literato Ramón José Sender, autor de 'Réquiem por un campesino español', y por supuesto, Ramón Acín.
Por curioso que ahora parezca, los diarios de la época , El pueblo. Diario de la República, y el Diario de Huesca, además de hacerse eco de la noticia, desgranaban con nombres y apellidos a los apostantes, la cantidad que jugaban, y el premio que les correspondió.
Los diarios de la época publicaban los nombres de los jugadores y la cantidad del premio que les correspondía FUNDACIÓN RAMÓN ACÍN
Un mes de rodaje y Acín implicado en el guión
El benefactor de Buñuel acabó cumpliendo su palabra, y destinó la tercera parte de su premio, 50.000 pesetas, al rodaje que relataría la vida de estos extremeños alejados del mundo, que vivían entre el paludismo, la anemia, la tuberculosis, el bocio, el enanismo y la discapacidad.
“Le gustaba mucho el cine, revela parte de sus preocupaciones, era normal que participara. Es impactante, es un referente, es una obra de arte” dice Ana García Bragado, nieta de Ramón Acín.
No sólo acompañó a Buñuel, sino que hizo de guionista, y quizás algo más. Víctor Juan, del Patronato de la Fundación Ramón Acín, ha asegurado que están convencidos de que “lo que la película fue al final no una cuestión estética, como planteaba más Buñuel, esas escenas surrealistas de un burro muerto, o de unos niños bebiendo en un arroyo, sino que Ramón Acín consiguió darle un giro al documental para que hubiese mucho de denuncia, de que la gente tomase partido sobre cosas que eran intolerables”
Un documental prohibido
La República prohibió el documental en España, pero adquirió renombre internacional. Acín y su mujer morían fusilados en la Guerra Civil. Sus hijas, Katia y Sol, y un puñado de entusiastas custodian su legado
Luis Buñuel montó la película en la cocina de su casa. Se estrenó ante un puñado de intelectuales en el Palacio de la Prensa de Madrid. El escándalo fue mayúsculo. Ramón Acín aspiraba a recuperar su dinero, pero estalló la Guerra Civil. En agosto de 1936 lo fusilan ante la pared del cementerio. Quince días después, a su mujer. Sus hijas Katia y Sol, que habían vivido en un mundo culturalmente privilegiado, quedaban a cargo de su familia, que mantuvo viva la memoria de Ramón y Concha.
Buñuel, a su vuelta a España en 1962, compensó en parte con las hijas de Ramón, el dinero que le había donado. Y mantuvo una larga amistad con sus hijas. “Se apreciaron, lo visitaban cuando iban a Madrid” confirma Ana, una de las hijas de Katia, “y esa amistad, duró siempre”.
Ramòn Acín creó, para el que llamaba “el parque de los niños de Huesca”, la escultura de las pajaritas de Huesca. Era la primera obra en el mundo a una figura de papel. Hoy, es uno de los símbolos de la ciudad.
Y hay nostálgicos que lo recuerdan cada año comprando el mismo número de la lotería de Navidad, el 29.757.
12 notes · View notes
azul-maria-elias · 1 year
Text
Tumblr media
Ed Wood (1994)
Cuando pensamos en Tim Burton, es probable que se nos vengan a la mente muchas películas antes que de la que vengo a hablar hoy. En mi caso, desconocía totalmente que era de su autoría hasta que la vi, cuando en la apertura pude leer en una tipografía que recuerda al cine antiguo de clase B, el nombre del famoso director. Yo no soy una gran fanática de Burton, pero definitivamente tiene (o tuvo) un estilo y una técnica que hechiza, muy particular y que denota el apego que tiene hacía este arte. Esta película no es lo menos.
Ed Wood (1994), nos cuenta la historia de Edward D Wood Jr., un guionista, productor, actor y director, catalogado como el peor director de todos los tiempos. Por la naturaleza del título otorgado, Wood era todo un personaje. Tal vez la característica que más logra resaltar de él en un principio, es el hecho de que no le apenaba mostrar su gusto por transvestirse en plena década del 50s, pero eso no es lo más interesante o impactante en lo absoluto.
Wood era un amante del cine, como yo y como muchos más que amamos este arte y todo lo que este conlleva, por eso mismo, uno llega a entender por completo su entusiasmo por escribir y dirigir películas, y como a pesar del poco presupuesto, de los malos actores y los decorados evidentemente falsos, él disfrutaba del proceso y colocaba el poder contar una historia y de hacer una película por encima de todo los demás. Creo que todos los que amamos el cine nos identificamos con él, y aseguro de que si nos dieran la oportunidad haríamos las mismas o peores terribles películas que él. Digamos, era un fanático de Orson Welles y del Ciudadano Kane (1941) como todos los mortales que amamos al cine con sinceridad, ¡por amor a cristo, era como nosotros!
Hablando un poco más sobre la película biográfica, no puedo pasar por alto el excelente elenco que tiene la misma. Ya todos conocemos el fetiche que tiene Burton con Johnny Depp pero ¿quién no lo tendría? Depp logra interpretar a un personaje casi de otro planeta y totalmente desorientado en cuanto a principios, cautivándonos por completo. Habiendo visto la película, se me hace muy difícil imaginar al rol interpretado por otro actor que no sea Depp, porque hace un trabajo tan excelente que uno cree en lo que está viendo, cree que Wood era, actuaba, hablaba, pensaba y se movía de tal forma; y no es cosa menos cuando hablamos de un personaje tan particular e irreal. Pero aunque Depp logra apropiarse de la película (aunque por supuesto es evidente el gran trabajo para dirigir actores de Burton), el elenco entero supo brillar por su cuenta.
Por supuesto si tengo que nombrar a alguien luego de Depp es, sin dudas, Martin Landau, haciendo de un escalofriante y conmovedor Bela Lugosi; porque sí, el mismísimo actor de Drácula (1931) tuvo un lugar en la vida de Wood. Resulta tan real, tan parecido, que es aterrador (como Lugosi lo hubiera querido). Además, todavía sigo riendo al recordar la primera escena de la película en la que aparece, en donde la vida de Wood no podía ser más surrealista que se encuentra con el mismísimo actor de Drácula probando ataúdes porque planea morir. El carisma de Martin Landau resulta en un estelar magnifico, brindándole el peso al papel que la película necesitaba (es decir, por amor a dios ¡es Bela Lugosi!).
Luego, por nombrar algunos y no extenderme demasiado, tenemos un reparto con Bill Murray como Bunny Breckinridge (que si sumás todas sus escenas obtendrás unos diez minutos de película como mucho pero aún así es imposible olvidarse de él), Sarah Jessica Parker como Dolores Fuller (a quien yo sabía que tenía de algún lado y es que es la mismísima bruja Sarah de Hocus Pocus, 1993) y Patricia Arquette como Kathy O'Hara (quien me entere que estuvo casada con nuestro querido Nicolas Cage, dato no menor) entre otros, todos haciendo un excelente trabajo.
Cuando vi la película y hasta el día en que estoy escribiendo esto, no he visto ninguna película de Wood. Sin embargo, considero que la película hace tan buen trabajo al ilustrarnos la vida y la mente de Wood, que luego de verla tengo un gran excelente retrato suyo en mi cabeza.
Cuando terminé de verla, no podía creer lo que había visto, pensaba que era una dramatización de su vida pero solo basta con ver los planos y escenarios de sus películas tan bien recreados, que te caes en cuenta que se trata de una recreación fiel a su vida.
Tumblr media Tumblr media
Terminé por preguntarme, ¿es realmente la película de Burton lo que me cautivo tanto o todo se trata de la impresionante vida de Ed Wood? Ante esta duda, resolví que en perspectiva se trata de un todo.
La película es magnifica por si misma, más allá de contar una historia tan increíble y de encarnar a un personaje tan particular como Ed Wood. Uno podría pensar que al tener tal historia que contar, tan atrapante, divertida y cautivadora por si sola, es poco el trabajo que tiene que hacer el filme para llegar a encantar. Pero más allá de ser una simple película biográfica, Ed Wood (1994) es una película hecha con amor y dedicación, no olvidemos que Tim Burton creció viendo cine clase B. Y esto se hace notar desde un primer momento, la introducción es un montaje hermoso que busca recordarnos no solo a las películas de Wood si no al género entero, y esto es algo que acompaña a la película en todo momento. La fotografía, el blanco y negro, las maquetas, las escenografías falsas, todo podría no estar allí y ser meramente una película biográfica sobre un personaje muy particular en la historia de hollywood y podría funcionar, pero ahí está, lo que hace que esta película se sienta cálida y se transforme en una experiencia única. Es una película sobre un loco fanático del cine, hecho por locos fanáticos del cine, para locos fanáticos del cine.
12 notes · View notes
kenisweetheart · 1 year
Text
¡Hablemos de las vanguardias artísticas! #3
¡Hola!
Bienvenidos una vez más al blog de las vanguardias artisticas en dónde nos encargamos de conocer cuales son y sus caracteristicas.
En el blog de hoy estaremos conociendo: El dadaismo, el surrealismo, el supematismo, contructivismo, neoplasticismo y la nueva abstrancción americana,
Recordemos que conocemos a las vanguardias artísticas como movimientos sucedidas en la primera mitad del siglo XX las cuales tuvieron un impacto en las artes.
Tumblr media
Dadaísmo 1915/1922
Nace a mitad del siglo xx, iba en contra de la guerra y el caos bélico. Contaba con un profundo sentido crítica social. Se basaba en ser una crítica al sentido tradicional del arte, la escuela y estilos.
El dadaísmo es cómo una satira ironica dirigida al arte en, iba en contra de la moral, estética, normas sociales. Su objetivo principal era cuestionar unas cricterios artisticos afianzados y aceptados en la época.
Trajo consigo el fotomentaje (collage) como una nueva técnicas artísticas.
Caracteristicas
-Contundente
-Destructor
-Provocador
-Absurdo
-Elemental
-Casual
Ciudades de importancia
-Berlín, Alemnia
-Suiza
Pesonajes importantes
-Tristam Tzara
-Hans Arp (1888-1976)
-Francis Picabia (1879-1953)
-Marcell Duchamp (1887-1968)
Crítica Fue un movimieto muy interesante en cuanto su objetivo, pareciera que en si no tiene un sentido real y a menudo se siente como si estubiera revuelto. Se puede ver el caos y entender el absurdo de no signficar nada. Actualente el dadaismo nos proporcionó una nueva técnica artista que es el collage, que a mi parecer tiene más relevancia de lo que creemos. En general el dadaismo puede ayudar a desarrollar la creatividad sin decir algo concreto y encuetro eso interesante.
Tumblr media
Marcell Duchamp: L.H.O.O.Q. 1918. 19 x 12 cm. Centro Pompidou, París.
Surrealismo 1924/1939.
El surrealismo nace del dadaismo. Se trataba de crear un arte que fuera mucho más allá de las perspectivas limitantes del realismo. Buscaba la innovación de perspectivas, contrucción de objetos y uso de técnicas.
Es el plasmar el pensamiento subconciente de una manera "extra" y explosiva en algunos casos. Nace del automatismo puro, siendo un metodo de expresón puro.
Caracteristicas
-Rompe las barrareas del consiente
-Reproduce el mundo de los sueños
-Juega con las proporciones
Ciudades de importancia
-París
Pesonajes importantes
-Salvador Dalí (1904-1989)
-Frida Kahlo (1907-1954).
-Yves Tanguy
-Joan Miró (1893-1983)
Crítica Sin duda alguna podría decir que el surrealismo es una de mis vanguardias favoritas, creo que tiene una muy amplia capacidad para explotar la creatividad. Incluso usarn muchisimos recursos de esta en el cine y prácticamente ver una obra surrealista es volar a un lugar completamente diferente. Esa libertad de explorar los pensamientos que van más allá de lo normal es lo que realmente me llama la atención.
Tumblr media
Las dos fridas (Frida Kahlo, 1939).
Suprematismo 1915/1919
Siendo de origen ruso, el suprematismo busca manifestar la sensabilidad pura a través de la expresión no figurativa. Evita las referencias e imitación a la naturaleza.
Se basa en llegar a las sensaciones puras y siples. Su elemento pricipal es la composición creada y la distribución de sus elementos.
Caracteristicas
-Uso de colores puros y austeros.
-Formas geometricas.
-Se centra en la interpretación de un todo, no de elementos individuales.
Ciudades de importancia
-Rusia
Pesonajes importantes
-Casimir Malevitch
Crítica
En lo personal lo considero un estilo bastante simple pero lindo, una pieza que permitiría decorar una habitación. Ciertamente no me parece lo más llámativo.
Honestamente no encuentro la manera de críticar figuras geometricas, en el caso especifico de esta pintura me transmite una especie de tranquilidad, pero es un sentimiento más acercado al estado neutro en un día en el que no ha pasado nada entretenido. Quizá un poco aburrido para mi gusto.
Tumblr media
Suprematism (Supremus No. 58), Krasnodar Museum of Art (Malévich, 1916)
Constructivismo 1913/1920.
Supuso ua identidad visual para el comunismo sovietico. Su objetivo principal era el de llevar el arte al pueblo.
Hacían uso de todos los ámbitos creativos y la experimentación con cada una de las técnicas, disciplianas y cabe mencionar que hacían uso constante de las nuevas tecnologías.
Se concidera una unión entre las distintas artes como lo son, pintura, escultura y arquitectura. Una de las escuelas más importantes fue la Bauhaus en la cual se enseñaban todas las diciplinas y se buscaba que fueran mezcladas y útiles.
Caracteristicas
-Era una mezcla de distintas artes.
-Fusionaba pintura, arquitectura y escultura.
-Se asocia con la producción industrial.
-Materiales simples: madera, yeso, metal, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos modernos.
-Sus colores más usados eran naranja, rojo, amarillo, negro y blanco.
-Se centra en crar productos antes que que solo obras de artes.
Ciudades de importancia
-Rusia
Pesonajes importantes
-Vladimir Tatlin
-El Lissitzky
-Antón Pevsner
-Naum Gabo
Crítica
Un movimiento que buscó una dusión de varios estilos, creando arte más funcional que no solo se "veía bonito", creo que fue muy interezande buscarle útilidad al arte y una maneraa muy inteligente de darle un giro al arte. Me gusta mucho su objetivo.
Tumblr media
Neoplasticismo 1917 - 1928
Desrrollado en Holanda fue una prolongación de vlores estéticos del contructivismo. Se pretendía que se tratara de un arte rcional y universal que fuera por encima de las subjetividades, política y nacionalismos.
Protegía la cultura de la violencia y apelaba a la razón humana.
Caracteristicas
-Hacian uso de figuras geometricas y puras.
-Usa líneas rectas horizontales y verticales.
-Colores planos, en 2D.
-Los colores eran saturados y en especial los primarios juto el negro para dar contrastes.
-No solo creaban pinturas, sino que también diseñaban edificios y mostraba interes por el interiorismo.
Ciudades de importancia
-Holanda
Pesonajes importantes
-Theo Van Doesburg
-Piet mondrian
Crítica
En lo personal siento que puede ser mínimalista pero me gusta, en especial como los colores llegan a tener un contraste llamativo pero armonioso, sin que se opan entre sí. Creo que todos podemos estar de acuerdo en que se siente ese aire del futuro, muy limpio y funcional.
Tumblr media
Nueva Abstracción Americana
Esta vanguardía artistica tenía como punto principal el color y se centraba en que era lo que este transmitían en conjunto. No se centrba en cada parte de la pieza por separado sino que lo más importante era el producto final o mejor dicho, su composición.
Caracteristicas
-Es bidimencional.
-Su paleta de colores es saturada.
-Formas simples no protagonistas.
-El conjunto forma lo escencial de la obra.
-No contiene mensajes místicos ni religiosos
Ciudades de importancia
-Estados Unidos, Nueva York.
Pesonajes importantes
-Helen Frankenthaler
-Sam Francis
-Ellsworth Kelly
-Frank Stella
-Keneth Noland
-Morris Louis
Crítica
Me gusta, en especial el hecho de que sea simple pero que cuente con varios colores que suelen ser brillantes. Lo encuentro basrante interesante porque puede no significar algo tan profundo pero de igual manera es muy grato de ver.
En cuanto al movimiento, creo que fue muy interesante darle un protagonismo a el color y a la obra en general, a veces nos ddicamos a sobre analizar las cosas y rompernos la cabeza por cuscar un gran significado y en este caso se siente como un respiro mental.
Tumblr media
¡hasta aquí el final de este blog! El arte es maravillaso, es posible ver tantos puntos de vista, ideas y maneras de expresar el mundo, esto queda clarisimo gracias a las vanguardias.
Sin duda marcaron una gran coma que nos permitió seguir expandiendonos y exerimentando a lo largo del tiempo.
Bibliografías:
Características del Constructivismo. (2008, July 29). Historial de Diseño. https://historialdedisenio.wordpress.com/2008/07/29/caracteristicas-del-constructivismo/
de la Garma, D. (n.d.). Surrealismo. Arteespana.com. Retrieved October 26, 2022, from https://www.arteespana.com/surrealismo.htm
El movimiento artístico americano que se basó en el color: Abstracción postpictórica. (n.d.). Moovemag.com. Retrieved October 28, 2022, from https://moovemag.com/2022/05/el-movimiento-artistico-americano-que-se-baso-en-el-color-abstraccion-postpictorica/
Frida Kahlo. (2008). Choice (Chicago, Ill.), 45(12), 45-6568-45–6568. https://doi.org/10.5860/choice.45-6568
Imaginario, A. (2019, December 31). Dadaísmo. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/dadaismo/
Imaginario, A. (2021, August 6). Vanguardias artísticas. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/vanguardias-artisticas/
Oil painting reproductions - custom portraits. (n.d.). Wikiart.org. Retrieved October 26, 2022, from https://www.wikiart.org/en/app/Home/BestPriceArtLink/57726e15edc2cb3880b5f052
Perfil, V. (2019, November 2). Nueva Abstracción Americana. Blogspot.com. https://arteandhistory.blogspot.com/2019/11/nueva-abstraccion-americana.html
Pimienta, J. (2008). Constructivismo (3rd ed.). Pearson Educacion.
Suprematismo. (n.d.). HA! Retrieved October 26, 2022, from https://historia-arte.com/movimientos/suprematismo
Wehr, C. (2016). Las dos Fridas: Autobiographische und künstlerische Selbstkonstitution bei Frida Kahlo. In Selbst-Bild und Selbst-Bilder (pp. 281–295). Brill | Fink.
Wikipedia contributors. (n.d.). Clement Greenberg. Wikipedia, The Free Encyclopedia. https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Clement_Greenberg&oldid=133369933
Wikipedia, F. (2011). Surrealismo: Marcel Duchamp, Andre Breton, Georges Bataille, Bernardo Guimaraes, Jacques Prevert, Abjecionismo, Joyce Mansour. Books LLC, Wiki Series.
Editorial Grudemi (2022). Neoplasticismo. Recuperado de Enciclopedia de Historia (https://enciclopediadehistoria.com/neoplasticismo/). Última actualización: abril 2022.
7 notes · View notes
cuartoretorno · 1 year
Video
youtube
Un perro andaluz (Luis Buñuel 1929) 
Un perro andaluz (título original en francés: Un chien andalou) es un cortometraje franco-español mudo (no fue hasta la versión de 1960 que se incorporaron los motivos de Tristán e Isolda de Richard Wagner y un tango),2​ escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929 con la colaboración en el guion de Salvador Dalí y gracias a un presupuesto de 25 000 pesetas que aportó la madre de Luis Buñuel. Fue estrenada el 6 de junio de 1929 en el cine Studio des Ursulines de París (Francia). Posteriormente se exhibió durante nueve meses ininterrumpidamente en el Studio 28 de la misma ciudad.3​
El rodaje duró quince días.4​ Según refiere Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un perro andaluz nació de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel soñó con una hoja de navaja que cortaba la luna en dos.5​
Un perro andaluz está considerada la película más significativa del cine surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no lineal de las secuencias.
El nombre Un perro andaluz fue elegido porque no guardaba relación alguna con los temas del filme. Federico García Lorca se sintió aludido por el título, pero Buñuel negó dicha alusión, alegando que era el de un libro de poemas que él tenía escrito desde 1927.6​7​ En primer lugar pensó que la película se llamara El marista en la ballesta (según el título que tenía un caligrama de Pepín Bello)7​ y luego Es peligroso asomarse al interior, como inversión del aviso que tenían los trenes franceses: C'est dangereux de se pencher au dehors ('Es peligroso asomarse al exterior').8​
4 notes · View notes
El otro día vi Mundo extraño y me apetecía hablarte de ella un poco
Tumblr media
Lo primero de todo, si no la has visto, te dejo la ficha:
Mundo extraño
Género:
Acción y aventura
"Mundo extraño", un largometraje de acción original de Walt Disney Animation Studios, se sumerge en un viaje a una tierra inexplorada y traicionera en la que unos seres fantásticos aguardan la llegada de los míticos Clade, una familia de exploradores cuyas diferencias amenazan con frustrar su última misión, la más crucial con diferencia. Bajo las órdenes de Don Hall y el codirector/guionista Qui Nguyen, y producida por Roy Conli.
Dirigida por Don Hall, Qui Nguyen
Producida por Roy Conli
Ahora sí, te dejo mi opinión y observaciones:
Es una largometraje que disfruté muchísimo en el cine. Se inspira en las novelas de Julio Verne y sigue esa línea de Viana (Moana). Así que hay aventuras, personajes intrépidos y un mensaje ecologista que da un toque de atención sobre nuestros hábitos (por lo menos un poquito).
Puedo comenzar porque se produce un pequeño cambio respecto a las últimas películas de Disney-Pixar: se produce un conflicto entre padre e hijo. Con lo cual la mala no es la madre y la figura paterna es un mueble que solo aparece para apoyar a su mujer —como puede pasar en Red de Pixar—. Por lo tanto estamos ante una película más similar a Goofy e Hijo, con la diferencia de que hay una madre que también tiene su papel activo.
Un conflicto intergeneracional nacida de las relaciones paterno-filiales. Es interesantísimo como se plantea por varios motivos:
el conflicto al rededor de no querer ser tu progenitor, no repetir sus errores, ser mejor que él. En especial en lo tocante a la paternidad;
las diferencias generacionales. El simple hecho de pertenecer/crecer a épocas colindantes, pero con sus propias particularidades y retos, hace que cambie la visión del mundo;
La importancia/necesidad de dejar un legado.
Además, de este conflicto entre los hombres, se muestra otro problema: el combustible se termina y con ello el modo de vida. Este no es un problema bastante conocido, más en los últimos meses. Esto es interesante cómo lo plantean. No te lo cuento, pero creo que está bien llevado.
En líneas generales juega con estos dos motivos principales para plantear un mundo feminista, respetuoso con el medio, amable con el prójimo Vamos una utopía con una misión propia para los protagonistas de Julio Verne, pero con las problemáticas del s. XX (en cuanto a la diversidad planteada de un modo inclusivo. No sé si me explico. Los problemas del ser humano son, en cierto modo, cíclico, lo que varía es cómo se plantea a los personajes y su contexto; esto corresponde con nuestra diversidad actual).
Esta película tiene una estética muy simpática por muchos motivos:
El título me recuerda muchísimo a el de Patoaventuras (supongo que tiene sentido, porque es un poco el mismo de historia de aventura.
Tumblr media Tumblr media
2. El comienzo similar al de los clásicos Disney. Todes tenemos en mente esas películas que comienzan con un libro abriéndose, como Blancanieves y los siete enanitos, Cenicienta o La Bella Durmiente. Pues esta peli comienza con un cómic. Mola mucho. Le da un aire más contemporáneo (los otros tomos eran como de edición antigua preciosa y cara) y, por qué no, continúa con ese aire de aventura e infancia (por el tipo de relato que se plantea).
Tumblr media
3. Disney presenta, por primera vez y en pantalla grande, a un personaje abiertamente gay como protagonista. ¡¡Y EL CONFLICTO NO GIRA ENTORNO A ESTO!! Se trata de manera natural, solo es relevante como una trama amorosa en segundo plano. (¿Puede ser que por esto haya tenido tan poca publicidad?).
Lo cierto es que es muy mono, no le han puesto una voz aguda y estridente y, sin más, ahí estaba *gay panic*. Muy monos.
4. Esto puede que no haya sido la intención de nadie, o sí, no lo sé. El caso es que el mundo fantástico que se presenta me recuerda, inevitablemente a los cuadros surrealistas:
Tumblr media Tumblr media
(Sí, vale, es un ejemplo pésimo, pero la pelí solo está en cines. Si la has visto, quizá me des la razón o no. Puede que sea obsesión mía. Aunque no es descabellado, pues en los años 30-40 existía una gran influencia del movimiento francés en sus películas)
5. El diseño de los personajes es el típico de Disney de los últimos años. No sé, por ejemplo, el abuelo se parece mogollón a Monterrey (adjunto prueba). Y este ejercicio se puede hacer con cada personaje (¡Queremos rasgos diferentes!)
Tumblr media Tumblr media
De este modo, se puede apreciar que esta película ha tomado como referentes tanto los elementos más clásicos de Disney (el libro del inicio), como sus personajes aventureros más característicos. Sin olvidar beber de tramas, historias y desarrollo de personajes tradiciones con ese toque novedoso. Claro que tampoco se olvida de la influencia de la literatura y la novela de aventuras.
Mundo extraño, para mí, es una película entretenida, divertida que me mantuvo pegade al asiento disfrutando como si fuese peque. Tiene guiños que se traen recuerdos, giros en los planteamientos de las premisas de las tramas, una visión más actual y una animación preciosa (eso sí, fotofóbicos, tened cuidad que hay luces brillantes y colores a tutiplén).
No es el peliculón del año, pero sí un largometraje que se goza.
¿La has visto? ¿Cuéntame?
5 notes · View notes
Text
DADAÍSMO
Según lo que investigamos sobre el dadaísmo, este se ve caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras, en las cuales los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, anti literario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía.
De todos los movimientos que vimos, ¡fue el que más nos interesó! Y estas son las manifestaciones que decidimos subir al blog, ya que fueron las que más nos gustaron de todas las que encontramos.
Tumblr media
Primero, encontramos este poema fónico mudo, escrito por Man Ray, un artista estadounidense dadaísta y surrealista. Es un poema de estructura y ritmo, donde las palabras son sustituidas por no-palabras y la comprensión del lenguaje queda a la representación de la persona que lo lea.
Antes de continuar con otra obra artística del dadaísmo, nos gustaría enfrascarnos un poco en la vida de Man Ray, un artista americano en París. Fue un gran exponente dadaísta y surrealista que se dedicó a expresar su arte a través de la fotografía.
Tumblr media
Era un artista que disfrutaba de lo irracional e incoherente y escandalizaba a los medios a través de piezas absurdas y eróticas, por lo que quisimos destacar el epitafio de su tumba en un cementerio de París: «Despreocupado pero no indiferente».
Tumblr media
Y por otro lado, encontramos una pieza audiovisual llamada Ballet Mécanique o Ballet Mecánico, creado por Fernand Léger & Dudley Murphy, un pintor francés y un cineasta estadounidense, que colaboraron junto a Man Ray para crear esta película francesa de vanguardia. Es una pieza audiovisual que usa el mero movimiento como cine, los objetos y el ritmo reemplazaban a los actores y la repetición es el tema principal de la película.
youtube
Este movimiento fue nuestro favorito porque consideramos que es más experimental que los otros, además de que fue interesante encontrar, al lado del dadaísmo, otros conceptos como abstracto, surreal o futurista. Es una corriente de arte sinsentido, que impacta y escandaliza a través de sus manifestación irreverente, donde la belleza es reemplazada por lo nobello, por el caos, el azar y lo imperfecto.
4 notes · View notes
deloqueleoyescribo · 2 years
Text
No hay nada en el mundo que me apetezca más que tú.
Hay muchas cosas que me apetecen en esta vida.
Me apetece viajar, muchísimo, pero con un pequeño matiz, solo quiero hacerlo contigo. Quiero llegar contigo al hotel, dejar las cosas y comernos a besos, besos que den paso a demostrar las ganas que tengo de que me folles.
Quiero ducharme contigo, arreglarnos y que flipes al verme con un vestido que me quede súper bien. Salir a cualquier lugar del mundo, de tu mano.
Ir a cenar, tomarnos un par de copas, hablar de mil cosas; de pelis, de series, de libros, de futuro. De ese futuro que sólo puedo dislumbrar a tu vera.
No dejo de pensar en eso, en todo lo que quiero disfrutar contigo hasta que llegue el momento en el que no tenga que separarme de ti jamás.
Me apetece rutina, paz, tranquilidad, contigo al lado. No importa dónde, contigo cualquier sitio es hogar.
Me apetece tarde de piscina, de lectura en césped mientras rozas mi pierna con la tuya, como si dejar de tocarnos por un segundo fuera doloroso.
Me apetece dia de cama, series y besos donde la tele nos hace compañía pero solo de fondo, para disimular gemidos.
Me apetece día de cine y McDonald's, robarte patatas y algún que otro beso. Reírnos de cualquier situación surrealista que nos pase, y de ese anuncio de un tal graffitero que ponen siempre antes de la peli.
Me apeteces tú, en todas tus formas; Dormido, despierto, feliz, cachondo, haciéndote el triste, preocupado por mi salud...
No quiero perderme ni un segundo de tu vida, me apetece alimentarme de ti y ser tuya para siempre.
En resumen: me apetecen muchas cosas, pero no hay nada en el mundo,que me apetezca más que tú.
6 notes · View notes
La Web de surrealismo Vu Huyen Thuong (1982-)
Tumblr media
Vu Huyen Thuong-Nacida en 1982,  vive  en Ha Noi, Vietnam.-2006 : Graduado de la Academia de Teatro y Cine de Ha Noi - Facultad de Diseño Artístico-Título en Bellas Artes/ Diseño para la película).-Sigue el arte surrealista.-2007-2008 : Academia de Periodismo y Comunicaciones de Ha Noi - Facultad de Periodismo
2 notes · View notes
notasfilosoficas · 1 year
Quote
“Cualquier forma de amor que encuentres, vívelo”
Anaïs Nin
Tumblr media
Anaïs Nin Culmell fue una escritora francesa de padres cubano-españoles nacida en Neully-Sur_Seine en febrero de 1903. Fue autora de novelas vanguardistas en el estilo surrealista francés, y principalmente conocida por sus escritos sobre la vida y su tiempo, recopilados en los llamados Diarios de Anaïs Nin.
Sus padres fueron, la cantante cubana de origen francés y danés Rosa Culmell y el compositor y pianista cubano de ascendencia española Joaquín Nin, quien la abandona cuando Anaïs tenia 11 años, hecho que la marcó durante gran parte de su vida.
A los 19 años, Anaïs consigue trabajo como modelo y bailarina de flamenco, y se casa en La Habana Cuba con el banquero Hugh Guiler, con quien se marcha a vivir a Paris para estudiar danza española. Durante este tiempo, su vida aburrida y la lectura de D.H. Lawrence la motivan a convertirse en escritora.
En 1930, publica un ensayo sobre Lawrence, y un año después conoce a Henry Miller, el novelista estadounidense de quien tiempo después se convertiría en su amante. Durante este tiempo se convirtió en la amante de la mujer de Miller, June, con quien practicó el voyerismo.
En 1939, emigra a Estados Unidos y allí se convierte en la primera mujer que publica relatos eróticos. “Delta de Venus” denota una fuerte influencia del Kamasutra.
Enfrentada con una necesidad desesperada por conseguir dinero, Nin y Miller comenzaron a escribir narrativas eróticas y pornográficas en la década de los 40 para un coleccionista anónimo.
En 1955, se casa por segunda vez con Rupert Pole, quien fuera su agente literario sin divorciarse de su primer esposo Hugh Guiler y sin que este último lo supiera. 
Por años, Nin mantuvo una doble vida dividiendo su tiempo en la modesta casa de Rupert Pole en California y el opulento apartamento de Hugh Guiler en Nueva York. 
Guiler toleraba los affairs de su esposa incluido el romance con Rupert Pole, aunque nunca supo de su matrimonio con él.
En 1966 cuando Anaïs Nin entró en la notoriedad pública por el éxito de sus diarios, hizo anular su matrimonio con Pole.
De los Diarios de Anaïs Nin, existen en la actualidad dos versiones publicadas en sus diarios debido a que mucha gente a la que Anais menciona aun vivían cuando el primer volumen fue publicado en la década de 1960.
Nin ha sido aclamada por muchos críticos como una de las más destacadas escritoras de la literatura erótica femenina. Antes de ella la literatura erótica era muy escasa con algunas pocas excepciones.
Su obra a sido llevada al cine en “Henry y June” del director Philip Kaufman, y al teatro con La casa del incesto.
En 1973 recibió un doctorado Honoris Causa del Philadelphia College of Art. 
Anaïs Nin murió en enero de 1977 a la edad de 73 años en Los Angeles California y sus cenizas fueron esparcidas sobre la Bahia de Santa Mónica.
Fuente Wikipedia
22 notes · View notes
mramosvirginia · 2 years
Text
Tumblr media
Maya Deren, la magia del cine como ritual
→ Artículo publicado en el blog de la marca Morgana Sanderson (2019) sobre la cineasta Maya Deren - Virginia M. Ramos ©.
La magia y el cine o la magia del cine como ritual. Si ha habido alguna artista firme defensora de la trascendencia y el valor del séptimo arte, su nombre ha sido el de Eleanora Derenkowsky, también conocida como Maya Deren (1917 – 1961).
Maya Deren, precursora en el campo del cine experimental, dedicó toda su vida a defender este tipo de arte, como  ella argumentaba “total”, asentado sobre una base de creación poética. Aproximarse a descubrir el lenguaje cinematográfico de sus cortos es adentrarse en su universo. Con una firme apuesta por la cámara y el montaje, construye sus cortos con una marcada apariencia onírica cargada de símbolos y del mismo modo, repletos de referencias estéticas visuales. En 1947, su corto más famoso Meshes of the Afternoon fue elegido como mejor película experimental en Cannes.
 No soy avara. No busco poseer la parte más importante de tus días. Me contento con que, en esas raras ocasiones en que la verdad sólo puede manifestarse mediante la poesía, recuerdes quizá una imagen o, simplemente, el aura de mis películas. Y qué más podría pedir, como artista, que tus visiones más valiosas, aunque extrañas, tomen a veces la forma de mis imágenes.
En un ambiente claramente influido y dominado por el hombre, Maya Deren rompió esquemas y se apoyó en el medio cinematográfico como camino de exploración para expresar sus ideas y dar forma a sus visiones. Este camino no siempre fue entendido ni aceptado por muchos, que a menudo le ponían trabas para filmar sus obras. En este sentido, también se le confiere el estatus de mujer cineasta feminista, al trasladar con libertad y sin censuras su obra, además de ser autora de sus propias teorías cinematográficas.
La representación de sus visiones son metáforas que bajo la forma de  personajes, objetos y lugares, dan vida a un nuevo sueño, en el que ella es protagonista y experimenta su realidad imaginaria. El alma que cobran los objetos, la capacidad de transportarse a otros lugares en el mismo espacio – tiempo, su doppelgänger, son elementos característicos y prueban del matiz auténtico y el aura con el que quería impresionar sus imágenes. Uno de los cineastas actuales más influidos por la cineasta es David Lynch, quien ha mostrado los mismos intereses y motivos visuales que Maya Deren.
Mis películas pueden llegar a ser llamadas poéticas, coreográficas, experimentales. No me estoy dirigiendo a ningún grupo en particular, sino a un área especial y a una facultad determinada existentes en cualquier ser humano: a la parte de él que crea mitos, inventa divinidades y medita, sin un propósito práctico, sobre la naturaleza de las cosas. La verdad importante es la poética.
E. Ann Klapan, investigadora y teórica feminista, en su obra Mujeres y el cine: a ambos lados de la cámara escribe sobre Deren y su influencia:
Defensora como Dulac, del cine artístico y “puro”, luchó para ser aceptada junto con sus obras en una época en la que había escaso interés por el cine independiente y de vanguardia, y aún menos por el trabajo hecho por mujeres. Sus conocimientos técnicos, muy precisos y detallados, son impresionantes: en ocasiones recuerda a Eisenstein por sus intensas preocupaciones teóricos y formalistas. Sus películas, muy surrealistas, se centran en las mujeres y exploran la desintegración, la alienación, los celos y las pesadillas femeninas.
Maya Deren siguió el camino de la representación de su universo dotado de una energía creativa y mágica, siempre trascendente de la pantalla. Su extensa y profunda investigación antropológica, conjugada con su pasión por la literatura y la danza, hacen de ella una artista integral, que en clave femenina aplicó todas estas artes al cine. Del mismo modo, también hay que tener en cuenta su gran rechazo hacia la industria de Hollywood, de la cual declaraba que coartaba la libertad creativa de muchos de los cineastas y los dejaba marginados a espaldas del medio cinematográfico. Asimismo, declaraba: “hago mis películas con lo que Hollywood gasta en pintalabios”.  Al final de su vida, la cineasta, movida por su interés por la religión, magia y espiritualidad, dedicó su tiempo y esfuerzo a profundizar en el estudio de la cultura de Haití y el vudú.
2 notes · View notes
luciapnoel · 2 years
Text
las últimas fotos subidas son de 2018, previo al baneo de pornografía en tumblr. durante mi adolescencia este fue el lugar al que subía las fotos que sacaba, convirtiéndose en lo que hoy me doy cuenta que es mi archivo de la adolescencia y la juventud. está todo acá. pasaron varios años y muchas cosas hasta que tuve el impulso de reactivarlo y volver a subir imágenes. algunas cosas siguen como siempre, otras cambiaron. voy a subir lo que estuve sacando desde entonces hasta ahora pero probablemente no lo haga de manera ordenada como antes. en aquél momento sacaba con bastante constancia, mandaba a revelar rápido, las miraba un par de veces -pocas- y las subía acá, ni siquiera editaba, no sabía cómo. ahora hacer las cosas me toma más tiempo, o capaz le dedico más tiempo a las cosas. la ansiedad de la adolescencia era divertida pero también cambiaron los factores económicos. como todos sabemos, en argentina ya casi no entra kodak, en santiago distrfot no hay, es así de simple. chau colorplus, ultramax y proimage. los precios no tienen sentido acá, es surrealista. un portra 400 sale más de cuatro lucas, el viaje de subte sale treinta pesos, el pescado ya no parece tan caro porque ahora la carne, el pollo y todo lo que imagines también es caro. como sea, por suerte hay personas bobinando y actualmente deposito mi fe en el cine fresco. hay gente que durante la pandemia pudo encontrar un espacio, una pausa del ritmo acelerado del mundo, una posibilidad para conocerse a sí mismos, aprender a dominar el arte de la masa madre y desarrollar proyectos creativos. ese no fue mi caso, en principio me dediqué a trabajar mucho porque en 2019 me había mudado por primera vez sola, apenas había probado un poco de independencia y ya de repente ésta se veía amenazada por la incertidumbre provocada por una pandemia (?) fue muy raro todo, de repente la gente estaba actuando rarísimo, haciendo vivos de instagram todo el tiempo, fue bastante tortuoso. como sacar fotos se volvió más caro que nunca y estaba medio en una, mi relación con las imágenes se puso algo incómoda. de hecho durante bastante tiempo no tuve ganas de nada, pero luego despertaron nuevas necesidades y nuevas preguntas. la cosa parece no terminar nunca. junto a mi hermana valeria estamos digitalizando el material de fotos, audios y videos de mi abuelo, es decir, estamos armando su archivo. digo que en la pandemia no hice nada pero me doy cuenta que no es cierto. aprendí bastante, me acerqué a la edición y a la digitalización, más que nada gracias a la ayuda de mis amigos que comparten generosamente su conocimiento e incluso, a veces, las mismas herramientas de trabajo. 
6 notes · View notes
hwang-yejis · 9 days
Note
De hecho, recientemente comencé a leer las obras de Mary Oliver. Sus obras son sencillas, pero, sinceramente, la forma en que muchos de sus poemas me han hecho llorar significan mucho para mí. Es tan hermoso que el trabajo y el amor de algunas personas pueden traducirse en papel, lo suficiente como para hacer llorar a personas como yo. De hecho, realmente amo Red Velvet. Su género musical es muy diverso y todos son cantantes locos. Los amo. Quiero escribir para ellos algún día.
Mi placer culpable en este momento ha sido pudrirme en la cama y Brooklyn 99. Ya estoy en mi segunda repetición del año... tal vez empiece a volver a ver todas las películas de Barbie pronto. Definitivamente, mi mayor temor es decepcionar a todos los que me rodean y a mí mismo, o perder algo tan grave que me destruirá. Me preocupo por eso todos los días, estoy tratando de aliviar mi pensamiento al respecto. Y si tuviera algo de lo que pudiera hablar durante horas y horas, serían mis libros y películas favoritos. Hay tanto cuidado que esos autores y creadores les ponen que no podría escribir ensayos y ensayos.
¿Y tú, Venus? Disfruto mucho estas conversaciones, aunque todavía estoy un poco nervioso. Descansa bien si puedes <3 y disfruta tu semana
Mary Oliver es maravillosa, ¿no? He amado su trabajo durante tanto tiempo… ¿cuál es tu cita favorita de ella? Me encanta cómo usa las palabras más simples pero las organiza de una manera tan hermosa. ¡Me gusta el terciopelo rojo! Solo conozco unas pocas canciones pero siempre he admirado a Joy, ¡ella es realmente tan hermosa y sus voces son tan buenas! Si escribes, sería un honor leerlo algún día :)
¡brooklyn 99 es divertido! Mi favorita era Gina, así que me entristecí cuando se fue… y oh, debes haber visto a la nueva Barbie, ¿verdad? Fue una experiencia tan grande cuando el mundo estaba obsesionado con esa película, era tan surrealista ir al cine y ver a todos vestidos de rosa…
Querido Júpiter, esos son miedos racionales, pero ¿por qué crees que podrías decepcionar a alguien? Para mí, querida, tienes un corazón puro. La gente comete errores, pero mientras tus intenciones sean puras, eso es todo, ¿verdad? Eres una persona muy amable y sana, y espero que la vida te trate tan bien como mereces ser tratado <3.
¿Cuál es tu libro y película favorita? Disfruto hablar contigo, por favor nunca te pongas nervioso, ¿vale? me importas mucho, gracias por hablar conmigo…cuídate también y descansa bien <333
0 notes