Tomando consciencia del baile

A scanner darkly (Una mirada a la oscuridad), de Richard Linklater (Estados Unidos, 2005)

Basada en la novela del gran intelectual y conspiranoico escritor que fué Phillip K. Dick, esta película nos presenta una distopía de lo que seria una sociedad no tan alejada a la actual, donde el 20% de la población es adicta a una droga muy alucinatoria llamada Sustancia D. Debido a esto, los Estados implementan métodos tecnologicos de control para realizar un seguimiento individual a cada habitante.

Keanu Reeves -el reparto incluye a Winona Ryder, Robert Downey Jr. y Woody Harrelson- es un policía que investiga una red de distribución de este psicoactivo, pero el mismo es un consumidor y convive con los demás personajes que en mayor o menor medida son todos muy drogones. Cada vez mas confundido, entra en un círculo de paranoia y un laberinto sospechas que amenaza disolver a hasta su propio ser. Una temática común en el universo Dickeano: la posibilidad de estar atrapado en la irrealidad.

Cabe destacar que la película fue filmada con personas y luego por medio de una técnica que se llama rotscopiado, se hace un dibujado manual sobre la filmación con personas reales, superponiendole los dibujos. Linklater ya habia utilizado esta técnica en su Waking life -Despertando a la vida- unos años antes.

Recomiendo mucho tolerar el clima de paranoia que hay en toda la película... Esta hecho a propósito y tiene que ver con una vuelta de tuerca que tiene el argumento. Denle una oportunidad. Por momento puede sonar a las atmosferas de conspiranoia de otros argumentos de Dick, Ballard, Burroughs o el cine de Cronenberg -Videodrome, ExistenZ-. Justamente Cronenberg adapto a estos dos autores y casi fué el director de la adaptación al cine de la novela de Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?: Total recall mas conocida como "la de Schwarzenegger que viaja a marte".

La preocupación central de la obra de este escritor estadounidense fue ¿qué es la realidad?. Este cuestionamiento, que ha sido abordado por Borges, Baudrillard, Hume y los filosófos presocráticos, encuentra en Dick a uno de sus más profundos pensadores.

La adaptación de la obra de Dick al cine en realidad confirma una hipótesis dickeana sobre la percepción de la realidad y su manipulación por corporaciones para mantener nuestra condición sumisa. Podriamos decir que se anticiparon a nuestra contemporaneidad. Las películas funcionan en gran parte como una prueba de cuán acertado fue su pronóstico. Pero también redoblan la apuesta. Es decir: toman un cuento de Dick escrito en el pasado que anticipa un futuro y hacen una obra cinematográfica que, a su vez, anticipa otro futuro.

La obra de Dick es una llama que no arroja luz, sino oscuridad visible.

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Cementerio club

Mütter Kusters fahrt zum himmel (El ascenso a los cielos de mamá Küsters), de Rainer Werner Fassbinder (Alemania Occidental, 1975)

En El ascenso a los cielos de mamá Küsters, tenemos por protagonista a una ama de casa. Cuando se anuncian despidos masivos en la fábrica donde trabaja su marido, el señor Küsters asesina al dueño de la misma y luego se suicida. Su viuda debe enfrentarse en solitario a la tragedia, pues su hijo y su nuera no quieren ser asociados al crimen y su hija, cantante en un club nocturno, trata de utilizarlo para impulsar su carrera artística. Así es como la vida de la viuda comienza a desmoronarse poco a poco mientras se ve invadida por periodistas, gente del partido comunista, la burocracia sindical, la clase dirigiente del Estado, una célula anarquista... Sin colocarse en una postura específica, vemos como todos estos grupos interactúan con la situación y con esta mujer.

Para Fassbinder, el melodrama es su intento de hacer cine genuinamente popular: uno que llegue sin tropiezos a audiencias de todos los terrenos de la vida. No siempre lo logró: muchas de sus peliculas fueron pobremente recibidas por el público masivo. Aun así, este género, pensaba Fassbinder, asignaba un rol activo a la audiencia en el proceso de recepción de los mensajes. Fassbinder usaba el melodrama no tanto para poner a sus personajes en situaciones de miseria como para exponer el vicio de los mecanismos sociales, culturales y políticos que la sociedad impone en ellos.

Retrató con ira, miedo y aversión a la República Federal de Alemania -de 1945 a 1989- desde un lugar incómodo y lánguido. Desesperado. Desde una postura de disidencia ideológica y política, y una fuerte militancia homosexual. Fassbinder habló en general sobre la ausencia de libertades en el panorama alemán de la post-guerra. Lo hizo usando el melodrama como narrativa, captando la esencia de la desazón y la crueldad de la vida urbana, la cruda y mecánica realidad de la familia y el trabajo. Retrató aquellas vidas que, como la suya, eran vividas en el filo de una navaja: en aquel lugar imposible, donde la angustia y el miedo corroen el alma y la ansiedad trae lágrimas amargas.

En palabras del propio Fassbinder: "Me gustaría construir una casa con mis películas. Algunas serían la bodega, otras las puertas, otras las ventanas... Pero todas juntas formarían una casa".

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Pueblo chico, infierno grande

Bacurau, de Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles (Brasil, 2019)

La cultura del nordeste de Brasil es muy especial. Muy marginados por el Estado, discriminados por su mayoria de población afro y aborigen, el pueblo del nordeste tiene una tradición de luchas y revoluciones desde los comienzos de la colonización -los portugueses comienzan la conquista desde Porto Seguro, al sur del estado de Bahia-. "Bacurau" es un ave cazadora nocturna pero tambien es el nombre popular de los últimos colectivos que salen de la terminal de Recife -capital del Estado de Pernambuco- hacia los pueblos perdidos del interior de las sierras. Y bacurau es el nombre de este pueblo en cuestión. Esta comunidad del nordeste —la parte menos desarrollada de Brasil— que, previo a una elección local que tiene como favorito a un político de extrema derecha, batalla por la escasez del agua -ayudados por unos modernos cangaçeiros- al mismo tiempo que sufre el ataque de un insospechado enemigo. En medio de todo eso, descubren que acaban de desaparecer de todos los mapas, incluidos el google earth/maps.

Aunque retrata el día a día de varias personas de este pueblo, son simbolismos de diferentes estratos y hasta instituciones de Brasil. En Bacurau el personaje principal es, como el nombre de la película lo sugiere, este pueblo. En su subtexto la película plasma las consecuencias de tener un gobierno de extrema derecha como el de Jair Bolsonaro. Es en esencia un western con un tinte de realismo mágico, mucha crítica social y bastante violencia. Recuerda por momentos a Sam Peckinpah, Carpenter y, claro, Glauber Rocha.

Descargar la película de Google drive. No reproducir, bajar y bajar tambien el subtitulo en castellano.

Las penas son de nosotros / las vaquitas son ajenas

No habrá mas penas ni olvido, de Héctor Olivera (Argentina, 1983)

Si me preguntan por las contradicciones del peronismo, en un principio suelo recomendar esta película. Basada en un libro escrito por Osvaldo Soriano en el exilio, el filme tiene guión de Tito Cossa y el mismo Soriano. A su vez cuenta con las actuaciones de Federico Luppi, Víctor Laplace, Héctor Bidonde, Rodolfo Ranni, Miguel Ángel Solá, Julio De Grazia, Lautaro Murúa, Graciela Dufau, Fernando Iglesias y Ulises Dumont. Tomá pa' vos.

No habrá más penas ni olvido se sitúa en un pueblo ficticio llamado Colonia Vela durante el año 1974 -año de la muerte de Perón-. El comienzo no puede ser más directo: un comisario le advierte a Ignacio Fuentes, el delegado municipal, que lo van a acusar de tener infiltrados -un eufemismo para referirse a los comunistas-, y entre esos acusados de infiltrados está Mateo, un amigo de Ignacio. As��, Ignacio es conminado a depurar o “normalizar” los hombres a su cargo, pues es una orden superior. El asunto comienza a tomar unas proporciones inesperadas hasta desembocar en una batalla campal entre la burocracia local, la policia, los militares, el sindicalismo, la naciente AAA, la juventud peronista revolucionaria y otras facciones.

Admito que suena muy superficial, pero suelo abrir la puerta a debatir el peronismo con la escena de la muerte del personaje de Ulises Dumont, a bordo de su avióneta Torito. No voy a dar detalles, es una pelicula corta y de ritmo muy rapído con bastante acción.

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Rebelde amanecer

Awka Liwen (Rebelde Amancer), de Osvaldo Bayer y Mariano Aiello (Argentina, 2010)

El gran Osvaldo Bayer. Gigante. Este fué su penúltimo guión para cine, en colaboración con el realizador Mariano Aiello. Ambos rastrean por primera vez en un documental argentino la "verdad histórica irrefutable" (como el mismo dice) de la campaña del desierto y el genocidio a los pueblos originarios en la patagonia que le permitieron a la oligarquía y al Estado argentino apropiarse de un vasto territorio. Sesenta y siete propietarios pasaron a ser dueños de seis millones de hectáreas, entre ellos se destacaban veinticuatro de las familias llamadas patricias, que recibieron entre 200.000 hectáreas (la familia Luro) y 2.500.000 obtenidas por la familia Martínez de Hoz, bisabuelo del que iba a ser ministro de economía de la dictadura militar. La película hace foco tanto en la figura de Martinez De Hoz, abuelo del ministro de economía de Videla -y co-autor intelectual de la rama civil de la ultima dictadura- como también en otros pueblos originarios del país, mostrando como este proceso de represión saqueo y marginamiento nunca se acabó.

Lo interesante es que luego de estrenada la película, los hijos de Jose Alfredo Martinez De Hoz denuncian a Bayer y Aiello por difamar el honor de su abuelo. Luego de un largo proceso judicial (que estos dos polistas chetos pierden) Bayer y Aiello filmarían un nuevo documental de tres horas de duración: "Martinez De Hoz" (2015). El mismo resume Awka Liwen, explica el incidente del jucio y refuta punto por punto con material de archivo los incisos de la denuncia legal, totalmente absurdos. Al mismo tiempo es un recorrido profundo por toda la historia del siglo xx en argentina, especialmente el eje civico-economico de la ultima dictadura, algo no muy conocido.

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Polaroid de locura ordinaria

Sílení (Locura), de Jan Švankmajer (República Checa, 2005)

Los filmes de Jan Švankmajer tienen muy poca o ninguna relación con el devenir histórico del cine. Para entender su cine y, por extensión, el cine en sí, hay que situarlo en el contexto de la creación artística en general y, dada su naturaleza especial, incluso en el contexto de lo mágico, lo esotérico y lo surrealista. Es cine más allá del cine. Ver una película suya supone un desafío. Partamos de que el cine no es para Svankmajer otra cosa que una disciplina estética más dentro de las muchas que, en su condición de artista afiliado al surrealismo militante, cultiva con igual dedicación. Esto supone ya una postura en gran medida incomprensible para quienes suelen considerarse cinéfilos.

Censurado y perseguido por el estalinismo en su país, el multiartista se propone mostrarnos en este film las dos Checoslovaquias. Le escisón antes y despues del stalinismo y una critica muy focaultiana a las instituciones. Para ello toma elementos de un cuento de Edgar Alan Poe (El método del Doctor Trapaza y el Dr. Alquitrán) y la vida y obra del Marqés de Sade. Siguiendo las desventuras grotescas del joven protagonista, injustamente encerrado en un sanatorio mental, nos plantea una historia de horror y humor negro llena de anacronismos, erotismo, sarcasmo y, sobre todo, pesimismo.

En palabras del propio Švankmajer: "la civilización se ha convertido en una máquina económica que avasalla la dimensión espiritual del hombre. El dinero es Dios y la manipulación es una costumbre social. Sílení es una película que trata sobre la libertad y sobre la dificultad de ese estado de espíritu y del cuerpo. El marqués de Sade representa la libertad absoluta. Pero la película no pretende dar lecciones a nadie. Me niego a reformar la civilización con mi obra. Hace ya mucho que renuncié a esa responsabilidad."

Descargar la pelicula con subtitulos en español y portugués. Hay que descomprimir el archivo al bajarlo.

Apuntes para una historia del fascismo en la Argentina: del golpe del ‘30 a hoy

Nazion, de Ernesto Ardito (Argentina, 2011)

La ideología del nacionalismo católico inspiró y justificó el terrorismo de Estado en Argentina a través de la asociación entre la Iglesia católica y los militares. Leopoldo Nacht, un hombre de 84 años que vivió la persecución y la desaparición de sus amigos en la Dictadura, investiga en archivos inéditos para impedir que fragmentos de esta ideología se reinstalen en las nuevas generaciones. Es su legado. Así redescubre a lo largo de la historia del siglo XX en Argentina, los principales crímenes y conceptos de la ultra derecha nacionalista, principalmente anticomunista, antidemocrática y xenofóbica. La doble cara de nuestros próceres de la educación, las acciones de la oligarquía terrateniente, los periódicos nazis argentinos, el arte de los más destacados intelectuales conservadores y la homilías de sacerdotes nacionalistas; son los documentos que dialogan con sus consecuencias materiales: golpes de estado, persecución, tortura, exilios, desapariciones, masacres.

En el año 2007, Leopoldo Nacht, ex miembro del grupo de cine político de los 70’, Cine de la Base, propone a Ernesto Ardito realizar un film sobre el primer Golpe de Estado militar en Argentina, el de 1930. Pero en el marco de la investigación Ernesto encuentra otra historia de fondo: la ideología del nacionalismo católico, la cual inspiró y justificó el terrorismo de Estado a través de la asociación entre la Iglesia católica y los militares. Por lo que el proyecto cambia radicalmente y nace NAZION. Ardito coloca a Nacht delante de las cámaras como alter ego suyo en el proceso de investigación y descubrimiento de archivos ocultos. Se encierra un año entero para montar los materiales encontrados y como resultado surge un ensayo documental sobre la historia de la ideología fascista o de ultra derecha en Argentina. Pero la coyuntura histórica es trascendida por la indagación en conceptos políticos del fascismo que aún persisten y quedaron a fuego marcados en el imaginario colectivo del pueblo argentino. El film fue autofinanciado por el propio realizador, junto a un subsidio de 7 mil dolares del INCAA para la masterización final. En conjunto con la interpretación de Nacht, cuenta con la participación solidaria de Cristina Banegas y Tony Vilas.

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La gente me asusta y el monstruo soy yo

Potestad, de Luis D'Angiolillo (Argentina, 2003)

Un Tato Pavlovsky gigante como siempre, y como siempre multiplicando, adapta su monólogo teatral al cine. A grandes rasgos esta película trata temas muy humanos: humanamente oscuros. Siempre valoré de esta obra/película en especial ese romper con esa moral binaria de lo bueno y lo malo.La tortura se presenta como producción de subjetividad institucional. Diaria, cotidiana, interiorizada como conducta normal, aceptada y valorada.

No debería contar mucho de la película, pero si no lo hiciera tal vez tampoco la verían. En nuestro caso -vimos esta pelicula con muchos amigos todos juntos- nos sorprendió igual a pesar de ya saber de que iba. La vuelta de tuerca de la película es muy grande. Tiene que ver con la ultima dictadura militar y el protagonista es un médico. En apariencia un buen tipo, querido y respetado, se encuentra interprelado constantemente por recuerdos o por una falta de conexion con su realidad: por momentos parece que viviera varios años atrás. La obra original era un monólogo donde el le contaba a una amiga todo lo sucedido de forma diaria por consejo de su psiquiatra. Este tema de la memoria y la dictadura ya habia sido tratado en otras obras de Pavlovsky, como El señor laforgue. Es curiosa la historia de esta obra también. La historia real que llevo a desarrollarla, no su argumento: un médico de la ESMA que sedaba a los prisioneros antes de arrojarlos al río desde un avión tiene un brote psicótico en el '78 y comenzo a contar todo lo que hacia, por lo que los militares lo medicaron psiquiatricamente y lo pusieron a trabajar de administrativo. Así lo conoció Tato, a su vuelta del exilio. Sorprendido de ver a semejante monstruo trabajando apaciblemente y conviviendo con esas memorias. Recomiendo leer esta obra también. Volviendo a Potestad, me parece una obra/película muy necesaria, a pesar de la polémica que en el momento del estreno de la obra (1985).

En palabras de Tato: "El individuo debe ser transformado en un convencido; una vez convencido, ya es voz institucional y produce subjetividad institucional a los demás. Basta un convencido para que todos crean en la eficacia de la verdad institucional. No puede ser sino una estética de la violencia. En algún momento, el represor es violentado para que se logre su sintonía institucional. Puede incluso luchar y desconfiar, antes de ceder. Pero, de esto, nada se habla. Es lucha de subjetividades. Lucha de poderes. El cuerpo del actor, atravesado por esta lucha y su rendición posterior. Definitiva. Ya está “formado”. Allí encontramos al represor en su singular lugar de víctima. El de su ética violada por la institución. El verdadero objetivo, insisto, es analizar la lógica institucional, y no la patología individual del represor. Estética de la multiplicidad."

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El bien más preciado es la libertad

Land and freedom, de Ken Loach (Reino Unido, 1995)

La colomboteca desempolva las estanterías una vez más, esta ves sin demasiado tiempo para escribir así que te lo resumo así nomás: Esta es la historia de David, un muchacho escritor que decide sumarse a las brigadas internacionales durante la segunda guerra civil española. Nos narra su paso por la Barcelona anarquista, que le fascina y describe muy bien en su libro. Luego se suma a un grupo del POUM (Partido Obrero de Unificación Marxista) para luchar en el frente de Aragón, ya que el era miembro del Partido Comunista inglés... pero pero peeeeero... el devenir de la lucha y la influencia progresiva del stalinismo en España le hace ver otra realidad. Al punto de tener que escapar de España como polizón dentro de un barril. Esto ultimo no esta en la película... Esta basada en el libro Homenaje a Cataluña de George Orwell. Y la escena de la asamblea en la comunidad liberada vale toda la película.

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28:06:42:12

Donnie Darko, de Richard Kelly (Estados Unidos, 2001)

Decáda del ochenta. Estamos en el típico pueblo estadounidense del cine yanqui. Prospero. Felíz. Plástico. Superficial. Donnie es un pibe con sintomas de ezquisofrenia. Introvertido. Medicado. Sonámbulo. Una noche en sus paseos nocturnos se despierta en un campo de golf donde ve a Frank -el conejo mas siniestro que hayas visto-, que le dice que faltan veintiocho dias, seis horas, cuarenta y dos minutos y doce segundos para el fín del mundo. A la mañana siguiente Donnie despierta parado al rayo del sol, aún en el campo de golf, con los números escritos en su brazo. Al volver a su casa se entera que en su habitación cayó el motor de un avión. Hubiera muerto si no hubiera sido por su sonambulismo... o si no hubiera sido por Frank.

Con un aire onírico/surrealista a lo Blue velvet de Lynch, Donnie Darko es una de esas películas que hay que ver -y queres ver- un par de veces más. Se entiende y se disfruta diferente cada vez. Viajes a través del tiempo, paradojas temporales, psicología, lenguaje, caos, relatividad y mucha crítica social al status quo y la hipocresía del American Way of Life. Aunque fluida es una pelicula extraña, para ver ir pensando con detenimiento y atando cabos. Aparenta ser una historia aburrida y sencilla y de fondo te quedas un buen rato analizando y dándole vueltas al argumento. Al final seguramente les queden mas preguntas que certezas, pero cuando se la muestren a alguien más y la vean por segunda vez van a a disfrutarla mejor.

La película no fue estrenada en cines, solo estuvo en un par de festivales y pasó directamente a videoclubes. Con el tiempo se convritió en una película de culto y este año la reeditan en calidad 4k. Totalmente de gusto, pero así es el Mercado. Recomendadisima si te gustó Sexto Sentido, Los sospechosos de siempre, El efécto mariposa, el cine de Lynch, o Abre los ojos de amenábar.

Apretá acá para ver la película online subtitulada en pelispedia.

Perro de la calle

Брат (Hermano), de Aleksei Balabanov (Rusia 1997)

Conocí a Balabanov cuando me lo nombraron como "el Tarantino ruso". ¿Que hay de cierto en eso? ¿Con que nos encontramos en las películas de este tipo? No vamos a encontrar el ritmo y la estructura a la que estamos acostumbrados de una pelicula yanqui, ni demasiadas referencias a la cultura pop occidental. Eso sí: mucha violencia, ambientes de la mafia o el bajo mundo, algo de humor, y cierto aire a lo Kaurimaski y Kitano. Paren rotativas... ¿entonces? ¿De donde vendría esta comparación? Así llegamos a la película que nos toca:

Danila acaba de volver a su pueblo natal después de participar en la Primera Guerra de Chechenia y que ahora parece tener sólo una preocupación: la música. Sin trabajo y sin intenciones de conseguir uno, su madre lo envia a San Petersburgo con su exitoso hermano Viktor a que encamine su vida. Contrario a lo que su madre espera, Danila al llegar decide vagar por las calles, por disquerias. Conocer a una punkie. Convivir con unos linyeras alemanes que viven en un cementario... y de a poco intuimos su verdadera naturaleza. Tal vez no fue solo un empleado administrativo en el ejército. También vemos como su hermano en realidad es un matón a sueldo...

Brat -Hermano- es la película que dió renombre al director, una biografía bañada en sangre. Balabanov fué soldado en la guerra de Afganistán. En sus películas no hay muertes cinematográficas ni autos que explotan con una bala, sino un naturalismo crudo hasta en sus películas mas comicas. Pienso en su "Ruleta rusa", otra película del director, una suerte de versión rusa de Snatch: cerdos y diamantes. En sus películas retrata con veracidad los tiempos previos y posteriores a la Perestroika y a la caída de la URSS. Los años noventa. Un ambiente de incertidumbre, de cambios. Gran parte de los ex combatientes de la guerra de Afganistán comenzaron a trabajar para mafias o para la policía. La Rusia post URSS y post guerra contra Chechenia. La Rusia de las mafias, de los jóvenes que empezaban a abrazar la cultura extranjera porque sí, tal vez por aburrimiento o rebeldía. Posiblemente por pura alienación. La Rusia capitalista.

Esto es cine de autor. Balabanov tambien filmó adaptaciones de Beckett y Kafka. Su última película antes de morir en 2012 es comparada con Stalker de Tarkovsky. En sus películas suele haber bandas de sonido de dos o tres temas de postpunk ruso que se repiten constantemente, llegando a arruinar la poesía de películas como Cargo 200. Aún así, es un director que vale la pena. Me vi seis películas del tipo, muy dificiles de conseguir.

Hermano es muy particular, con un ritmo mas bien lento si pensamos en películas de crímen hollywodeenses -estamos ante cine ruso, no lo olvidemos-. Lo mas seguro que es despues de ver la película queden cebados y se vean la dos. Voy a intentar ponerla acá también. En esa segunda parte, filmada en el año 2000 despues del éxito de la uno, Danila viaja a Estados Unidos y la mitad de la película transcurre en Gringolandia.

De acá podes bajarte la película. La contraseña es: HmB79

De acá podes bajarte el subtítulo. La calidad es lo mejor que pude conseguir, en youtube esta en HD con un buen contraste y balance de blancos, pero sin subtitulos.

Acá también dejo la segunda parte: Брат 2 (Hermano 2). Esta se ve en Vimeo online subtitulada y con mejor calidad.

woo! woo! el sonido de la gorra!

La haine (El odio), de Mathieu Kassovitz (Francia, 1995)

Paris. 1995. La ciudad es una olla a presión explotando al ritmo de burnin' and lootin' de Bob Marley. Todo un barrio de los suburbios parisinos se enfrenta a la policía y prende fuego la comisaría. El saldo: un manifestante gravemente herido, y un arma de la policía perdida. Binz, Saïd y Hubert -un judío, un árabe inmigrante y un boxeador amateur negro respectivamente- son tres pibes del barrio que recapitulan lo sucedido y reflexionan sobre la violencia, con opiniones encontradas. Durante todo el film vemos como se suceden muchas situaciones cotidianas con una chispa que vuelve a prender fuego la olla: Vinz es quien encontró el arma de la policía, y si su amigo que esta internado muere hará ojo por ojo matando a un policía. El odio genera más odio, al menos eso es lo que su amigo Hubert -el imponente árabe boxeador- le dice para disuadirlo.

Esa es la premisa de esta película. Excelente por donde se mire, con un guión muy sencillo pero muy bien ideado. Con muchos matices para hacernos pensar una problemática muy abarcativa. Sorprende que el director sea Mathieu Kassovitz mas conocido -¿?- como el coleccionista de fotos de Amélie.

Aprieten aca para ver la película online.

Tiene el subtitulo, pero tal vez necesiten insistir apretando play hasta que se terminen las publicidades.

Tierra y libertad

Queimada, de Gillo Pontecorvo (Italia, 1969)

A mediados del siglo xix, Sir William Walker -Marlon Brando- es enviado por Gran Bretaña a una colonia portuguesa en las Antillas. Su misión es sublevar a los esclavos negros contra el gobierno colonial blanco y convencer a los propietarios de las plantaciones de que se unan al levantamiento. Esto les dara importantes beneficios económicos al tener el control total de las cosechas de caña de azucar. Todo, claro, evitando que el levantamiento se convierta en una revolución social como ocurrió en Haití. Walker conoce en las calles a José Dolores. Ve en el el gérmen de una revolución, y conspira para que suceda aunque jugando a dos puntas según la conveniencia de la Corona Británica.

William Walker realmente existió, fué un filibustero estadounidense, aunque el personaje de la película no lo refleja fielmente y solo esta inspirado en él. Por esta época estaba en auge en los Estados Unidos la Doctrina del Destino Manifesto. Por voluntad divina, la Nación tiene como destino crecer y expandirse conquistando a otros países vecinos y de centroamérica también. El auténtico Walker conformo una pequeña milicia e intervino por ejemplo en una revuelta social en Nicaragua, logrando usurpar la presidencia de ese país.

Con banda de sonido del gran Ennio Morricone, Pontecorvo junto a un brillante Marlon Brando sabe captar la esencia de la lucha por la libertad, y es una buena forma de acercarse a lo que es el origen del capitalismo asalariado. La abolición de la esclavitud implicó para Gran Bretaña la colonización económica de estos nuevos Estados-Colonia liberales y la formación de una clase obrera asalariada con estos nuevos hombres "libres". Porque como José Dolores nos dice: "Si un hombre te da libertad, no es libertad. Libertad es algo que conseguis por vos mismo". Veanla y presencien la lucha por la libertad de los esclavos de la isla. Porque en esta lucha esperanza es palabra de blancos.

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Bela Lugosi esta muerto

Låt den rätte komma in (Dejá entrar al correcto), de Tomas Alfredson (Suecia, 2008)

Estocolmo. Principios de los ochenta. En los suburbios desolados la nevada marca una noche muy fría. Oskar es un pibe de doce años que deambula solitario por las noches en su barrio. Sus padres viven discutiendo. Es victima del bullying todos los días. Fantasea en los arboles que asesina con un cuchillo a sus agresores. Oskar también tiene una nueva vecina -Eli, de su misma edad- que lo observa en patas y desabrigada como apuñala árboles.

Eli en realidad es un vampiro de mas de 200 años, que fué castrado y convertido a sus doce años. Tomando la identidad de una niña, convive con un pedófilo a quien convenció de que asesine por ella y les traiga su sangre para sobrevivir. Pero esta no es otra película de vampiros. La atmósfera carga mucha tensión y suspenso, centrada en las desventuras de Oskar y su violencia reprimida, su coleccion de recortes de la sección homicidios de los diarios, su vida sin sentido. Un grito de soledad sin eco en el crudo y desolado invierno sueco. Una atmósfera realista que recuerda a The addiction de Abel Ferrara. otra gran vuelta de tuerca a los vampiros de la pantalla grande.

Difícil de clasificar en un género, el film esta excelentemente actuado. La música, el ritmo, todo lleva a un clima sórdido cautivante. El título hace referencia a que un vampiro no puede ingresar a una casa a menos que sea invitado por el dueño. El escritor de la novela afirmó que lo tomó de una canción de Morrisey, de quien es fanático.

Esta es la historia de Oskar y Eli. Las noches en los suburbios son muy frías. Pero los corazones fríos tienen valor y determinación.

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El día que el dolar murió

Countrymen, de Dickie Jobson (Jamaica, 1982)

Countryman existió. Tal vez no de la manera que lo retrata la película, pero es el mismo quien actúa. Aunque su nombre era Edwin Lothan, despues de trabajar en esta película paso a ser su apodo. Cabe aclarar: esto no es una biografía.

En esta película Jamaiquina seguimos a Countryman, un pescador marginal que vive en una cueva junto al mar de lo que la naturaleza le da en el día a día. Ni bien comienza la película ve un avión estrellarse y rescata a dos sobrevivientes que vienen de la "grande Babylon" como diría Manu Chao. Inmediatamente la selva se llena de militares buscándolos. Pero todo el argumento es solo una excusa para retratar el clima sociopolítico de los setenta en la isla. La forma en que se vive en los lugares mas humildes. El rastafarismo. La magia negra. La educación. Y muchos detalles que la trama tan sencilla nos deja observar con cuidado.

Edwin "Country man" se roba la película con su magnetismo. A grandes rasgos me contaron que se escapó de su casa a los 6 años y se dedicó a pescar. Era un atleta, como vemos en la película, pero también una persona muy inteligente y espiritual, con muchos conocimientos. El periodista de la Rolling Stone que hizo la primer cobertura sobre Bob Marley lo conoció, y contaba que el tipo manejaba un lenguaje mas poético que correcto, en la línea mas pura de la tradición oral.

Tal vez la película jamaiquina mas conocida sea The harder they come, basada en hechos reales y protagonizada por Jimmy Cliff. Countryman no se queda atrás. Filmada por el ex manager del entonces recientemente fallecido Bob Marley, es dedicada a su memoria con una banda de sonido mix entre temas de Los Wailers y Lee Perry. Repetimos: esto no es una biografía, aunque si un buen retrato cultural de la Jamaica rural de los 70.

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Los cronocrimenes

Los cronocrimenes, de Nacho Vigalondo (España, 2008)

Esta es una película independiente española de suspenso y ciencia ficción. Es un ejemplo a lo Robert Rodriguez de como una muy buena idea se puede hacer con poco presupuesto y lograr una buena película.

Héctor llega un día a su casa donde su esposa le espera. Se sienta en su jardín y con unos largavistas ve una imagen bizarra: una mujer desnudandose que y de pronto parece estar muerta. Decidido a investigar termina desencadenando una serie de eventos que tienen que ver con alguien que quiere asesinarlo, una casa misteriosa en el medio del bosque con una máquina del tiempo y consecuencias finales horribles.

No puedo contar mucho más porque es de esos filmes que uno tiene que ir desentrañando y descubriendo a la par que el protagonista. Buen suspenso, muy rápida de ver y muy entretenida.

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Tarantino presenta: sus clones

Thursday, de Skip Woods (Estados Unidos, 1999)

Hubo una epoca entre el 2001 y el 2005 que Cinecanal de madrugada sorprendía con muy buenas películas. Ahí vi 1984, La serpiente y el arco iris, La naranja mecánica y muchas otras joyas. Supongamos que quien laburaba ahí se ponía una película para el mismo o algo asi. Nunca lo sabremos. Pero este fué el caso de Jueves.

Siempre digo que esta es casi una película de Tarantino aunque sin las referencias a la cultura popular, y con un humor mucho mas serio y negro. Vemos como Casey, un arquitecto recibe a un viejo amigo que no ve hace muchos años. De esos amigos queridisimos, tanto que te dejan un maletín lleno de cocaína para que empiecen a caerte sicarios y asesinos de todo tipo a buscarlo. Algo muy oscuro se esconde en el pasado del protagonista. Una mención especial merece el cameo de Micky Rourke, ya casi en su etapa post alcoholica retomando algun que otro papel en películas independientes.

Si te gusto Pulp fiction, Perros de la calle, Scorcese, De palma o Kitano etc etc etc... ni la pensés, mira ya esta película. Y de los clones de Tarantino hay muchos mas en Colomboteca

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